La librería
2017
Duración 115 min.
País España
Dirección Isabel Coixet
Reparto Emily Mortimer, Patricia Clarkson, Bill Nighy, Honor Kneafsey, James Lance,Harvey Bennett, Michael Fitzgerald, Jorge Suquet, Hunter Tremayne,Frances Barber, Gary Piquer, Lucy Tillett, Nigel O'Neill, Toby Gibson, Charlotte Vega,Nick Devlin
Premios y Festivales
Premios Goya: Mejor película, dirección y guión adaptado. 12 nominaciones
Premios Feroz: 3 nominaciones, incluyendo Mejor director
Premios Gaudí: Mejor dirección artística y Mejor música original. 12 nominaciones
Festival de Berlín. Sección Oficial. Proyección Especial (Fuera de competición)
Premios Platino: Nominada a mejor película, dirección, guion y música
Nota de la directora
“Leí la novela de Penelope Fitzgerald hace casi diez años, durante un particularmente frío verano en las Islas Británicas. La lectura del libro fue una verdadera revelación: me sentí totalmente transportada al año 1959 y me creí verdaderamente ser, de algún modo, esa inocente, dulce e idealista Florence Green. De hecho, lo soy. Me siento profundamente conectada a este personaje como nunca me he sentido con los protagonistas de mis anteriores películas.”
La gente corre riesgos todos los días. Gryes, pequeños, peligrosos o seguros: y la mayoría de ellos pasan desapercibidas. Pero, ¿qué pasa cuyo NO pasan desapercibidas? ¿Y eso cómo refleja el mundo actual que todos habitamos?.
Hay algo heroico en el personaje de FLORENCE GREEN, algo simple y familiar. Ella se está aventurando, por ningún otro motivo que el del deseo de abrir una librería. No le importa ni busca tener el apoyo de su entorno. Simplemente pone empeño y resolución. Como resultado, Florence Green no pasa desapercibida.
Y es ahí donde la cosa se pone interesante. Esta mujer tranquila, en un pueblo tranquilo, en un Suffolk, Inglaterra de posguerra muy tranquilo, es una llamada a todos a madurar y responsabilizarse de hacer que la vida sea mejor para todos nosotros. Es una alegoría para el segundón antes de que hubiera nadie que le animara o que lograra que creyera en sí mismo. Florence no es la persona que suele ir en cabeza. Hay otros que desempeñan ese papel, y no les gusta que se lo usurpen. En realidad, las acciones de Florence ilustran la pasividad de sus líderes sociales, y por lo tanto atraen su ira. Pero Florence tiene agallas: no afloja, ni siquiera tras varios avisos.
Florence representa tantos mundos que me interesan como cineasta- es una mujer con una visión - una visión que no comparte todo el mundo en su pueblo. Florence está haciendo algo nuevo. Ve una oportunidad de llenar un vacío. No hay ninguna librería en su pueblo. El orgullo desmedido de Florence radica en su creencia de que este es un pueblo que desea una librería tanto como ella cree que la desea. Corre un riesgo, y algunos de sus coetáneos tomarán medidas extremas para bajarle los humos. Florence se enfrenta a la poderosa élite social sin darse cuenta ni tan solo de que lo ha hecho. Florence recibe apoyo de la vieja Guardia, o el "verdadero" liderazgo en su pueblo, pero ¿es suficiente? A mí me recuerda a la primera serie de coches eléctricos. Ella es una vocecita con una idea gigantesca. Mientras que los poderes en contra de Florence son las personas agresivas en la autopista que siempre quitan al conductor más lento de en medio, y los triunfos de ella son esas tardes preciosas en las que somos testigos de su arresto.
En el texto original, hay una referencia constante al poder del mar, la mención de humedad o moho en una casa, y de la conveniencia general de un espacio interior basada en su capacidad de mantenerse seco. Esto se traduce casi a la perfección en el estado de las mentes de nuestros personajes. Me encanta el desafío de mostrar a Florence como una bocanada de aire fresco desafío las ideas enmohecidas de su pequeño pueblo. Su rival social, la señora Gamart, es la reina del moho - utiliza al gobierno enmohecido saturado de papeleo para obstaculizarle el camino a Florence, sigue inyectyo el carácter mohoso y pegajoso de Milo North en el entorno de Florence y persiste, aunque no puede vencer, no hasta que encuentra un escondite en la estructura física de la librería.
El equilibrio de esta película radicará en las capas de las varias escaramuzas que Florence deberá superar en su pequeña sociedad. Dichas escaramuzas suman todas las batallas y dichas batallas componen la guerra.
Mientras somos testigos de cómo se establece, y de las decisiones que toma para seguir adelante, también debemos ver la onda expansiva de esa gota en el estanque y cómo afecta a los que la rodean. Y aunque Florence no gana la guerra, deja una impresión en unas pocas personas que pueden o no tener que asumir fuertes acciones en sus propios futuros.
Al final queda el dulce dolor sordo de la inevitabilidad. Los fuegos de la resistencia necesitan oxígeno para sobrevivir. El agua sigue fluyendo y, como el moho logra introducirse en una estructura y derribarla, se lleva la historia. Cada byo debe estar alerta para mantenerse. La guerra contra Florence no da lugar a nada tan impactante. Todos volvemos a ser humanos, llenos "de sonido y furia." Florence pierde su batalla, pero ¿habrá inspirado a la siguiente generación de guerreros?.
Mi misión es demostrar que, en efecto, Florence nos ha inspirado a todos a luchar por las causas justas.
Isabel Coixet
Motivación cultural de la autora y los productores
La Librería, es una película basada en el libro homónimo de Penelope Fitzgerald, una tragicomedia sutil, que narra la historia de Florence, una mujer que se encara a un enorme desafío: tratar de construir y mantener una librería en un pequeño pueblo inglés. La historia narra las dificultades y los obstáculos con los que Florence se va encontró: la ignorancia, la envidia, y la falsa moral de un pueblo que acabará irremediablemente con su sueño.
El argumento de la historia es casi una parábola sobre el peligro y las dificultades que hoy en día corre el mundo de la literatura y de la palabra escrita al enfrentarse a una sociedad burocrática, inculta e ignorante que se mueve por el dinero y la envidia. Si la palabra escrita tal y como la conocemos desaparece, desaparecen todos los valores culturales, sociales y de conocimiento que ello conlleva. Todos hemos visto en nuestra ciudad como las librerías de toda la vida van desapareciendo engullidas por la maquinaria de una sociedad que parece no necesitar los libros. Esta película pone el punto de mira en esta desaparición incesante, silenciosa y definitiva cuyas consecuencias son tan graves y catastróficas como la desaparición de la biblioteca de Alejandría.
La película también es un alegato a la libertad de expresión y un ataque directo a todos aquellos ejemplos de ignorancia y censura. La publicación de una edición del famoso libro de Nabokov: Lolita, será la excusa perfecta para intentar hundir la librería de Florence, dejó en evidencia la moral inequívocamente hipócrita que demoniza y condena cualquier alegato que no reafirme el discurso de su falsa y controladora moral. En definitiva, la película también es un canto a la libertad de expresión y la pluralidad de opiniones y enfoques.
Además de estos valores, el film también narra la lucha personal de Florence. Una especie de Ave Fénix que intentará reconstruirse así misma después de la muerte de su marido. Un personaje femenino, fuerte, inteligente y maduro que se mueve con y gracias a las emociones y que intentará por todos los medios levantar un negocio cultural simplemente como gesto de amor hacía la persona perdida, sin esperar otro tipo de compensación que la espiritual. Sus antagonistas en cambio querrán arrebatarle su proyecto simplemente para crear otro que esté por encima del suyo y que consiga fama y dinero. Esta lucha es una representación de algo que ocurre hoy en día demasiado a menudo, donde la cultura no promueve las obras artísticas que valen la pena sino todas aquellas obras que con su oportunismo o espectacularidad son rentables y dan un montón de beneficios económicos. Una vez más, dio la espalda a la posibilidad curativa, regenerativa, educativa e insondable que tiene la cultura y el arte por sí mismas.
Este largometraje respira por cada uno de sus poros amor por la literatura y los libros. Un amor puro y eterno por la lectura que debería transmitirse de generación en generación. Es por eso por lo que la protagonista, aunque pierde en su empeño, al final es capaz de transmitir esa pasión a Christine, una niña que representa el futuro de un mundo que no debería dar la espalda a los libros. ¿Quién sino puede preservar la existencia de la literatura sino las nuevas generaciones que a priori no tienen ningún interés por ella? La literatura y la novela está en manos de los que ahora son jóvenes y está en nuestras manos educarles para que no den la espalda a la palabra escrita. La película tiene un desenlace optimista y afín a esta idea y acaba con una secuencia regenerativa donde al final la cultura se transmite de generación en generación y construye un mundo mejor. Lo que justifica que Christine sea la narradora en VO en llamamiento al público juvenil y sea ella misma quien transmita esos valores a la nueva generación social. Además, el hecho de que un personaje de su edad sea un secundario importante en la película puede atraer a este sector del público a las pantallas.
Biografía de Ixabel Coixet
ISABEL COIXET comenzó a hacer películas cuyo le regalaron una cámara de 8mm por su primera comunión. Tras licenciarse en historia de los siglos XVIII y XIX por la Universidad de Barcelona, se dedicó a la publicidad y la redacción de anuncios. Ganó muchos premios por sus spots y finalmente fundó su propia productora en 2000, Miss Wasabi Films. En 1988, Coixet realizó su debut como guionista / directora con Demasiado Viejo Para Morir Joven, que le supuso una candidatura a los Goya al premio de Mejor Director Novel.
Realizó su primera película en inglés en 1996 que tituló Things I never told you. Este emotivo drama, con un reparto de actores estadounidenses encabezado por Lili Taylor y Yrew McCarthy, le valió a Coixet su segunda propuesta a los Goya al mejor guión original. Coixet se asoció entonces con una productora francesa y en 1988 volvió de nuevo a un guión en español para realizar la aventura histórica A Los Que Aman.
El éxito internacional llegó en 2003 de la mano del drama intimista My Life Conout Me (Mi Vida Sin Mí), una cinta basada en un relato corto de Nancy Kincaid donde Sarah Polley encarna a Ann, una joven madre que decide ocultar a su familia que tiene un cáncer terminal. Esta coproducción hispano-canadiense fue muy elogiada en el Festival Internacional de Cine de Berlín. Coixet continuó trabajando con Polley en una nueva cinta, The Secret Life Of Words (La Vida Secreta De Las Palabras) en 2005, también protagonizada por Tim Robbins y Javier Cámara. La película fue premiada con cuatro Goyas: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Producción y al Mejor Guión.
En 2005, Coixet se sumó a otros 18 prominentes cineastas internacionales entre los que destacan Gus Van Sant, Walter Salles y Joel y Ethan Cohen para el innovador proyecto colectivo Paris, Je T'aime, en el que cada director exploraba un distrito de la ciudad de París. Coixet también ha realizado destacados documentales de temas de gran importancia como Invisibles, una selección de Panorama para el Festival de Cine de Berlín de 2007 sobre Médicos Sin Fronteras y el documental Viaje Al Corazón De La Tortura que se filmó en Sarajevo durante la guerra de los Balcanes y ganó un premio en la edición de octubre de 2003 del Festival de Cine de los Derechos Humanos.
En 2008 se estrena Elegy, rodada en Vancouver y producida por Lakeshore Entertainment, basada en la novela de Philip Roth The dying animal, con guión de Nicholas Meyer y protagonizada por Penélope Cruz y Ben Kingsley, Elegy fue presentada en el 58º Festival Internacional de Berlín.
En el 2009 estrena en la selección oficial del Festival de Cannes la película Map Of The Sounds Of Tokio, rodada entre Japón y Barcelona, y protagonizada por Rinko Kikuchi, Sergi López y Min Tanaka, con guión de la misma Isabel Coixet. El mismo año inaugura From I to J en el Centre D'Art Santa Mònica una instalación-homenaje a la obra de John Berger. En 2009 recibe la Medalla de Oro en las Bellas Artes además de formar parte del jurado de la 59 edición del Berlin Film Festival.
En 2010 se encarga del contenido de una de las tres salas del Pavellón español de la Exposición Universal de Shangai. Además inaugura la exposición Aral. El mar perdido dentro de la cual se muestra el documental que lleva el mismo título, rodado en Uzbekistan durante el 2009.
En 2011 estrena dentro de la sección Berlinale Specials del Festival de cine internacional de Berlin el documental Escuchando al Juez Garzón donde da voz al magistrado a través de una entrevista con el escritor Manuel Rivas.
En 2012, rodó y produjo su proyecto Ayer No Termina Nunca, que se estrenó en la Sección Panorama de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Berlín, así como la apertura del Festival de Cine de Málaga el mismo año, ganó cuatro premios. Ese mismo año rueda Mi Otro Yo (Another Me), una producción inglesa escrita y dirigida por ella y con Sophie Turner, Rhys Iphans y Johnatan Rhys Meyers en el molde.
Entre 2013 comienza el rodaje de Aprendiendo a Conducir en Nueva York protagonizada por Sir Ben Kinglsey y Patricia Clarkson. Se estrenó en el Festival de Cine de Toronto y ganó el Grolsch People's Choice Award.
Su próximo proyecto fue Nadie Quiere la Noche, rodada entre Noruega, Bulgaria y España. Fue protagonizada por Juliette Binoche, Rinko Kikuchi y Gabriel Derne. La película abrió la 66 edición del Festival Internacional de Cine de Berlín.
Isabel, todavía interesada en filmar documental para denunciar las injusticias en todo el mundo, tira en 2014 en Chad un documental narrado por Juliette Binoche, Hablando de Rose. Prisionero de Hissène Habré. La pieza relata la experiencia de un grupo de víctimas de la tortura en su lucha por llevar al ex dictador de su país frente a la justicia.
En 2015 recibió el prestigioso premio del Ministerio de Cultura francés "Caballero de las Artes y las Letras".
En el año 2016 rodó España en un Día (Spain In A Day), una película basada en el documental Life in a Day de Ridley Scott, usó grabaciones que los ciudadanos españoles enviaron a la televisión nacional española mostrando su día a día, sus sueños, sus miedos y sus aspiraciones futuras. Tiene una banda sonora compuesta por Alberto Iglesias y su cartel fue diseñado por el artista Javier Mariscal tras un voto popular.
Filmografía de Isabel Coixet
- 2016 España En Un Día (Spain in a Day ) (documental)
- 2015 Nadie Quiere La Noche (Nobody Wants The Night)
- 2014 Aprendiendo A Conducir (Learning To Drive)
- 2014 Mi Otro Yo (Another Me)
- 2013 Ayer No Termina Nunca (Yesterday Never Ends)
- 2011 Escuchando Al Juez Garzón (documental)
- 2010 Aral. The Lost Sea (documental)
- 2009 Mapa de Los sentidos De Tokio (Map of the Sounds of Tokyo)
- 2008 Elegy
- 2007 Invisibles: segment Letters to Nora (documental)
- 2006 Paris je t'aime: segmento Bastille (Paris je t'aime: segment Bastille)
- 2005 La Vida Secreta De Las Palabras (The Secret Life of Words)
- 2004 ¡Hay motivo!:segmento La insoportable levedad del carrito de la compra
- 2003 Mi Vida Sin Mí (My Life Conout Me)
- 1998 A Los Que aman (To Those Who Love)
- 1996 Cosas Que Nunca Te Dije (Things I Never Told You)
- 1989 Demasiado Viejo Para Morir Joven (Too Old to Die Young)
- 1984 Mira y Verás (Look y See)
Dijo la crítica:
“De libros y soledades. Esta película habla de esas sensaciones. Y lo hace con un lenguaje, unos matices, un tono y una capacidad de sugerencia que conmueven.”
Carlos Boyero: Diario El País
“Maravillosa película de Coixet que produce momentos de cine acorazado de emoción.”
Oti Rodríguez Marchante: Diario ABC
“Pulcra, meticulosa y también muy delicada adaptación. Un precioso homenaje a los libros, al deleite que provocan y al conocimiento que trasmiten.”
Beatriz Martínez: Diario El Periódico
“Una peli´cula vibrante, cargada de emoción y tambie´n de esperanza.”
Mirito Torreiro: Fotogramas
“Su trasfondo subversivo, encarnado por las buenas actuaciones de Emily Mortimer y Bill Nighy, es lo que la hace verdaderamente interesante.”
Jonathan Holland: The Hollywood Reporter
Candelaria
2017
Duración 87 min.
País Colombia
Dirección Jhonny Hendrix Hinestroza
Reparto Manuel Viveros, Alden Knigth, Verónica Lynn, Philipp Hochmair
El atelier
2017
Duración 114 min.
País Francia
Dirección Laurent Cantet
Reparto Marina Foïs, Matthieu Lucci
Los orígenes del proyecto
Todo empezó con un reportaje realizado en 1999 para France 3 en el que había colaborado Robin Campillo, mi coguionista, cuando era montador para televisión. Una novelista inglesa dirigía un taller de escritura en La Ciotat. Era una idea de "Mission Locale" para que una decena de jóvenes escribieran juntos una novela con la única condición de que transcurriera en la ciudad.
Pensamos en la película entonces. La Ciotat aún no se había repuesto de lo que significó el cierre del astillero, oficialmente en 1987-88, aunque muchos obreros lo ocuparon durante años para impedir su cierre definitivo. En el documental, los jóvenes tenían una relación algo nostálgica, pero viva, con la cultura obrera de la ciudad. Se consideraban los herederos de recuerdos que se convirtieron en el tema del libro.
Abandonamos el proyecto. Decidí desempolvarlo diecisiete años después, convencido de que esta historia obrera equivalía a la prehistoria para los jóvenes actuales. Han oído hablar de la lucha de sus padres, desde luego. Viven cerca del astillero, de lo que queda de él, después de ser reconvertido para la reparación de yates. Pero desde que la ciudad decidió transformarse en un complejo turístico costero, ha vuelto la espalda al astillero. No es más que un decorado grandioso que nadie se molesta en mirar.
La película plasma la mutación radical de una sociedad, de una cultura que, empujada por crisis económicas y políticas, ya no se acuerda del mundo tal como era y tal como les gustaría seguir viéndolo a "los viejos". Los jóvenes del taller de escritura dejan claro que no quieren pertenecer a una historia que ya no puede ser la suya. Se enfrentan a problemas totalmente diferentes. Deben encontrar un lugar en un mundo que no les tiene en cuenta, sienten que no controlan lo que pasa a su alrededor, ni siquiera su vida. Están frente a una sociedad violenta, desgarrada por apuestas sociales y políticas de lo más inquietante: precariedad, terrorismo, ascenso de la extrema derecha.
Trabajar con actores jóvenes
Al acabar la primera versión del guión, hicimos un casting "a lo bruto" en centros deportivos, de teatro, salida de institutos, bares... Conocí a varios cientos de jóvenes de la zona entre los que seleccioné a los actores. Posteriormente organicé un "taller" de dos semanas con la idea de alimentar la película con sus experiencias y personalidades. Las escenas se enriquecieron progresivamente. En otras palabras, nunca memorizaron su papel, se metieron en él. Los intercambios que surgieron en ese momento preparatorio modificaron la escritura.
En mis películas siempre intento dar bastante espacio a los personajes para que vayan más allá de lo que se les ha asignado. Como cineasta, y como espectador, sólo puedo sentirme cerca de un personaje si es lo suficientemente autónomo como para salirse de la mera necesidad del guión. Por eso me empeño en rodar todas las escenas con varias cámaras de principio a fin, sin interrupciones. Sólo así surgen cosas, de vez en cuando, que no estaban previstas.
Por ejemplo, la discusión entre Boubacar y Antoine no formaba parte del guión, pero Matthieu Lucci (Antoine) sintió que en esa situación, su personaje debía explotar. Todos nos quedamos de piedra cuando se levantó de un salto, dispuesto a atacar a Boubacar. La cámara no le siguió y hubo que volver a empezar. Otro "incidente" generado por este método: Matthieu, después de leer el texto de despedida, dice: "Ya está, adiós". Tampoco estaba escrito, pero en ese momento sintió que debía hacer un gesto teatral. Se me llenaron los ojos de lágrimas. Estas cosas no ocurren si se trabaja con plano y contraplano, cada uno con su diálogo y movimientos estudiados. Es un método que ofrece autonomía a los actores, les facilita estar en la lógica de la escena, del personaje, y no sólo en la lógica de la película.
Marina Foïs es Olivia: El otro mundo
Primero pensé en recurrir a una actriz extranjera, como la novelista que dirigió el primer taller hace años. Lo interesante de esa opción era magnificar la distancia entre dos mundos que se miran. Pero renuncié porque el personaje de la escritora debía hablar muy bien francés para poder responder a los comentarios de los jóvenes. Escogí a Marina Foïs porque estaba convencido de que sabría hacerse cargo de la separación, que tenía la elocuencia necesaria para imponerse y que era capaz de hacer todo eso con ligereza, sin gravedad, algo que me parecía indispensable. Es la única actriz profesional entre los personajes principales. Se sumió totalmente en el papel durante el rodaje; aprovechaba las pausas para pedir a los jóvenes que le hablaran de sus experiencias, para preguntarles qué pensaban sobre ciertos temas, pero también contestaba a todas las preguntas que le hacían. Los jóvenes tenían hacia ella un doble sentimiento: la cercanía que se crea en un rodaje debido a la proximidad, pero también un cierto respeto porque la conocían como actriz y porque representa un cine que les gusta. El hecho de ser una actriz conocida se convirtió en un elemento importante de la puesta en escena haciendo eco en el personaje de Olivia, una novelista conocida que ejerce atracción y crea cierta distancia con los jóvenes del taller de escritura.
Matthieu Lucci es Antoine
Es un chico alucinante. Un día me confesó lo mucho que odiaba al personaje de Antoine, pero que también lo quería, y eso le dolía. Estaba dispuesto a todo, incluso a atreverse con mis propuestas más difíciles, empezando por las agresiones racistas hacia Malika. Matthieu es capaz de enfrentarse a cinco o seis personas con una convicción total, hasta el punto de que si en ese momento había alguien que no le conocía, se sentía obligado a decir: "No, pero estaba interpretando".
Un taller de escritura
Con este taller, no sólo deseaba mostrar el recorrido hacia la escritura, sino sobre todo el difícil esfuerzo que representa pensar conjuntamente y ponerse de acuerdo. Es decir, una dinámica de trabajo con tensiones, callejones sin salida, compromisos y soluciones intermedias.
Me interesa mucho ver que la educación siempre acaba siendo una especie de formateo, de orientación que lleva a los que se forman a interesarse por cosas que no les conciernen directamente. No digo que no sea tan inevitable como eficaz, pero me parece importante que las personas encargadas de la educación sean conscientes de lo que pasa. De hecho, es lo que Antoine, el personaje central de la película, le reprocha a Olivia: ha venido de París con una idea preconcebida de lo que deben escribir.
Filmar la palabra
Si creemos que los jóvenes ya no saben hablar, es porque no les damos la oportunidad de expresarse. Para mí, esta era la apuesta de hacer una película con ellos. Durante los ensayos, me quedé atónito ante la densidad de los intercambios, la capacidad de encontrar palabras para defender sus ideas y también el placer que sentían al jugar con los diferentes niveles del idioma. Por eso, Olivia se atreve a transgredir códigos que ellos respetan cuando emplea expresiones como "se te pone dura", algo inadmisible para Antoine, que pierde los estribos a pesar de estar dispuesto a escucharla.
El taller de escritura no es un drama en torno a la fragilidad lingüística. El fallo reside más bien en la ideología. Cuando Antoine intenta explicar alguna cosa, se contradice, es confuso. Olivia también se contradice, pero lo hace con brillantez porque va mejor armada ideológicamente. Hay una violencia que genera ganas de plantar cara. No cabe duda de que es una de las preguntas a las que urge contestar: ¿cómo encontrar un terreno de juego común?
El predicador de extrema derecha
Está basado en todas las webs de la esfera facha a las que recurren muchos jóvenes. El discurso en torno a la "inmunidad" tiene cabida aquí. En realidad, es un "collage" de todo lo que dicen los representantes de la extrema derecha, una mezcla de xenofobia y de populismo en un discurso antipolítico, antimundialista, antisistema... Un discurso que tendemos a calificar de caricaturesco por ser tan previsible, pero que no deja de ser eficaz, como bien sabemos.
Me interesaba explorar la confusión de Antoine, su indecisión, a través de este discurso. Antoine carece de un ideal y de una ideología que le guíen. Solo espera que ocurra algo que dé cierta consistencia y sentido a su vida. Lo dice en el texto de despedida: "Habría podido disparar a alguien con tal de que ocurriera algo".
Las contradicciones de Antoine
Antoine no se siente cómodo en ningún sitio. Su primo no le convence completamente; si sigue a la banda en sus excursiones nocturnas, es más por diversión que por convencimiento. En el taller pasa lo mismo; puede que se entregue más que cualquier otro participante, pero tampoco llega a integrarse, como lo demuestran sus provocaciones y contradicciones.
Necesita al colectivo, pero nunca lo sigue completamente porque no está a la altura o porque nota los límites del grupo. De hecho, es una constante en mis películas: la contradicción entre el deseo de encontrar un lugar en el grupo y la imposibilidad de encajar totalmente; entre las ganas de colectividad y la necesidad de independencia. Puede que sea una contradicción mía que reflejo película tras película. Mi conclusión no tiene nada de original; todos somos, como Antoine, sociópatas muy sociales. Olivia lo descubre: "No es fácil ayudarte". Lo que sólo aumenta su interés por el adolescente. Debe reconocer su propia impotencia: la de una "militante de izquierdas" que ya no sabe cómo actuar ante aquellos que se sienten ignorados por ser jóvenes, pobres, parados, y a la que le duele en el alma ver cómo algunos se agarran a las soluciones milagrosas de la extrema derecha.
Al igual que muchos otros, Antoine se ve como un representante antisistema con quien cualquier charla parece condenada al fracaso. Lo que Olivia diga solo servirá para reforzar su estatus de miembro del sistema: "La gente como usted". La película intenta mostrar esta fractura entre dos personajes trabados por su impotencia.
Pero lo más inquietante de Antoine, al menos para mí, es su dificultad en diferenciar entre la violencia literaria, a la que se puede dar rienda suelta en una novela negra, y la violencia real, de la que no duda en defender la legitimidad o, al menos, la posibilidad. "Se pasa el día escribiendo historias de asesinatos, ¿e intenta decirme que nunca ha tenido ganas de matar a alguien?", le pregunta a Olivia, que se queda atónita.
La turbación entre Olivia y Antoine
No quería que fuese una apuesta, más bien una posibilidad. Es una sensación subyacente cuando Antoine sigue a Olivia y a su editor o cuando, sin camisa, mira fotos de Olivia en el ordenador. También cuando Olivia ve el perfil de Antoine en Internet, o cuando entra en su cuarto y él está medio desnudo. Lo que realmente me interesaba es que cada uno encarnara otro mundo. Olivia es una mujer refinada, sabe hablar, sale en la tele. Antoine es un joven que se ha ejercitado para tener un cuerpo esculpido, como muchos jóvenes hoy en día, entregándose a un narcisismo que parece ser ideal y permitirle mantenerse en pie.
Una mirada a la juventud actual
Quizá suene un poco banal, pero creo que el aburrimiento es la fuente de muchos de los problemas de esta generación, sobre todo si se asocia con la ausencia de perspectivas. Tengo la sensación de que cada vez hay más jóvenes convencidos de que su destino está escrito y no coincide con sus esperanzas. Además, ¿cómo puede uno conservar el entusiasmo, la energía necesaria para controlar su vida? Es más, ¿para qué intentarlo si se les repite todo el santo día que, pase lo que pase, no saldremos de esta?
Cuando empezamos a escribir el guión, la gran noticia era que las cifras de alistamiento en el ejército crecían de día en día. El clip que mira Antoine (auténtico clip producido por el ejército francés) utiliza el código de los videojuegos; saben a quién se dirigen y ofrecen una aventura, quizá la única disponible para muchos. Algunos jóvenes de La clase ya lo pensaban e ingresaron en el ejército o en la policía. Es casi la única salida para muchos jóvenes; una forma de demostrar su fidelidad y de ser buenos franceses.
De la novela negra a la película negra
Al igual que en El empleo del tiempo o Foxfire quise dar un toque de "thriller" a la película. Es mi manera de despistar, de alejarme de lo programático que pueda ser un film. Los códigos del thriller permiten subir de nivel preguntas importantes: las ganas de vivir en otro mundo, la frustración, la violencia contenida... Pero también suscita emociones violentas: quería que se pasara miedo tanto por ella como por él.
Imágenes a diferentes niveles: Videojuegos en pantalla de ordenador en formato Scope
La mezcla me atraía mucho: películas de aficionados de botaduras en la gran época de los astilleros, Skype, páginas de Facebook, un antiguo documental sobre La Ciotat obrera y un clip actual del ejército francés... Pero también quería añadir imágenes de videojuegos que ocupan un lugar central en la vida de los personajes. El caballero errante con el que empieza la película es el protagonista del juego "The Witcher". Conseguimos el permiso para mostrar unos minutos: me permitía dibujar al personaje de Antoine, su necesidad de evasión. Para Antoine, el videojuego colma una auténtica necesidad de libertad, de vagabundeo.
Los videojuegos también son colectivos. Cuando lucha contra el dragón, está en línea con otros con los que debe interactuar. Asocié estas imágenes al texto que lee Etienne, que también trata de la lucha colectiva, de solidaridad. Esta yuxtaposición no es una casualidad, pero espero que no se entienda como una nostalgia reaccionaria o un discurso moralizante tipo "se tiene el colectivo que uno se merece". Ojalá se note el placer que le produce el videojuego; para él es un camino hacia lo imaginario, una forma de construirse a sí mismo.
El scope permite filmar un rostro y, a la vez, el entorno de dicho rostro. También es una forma de alejarse de un código puramente naturalista porque, culturalmente, nos lleva a la idea del gran espectáculo, del paisaje inmenso. Y era importante para esta película. Antoine se mueve entre dos polos; el del taller de escritura y el de la cala. Quería mostrarle en el centro de la naturaleza, en ese lugar mineral, aplastado por la luz y el calor, con el único ruido de las olas. El scope era perfecto para eso.
Es verdad que conozco la región; vivía en Marsella cuando estalló el conflicto social en La Ciotat después del cierre del astillero. Los huelguistas se manifestaban en el puerto cada viernes por la mañana. Hacía tiempo que deseaba filmar en estas localizaciones, y no me refiero sólo a lo que queda del astillero, sino al mar y a las calas. Y hablando de esto, mi agradecimiento a Sony, que inventó una cámara que permite rodar a 16.000 ASA. En la escena nocturna del final, es realmente la luz de la luna. Si el realismo parece extraño, es porque este tipo de luz es totalmente inédito, no corresponde a las noches que acostumbramos ver en cine. Estas escenas nacieron de mis recuerdos, cuando de joven paseaba por las calas las noches de luna llena. Por fin una cámara permite restituir la sensación de la piedra blanca, de la luz, de estar literalmente en la luna.
La película pertenece a una realidad muy actual
Empezamos a escribir el guión poco tiempo después del atentado en Charlie Hebdo, y nos lanzamos a una nueva versión pocos días después de los atentados del 13 de noviembre de 2015 en París. Estábamos en pleno ensayo cuando lo de Niza. Nos pasamos la mañana con Matthieu Lucci (Antoine) hablando del atentado, de ahí la necesidad de sacarlo en la película, era algo que les dolía realmente. En otras palabras, todo se hizo con la urgencia de pensar desde otras perspectivas, no limitarnos a lo que nos proponen o prometen: el nacionalismo, los deseos de guerra.
Un epílogo feliz
Pocas veces he sentido un bloqueo tan grande como hoy en día. Quizá por eso, y de forma paradójica, he querido que la película tuviera una salida más alentadora. Antoine podrá despegarse porque encontró en el taller un espacio donde pudo reflexionar un poco. De todos los participantes, probablemente sea el que más cambiado saldrá del taller. Ese es el sentido del epílogo, pero tardé mucho en convencerme de que fuera útil añadirlo. Al embarcar en un carguero, por fin decide controlar su vida, suelta amarras, tanto en el sentido propio como en el figurado.
Filmografía de Laurent Cantet
2017 - EL TALLER DE ESCRITURA
Festival de Cannes - Una Cierta Mirada
2014 - REGRESO A ÍTACA
Festival de Venecia - Premio Jornadas de los Autores
2012 - FOXFIRE
Festival de San Sebastián - Sección Oficial – Concha de Plata a la Mejor Actriz (Katie Coseni)
7 DÍAS EN LA HABANA (segmento “La fuente”)
Festival de Cannes - Una Cierta Mirada
2008 - LA CLASE
Festival de Cannes - Palma de Oro
César al Mejor Guion
Premios Espíritu Independiente - Mejor Película Extranjera
Nominada al Oscar a la Mejor Película Extranjera
2006 - HACIA EL SUR
Festival de Venecia - Sección Oficial a Concurso
2001 - EL EMPLEO DEL TIEMPO
Festival de Venecia - Premio Don Quijote
Festival Internacional del Nuevo Cine de Montreal – Loba de Oro
1999 - RECURSOS HUMANOS
César a la Mejor Ópera Prima
Festival de San Sebastián – Mejor Director Novel
1997 - LES SANGUINAIRES (Televisión)
1995 - JEUX DE PLAGES (Cortometraje)
1993 - TOUS À LA MANIF (Cortometraje)
Los actores del taller de escritura
- MARINA FOÏS (Olivia)- "El interés de este taller es poder escribir acerca de vuestra ciudad, de vuestro entorno más inmediato".
- MATTHIEU LUCCI (Antoine)- "¿Por qué vendría una escritora como usted a perder el tiempo con nosotros?".
- WARDA RAMMACH (Malika)- "Mi abuelo me contó muchas cosas. Por ejemplo, cuando decías que eras de La Ciotat, lo decías con orgullo".
- ISSAM TALBI (Fadi)- "¿Qué pasa, no te gusta esto? Venga, abre los ojos. Está el río, las calas; hay sitios preciosos".
- FLORIAN BEAUJEAN (Étienne)- "Ya escribía mucho antes del taller. Para mí es una gran oportunidad estar cerca de lo que quizá haga después".
- MAMADOU DOUMBIA (Boubacar)- "¿Escribir acerca del astillero? Me parece complicado, ni siquiera había nacido entonces".
- JULIEN SOUVE (Benjamin)- "Sabía que no escribiríamos un superventas, pero mejor esto que mezclar cemento o cablear".
- MÉLISSA GUILBERT (Lola)- "Escribir una novela... No imaginé que algún día lo haría".
Críticas francesas
aVoir-aLire.com *****
Un retrato radical y sutil de una generación perdida, ¡apasionante!
Femme Actuelle *****
Una película conmovedora y luminosa.
L'Express *****
Cantet, que no deja de lado lo novelesco, da en el blanco, no juzga, no elude nada y descodifica. La sociedad es responsable, pero también lo que hacemos con ella. Apasionante, aterradora.
L'Humanité *****
Taller o laboratorio, confinamiento de soledades u horizontes marítimos, pero siempre la feroz voluntad de un proyecto común.
Libération *****
Cantet sigue inventando un cine que va más allá de todo mensaje o tesis, y que no se deja atrapar en ninguna red ideológica. Es un cine alegremente político.
Marianne *****
Uno de los retratos más apasionantes de la Francia contemporánea que se haya visto recientemente en la gran pantalla.
Positif *****
El excepcional retrato de un grupo anclado en la realidad. Un cuadro inquietante, aunque luminoso, de una juventud enfrentada a un destino escrito carente de perspectivas.
Sud Ouest *****
Télérama *****
Una juventud a la que se debe escuchar sin juzgar, como hace Laurent Cantet.
Voici *****
Una mirada inteligente y sensible.
20 Minutes ****
Reconozcámoslo, Marina Foïs está perfecta.
Bande à part ****
Más que intensa. El sol mediterráneo abrasa. Las frustraciones pesan. El determinismo social planea. Laurent Cantet transforma este relato naturalista en una epopeya íntima y fulgurante.
Culturebox - France Télévisions ****
Una película de aprendizaje, de iniciación, que rivaliza con lo mejor del género.
Le Figaro ****
El realizador invita a la reflexión de forma inteligente y evita la trampa moralizadora.
Le Journal du Dimanche ****
Impresiona la forma única con que Laurent Cantet capta al público inmediatamente gracias a su fuerza narrativa y a su feroz voluntad de autenticidad.
Le Nouvel Observateur
Se reconoce el toque del coguionista Robin Campillo en una película de una gran perspicacia política.
Studio Ciné Live ****
Un espléndida película que jamás se hace grandilocuente. La juventud francesa tiene un portavoz.
Télé 2 semaines ****
Poderosa, conmovedora.
Télé 7 Jours ****
Una reflexión justa y apasionante en torno a la juventud francesa.
Críticas internacionales
VARIETY
El cautivador regreso de Laurent Cantet (...) El actor novel Matthieu Lucci es un descubrimiento asombroso.
THE HOLLYWOOD REPORTER
Una historia intensa y realista con penetrantes interpretaciones.
SCREEN
Un retrato de asombrosa veracidad de la juventud francesa actual.
THE GUARDIAN ****
Fragmentos rebelados
2009
Duración 90 min.
País Argentina
Dirección David Blaustein
El reencuentro
2017
Duración 124 min.
País Estados Unidos
Dirección Richard Linklater
Reparto Steve Carell, Bryan Cranston, Laurence Fishburne, J. Quinton Johnson,Yul Vázquez, Deanna Reed-Foster
Cuando los veteranos llegan a la base de la Fuerza Aérea de Dover en Delaware, donde se han enviado los restos, se encuentran con el mejor amigo del joven marine, el cabo Charlie Washington (J. Quinton Johnson), quien pone en duda la historia oficial de cómo Larry Jr. murió. Aturdido por las noticias, Doc decide enterrar a su hijo cerca de la casa familiar en Portsmouth, New Hampshire. Acompañados por Washington, los tres veteranos escoltan el ataúd en un tren hacia el norte, debatiendo sobre la existencia de Dios, recordando sobre su servicio en Vietnam y revelando un oscuro secreto que aún acecha a cada uno de ellos. Después de una parada en la ciudad de Nueva York, los hombres visitan a la madre de un camarada caído en Boston, luego continúan hasta la ciudad natal de Doc, donde Sal y Mueller acompañan tristes a Doc mientras se despide de su hijo por última vez.
Una road movie reflexiva del director nominado al Oscar Richard Linklater (Boyhood, 2014), La última "bandera rebosa humor, melancolía y arrepentimiento al examinar el efecto duradero de las decisiones tomadas en el crisol de la guerra".
Sobre la producción
El guionista y director Richard Linklater todavía recuerda sus primeras impresiones tras leer la novela de Darryl Ponicsan "Last Flag Flying", publicada en 2005. "Inmediatamente pensé: ¡Guau, esto puede ser una gran película!", dice el cinco veces nominado al Oscar. "En ese momento, la guerra en Irak ya era un desastre y el libro decía mucho sobre estos ecos de Vietnam en relación con ella. Eso realmente me impactó. Pero sobre todo fueron estos tres personajes, Doc, Sal y Mueller. Amaba a esos muchachos y quería excavar en sus vidas para crear un retrato de tres veteranos de Vietnam de mediana edad".
Linklater intentó adaptar el libro para la gran pantalla en 2006. Pero esa versión temprana, establecida en 2005, no funcionó. "El momento no era el correcto", recuerda Linklater. "La cultura en aquel entonces no estaba lista para lidiar con la Guerra de Irak, que estaba sucediendo frente a nosotros sin un desenlace claro. Cuando piensas en la historia de las películas de guerra, las mejores suelen llegar años más tarde, cuando las personas finalmente están listas para comenzar a examinar lo que sucedió. Cuando quedó claro que la película no iba a arrancar en ese momento, recuerdo haber hablado con Darryl y decirle: "Rodaremos esta película, tranquilo".
Linklater y Ponicsan finalmente revisaron "Last Flag Flying" hace un par de años, reelaborando el guión de manera significativa. "Recuerdo haber pensado: en lugar de perseguir eventos actuales, podemos abrazarlo como una película de época; podemos establecerlo en diciembre de 2003 en el momento en que atrapan a Saddam Hussein'", dice Linklater. "Pensamos que la gente podría recordar ese momento, por lo que basaría la historia en una especie de realidad compartida, que se remonta a la intención original del libro".
Ponicsan, quien sirvió en la Marina en la década de 1960, es también el autor de "The Last Detail (El último deber)", la base de la aclamada película de 1973 del mismo nombre, protagonizada por Jack Nicholson, el fallecido Otis Young y Randy Quaid como oficiales de la Marina que aprovechan al máximo un viaje por carretera de camino a la prisión. Aunque Ponicsan concibió "Last Flag Flying" como una secuela del libro anterior, el guión revisado se desvía significativamente de la novela, sobre todo en el eje central de las experiencias compartidas de los personajes en Vietnam.
Cuando se le preguntó si era o no una secuela, Linklater dijo: "La respuesta corta es no. Pero es una pregunta lógica porque el libro en el que se basa nuestra película en realidad es una continuación del libro "The Last Detail". El proceso de adaptación ha sido un largo viaje, pero donde hemos llegado es a, creo, un lugar único. Si la película se hubiera rodado en 2005 o 2006, podría haber sido más parecido a una secuela. La película no ocurrió en aquel entonces, pero en lugar de desaparecer, simplemente se quedó, como la guerra misma. Tan grandes personajes no iban a desaparecer".
Armado con el nuevo guión, Linklater se acercó a Ted Hope, el productor de cine independiente (21 Gramos, In the Bedroom, American Splendor) que ahora dirige la producción cinematográfica de Amazon Studios. "Conozco a Ted desde hace mucho tiempo, así que lo llamé, le envié el guión y le dije: creo que ha llegado el momento de esta historia. Creo que nuestra cultura está lista para examinar los orígenes de nuestra guerra en Irak y cómo se sintió durante este período posterior al 11 de septiembre, con la paranoia y la constante duda sobre qué demonios estaba pasando. Sentí que la historia sería más oportuna ahora y Ted estuvo de acuerdo".
Con el respaldo de Amazon Studios asegurado, Linklater y su equipo se enfrentaron al desalentador desafío de elegir a Doc, Mueller y Sal. "Empecé a imaginar a los actores actuales que tendrían la edad adecuada para estos personajes", dice Linklater. "Tuvimos mucha suerte porque hay muchos y buenos actores en ese rango de edad".
El don de Linklater para ensamblar actores perfectamente calibrados ha sido un sello distintivo de sus películas ya desde su clásica obra Movida del 76 y continuó a través de la trilogía "Antes de..." o el drama familiar rodado durante 12 años Boyhood. Su instinto demuestra una vez más con El Reencuentro estar en forma, cuando reunió a Steve Carell, Bryan Cranston y Laurence Fishburne para interpretar a los compañeros de guerra.
"Steve, Laurence y Bryan son tres tipos muy divertidos, pero cada uno tiene su propio sentido del humor y una vibración diferente", dice Linklater. "Sus personajes eran como hermanos hace 30 años, así que queríamos explorar lo que se siente en la edad madura cuando retrocedes en el tiempo".
Llamando a Steve Carell
Steve Carell, quien ha hecho la transición de comedias tan duraderas como The Office y Virgen a los 40 hacia una interpretación tan dramática como en la nominada al Oscar Foxcatcher o en el éxito de 2015, La gran apuesta, aprovechó la oportunidad para profundizar en un proyecto dirigido por Linklater. "Richard es un gran director, así que ese fue el cebo", dice Carell. "Y luego, cuando supe que Laurence Fishburne y Bryan Cranston se unían, pensé que sería genial trabajar con ellos. ¡Era una oportunidad única!.
El guión también fue un gran atractivo para el actor. "La historia que Richard escribió con Darryl fue muy conmovedora y única hasta el punto en que realmente no pienso en que esto sea una película de guerra per se", dice Carell. "Lo veo como una película de relaciones. Es un viaje por carretera. En cierto modo, podría ser una película de reunión universitaria, porque se trata de estos tipos que no se han visto en 30 años, y vuelven a estar juntos debido a este trágico evento. Tienen que volver a examinar sus relaciones, volver a examinar quiénes son ahora, cómo conectan o no conectan 30 años después. Para mí, la guerra es realmente un telón de fondo para las vidas de los tres personajes, me pareció fascinante".
Para prepararse para el papel, Carell consultó con su padre, un veterano de la Segunda Guerra Mundial. "Nunca serví en el ejército, así que cuando asumí el papel de Doc, hablé mucho con él", dice el actor. "Recuerdo historias que me contó acerca de estar en el servicio y la conducta de sus compañeros soldados, y la sensación de miedo. Cuando éramos niños, mi padre nunca nos habló de esos detalles. Él restó importancia a sus experiencias porque no quería que nos afectara de manera negativa. Fue increíblemente humilde con respecto a las cosas que hizo. Pensé mucho sobre eso mientras leía el guión y me preparaba para retratar a mi personaje. Quería entender por lo que pasaron estos muchachos".
Dotando a su personaje de una discreta determinación, Carell lo ve como el "hermano pequeño" de Sal y Mueller. "No tengo la misma actitud que estos otros dos tipos, pero me tomaron bajo su protección en Vietnam", dice el actor. Como se revela en el transcurso de la trama, Doc asumió la responsabilidad y pasó dos años en una prisión naval por un crimen cuyas consecuencias aún persiguen a los tres. Eso fue entonces. Ahora, dice Carell, "Doc es bastante apacible, callado, contemplativo. Disfruta de una vida sencilla, valora a su familia y eso se ha convertido realmente en el núcleo de su existencia".
Aunque Linklater nunca antes había trabajado con Carell, siguió de cerca la carrera del actor y confiaba en poder personificar la fuerza suave de Doc. "He visto a Steve en casi todo lo que ha hecho", dice Linklater. "Además de ser un actor muy bueno, Steve es muy sensible, siempre está pensando. Y su vida interior se lee muy bien en la cámara. En nuestra película, la cámara realmente captó su gran calidad. Desde la primera escena, él tiene una nube encima, de hecho, literalmente llueve y tenemos la cámara moviéndose hacia abajo como si el mundo aplastara lentamente al pobre tipo. Steve aporta tanta humanidad al personaje que realmente nos adentramos en su viaje, que es casi el más difícil que alguien podría estar recorriendo. Como le dije a Steve desde el principio cuando estábamos hablando, esta es realmente la historia de Doc. Es una parte difícil y compleja, pero Steve lo captó a la perfección.
Interpretando a Mueller "El Torturador"
El veterano actor Laurence Fishburne valoró mucho el pedigrí literario compartido de El Reencuentro y El último deber, una película que recuerda con cariño unos años antes de desembarcar en su gran papel en el clásico de Francis Ford Coppola sobre la guerra de Vietnam de 1979, Apocalypse Now. "Una cosa que me atrajo del proyecto tenía que ver con la historia del libro y cómo se relacionaba con el anterior, que era una de esas pequeñas películas peculiares de la década de 1970 con las que crecí", dice Fishburne., quien fue nominado al Oscar por su interpretación de Ike Turner en 1993 en Tina. "También es realmente interesante la forma en que trata las similitudes entre veteranos de dos conflictos diferentes. Tienes a estos tres veteranos de Vietnam, pero también está Washington, un veterano de la guerra de Irak. Para mí, esta película fue una oportunidad realmente interesante para mostrar a qué tienen que enfrentarse las personas que regresan de estos conflictos".
Además de las ideas de la historia, Fishburne esperaba volver a formar equipo con Bryan Cranston, a quien conoció cuando ambos trabajaron en Contagio de Steven Soderbergh unos años antes. "Bryan y yo nos llevamos muy bien, así que la oportunidad de interpretar a un par de personajes que tienen una historia real era algo que simplemente no podía dejar pasar", dice Fishburne. "¡Y luego está Steve Carell! Él es inteligente y hermosamente discreto, particularmente en el drama. Nunca se sabe lo que va a decir o cómo va a salir, pero siempre piensas: ¿Por qué no se me ocurrió a mí?".
Fishburne que es conocido por el público de todo el mundo por su papel como Morfeo en Matrix, tenía una historia de fondo con la que trabajar para desarrollar su retrato de Richard Mueller. Atormentado por la violencia que presenció durante su prolongado período de servicio en Vietnam, Mueller buscó refugio en el alcohol después de la guerra y antes de cambiar su vida y convertirse en el pastor de una pequeña iglesia predominantemente afroamericana. "La transición a la vida militar te cambia", dice Fishburne. "Y si sobrevives a la guerra e intentas volver a la vida civil, eso también requiere un drástico ajuste. Es un viaje realmente complejo".
Fishburne era el único actor que Linklater tenía en mente para Mueller cuando le envió el guión. "Hablamos y él me dijo: Nunca estuve en la Marina en la vida real, pero durante tres años, haciendo Apocalypse Now en las Filipinas, estuve rodeado de un montón de ellos'. Fish ha estado en otras películas militares como Jardines de piedra, y sabe cómo interpretar a los soldados", agrega Linklater. "Por la forma en que lo hace, no dudas ni por un segundo de que Mueller es un veterano".
Fishburne desenmascara sorprendentes facetas de la personalidad de Mueller cuando su imagen de pastor se le escapa después de unas horas en compañía de sus antiguos camaradas. "Cuando estos viejos amigos vuelven a estar juntos, vuelven a los roles que tuvieron durante la guerra", dice Linklater. "Lleva un tiempo, pero Sal va sacando al demonio del reverendo Mueller. Cuando Sal casi los mata en la escena del camión, Mueller lo suelta y lo descarga sobre él. En ese punto, es como si el genio estuviera fuera de la botella. Y para el resto de la película, es como si el marine estuviera en un hombro y el reverendo en el otro. Fishburne hace un trabajo fantástico al permitir que esos conflictos se desarrollen dentro de su propia psique".
Bryan Cranston como Sal
Antes de que El Reencuentro llamara su atención, el seis veces ganador del Emmy Bryan Cranston estaba planeando tomarse un descanso de una agenda repleta que incluía una obra de Broadway ("All the Way"), una serie de televisión ("Sneaky Pete"), películas (The Infiltrator, The Disaster Artist) y un libro de memorias, "A Life in Parts". Pero el atractivo combinado de director, historia y los coprotagonistas resultó demasiado convincente para que la estrella de "Breaking Bad" se resistiera.
El Reencuentro no me encajaba porque estaba deseando no hacer nada por un tiempo", dice Cranston. "Sé que Richard hace películas valientes y audaces, pero quería ver el material porque lo que siempre me convence es la historia misma. A partir de ahí voy al personaje. Aquí estaban todos los componentes. También era un gran admirador de Darryl Ponicsan y "El último deber", así que cuando escuché que Steve Carell y Laurence Fishburne ya estaban vinculados, dije "Sí, esto es genial, hagámoslo".
Cranston trabajó con Linklater para darle cuerpo al personaje de Sal Nealon, un ex marine que se convirtió en un mujeriego propietario de una taberna los años posteriores a la guerra. "Sal es un tipo interesante porque cubre gran parte de su carga emocional con todas estas energías, algunas de las cuales son naturales y otras provienen de varias sustancias", explica Cranston. "Él tiene una fijación oral. Necesita hablar o fumar, comer, beber o masticar, constantemente está haciendo algo".
Sal fue descrito originalmente como un italoamericano con un fuerte acento de Queens, pero con la bendición de Linklater, Cranston sugirió atenuar ese aspecto del personaje. "Le pregunté a Rick si podía ser medio irlandés, debido a que el apellido de soltera de mi madre es Nealon.
La camaradería masculina y el humor alimentan gran parte de la fricción dramática de la película. "Estos no son hombres que van a decirse "te quiero" porque les vale con estar el uno con el otro. No necesitamos abrazar y cosas así. Es más como: "Venga, echemos un trago!" Sal se automedica porque soporta mucho dolor y culpa por su experiencia en la Guerra de Vietnam. No se siente cómodo al revelar sus sentimientos, por lo que los esconde principalmente con alcohol. Él se considera el tipo de persona festiva e independiente, pero en este viaje se abre y descubre que lo realmente importante es la amistad".
Linklater animó a Cranston a dar una interpretación grande y ruidosa que contrasta con la persona silenciosa de Carell. "La gente podría asumir que Steve sería el tipo gracioso y Cranston sería más dramático", observa el director. "Pero aquí Bryan es el loco y divertido macho alfa, mientras que Steve es como el beta. Bryan es un actor camaleónico que realmente se involucra y se pierde a sí mismo en su personaje para convertirse en alguien completamente diferente. Alguien que puede pasar de 'Malcolm in the Middle' a 'Breaking Bad', eso es todo lo que necesitas saber.
Bandera de salida
Antes de que comenzara la filmación, Linklater pasó un par de semanas ensayando en Los Ángeles con Carell, Fishburne, Cranston y J. Quinton Johnson, que interpreta al joven Washington, y Yul Vasquez, que interpreta al coronel Willits. Criado en un pequeño pueblo a las afueras de Dallas, Johnson actualmente interpreta a James Madison en el exitoso musical de Broadway "Hamilton". Ahora con sólo 23 años, Johnson vio su gran oportunidad cuando Linklater lo eligió para la comedia universitaria Todos queremos algo.
"Lo maravilloso de Rick es que su proceso para El Reencuentro realmente no varió del de Todos queremos algo", dice Johnson, quien investigó su papel al pasar tiempo en Austin con un ex marine que sirvió en Irak. "Recuerdo el primer día de ensayo, bajé del avión en LAX, ni siquiera fui a un hotel y ¡bam! allí estaban: Bryan, Steve y Laurence con Rick y un lector, escondidos en este pequeño teatro imaginando escenas. Desde el primer día me pareció muy íntimo. Estos señores, maestros en su oficio, me hicieron sentir a gusto, como si fuéramos contadores tratando de encontrar la mejor historia".
Carell apreció la oportunidad de ensayar antes de la producción. "No he podido hacer eso en mucho, mucho tiempo", dice. "Fue muy divertido sentarme con Richard, Laurence, Bryan y los otros miembros del elenco y revisar el guión".
El director y el elenco colectivamente se burlaron de los puntos clave de la historia, con Linklater facilitando en lugar de micro gestionar el desempeño de cada actor, según Cranston. "Rick es un tipo muy relajado", dice Cranston. "Él no levanta la voz. Es más como si él entrara y dijera: "¿Queremos decir esto o creemos que es mejor decirlo así?". Hay actores que necesitan una dirección práctica específica, Rick no es ese tipo de director mandón. Contrata a los actores que siente que abrazarán su personaje, lo hacen suyo, entran al set y lo presentan de la manera más fuerte posible. Rick hizo ajustes durante el período de ensayo, de modo que una vez que comenzamos la producción, era básicamente: "tomemos ese barco y naveguemos".
El período de ensayo también sirvió como una oportunidad para que los actores principales y Linklater se conocieran entre sí. "Fue genial pasar el rato y conocernos", dice el director. "El ensayo no consistió tanto en ejercicios de actuación como en leer el guión, hacer preguntas, definir el pasado de estos personajes. Todos estos muchachos son súper inteligentes y realmente querían marcar la realidad para cada uno de sus personajes, así que eso es lo que hicimos. También hice mucha reescritura durante ese período en función de lo que los actores estaban planteando".
Rodando en Pennsylvania
El rodaje duró 32 días y comenzó en el otoño de 2016 cuando el elenco y el equipo se reunieron en la base de operaciones de la producción en Pittsburgh. La geografía versátil de Pensilvania sirvió como lugar de reemplazo de Virginia, Delaware, Massachusetts y New Hampshire. "Filmamos en la ciudad de Nueva York y en algunos otros lugares, pero la mayor parte del tiempo estábamos centrados en Pittsburgh como punto de partida para el noreste", dice Linklater. "La gente de Pittsburgh nos recibió con los brazos abiertos. Son muy acogedores y extremadamente amables, por lo que se mezclaron muy bien con nuestro grupo y nos hicieron sentir como en casa. Esa fue mi gran lección de rodaje en Pensilvania".
Linklater y la productora Ginger Sledge contaron con la colaboración de un equipo habitual, entre ellos el director de fotografía Shane Kelly, la diseñadora de vestuario Carrie Perkins y el diseñador de producción Bruce Curtis. "Reunir a jefes de departamentos clave que trabajaron conmigo varias veces hizo que todo fuera mucho más eficiente en la comunicación porque realmente hablamos el idioma del otro", explica Linklater. "Además, sentía que ya había filmado esta película muchas veces en mi cabeza a lo largo de los años".
El segundo acto de El Reencuentro se lleva a cabo principalmente en los trenes, ya que los tres veteranos de Vietnam, junto con el cabo Washington, escoltan el ataúd de Larry Jr. hacia el norte desde Delaware hasta New Hampshire. Sledge contactó con los funcionarios de Amtrak seis meses antes de que la producción comenzara para coordinar las ubicaciones de los trenes. "Soy un ávido usuario de Amtrak, así que conozco muy bien los trenes", dice Sledge. "Fue emocionante hacer una película con muchas escenas de trenes. El representante de Amtrak que se encargaba del cine, los anuncios y la televisión durante 35 años se jubiló, y entró una nueva persona, por lo que nos tomó un tiempo conseguir que todos nuestros planes estuvieran en su lugar. Pero al final, logramos casi todo lo que pedimos".
Kelly, quien filmó la aclamada Boyhood de Linklater en película de 35 milímetros, se cambió a la VariCam de Panasonic para esta. "Es una cámara maravillosa", dice Kelly. "Me hizo la vida más fácil debido a la apretada agenda y el modesto presupuesto. A veces teníamos grandes exteriores nocturnos, así que tuve que aumentar la configuración de ISO para capturar la poca luz. VariCam lo maneja muy bien. También es ideal para tonos de piel y de color mezclados. Hice mucho de eso en esta película, especialmente en las calles de la ciudad, donde tienes mucha luz mezclada. Yo quería abrazar eso".
En contraste con su colaboración anterior con Linklater, en Everybody Wants Some!! con sus tonos brillantes, el toque sombrío de El Reencuentro le ofreció a Kelly un cambio de ritmo vigorizante. "Realmente me permitió oscurecerme y adentrarme en diferentes áreas que no había tenido oportunidad de explorar", dice el director de fotografía.
Linklater modeló la estética visual de la película inspirándose en algunas de sus películas favoritas de los años setenta. "Fue divertido reflejar ese aspecto de esas películas sucias de los 70, ya que nuestros personajes vivieron ese período", dice. "Fue una cosa más en la paleta".
La atmósfera emocional de la película también se refleja en su aspecto, incluida la desolación casi constante del clima. "Esta película tiene una cierta textura, no solo fotográficamente, pero la sensación general, incluido el diseño de producción, tiene este ambiente invernal, con la lluvia y la sensación de diciembre de esta historia", explica Linklater. "Si saliera el sol, pararíamos". La mayoría de las películas son de otro modo: Oh, está lloviendo, está nublado, vamos a un set cubierto. Optamos por lo contrario.
La producción en sí demostró ser un esfuerzo de grupo relajado y colegial. "En el set, Linklater no sólo da libertad a los actores, sino a todo el equipo", recuerda Fishburne. "Nos reuníamos en el tráiler de Richard todas las mañanas durante 20 minutos más o menos y hablamos sobre las grandes escenas del día, leímos el guión y expresamos nuestras ideas. Richard habló con Shane sobre el rodaje. Él nos habló sobre el contenido emocional de la escena, pero en realidad no hizo mucho hincapié. Él confía en su propia habilidad y tiene el mismo tipo de confianza en la capacidad de los demás, lo cual es realmente una buena forma de trabajar. Fue como preparar una gran comida donde recoges los ingredientes más frescos que puedes obtener ese día, y luego vas a la cocina y lo pasas bien".
Ataúdes del día de los veteranos
Una de las secuencias más memorables se rodó en un hangar del aeropuerto de Pensilvania reconfigurado para asemejarse a la base de la Fuerza Aérea de Dover. Como se dramatiza en la película, la instalación de Delaware recibe ataúdes de soldados muertos enviados desde el extranjero y organiza el transporte al Cementerio de Arlington u otros sitios de entierro.
La filmación en el hangar comenzó el 9 de noviembre. "Fue el día después de las elecciones presidenciales, y nunca lo olvidaré", dice Linklater. "Entré en ese set con Bruce y miré cinco ataúdes cubiertos con banderas, y esta enorme bandera estadounidense en la pared. Cuando vi todas esas banderas, realmente sentí la profundidad de esa escena y la tragedia y la sensación de tener a soldados en cajas siendo enviados a casa con sus familias. Hubo momentos como ese durante todo el rodaje en los que comprendes los fundamentos trágicos de la guerra en general y los detalles de esta película: te golpea constantemente".
Cranston también recuerda la sesión de cuatro días que se extendió hasta el "Día de los Veteranos" de 2016. "La primera vez que vimos cinco o seis ataúdes cubiertos con banderas americanas, todos se callaron", recuerda Cranston. "A pesar de que sabíamos que no había nadie en esos ataúdes, actúas y proyectas, por lo que se vuelve real para ti la posibilidad de que haya un ser humano en cada uno de estos cofres. Sirvieron a su país y murieron al hacerlo. Filmar esta escena en el "Día de los Veteranos" realmente embelleció toda la experiencia y nos obligó a todos a preguntarnos: ¿Qué significa esto para mí?".
Fishburne también se conmovió con la secuencia en la que el Coronel Wilits, interpretado por Yul Vázquez (El Infiltrado), no logra disuadir a Doc de abrir el cofre para mirar el cuerpo destrozado de su hijo. "Fue humillante", dice. "Te das cuenta de la enorme deuda que tenemos con todos los hombres y mujeres que sirven en las fuerzas armadas, luchamos en todos estos conflictos diferentes y luego, si todo va bien, regresamos a casa. Quizás estén intactos o tal vez vuelvan a casa un poco rotos. Realmente les debemos una gran cantidad de gratitud, respeto y honor. Creo que es una gran lección y espero que honremos su sacrificio en la forma en que contamos esta historia".
El toque final
Después de que la mayor parte del rodaje se cerrara a finales de 2016, Linklater trabajó con la editora Sandra Adair para darle forma al corte final. "Las actuaciones son de una gran riqueza, así que el desafío realmente tiene que ver con tratar de hacer que la película sea lo suficientemente manejable", dice Adair. "Había mucho material por recorrer, traté de ser muy meticulosa a la hora de sacar el oro de cada toma".
Adair, quien ha trabajado en todas las películas de Linklater desde Rebeldes y Confundidos, ha desarrollado fuertes instintos sobre lo que el director busca en una actuación. "Rick está particularmente en sintonía con las palabras y la forma en que visualizaba a los personajes, así que a eso es a lo que realmente le prestamos más atención", dice el editor. "Está buscando matices que otras personas probablemente no entenderían. Una vez que puedo ver todos los ángulos, generalmente puedo concentrarme en los matices que está buscando. Por lo general, es la última toma, porque una vez que escucha lo que quiere escuchar, sigue adelante. Pero a veces la última toma no funciona con lo que viene antes o lo que viene después. Sólo tienes que encontrar la yuxtaposición correcta entre el rendimiento de un personaje y la actuación de la próxima persona para hacer que todos sientan que están sucediendo en el mismo momento".
Para esta película, Linklater recurrió a su colaborador frecuente Graham Reynolds. El compositor afincado en Austin creó una partitura con sabor a América en consonancia con los sutiles cambios de humor de la película. "Entender la paleta de música exacta siempre es algo delicado", dice Reynolds, que anteriormente proporcionó la música para Antes del anochecer o A Scanner Darkly. "Para El Reencuentro es una paleta relativamente simple. No es tanto manipular a la audiencia en una emoción que no está allí. Se trata más bien de apoyar la emoción que ya está en la escena y potenciarla un poco. En primer lugar, quería encontrar un papel para la música en la película sin estropear la increíble química que este elenco ya tiene".
Después de que Linklater le mostrara unos primeros cortes, Reynolds ideó algunos temas básicos. "Hay un tema amable de viaje por carretera, porque la película incluye ese elemento de una divertida road movie. Pero también hay peso y profundidad, así que tenemos música más oscura para escenas como la de la llegada del ataúd. Y también está este tema íntimo de amistad. Aquí y allá, superponemos estos temas uno encima del otro".
Para enfatizar aún más los matices de elegía de la historia a través de la música, Linklater invocó la sensibilidad del maestro estadounidense Bob Dylan. "Le dije a Graham algunas veces, 'Pensemos: si Dylan estuviera grabando esto, ¿qué haría?'", Recuerda Linklater. "Dylan flotaba en toda esta película. Su música une las dos guerras, Vietnam e Irak. Es de la edad de nuestros protagonistas".
Linklater usó la pista de Dylan "Not Dark Yet" para los créditos de cierre. "Realmente es el sentimiento perfecto y conseguir esa canción fue un gran logro", dice. En otro guiño a la música de raíces americanas, se oye a Levon Helm de The Band mientras Doc supervisa el entierro de su hijo. En la secuencia culminante, se puede escuchar a Helm cantando "Wide River to Cross". "Mi editor Sandy Adair fue el que sugirió esa canción", dice Linklater. "Levon ofrece una voz tan anhelante que me di cuenta de que este era el camino a seguir".
Una road movie agridulce
Recordando su papel como el afligido padre que dirige la narración, Carell toma nota de los momentos más ligeros de la película. "Cuando oyes la temática de El Reencuentro, suena bastante oscura, pero también hay muchas cosas divertidas", dice Carell. "Richard se esfuerza mucho para no golpear a las personas en la cabeza con la moraleja de la historia. Él tiene un toque ligero y todos querían que el comportamiento se sintiera correcto y honesto. Ese es el tipo de veracidad que estábamos buscando".
Esa yuxtaposición de humor y tragedia es algo que Linklater ha tocado en películas anteriores. "De alguna manera es mi visión del mundo", dice. "Veo la vida como una comedia oscura donde siempre que hay algo triste hay algo de humor en la parte superior. En el nivel más básico, me encantan estos personajes, solo quería verlos cobrar vida a través de este conjunto".
Una exploración de la amistad forjada en tiempos de guerra y atemperada por el paso del tiempo, El Reencuentro, como muchas de las películas del director, desafía al público a sacar sus propias conclusiones. "Personalmente, tengo cosas que decir sobre la guerra, podría ser muy didáctico, pero sentí que esta película no era el lugar para eso", dice Linklater. "Espero que la gente reaccione a esta película en muchos niveles diferentes porque hay muchas cosas que procesar: una nación que va a la guerra, las nociones de sacrificio y lo que eso significa para nuestra cultura y nuestro mundo. Me siento cómodo lidiando con todo eso en una escala humana. Creo que siempre que puedas hacer que la gente piense sobre estos temas, vale la pena hacer una película como esta".
Distant Sky: Nick Cave & The Bad Seeds Live in Copenhagen
2018
Duración 135 min.
País Reino Unido
Dirección David Barnard
PLOEY
2018
País Islandia
Dirección Árni Ásgeirsson
Rampage: Devastación
2018
País Estados Unidos
Dirección Brad Peyton
Reparto Dwayne "The Rock" Johnson, Jeffrey Dean Morgan, Malin Akerman,Joe Manganiello, Naomie Harris, Marley Shelton, Jake Lacy, Jack Quaid,Breanne Hill, Matt Gerald, P.J. Byrne, Destiny Lopez, Jason Liles, James Sterling,Michael David Yuhl, Allyssa Brooke, Daniel Craig Baker, Anthony Collins,Laura Distin, Giota Trakas, Mac Wells, Pete Burris, Brad Spiers
Para empeorar más las cosas, pronto se descubre que existen otros animales con la misma alteración. Cuando estos depredadores alfa recién creados arrasan Norteamérica destruyendo todo lo que se interpone en su camino, Okoye se une a un ingeniero genético sin prestigio para conseguir un antídoto y se abre paso en un cambiante campo de batalla, no sólo para frenar una catástrofe mundial sino para salvar a la aterradora criatura que una vez fue su amigo.
Verdad o reto
2018
País Estados Unidos
Dirección Jeff Wadlow
Reparto Lucy Hale, Tyler Posey, Violett Beane, Nolan Gerard Funk, Hayden Szeto,Sophia Taylor Ali, Landon Liboiron, Aurora Perrineau, Sam Lerner, Brady Smith,Carlo Sciortino, Tom Choi, Tim Neff, Morgan Lindholm, Omar Leyva
Lucy Hale (Pretty Little Liars) y Tyler Posey (la serie "Teen Wolf") encabezan el reparto de TRUTH OR DARE, un thriller sobrenatural de Blumhouse Productions (Feliz día de tu muerte, ¡Huye!, Fragmentado).
Dirigida por Jeff Wadlow (Kick-Ass 2), coprotagonizan el thriller Violett Beane, Hayden Szeto, Landon Liboiron, Sophia Taylor Ali and Nolan Gerard Funk. Jason Blum, de Blumhouse Productions, se encarga de la producción y Wadlow, Chris Roach, Jeanette Volturno and Couper Samuelson son los productores ejecutivos.
No hay comentarios:
Publicar un comentario