Necronomicón
2017
Duración 90 min.
País Argentina
Dirección Marcelo Schapces
Reparto Diego Velázquez, María Laura Cali, Victoria Maurette, Nicolás García,Claudio Ferraro, Claudio Martínez Bel, Claudio Da Passano, Cecilia Rossetto,Daniel Fanego, Federico Luppi
Un viaje a la Luna
2017
Duración 87 min.
País Argentina
Dirección Joaquín Cambre
Reparto Angelo Mutti Spinetta, Leticia Brédice, Luis Machín, Germán Palacios,Ángela Torres, Luca Tedesco
La maldición de la casa Winchester
2018
Duración 99 min.
País Australia
Dirección Michael Spierig, Peter Spierig, The Spierig Brothers
Reparto Helen Mirren, Jason Clarke, Sarah Snook, Angus Sampson, Emily Wiseman,Laura Brent, Tyler Coppin, Dawayne Jordan, Jeffrey W. Jenkins, Thor Carlsson,John Lobato, Xavier Gouault, Jeff Lipary, Finn Scicluna-O'Prey, Homero Lopez
BS Films presenta WINCHESTER en asociación con Eclipse Pictures, presentada por Screen Australia en asociación con Screen Queensland y Film Victoria, producida por Blacklab Entertainment y Imagination Design Works, dirigida por los hermanos Spierig (Saw VIII, Predestination) y protagonizada por la ganadora del Premio de la Academia® Helen Mirren (Enemigo invisible, La reina), Jason Clarke (Mudbound, El planeta de los simios: Confrontación) y Sarah Snook (Steve Jobs, Predestination). La película está escrita por Tom Vaughan y los hermanos Spierig. Tim McGahan (Predestination) y Brett Tomberlin son los productores de la película. Los productores ejecutivos son Benedict Carver (Enemigo invisible, Maps to the Stars), Daniel Diamond (Enredadas... pero felices!, Criminal activities), Tobin Armbrust (La dama de negro) y Michael Burton. El director de fotografía es Ben Nott ACS (Predestination, Daybreakers). El diseñador de producción es Matthew Putland (Predestination, Goldstone). El montaje de la película corresponde a Matt Villa ASE (Predestination, El gran Gatsby). La diseñadora de vestuario es Wendy Cork (Predestination). La música corresponde a Peter Spierig (Predestination). El director de cásting es Leigh Pickford (Predestination, Asesinos de élite), de Maura Fay Casting.
"... por orden de una viuda de luto..".
La leyenda
¿Es la verdad más extraña que la ficción? Para los maestros del terror Peter y Michael Spierig (Saw VIII, Predestination), la oportunidad de escribir y dirigir un thriller de hechos sobrenaturales, inspirado en una historia real más extraña que nada de lo que nunca habían imaginado, se presenta una vez en la vida. Lo que concibieron los gemelos australianos es el inquietante testimonio de un enigma histórico que nunca puede explicarse por completo sobre una creadora tan desconcertante como su creación.
Más que un mero nombre, WINCHESTER es un formidable ícono en el tiempo. Sarah Winchester (la ganadora del Premio de la Academia® Helen Mirren) llegó a formar parte de un imperio de las armas que cambiaría el curso de la Historia estadounidense. Conocida como "el arma que conquistó el Oeste", el fusil de repetición Winchester - el arma de una sola mano más mortífera de su época - sería asimismo el factor decisivo para las fuerzas de la Unión durante la Guerra Civil americana. Le granjearía una espectacular fortuna a la Winchester Repeating Rifle Company (Compañía de Fusiles de Repetición Winchester). Y Sarah Lockwood Pardee, una recién llegada que se casó con el Winchester que inventó dicho fusil, adquiriendo su apellido, se convertiría en la titular del 50 por ciento de las acciones de la compañía y la heredera de una vasta fortuna cuando enviudó. Su patrimonio de 20 millones de dólares de entonces equivaldría hoy a cerca de 500 millones de dólares.
Todo un legado que debe entenderse como beneficiario de un invento que mató a miles de personas... ¿un mero daño colateral por el precio del éxito? Con el tiempo, se estima que aquel fusil se cobró 8 millones de vidas... y aún sigue aumentando la cifra. Eso supone un montón de espíritus enfurecidos.
Para Sarah resultaba demasiado difícil dormir por la noche con ese creciente recuento. Y así, la inestable espiritista abandonó su Connecticut natal por la desconocida California y comenzó su propio recuento - añadiendo 500 inexplicables habitaciones a una casa de campo de 8 habitaciones en San José, las cuales servirían como tumbas de expiación para aquellos que habían sido asesinados por el rifle. Ella sola se constituiría en arquitecta y guardiana de este mortuorio de espíritus - la casa más embrujada de la historia -, un portal infernal para cualquier Winchester vivo contra el que dirigir su ira.
En la película, las vidas de Sarah, su sobrina Marion (Sarah Snook) y el hijo de 8 años de Marion, Henry (Finn Scicluna-O'Prey), están en juego. Sarah tiene una sola opción: encontrarse con los muertos en la zona cero mediante la recreación de sus versiones susurradas de cómo perdieron la vida.
El consejo de administración de la compañía teme tener a una paciente de duelo patológico moviendo los hilos del dinero. El consejo ejerce su derecho a que ella sea examinada, con la esperanza de que prueben su demencia. Pero Sarah elige al examinador...el Dr. Eric Price (Jason Clarke) de San Francisco es la única opción.
"¿Cree Usted en los fantasmas, Doctor?" ...Sarah Winchester
Los hermanos Spierig se unen al proyecto
"Ésta es una historia de fantasmas. Una historia de fantasmas en una casa embrujada. ¿Qué la hace única? Se basa en una persona real. Hay una casa real que todavía existe y todavía está muy viva. Una situación real. Un relato, un episodio histórico, con muchas connotaciones modernas además. Estos espíritus atormentaron a Sarah Winchester a causa a aquella arma, un invento real. ESTO trata sobre la mujer real que heredó una fortuna debido a ello", afirma Peter Spierig.
Una mujer, añade su hermano gemelo y colaborador Michael, que "siempre se sintió como una mujer fuera de su época". Casada con William Wirt Winchester, se incorporó a la familia Winchester y a la Winchester Repeating Rifle Company pero "perdió a William y a su única hija Annie, de seis meses, y pasó buena parte de su vida lamentando su pérdida. Fue a visitar a una vidente que le dijo que estaba siendo acosada por todas las personas que fueron asesinadas a manos del fusil Winchester", cuenta Michael. "Siguiendo las indicaciones de la vidente, se mudó a California donde compró aquella pequeña casa de campo y se gastó la mayor parte de su fortuna en construir esta vasta mansión sólo para comunicarse con los espíritus asesinados por el arma".
"La veíamos como una persona atormentada por el legado de esta arma... una mujer inteligente y de pensamiento progresista a la que se ha malinterpretado como una loca". Ése fue el atractivo que vieron los hermanos Spierig para involucrarse en WINCHESTER. Según recuerda Michael, su participación comenzó en 2012. "Lo que ocurrió al principio fue que leímos un guión en Sony. Se llamaba THE WINCHESTER MYSTERY HOUSE (La misteriosa mansión Winchester), escrito por Tom Vaughn y con Brett Tomberlin como productor. Dijimos, ¡suena fantástica esta casa! Así que la visitamos. Peter y yo nos enamoramos de la casa, hicimos el conocido recorrido turístico por ella - es una gran atracción turística. Nos unimos al proyecto y trabajamos en el guión durante unos dos años, desarrollando ideas, investigando y regresando a la casa continuamente. Incorporamos entonces a Tim McGahan que cerró un acuerdo con los productores ejecutivos Benedict Carver y Daniel Diamond y empezamos a preparar el reparto de la película. Una vez se sumó Helen Mirren se abrieron las puertas al resto: Jason Clarke y Sarah Snook, Angus Sampson, Bruce Spence, Eamon Farren -todos estos maravillosos intérpretes se unieron y eso fue una auténtica alegría.
"Helen consolidó la película". Los hermanos habían colaborado anteriormente con el productor McGahan en su película Predestination. Pero, señala Peter, su historia juntos se remonta a mucho más atrás. "Sexto curso. ¡Se remonta hasta sexto curso! Acudimos a él y le dijimos, 'vamos a pensar cómo hacer otra juntos'. Tim ayudó a sacar adelante WINCHESTER". McGahan añade, "¡aquí estamos resumiendo mucho! Hemos trabajado juntos en anuncios de televisión y ésta es nuestra segunda película juntos. Nos entendemos mutuamente, casi anticipándonos a las decisiones del otro. Sus anteriores películas siempre han tratado sobre crear mundos". Más allá de las amistades de toda la vida, "los Spierig son geniales creando mundos y esta historia necesitaba eso ... su forma de hacerlo es lo que realmente ayudó a preparar la escena de Winchester 1906".
Lo que atrajo a McGahan del guión "fue un thriller con más profundidad, más sustancia, un ser humano que lidia con la culpa y cómo trata de resolverlo", dice. "Me gustaba la idea de que fuera una historia real y de que Sarah Winchester tuviera esta increíble oportunidad debido a la fortuna de la Winchester Rifle aunque había una pega -la culpa que vino de todas las personas que murieron a causa de ella. Y cuando estás tratando con una historia real y personajes reales tienes la responsabilidad de ser fiel a (la esencia de) su historia. La recompensa es un relato con una buena base. En éste hay honestidad y verdad y creo que las audiencias lo apreciarán".
La participación del productor Tomberlin en realidad fue anterior a la del trío. "Comenzó hace unos 11 años cuando estábamos buscando un proyecto que fuera un thriller sobre sucesos sobrenaturales reales", dice. Al haberse graduado en la Universidad de Santa Clara estaba familiarizado con la Misteriosa Mansión Winchester que se encontraba cerca. "Se trataba de un símbolo mundial tan icónico que pensamos en adquirir los derechos". Pronto se enteró de que otros productores y directores estaban detrás de ella, incluyendo a "Stephen King, que al fin y al cabo hizo Rose Red sobre la casa Winchester". Una vez se adquirieron los derechos en 2006, el proyecto estuvo en desarrollo durante otros siete años hasta que "dimos con los hermanos Spierig que venían de hacer Predestination y Daybreakers. Ellos tenían su propia visión del guión, que finalmente desarrollamos".
Por lo que respecta a la consecución de aquella visión compartida entre dos hermanos gemelos que coescribirían y codirigirían un thriller sobrenatural así de retorcido, Michael Spierig resumió cómo fue el proceso tanto para él como para su hermano: "Raro". Como realizadores, "nos hacen esa pregunta muchas veces -¿qué tal sale lo de la dirección a dos?", reflexiona. "Supongo que como crecimos juntos, y en cierto modo nos enamoramos de las mismas películas, realmente tenemos una visión compartida".
"Puesto que también escribimos, colaboramos en el proceso desde el comienzo, arrojando ideas de un lado para otro, nunca hay dos pensamientos distintos yendo en distintas direcciones. Planeamos con tanto cuidado, plasmamos todo en el guión gráfico, discutimos todo con tanto detalle, que no hay nunca ningún tipo de confusión. Es en gran medida una colaboración 50-50. En ocasiones nos dividimos y rodamos unidades separadas al mismo tiempo, lo cual puede resultar útil. Pero sí ... es raro".
Se piensa que entender a Sarah Winchester y el misterio de todo aquello que rodea su vida significa entender la historia de su tiempo, aquello que posiblemente la motivaba, desencadenando todos los desconcertantes mitos e interpretaciones sobre su identidad, percepciones que no sirven sino para construir un interrogante sobre ella como guardiana del inframundo.
En las propias palabras de Helen, "había mucha experimentación y nuevas formas de pensar, corrían los tiempos de Alistair Crowley en el lado oscuro y los rosacruces en el lado de la luz. Había una búsqueda espiritual en marcha y creo que Sarah era parte de aquello", afirma Helen Mirren (ganadora del Premio de la Academia® por La reina), que interpreta a Sarah en la película. "Fue ésta una mujer extraordinaria. Era una rosacruz, lo cual es muy interesante en sí mismo. Estaba muy involucrada en el desarrollo espiritual y lo espiritual en general".
"Hay mucha mitología en torno a Sarah Winchester. Durante el tiempo que ella vivió existía una leyenda, una mitología que creció en torno a ella y la construcción de esta casa. Esta casa se construyó en un tiempo en que no había nada aquí. Ahora se encuentra en medio de la calle principal de San José -una zona comercial. Pero en aquella época sólo era una tierra de campo vacía en medio de la cual se encontraba esta extraordinaria edificación, construida pedazo a pedazo por esta viuda que siempre vestía de negro y a la que nadie del pueblo veía nunca. Era reservada, siempre dentro de su casa. Puedes entender por qué empieza a construirse una mitología a su alrededor a medida que la casa se hacía más extraordinaria, más complicada, más y más grande. Esta mitología ha perdurado a lo largo de los años. Es muy difícil separar la verdad sobre ella de la mitología. Con nuestra película, hay un lapso entre verdad y mitología. Investigué la verdad sobre ella pero era muy complicado acceder a esa verdad. Muchas personas tenían ideas diferentes sobre ella. Pero intentas ir a la fuente, a las personas que trabajaron con ella, para intuir cómo era. Creo que fue una mujer con gran empatía, sentimientos profundos (hacia otros). Al mismo tiempo, la fortuna que se estaba gastando en construir esta casa provenía de la fortuna de los fusiles Winchester. Un instrumento de muerte y guerra, por lo que existe una contradicción increíble entre el carácter de la mujer y la fuente de sus ingresos. Nuestra película explora eso. Es fascinante. Que eso sea la verdad o no sobre Sarah, nadie nunca lo sabrá. No hay diarios. Sólo información de segunda mano".
Ese conocimiento está unido a los hábitos de la época. Dicho en pocas palabras, las creencias de los rosacruces variaban pero normalmente se trataba de elementos combinados de ocultismo con otras creencias religiosas y prácticas como el misticismo judaico, el gnosticismo cristiano o el hermetismo. Básicamente, los rosacruces creían poseer una sabiduría secreta que les había sido transferida desde tiempos antiguos. Si bien esta orden surgió en el siglo XVII, continuó creciendo durante varios siglos. A principios del siglo XX, una época en que los victorianos se estaban aficionando a muchos aspectos del espiritismo y dando nueva forma a la fe y la religión en Europa y América, Sarah Winchester habría sido consciente de ello. Siendo una inventora y entusiasta constructora con curiosas habilidades arquitectónicas, cuyo imperio fue levantado a base patines de ruedas y armas mortales, si Sarah Winchester fue efectivamente una rosacruz, debería ser fácil interpretar una influencia o inspiración en su tendencia creativa.
Durante su periodo ilustrado, los manifiestos rosacruces llenos de alquimia espiritual y simbólica crearon un gran revuelo, al proclamar una hermandad de alquimistas y sabios dispuestos a transformar las artes, las ciencias, la religión y el escenario político e intelectual de una Europa desgarrada por la guerra, profundamente afectada por las posturas políticas y religiosas en conflicto de la época. A finales del siglo XIX y principios del XX, los rosacruces comenzaron a dividirse en tres grupos principales: los rosacruces cristianos esotéricos, que profesaban a Jesucristo; los rosacruces masónicos; y los de la Aurora Dorada, unidos a la Antigua y Mística Orden de la Rosa-Cruz. Se cree que Sarah Winchester era una francmasona, algo muy inusual para una mujer en los Estados Unidos de aquella época. ¿Era una rosacruz masónica? Quién sabe. Además hablaba latín, francés, español e italiano. También era una época de médiums y personas que se comunicaban con los fantasmas y convocaban a los muertos con sus seres queridos para que aliviaran su dolor; una época de comepecados, que consistía en pagar generalmente a un mendigo hambriento para después colocar un trozo de pan sobre el cadáver, rezar por la liberación de los pecados de esa persona en una vida carnal, y así dichos pecados se transferirían al pan y entonces el comepecados ingeriría el pan y los pecados de manera que la persona fallecida pudiera pasar al más allá sin que los pecados cometidos en su vida carnal fueran juzgados. Era una buena forma de pasar al más allá para algún rico sinvergüenza que se enfrentara a una desalentadora eternidad. Tal era el ambiente de pensamiento en los tiempos de Sarah Winchester.
"Aquello en que creía Sarah Winchester y aquello en que hemos hecho que crea en la película son probablemente dos cosas distintas", señala Mirren. "Su marido y su hija murieron jóvenes los dos. Él murió de tuberculosis, Annie de marasmo. Creo que era un hecho común en la época cuando morían niños de corta edad o cuando moría alguien de tuberculosis. Ella estaba muy triste, ésta fue una parte muy trágica de su vida. Y entonces construyó esta extraordinaria casa".
"En realidad ella estaba en cierto modo capacitada como arquitecta. Tenía un enorme interés en la arquitectura y el diseño antes de casarse. Eran tiempos de impresionantes construcciones, complicados palacios. Pero el propósito de su construcción siempre fue expiar almas. Obviamente ella era una persona pacífica y afectuosa, pero no podía simplemente cerrar la fábrica". Éste fue el modo que halló de lidiar con "la responsabilidad de tantas muertes (puesto que) ella había vivido a costa de ellas".
El de 5 de septiembre de 1922 Sarah Winchester murió en la mansión Winchester. Los turnos de los 16 carpinteros, a los que había pagado el triple del salario vigente para que no pararan en ningún momento de construir desde 1886 hasta el día de su muerte, soltaron sus martillos en el momento en que oyeron la noticia, y se marcharon, para nunca regresar.
"No creo en nada que no pueda ver o examinar" - Dr. Eric Price
El reparto que Winchester construyó
Si bien el reparto fue ocupando sus puestos después de que la ganadora del Premio Oscar® Helen Mirren se uniera en el papel de Sarah, McGahan afirma que fue otro el papel clave que supuso un punto de inflexión para la película (pese a que el personaje no esté basado en uno de la vida real).
"El personaje de Jason Clarke, el Dr. Eric Price, es nuestro acceso a la Misteriosa Mansión Winchester y a Sarah Winchester. Su papel es decisivo", explica McGahan. "El Dr. Price tiene sus propios demonios. Es interesante ver cómo hace frente a su culpa y los efectos que la droga ha tenido sobre él y su tormento".
Price es adicto al láudano - una droga muy usada para curar muchos males de su tiempo, entre ellos la depresión. Empezó a usarla tras el suicidio de su esposa Ruby, y tuvo su propio encuentro con la muerte. "Price es un psiquiatra que está tratando de superar una espantosa tragedia", dice Peter Spierig. "Él cree que ha sido contratado por el consejo de administración de la compañía Winchester para determinar si Sarah Winchester está loca. Si pueden expulsarla de la compañía podrán hacerse con su participación y hacer lo que quieran, que es fabricar más armas. En ese momento, Sarah también estaba pensando en productos alternativos, intentando diversificar y hacer otras cosas, como fabricar patines, herramientas de todo tipo. Esto realmente llegó a ocurrir. Price, un escéptico que no cree en fantasmas, acude a la casa a evaluar su estado mental con la intención de expulsar a Sarah de la Winchester Repeating Arms Company. Pero es Sarah la que tiene ulteriores motivos para traerle a la casa. Es decir, todo el mundo en esta película ha sido afectado por algún incidente con esta arma".
"Nos habíamos encontrado algunas veces con Jason pero no teníamos realmente ninguna relación con él. Es un compatriota australiano y llevaba tiempo deseando hacer una película en Australia así que todo salió a la perfección. No podíamos haber encontrado un Eric Price mejor". Clarke profundizó un poco más en la elección que Sarah hizo con respecto a Price.
"Sarah está ante un problema", explica. "No es capaz de identificar lo que hace un determinado espíritu o espíritus, por qué están ahí y qué se supone que ella deba hacer, o construir, o cómo lidiar con ellos. Ella espera que un hombre que ha cruzado al más allá, aunque fuera por un breve tiempo, tenga algún don que ella no tiene. Es por eso que, de entre todos los psiquiatras, eligió al Eric Price de San Francisco".
Clarke cree que Price sería un psiquiatra inspirado por Sigmund Freud y Carl Jung, los más conocidos psiquiatras del momento. Familiarizado con su obra, Clarke afirma que había leído varios libros sobre psicoterapia que le ayudaron a preparar el papel, incluyendo "El día que Nietzsche lloró", del psicoterapeuta y escritor Irvin D. Yalom. Cree que Price habría sido alguien que viajó a Europa y probablemente habría estudiado allí.
"Básicamente es un psiquiatra que vive en el San Francisco de 1906 en periodo de excedencia. Trató realmente de ser pionero en su campo, explorar más, pero entonces pierde al gran amor de su vida y él fue en parte responsable de manera que sufrió mucho. Está un poco perdido, siguiendo la senda del hedonismo, y ya no cree en muchas cosas. Es un lugar triste para estar, especialmente para un doctor que ha prestado juramento de ayudar a las personas y luego empieza a creer que no puede ayudar a nadie en absoluto.".
Pero entonces se le presenta una oferta del abogado del consejo de administración de la compañía Winchester que no puede rechazar en términos financieros. "Cuando llega a la mansión Winchester contempla este lugar de fantasía. Ha sido contratado para hacer un trabajo y se imagina que va a ser bastante directo y simple",, dice Clarke. "Pero cae por la madriguera del conejo como Alicia en el país de las maravillas. Llega siendo un no creyente y acaba viendo y haciendo cosas que él no creía posibles".
Clarke ve la adaptativa adicción de Price al láudano como un artefacto narrativo. "Con ello tiene tiempo para llegar a ver esas cosas, que son reales. En el interior de su mente, él está semi-viendo cosas", añade. "Es un hombre al que en efecto le gusta distorsionar su realidad e integrarse en ella por un tiempo antes que simplemente ver la clara y áspera luz del día".
Un psiquiatra enfrentándose al estrafalario mecanismo que tiene Sarah de afrontar la muerte y la culpa mientras trata de lidiar con la suya propia hace que el dilema de su personaje sea incluso más problemático. "Ella ha perdido a su marido, el amor de su vida, y luego está aquel invento suyo que provocó tantas muertes" y ahora le toca hacer frente a su abrumador éxito. "Ése es el thriller que decidieron contar sobre ella y la construcción de esta casa. Algunas personas se lavan escrupulosamente las manos, desarrollan muchos y distintos pequeños hábitos, idiosincrasias, diferentes mecanismos. ¿El de Sarah? Hacer un edificio para fantasmas. Ése es su mundo - los no muertos, fantasmas, espíritus que necesitan pasar al otro lado, encontrar algún modo de deshacerse de todo".
En lo que respecta a Price, Mirren describe la relación de Sarah con el doctor "un poco como un combate de esgrima, una batalla entre los dos". La representación que Clarke hace de Price resultó ser para Mirren una colaboración impecable. "Bueno, Jason es la persona más adorable, sencillamente un estupendo australiano. ¿Qué puedo decir? Tiene todas esas cualidades de humor, actitud realista, trabajo duro, compromiso. Simplemente encantador".
Clarke se unió al proyecto porque la visión que los hermanos Spierig tenían de WINCHESTER le pareció "un inteligente thriller. Me gustó el personaje de Eric. Helen Mirren. La época - 1906 es un periodo realmente fascinante. El hecho de que sea un drama de suspense y de terror y no un slasher en que todo el mundo muere asesinado. Y, por supuesto, los hermanos tenían un profundo vínculo con la película". Había conocido a los Spierig en una fiesta y había visto su película Predestination. "Tienen ambición, les gusta desafiar el status quo, aportar algo a la pantalla antes que simplemente apostar por lo seguro en el terreno intermedio (de un género) y eso me gustaba mucho". Además, fue una oportunidad para que este nativo de Queensland hiciera una película en su tierra natal, Australia.
Por lo que se refiere a Mirren, disfrutó con las escenas del terremoto de 1906 en compañía de su coprotagonista. "Cuando tiene lugar el terremoto, las cosas se derrumban a nuestro alrededor. Eso estuvo genial. Recuerdo que pensé, 'estoy tirado en el suelo, entre el barro y la mugre, con una dama. Ella es uno de los dos intérpretes preferidos de mi madre. Si mamá se enterara de que dejé de hacer una película con Helen Mirren no me lo habría perdonado. Helen es fantástica. Ha hecho de todo. Ingeniosa. Inteligente. ¡Interpretó a Cleopatra tres veces! Y a Fedra (de la mitología griega - se quita la vida, igual que Cleopatra), lo cual, probablemente, te ayuda a interpretar a Sarah a la hora de invocar fantasmas. Es algo muy primario, muy shakespeariano en un modo original. Había fantasmas por nuestro alrededor y Helen lo hacía genial, siempre con sentido del humor y simple distinción. Es muy, muy divertida".
Sarah Snook, que ya había colaborado antes con los hermanos Spierig en Predestination, interpreta a Marion, la sobrina de Sarah Winchester y madre del joven Henry (Finn Scicluna-O'Prey). Según ella, la decisión de los hermanos Spierig de incluir a Helen Mirren en el reparto "no hubo que pensarla dos veces. Es una mujer que puede infundir mucho respeto, es muy generosa y de un poderoso talento".
El motivo clave de Snook para asumir el papel de Marion fue tener una segunda oportunidad de trabajar con los hermanos Spierig y su equipo. "Son bastante buenos a la hora de trabajar con las mismas personas y eso crea un cierto tono y atmósfera en el rodaje. Me encanta de verdad trabajar de esa forma por lo que, en la fase inicial, fue eso lo que me atrajo al papel". Además, repetía colaboración con O'Prey, que había hecho el papel de su hijo en la miniserie de la ABC The Secret River, y con Angus Sampson, que interpreta al capataz de la mansión Winchester John Hanson (ambos habían participado antes en la serie de televisión Spirited).
Refiriéndose a su personaje, Snook revela que "Marion y Henry llegan a la mansión Winchester tras la reciente muerte de su esposo Frederick. Murió muy repentinamente y Sarah cree que se debe a que la maldición Winchester se ha empezado a extender por la familia. Marion probablemente se mantiene un poco al margen sobre eso. Tiene sus propias convicciones de por qué murió su marido. Cuando Eric Price hace su entrada en la mansión Winchester, Marion todavía se encuentra en estado de duelo desde que su esposo muriera dos semanas antes. Cuando Eric se adentra en la casa Marion realmente no quiere nada con él. Ella cree que él está ahí para certificar la locura de su tía.
Yo diría que Sarah Winchester representa el lado de lo ilógico, lo sobrenatural, la fantasía, y el personaje de Jason, Eric, representa el lado de lo racional, lo tangible, lo realista. ¿Y Marion? En buena medida al margen. Tiene un vínculo familiar con Sarah y desea darle su apoyo. Ha tenido experiencias espirituales a lo largo de su vida en relación con Sarah pero en cuanto empieza a afectar a su hijo, en fin, sus sentimientos hacia su hijo obviamente son muy fuertes. Las consecuencias para su hijo son duras". El personaje de Henry es ficticio, aunque se cree que Marion tuvo una hija adoptada.
Mirren "se moría" de la emoción al enterarse de que Snook interpretaría a la sobrina de Sarah. "Había visto a Sarah en la anterior película de los hermanos Spierig, Predestination. Estaba espectacular. Nunca antes había visto un trabajo suyo. Me dejó deslumbrada. Y Finn, el joven que interpreta a mi sobrino-nieto en la película, es un actor maravilloso. Creo que tiene madera de director. Será fascinante ver qué es de él dentro de 10 años".
Y luego está el personaje de Ben Block (Eamon Farren), una de las razones clave por las que Sarah hace esa construcción en la película. Para interpretar el papel, los realizadores encontraron al actor Eamon Farren. A Farren le atrajo al instante el guión, la oportunidad de trabajar con los hermanos Spierig y el reparto, así como el propio papel. "(Ben) misteriosamente puede existir en el lugar que quiera dentro de la casa", afirma Farren. "Pero creo que es en la mente de Sarah Winchester; una parte de mí quiere pensar que ella evoca su espíritu de algún modo a partir de su propia paranoia y su culpa. Y eso se alimenta a través de la imagen de Ben Block. Lo interesante para mí es que tal vez Ben Block fue una persona real, y sus intenciones y motivaciones son las suyas propias. Pero tal vez, sólo quizá, se canaliza también a través de su paranoia, su culpa y su dolor".
Ben Block fue también un soldado confederado. En su día. Aprendió de primera mano el increíble poder del fusil de repetición Winchester. Por medio de un proceso de prótesis de tres horas al día, Farren revelará lo que ese poder le hizo a Block. "Culpa a la familia Winchester y a la propia Sarah Winchester de arrebatarle todo lo que amaba así que él le va a hacer lo mismo a ella", dice Farren. Toda la película avanza hacia el encuentro entre Sarah, Block y Price.
"Una de las cosas más poderosas que tenemos en nuestro mundo es el poder de afectar a las personas y que las personas nos afecten, para bien y para mal, para destruirnos o para fortalecernos unos a otros. Éste es un thriller sobre hechos sobrenaturales que explora eso. ¿Por qué a la gente les gustan las películas con elementos sobrenaturales? Escapismo, la condición humana de preguntarse por lo desconocido - aquello que no conocemos, el que haya algo ahí fuera y, por supuesto, las infinitas posibilidades del cómo "ellos" vienen a atraparnos, algo que no podemos detener, ¡algo que viene a por ti! No tener ni idea de lo que viene a continuación, en fin, eso es lo que tiene de placentero.
"Pero sea lo que sea, está ahí y viene a por ti, tal vez sean los demonios que están demasiado cerca ...o los que llevamos dentro". Mientras que fue un riguroso proceso de prótesis lo que ayudó a dar forma al personaje de Farren, el vestuario, según dicen Mirren y Clarke, fue una herramienta decisiva para dar forma a los suyos.
"Nuestro vestuario estaba absolutamente diseñado para nosotros", dice Mirren. "Para el mío sencillamente había que reproducir las fotos de Sarah y, al igual que los decorados de la casa, fueron reproducidos con la mayor precisión posible. ¡Aunque nunca tiene gracia llevar un corsé durante todo el día!" El vestuario de Clarke estaba hecho a medida por Adriano Carbone, de Melbourne. "Se trata de un traje hecho a mano y a medida, modelo en espiga, de franela azul sobre fondo azul", recuerda Clarke. "Me encantó la atención al detalle", Resultó que Clarke necesitó cinco trajes iguales porque interpretar el papel Price suponía mucha actividad física, "Estoy bastante dolorido. Tengo cortes, arañazos. Quizá me entregué un poco demasiado, pero es que era en la casa de los horrores. Luego el terremoto de 1906. Destrozamos muchas cosas, incluidos los trajes. Y fue un destrozo bastante brusco. Son trajes hermosos con telas realmente maravillosas. Básicamente me desgarré los pantalones".
Gracias a ser una película de época y a los fantasmas asesinados a manos del rifle a lo largo de muchas décadas, en lugares diferentes y de maneras muy diversas, la diseñadora de vestuario Wendy Cork experimentó con toda una panoplia de creaciones de vestuario en una misma película como nunca antes.
"Como puedes imaginar, el perfil típico de 1906 puede resultar un poco distante para las audiencias modernas", asegura. "Se trata de aquellos tórax prominentes, cinturas delgadas, corsés plegados y extraños sombreros. Esto es un thriller, no un documento histórico. Nuestro objetivo consistía en hallar un equilibrio entre la precisión histórica y la relevancia de cara a una mirada contemporánea de manera que las audiencias pudieran captar a los personajes y disfrutar la película".
Para hacerlo, Cork fusionó perfiles de 1905, 1910 y 1895 y dio con una solución intermedia. Piensa en el perfil delgado de época victoriana, con un suave polisón por detrás y algo de ornamentación auténtica de época eduardiana para la Sarah de Mirren y la Marion de Snook.
"Puesto que su marido murió teniendo ella veintipocos años, y tiene unos 70 en la película, Sarah ha vestido el negro de luto toda su vida", afirma Cork. "Fue en cierto modo un reto (vestir a Mirren de) negro en unos decorados tan oscuros. Para que se apreciaran los detalles de su silueta negra, tuvimos que darle un acabado de texturas y brillos de la época".
Cork creó un vestido de luto eduardiano para Mirren con acabados eduardianos y victorianos reales. El vestido de noche para cenas, y de hecho todos los elementos de vestuario de Sarah, se adornaron en detalle con encajes eduardianos originales, abalorios de azabache, gemas de lentejuela, y botones de cristal. La inspiración para el velo de luto de Sarah provino de una fotografía hecha por Edward Steichen de una mujer con un encaje por encima de su rostro, como señala Cork. Aquel elemento del encaje eduardiano proporcionaba "no sólo interés a la cámara sino también delicadeza a Sarah".
De hecho Cork tuvo que vestir a dos viudas para la película. Marion, que también había perdido a su esposo, también habría de llevar traje de luto. Para diferenciar a las dos viudas, Cork limitó el negro del vestuario de Sarah a la chaqueta y el velo. La mayor parte de sus vestimentas eran púrpuras o verdes, el color de las sufragistas de la época.
"Me encanta que Helen fuera tan exigente y tan práctica a la hora de entender lo que necesitaba ante la cámara y lo que era capaz de hacer", recuerda Cork. "Realmente comprendía el valor de saber dónde poner la atención ante la cámara y dónde no. Entendía cómo sacar lo mejor de su perfil. Fue ciertamente extraordinario trabajar con ella, muy eficiente y muy profesional. Llegó tres días antes de lo programado y aquel tiempo extra significó que el departamento de vestuario pudo realmente lograr lo que necesitaba lograr. Veo esto en actores que han pasado por el sistema de interpretación británico. Respetan de verdad el departamento de vestuario y lo que supone conseguir vestuario de época en el rodaje".
Aparte del reparto principal, el equipo de Cork hizo trajes para todos los fantasmas --"cowboys, nativos americanos, rangers de Texas, soldados confederados, soldados unionistas, granjeros y sus esposas, trabajadores mexicanos y mujeres mexicanas - fantasmas que comprendían un periodo de entre 30 y 40 años, cuando el fusil Winchester era muy utilizado. Fue increíble tratar de representar aquellas épocas y perfiles". Sin embargo su equipo se puso realmente triste cuando terminaron su participación en la producción, diciéndole a Cork todo el rato, "no quiero dejar de hacer esta película".
Después de todo, el relato le pertenecía a la mujer de negro. Es la historia de Sarah Winchester e hizo falta una actriz de la talla de Mirren para captar el poder de la psicosis de Sarah y el encarnizado esfuerzo de una viuda abatida y anciana que hace las paces con su vida. "Este papel fue escrito para Helen", afirma McGahan. "Hay muchos paralelismos entre Helen Mirren y Sarah Winchester. Lo que realmente me encantó de Helen es que comparte con Sarah esa fortaleza y esa vulnerabilidad".
Michael Spierig afirma que Mirren estaba "fascinada por la inventiva mente de Sarah y que fuera una pensadora tan progresista. Creo que Helen podría verse reflejada en ella. Helen no había hecho nunca antes una película de casas embrujadas. Al principio pensamos, 'uf, ¿no estaría genial conseguir que Helen Mirren se uniera a esta película?'".
Quién habría dicho que respondería "sí". Trabajar con dos directores al mismo tiempo era una experiencia nueva para Helen Mirren. "Creo que para cualquier dirección en equipo necesitas ese profundo entendimiento psicológico con la otra persona, lo cual, obviamente, es algo mucho más fuerte en el caso de hermanos gemelos y es fascinante ver cómo eso se desarrolla", dice. "Realmente es como hablar con una persona con las palabras saliendo de dos bocas diferentes. Además desempeñan, en efecto, papeles distintos. Eso está muy claro".
"Una gigantesca estructura de 7 plantas, sin ningún sentido aparente..."
24 horas en construcción: La mansión Winchester y su recreación
La mansión Winchester recogió el testigo allí donde la imaginación de los hermanos Spierig y del diseñador de producción Matt Putland lo dejaron.
"Ciertamente no tiene mucho sentido", afirma Peter Spierig. "Hay una habitación construida encima de otra habitación, al lado de otra habitación, y ni siquiera están en el mismo nivel. Hay extrañas excentricidades arquitectónicas, diferentes formas y tamaños de habitaciones. Extrañas escaleras que conducen a los techos y puertas que dan a caídas de dos plantas de altura".
"En una época en que a las mujeres no se les permitía ser arquitectas", añade Michael Spierig, "todo esto provino de la mente de Sarah Winchester". La fortuna derivada de los fusiles "le permitió construir lo que ella quisiera. Siempre estuvo interesada en el diseño de interiores, la arquitectura y la construcción. Fue pionera en lo que se refiere a tecnología, habiendo inventado un sistema de intercomunicación que consistía en una serie de tuberías que recorrían toda la casa para comunicarse desde una habitación a la siguiente. Disponía de un sistema de irrigación para el cuidado de los jardines y fue la primera persona de San José en tener teléfono: ¡su número de teléfono era 1234! Siempre estaba mirando hacia el futuro, era muy inventiva. Yo creo que de ahí provenía su pasión por la arquitectura y la razón por la que siempre quiso construir algo nuevo".
El diseñador de producción Putland tenía encomendada la titánica misión de recrear varias habitaciones esenciales de la casa en los sets de decorados de Melbourne, Australia. Después hubo tres días de rodaje en la casa real en San José. Pese a haber visitado e investigado la casa a fondo, con la finalidad de duplicarla, la acción de la película se sitúa en 1906 y gran parte de la casa original había sido destruida tras el terremoto de aquel año. Eso suponía abundar en la investigación de la época y en todo aquello que pudieran encontrar que existiera con anterioridad al devastador incidente. Por este motivo, muchas de las habitaciones que se ven en la película son aquéllas que permanecieron intactas en la casa.
Una de las primeras habitaciones que replicaron fue el hall de entrada. Según Putland, hubo que ajustar un poco las dimensiones de aquel espacio, incluyendo la altura del techo.
"La parte delantera de la casa creo que formaba parte de la casa de campo original de 8 habitaciones, pero a medida que penetras en la auténtica mansión Winchester puedes ir viendo la influencia de Sarah, como es que algunas de las barandillas de las escaleras sean mucho más bajas o los escalones de muy poca altura debido a su artritis", explica. "Hay algunas puertas muy pequeñas en la casa. No sé si era por su estatura, pues ella era muy pequeñita, o por lo que había almacenado al otro lado".
Uno de los aspectos más curiosos de la casa son las escaleras de tramos con rellanos de ida y vuelta. Comprende siete tramos de escalera para ascender una planta. El equipo de producción sólo creó cuatro tramos (en los decorados) pues eso era todo lo que se necesitaba para rodar la escena. "Se trataba de un patrón bastante complicado porque era como si la escalera se plegara sobre sí misma", señala. "Es algo excepcional, uno de los elementos arquitectónicos de la casa construidos específicamente para Sarah. Debido a su artritis, tenía dificultades para subir escaleras y los escalones de tamaño estándar eran demasiado grandes para ella y le provocaban dolor. Construyó escalones de tan solo escasos centímetros de altura de contrahuella. Recrear eso en los decorados suponía todo un esfuerzo puesto que necesitábamos meter un equipo de rodaje, tres actores, cámaras y todo dentro del decorado. Muchas de las piezas tuvieron que ser desmontadas para que pudieran acceder las cámaras pero aún conservan su integridad".
Había escaleras que terminaban en un techo. "De nuevo, tuvimos que recrearlas en un plató en Australia y, al igual que las puertas que dan a ninguna parte, todos estos cómicos y estrafalarios complementos de Sarah Winchester fue genial reconstruirlos". Aunque existe mucha especulación sobre si Sarah realmente insistió en que el número 13 estuviera presente por toda la casa, de cara a la película resultó algo esencial para la historia. "Sí que hicimos un par de referencias al 13 porque ésa es una parte importante del recorrido turístico por la Misteriosa Mansión Winchester en San José", añade Putland. "Construimos una vidriera con 13 gemas. El resto de nuestras vidrieras hacían referencia directamente a diseños tomados de la casa. El diseño en telaraña se deja ver en algunos lugares y los patrones de vidrieras en las puertas están diseñados a partir de los de la mansión Winchester".
En el salón de baile, crípticas citas de dos obras de Shakespeare que nunca o casi nunca se representan llenaban los paneles de las ventanas de vidrio Tiffany. Una procede del soliloquio del rey en la prisión, en Ricardo II: "y estos mismos pensamientos pueblan este minúsculo mundo"". La otra es de Troilo y Crésida:: "de par en par abren las tablas de sus pensamientos". Sin embargo, por qué Sarah eligió estas citas es un misterio más de su proceso creativo.
La sala de exhibición de armas que aparece en la película también es esencial en términos narrativos. Es una de las que se desmonta al final de película. Actualmente no hay ninguna sala de exhibición en la mansión Winchester.
Para recrear la biblioteca de Sarah, un espacio que a Putland le resultaba de lo más agradable porque además era el lugar de trabajo de la heredera, el equipo eligió rodar esas escenas en un edificio del National Trust (Fundación Nacional, organización australiana sin ánimo de lucro) en Australia. Tuvieron que trabajar con la decoración de paredes que había y las dimensiones que tenía la sala.
En la escena del pasillo del salón de baile, "nuestros actores recorren este pasillo y atraviesan una puerta en el set de decorados en Melbourne. Ojean a través de una cortina. Lo que ven es la mansión real en San José. Ello quiere decir que trajimos aquí los elementos y matices de la sala de baile, el estilo de iluminación, los cortinajes, las velas, y luego a través de las cortinas ves la mansión Winchester auténtica".
Uno de los personajes muere en la sala que da al jardín y después le habla a Sarah, y entonces ella recrea esa habitación como parte de la casa. "Es un decorado espeluznante y una gran escena", dice Putland.
Para las escenas de llegada a la casa "no podíamos filmar nada donde la mansión real porque está justo al lado de una autopista y un centro comercial. Eso no es 1906", recuerda Putland. "Así que construimos la primera planta de la casa en un prado. Encontramos algunos árboles ideales que se correspondían con los árboles que había en San José y básicamente construimos un jardín, una carretera, un porche, la puerta principal y algunas otras zonas formando todo parte de un decorado exterior en una finca justo a las afueras de Melbourne".
Cuando el equipo de Putland comenzó a decorar las paredes, tuvieron que hallar algo que se correspondiera con el papel tapiz Lincrusta que decoraba toda la mansión de San José. "Sarah poseía una de las mayores colecciones de papel tapiz Lincrusta que existen y todavía se halla en la casa. Aquellos papeles tapiz originales datan de finales del siglo XIX. Teníamos que encontrar papel tapiz Anaglypta que pudiéramos obtener en Australia. No pudimos dar con el patrón exacto correspondiente pero encontramos algo que nos pareció similar y alteramos el color. El color que hay actualmente en la casa, que según creemos era el color original, es un verde muy pálido, casi blanco. A la hora de rodar no iba a salir bien con el tono que buscábamos así que elegimos un amarillo tostado más cálido y le aplicamos una textura por encima para resaltar el efecto 3D del papel tapiz".
Fue difícil determinar la paleta de color correcta para algunas habitaciones puesto que las únicas referencias fotográficas correspondientes a 1906 estaban en blanco y negro. La solución fue simple: el etalonaje se adecuaría al género de la película más que la pintura actual de la casa. "Sarah Winchester construyó la mansión más célebre y cara de 1906, cuando ésta estaba en su punto máximo de tamaño y grandiosidad. Realmente quisimos darle la estética de Sarah -aquella exuberante riqueza que nos pareció que habría sido su estilo de la época. Ella importó lámparas de araña de Alemania. Los suelos del parqué del salón de baile incluyen ocho tipos de madera distintos. Como diseñador, asumir la tarea de recrear esa estética y ese nivel de opulencia ha resultado muy entretenido y un reto colosal. Teníamos que hacer que aquellos tres escenarios distintos dieran la impresión de que estábamos en la misma casa en todo momento".
"Tuve la gran suerte de ir a la mansión Winchester y verla como es hoy. Al verla por primera vez, me quedé impresionado por las dimensiones de esta imponente mansión victoriana. Pero no es la extravagancia y las capas de opulencia lo que te impresiona. Se trata del trazado y la atención a los detalles. Casi podías apreciar la progresión de la casa a medida que crecía y crecía y crecía, devorando partes de la casa de campo original. Nos mostraron la torre de agua, y en lugar de haber sido derribada simplemente estaba integrada en la casa. Pasé allí tres días mirando a través de cada puerta, cada armario y aún no era capaz de ubicarme por la casa. Es todo un laberinto de escaleras y pasillos y salas y antesalas y galerías - era un complejo bastante sorprendente aquella pequeña casa de campo".
Hay dos áreas de la mansión que según Putland dicen mucho de su embrujamiento.
Una de ellas es el ático con techo cónico al que Sarah iba sola cada noche para que los fantasmas le dieran las instrucciones de lo que debía construir al día siguiente. "Es una habitación real de la casa y un espacio increíble", dice. "La galería que conduce al ático era algo que para mí destacaba realmente como proeza arquitectónica. Aquella área me revelaba una presencia. Está en la parte más alta de la casa. Las imágenes de la época nos permiten ver que había una chimenea que conducía al exterior del edificio y que ya no sigue ahí, así que reinstalamos en el ático de techo cónico la chimenea que se había derrumbado en el terremoto de 1906".
Una vez recreada en decorados, "me resulta fascinante que esta mujer hiciera esta habitación como un receptáculo para comunicarse con los muertos", añade Michael Spierig. "Dado que muchas personas acudían a médiums por aquel entonces, ir a un espiritista no se veía como algo marginal. Quiero decir, la gente entonces lo veía en realidad como una ciencia. Ella creía firmemente que podía comunicarse con los muertos, así como comunicarse con sus difuntos esposo e hija. Y por tanto, ella se abrió a todo esto".
Y luego está el sótano.
"Era bastante espeluznante, pero no sé si era porque estaba a gran profundidad bajo el terreno y estaba oscuro", afirma Putland. "El sótano y el ático de techo cónico eran espacios muy chulos para estar". Ambos, como se señala en el recorrido turístico por la mansión Winchester, son las zonas más activas de actividad paranormal en la casa a día de hoy, siendo muchos los turistas que dicen haber visto fantasmas.
"Esa casa", dice Putland, "realmente parece estar viva".
"Este espíritu tiene un poder que no habíamos visto antes... Nos ha encontrado" - Sarah Winchester
Un género con un asunto pendiente: el aspecto visual de Winchester
El director de fotografía Ben Nott ACS celebra su cuarta colaboración con los hermanos Spierig con WINCHESTER.
Nott y los hermanos Spierig creen en poder llevar a los escépticos a un viaje que podría convencerles de la postura contraria. Y todo tiene que ver con el poder de la percepción, la iluminación - toda la metamorfosis de las características del género tuvo lugar ante sus ojos.
"Winchester tiene su propio toque y textura singulares, como fruto del fastuoso diseño de producción, el precioso vestuario, la arquitectura victoriana de Melbourne y una sencilla filosofía de iluminación que se apoya en profundos negros interrumpidos por toques de luz ardientes y ricos colores. El núcleo del equipo creativo ha colaborado en varias películas, por lo que son maravillosamente concisos a la hora de construir un aspecto coherente. En el momento de empezar a desarrollar el aspecto visual, nos inspiramos en la espléndida y ecléctica locura que es la mansión Winchester en San José".
Hubo una serie de decisiones específicas relativas a la filmación por parte de Nott: filmar con Alexi Ari XT (posible errata; "Alexi Ari XT" (sic en el texto original) no corresponde al nombre de ninguna cámara. Probablemente se trate de "Alexa Arri XT") en lentes anamórficas de la serie E. "Se trata de una serie más antigua de lentes que son un poco más finas por los bordes y, para mi gusto, encajan con la paleta, el género y la época en que se ambienta la película. Utilizamos dos cámaras, A y B, todo el tiempo, y una cámara C que va y viene. Mi habilidad es coordinar la fotografía de manera que proporcione un estado de ánimo empático con la narración pero que permita a los actores la libertad de moverse por los espacios según despliegan sus interpretaciones. La película se define mucho a partir de lo que la audiencia no ve, por lo que he tenido un gran cuidado con la profundidad y el detalle en la zona de sombra del plano".
Sombras, misterios, luz difusa -todo ello símbolos distintivos para dar forma al terror a través de las lentes de Nott y compañía.
Lo más difícil de hacer una película como esta es, ¿cómo consigues que dé miedo? Haciendo que se mantenga anclada en la realidad", comenta Peter Spierig. "Cuando tienes cosas de verdad, una historia real sobre un lugar real y una persona real, eso la hace realmente aterradora. A Michael y a mí nos gusta desviar la atención con los sustos - cuando crees que va a ocurrir algo en tal punto de tensión o en tal momento y luego ocurre más tarde o más pronto, o al final ocurre otra cosa. Eso hace que dé un poco más de miedo. Pero cuando las personas son reales, una parte de ti se tiene que preocupar y eso es lo que la hace más terrorífica. Quieres que escapen de esa situación. Quieres que sobrevivan.
"Pero lo que Michael y yo esperamos es que la audiencia experimente una aterradora película sobre casas embrujadas".
¿Sobre si los hermanos creen en los fantasmas?
"Sí que creo que hay una fuente de energía en todos nosotros que tal vez se queda flotando una vez dejamos nuestros cuerpos", admite Michael.
"Nunca he conocido a un fantasma. Nunca hemos tenido una conversación ni hemos pasado el rato", añade Peter. "No puedo decir que haya tenido nunca alguna experiencia así. Pero conozco a personas que sí. Tal vez sea real. Tal vez no".
Sea como sea, queda una pregunta por hacer: Si Sarah construyó la casa para enfrentarse a aquellos vengativos fantasmas en vida, y murió en esa casa... ¿la historia está condenada a repetirse?.
Mudbound: El color de la guerra
2017
Duración 134 min.
País Estados Unidos
Dirección Dee Rees
Reparto Garrett Hedlund, Carey Mulligan, Jason Clarke, Jason Mitchell, Mary J. Blige,Rob Morgan, Jonathan Banks, Kerry Cahill, Kelvin Harrison Jr., David Jensen,Lucy Faust, Rebecca Chulew, Geraldine Singer, Dylan Arnold, Jon Arthur,Henry Frost, Jason Kirkpatrick, Frankie Smith, Elizabeth Ashling
Drama histórico sobre el enfrentamiento entre dos familias. Carey Mulligan (An Education, Las Sufragistas), Jason Clarke (El Planeta de los Simios: Confrontación, Everest), Garret Hedlund (Peter Pan:, Invencible) y Jason Mitchell (Straight Outta Compton) protagonizan esta épica historia de amor y superación ambientada en los hostiles campos de algodón del asombroso delta del Mississippi a finales de los años 40. Completan el reparto la cantante Mary J. Blige (Rock of Ages), Jonathan Banks (Breaking Bad) y Lawrence Turner (Dallas Buyers Club).
El director Dee Rees, quien ganó el Premio Gotham a Mejor director revelación por su primera película Pariah, se pone detrás de las cámaras en esta adaptación al cine de la multipremiada novela Mudbound, escrita por Hillary Jordan.
Lady Bird
2017
Duración 94 min.
País Estados Unidos
Dirección Greta Gerwig
Reparto Saoirse Ronan, Laurie Metcalf, Lucas Hedges, John Karna, Beanie Feldstein,Tracy Letts, Timothée Chalamet, Danielle Macdonald, Bayne Gibby, Victor Wolf,Monique Edwards, Shaelan O'Connor, Marielle Scott, Ithamar Enriquez,Christina Offley, Odeya Rush, Kathryn Newton, Jake McDorman, Lois Smith,Andy Buckley, Daniel Zovatto, Laura Marano, Kristen Cloke, Stephen Henderson
Greta Gerwig se revela como una nueva y atrevida voz en el mundo del cine con su debut como directora.
Entrevista con la guionista / directora Greta Gerwig
P: ¿LA PELÍCULA ESTÁ INSPIRADA EN TU PROPIA VIDA?
R: Me crié en Sacramento y me encanta, así que la motivación inicial para hacer la película era mi deseo de escribir una carta de amor a un lugar que sólo supe apreciar de verdad cuando me fui. Es diferente valorar cuánto amas algo cuando tienes dieciséis años y estás convencida de que la "vida" está ocurriendo en otro lado.
Nada de lo que pasa en la película es una vivencia personal literal, pero hay un núcleo de verdad conectado a un sentimiento de hogar, infancia y partida.
P: ESTÁ CLARO QUE SACRAMENTO, DONDE SE DESARROLLA LA ACCIÓN, TE LLEGA ESPECIALMENTE HONDO. ¿QUÉ HACE DE SACRAMENTO UN LUGAR ESPECIAL?
R: Joan Didion es de Sacramento y, cuando descubrí su obra de adolescente, fue una experiencia espiritualmente trascendental. Fue tan impactante como si eres de Dublín y de repente lees a James Joyce. Era mi poetisa favorita. Es la primera vez que experimenté la visión de un artista contemplando mi propio hogar. Siempre había pensado que el arte y la literatura tenían que tratar de cosas "importantes", y estaba totalmente convencida de que mi vida no lo era en absoluto. Su obra, sin embargo, tan bonita, clara y específica, era sobre mi mundo. Yo conocía perfectamente a todas las mujeres sobre las que Joan escribía. Su modo de organizar armarios, las cosas que valoraban, la visión del mundo de clase media rural que da forma a este rincón del país...
Cuando la gente piensa en California, tienda a pensar en San Francisco o Los Ángeles, pero hay un enorme valle agricultor que recorre el centro del estado. Sacramento está situado en el extremo norte de ese valle, y aunque es la capital del estado, lleva el espíritu agrario en sus venas. No es una ciudad que pretenda deslumbrar a nadie. No es una marca en sí misma ni intenta venderse al mundo. El propio lugar y su gente se caracterizan por su sentido de la modestia y su integridad.
P: ¿CÓMO FUE PARA TI LA EXPERIENCIA DE ABANDONAR SACRAMENTO Y POR QUÉ ES UN COMPONENTE IMPORTANTE DE LA HISTORIA?
R: Una de las primeras cosas que escribí para la película fue la escena de la universidad en la que alguien le pregunta a Lady Bird de dónde es y miente contestando que de San Francisco. Ese momento en el que un sentimiento de profunda vergüenza lleva a negar quién eres era desde el que quería trabajar para construir alrededor de él una película, de modo que, cuando ella niega sus raíces, el público se siente personalmente traicionado y herido. Como si los espectadores también fueran de Sacramento y conocieran profundamente esos sitios y a esa gente. Lady Bird traiciona sus raíces para dar una imagen ligeramente mejor a alguien a quien acaba de conocer.
Es inevitable, quizá, renegar del lugar del que procedes. No soy católica practicante, pero siempre me ha conmovido la historia de la negación de San Pedro. En la Última Cena, Pedro le asegura fervientemente a Jesús que moriría antes que renegar de él, pero Jesús le contesta que en realidad le negará tres veces "antes de que el gallo cante". Pedro insiste en que no. Ni qué decir tiene que Pedro acaba negando conocer a Jesús en tres ocasiones. El gallo canta junto en el momento en que niega por tercera vez que no es discípulo de Jesús. Pedro se siente entonces totalmente devastado por su propia debilidad.
Sin embargo, tras la resurrección, Jesús se le aparece a Pedro y le pregunta tres veces si le quiere. Pedro responde que sí en cada una de las ocasiones. Se le da la oportunidad de arrepentirse a través del amor.
Estas historias siempre han inspirado mi escritura y mis ideas, dar con una verdad universal más grande tras lo que llamamos "pequeñas" vidas. Lady Bird reniega de su lugar de origen, pero también declara su amor. Cuando nos brindan la oportunidad de redimirnos, necesitamos el amor para aceptar esa oportunidad.
P: SE DEDUCE QUE CHRISTINE TAMBIÉN RENIEGA DE SU AUTÉNTICO NOMBRE.
R: Sí.
P: ¿Y POR QUÉ LO HACE? QUÉ SIGNIFICA EL NOMBRE "LADY BIRD"?
R: Rebautizarse es a la vez un acto creativo y religioso. Reclama autoría y es un modo de dar con tu auténtica identidad creando una. Es una mentira al servicio de la verdad. En la tradición católica, te dan un nombre de confirmación, para llamarte como un santo al que quieras emular. En el rock and roll, escoges un nombre totalmente nuevo (David Bowie, Madonna, etc.) para situarte en una esfera mítica superior.
Muy al comienzo del proceso de escritura, me topé con algo que no era capaz de superar. Dejé todo de lado y escribí en la parte superior de una página en blanco: "¿Por qué no me llamas Lady Bird? Prometiste que lo harías". Quería llegar a conocer a esa chica que le pedía a todo el mundo que la llamase por ese curioso nombre. El origen del nombre es un misterio. Nunca lo había pensado antes de escribirlo. Me gusta cómo suena. Transmite desenvoltura. Es antiguo. Escribir este guión fue mi modo de llegar al corazón de esa chica.
Más tarde, recordé la rima de ese poema infantil: "Ladybird, ladybird, fly away home" (Mariquita, mariquita, vuela a tu casita). Es sobre una madre que vuelve a casa para asegurarse de que sus hijos están bien. No sé cómo se nos quedan esas cosas en el cerebro, o por qué salen de repente cuando menos te lo esperas, pero parece ser una parte esencial del proceso creativo en mi caso: el desarrollo inconsciente de algo que sabes sin realmente saberlo.
P: LA HISTORIA GIRA ALREDEDOR DEL ÚLTIMO AÑO DE INSTITUTO DE LADY BIRD. ¿POR QUÉ ELEGISTE ESE MOMENTO COMO CLAVE PARA CONSTRUIR LA PELÍCULA?
R: Cuando eres adolescente en Estados Unidos, tu vida está organizada en torno a años académicos. Primero, segundo, tercero, cuarto... Siempre parece tener sentido contar la historia de todo un curso. Los rituales propios, la circularidad. El modo en que acabamos donde empezamos. Es una espiral ascendente. El último año de instituto arde con intensidad y desaparece tan rápido como ha emergido. Hay una cierta intensidad especial en los mundos que llegan a su fin. Hay un sentimiento anticipado de pérdida, de "últimos". Es así tanto para padres como para hijos. Es algo bello que nunca antes habías apreciado y que termina justo cuando por fin lo entiendes. El modo en que el tiempo se escapa es un tema central de la película, con cada escena precipitándose sobre la siguiente. No podemos detenerlo.
P: HAS MENCIONADO QUE HAS COESCRITO GUIONES CON ANTERIORIDAD, PERO ¿ES ESTA LA PRIMERA VEZ QUE DIRIGES?
R: Sí.
P: CUANDO ESCRIBISTE EL GUION, ¿SIEMPRE TUVISTE INTENCIÓN DE DIRIGIRLO?
R: Escribir para mí lleva su tiempo. Ni siquiera sé decirte cuánto. Igual años, porque no es lineal. Es un personaje o una escena aquí y allá. Tiendo a escribir de más, cientos de páginas que acabo desechando. Al final, reduzco todo a la mínima expresión y encuentro la esencia. Eso sí: mientras estoy escribiendo, me parece imposible que vaya a ser una película. Por eso, la idea de dirigir no era conscientemente algo que tomara en consideración.
Sin embargo, una vez que tuve el guión acabado, supe que debía dirigirlo. Y supe que esa había sido mi intención desde el principio. Simplemente no podía permitírmelo saber para no asustarme. Llevo queriendo dirigir hasta donde me alcanza la memoria, pero la valentía no es algo que se reúna de la noche a la mañana.
P: ¿Y CÓMO ES EL PROCESO DE DIRIGIR? ¿QUÉ HAS APRENDIDO A LO LARGO DE ESE PROCESO?
R: Aún estoy aprendiendo a dirigir, y espero nunca dejar de hacerlo, incluso cuando tenga ochenta años y no haga más que repetirme. Catalogar todo lo que he aprendido sería aburrido e imposible.
Una cosa que tengo clara es que siempre hay que contratar a gente que sea más inteligente que uno mismo. Es una máxima del gran cineasta Harris Savides, que aprendí de mi director de fotografía, Sam Levy. Vale para todos, desde actores o decoradores de sets hasta diseñadores de carteles. Tuve la suerte de estar rodeada por gente que, verdaderamente, son más inteligentes que yo.
Otra cosa que me gustaría comentar es que el término "director" no es muy exacto. Implica que todo lo que tienes delante hay que "dirigirlo", simplemente. Creo que el francés lo expresa de forma más precisa con "réalisateur". El director es la persona que "realiza" la película. Hace que ocurran las cosas, les da una forma actualizada, las hace existir. Nadie conocerá jamás las películas que no haces, y no tienen otro motivo para existir que el hecho de que tú las hagas realidad.
P: CUÉNTANOS ALGUNA GRAN SORPRESA QUE TE HAYAS LLEVADO HACIENDO LA PELÍCULA.
R: El calibre de los colaboradores que he tenido ha sido la mayor sorpresa, y aquella por la que me siento más agradecida. No me podía creer que gente con tantísimo talento estuvieran dedicando su tiempo y sus dones a esta película. Desde Scott Rudin and IAC Films firmando para hacerla, a Lois Smith aceptando interpretar a la hermana Sarah Joan, todas las personas involucradas han ido mucho más allá de lo que nunca habría imaginado. Y ha sido sorprendente.
Aún me lo sigue pareciendo.
P: ¿CUÁLES HAN SIDO LOS MAYORES DESAFÍOS Y RECOMPENSAS DEL PROCESO DE HACER UNA PELÍCULA?
R: Lo más gratificante ha sido ver trabajar a los actores. Yo había escrito el guión sola, y lo había oído en mi cabeza, pero de pronto ves cómo cobra vida y forma de un modo mucho mejor a todo lo que yo había imaginado. Creo que hay directores que desearían clonarse a sí mismos para hacerlo todo, pero yo no soy así. Dejar que la gente lo ponga todo en el proyecto, su alma y su creatividad, es para mí una de las mayores alegrías del proceso. En cuanto a los desafíos... Cada paso fue un desafío, pero esa faceta de dificultad se desdibuja en mi recuerdo.
P: ¿CÓMO DIRÍAS QUE HA INFLUIDO EN TU ESTILO COMO DIRECTORA EL HECHO DE PROCEDER DEL MUNDO DE LA INTERPRETACIÓN?
R: Como he trabajado de actriz, soy muy sensible respecto a todo el proceso de casting. He estado en muchas situaciones de audición humillantes, y sé cómo te sientes cuando muestras algo en lo que has puesto el corazón y la gente que tienes delante ni siquiera levanta la vista. No podía elegir a todos los maravillosos actores y actrices que vi, pero sí mostrarles respeto y consideración mientras compartían su arte conmigo.
También creo firmemente que los actores necesitan tener un mundo secreto ajeno al director. Necesitan establecer sus propias conexiones entre sí, y no considero que el director deba ser parte de eso. Quería brindarles ese espacio para actuar. Hacía cosas como concertar reuniones entre el diseñador de vestuario y alguno de los actores, sin estar yo presente, porque quería que compartiesen su propio lenguaje privado, y la sensación de que estaban creando juntos al personaje.
Yo decía mi opinión sobre lo que me gustaba y lo que no, claro, pero no quería entrometerme demasiado. Parte de la labor de los actores es realmente hacer propio el personaje, y si tienes a alguien diciéndote constantemente que no a todo y corrigiéndote, nunca vas a sentir que te fundes con el papel. Mi trabajo era crear un perímetro para que pudiesen quitarme esa responsabilidad, porque los personajes ya no eran míos.
P: ¿TIENES PENSADO DIRIGIR MÁS PELÍCULAS PRÓXIMAMENTE?
R: Sí, sin duda. Lo haré.
P: ¿CÓMO FUE LA ELECCIÓN DE SAOIRSE, Y QUÉ HACÍA QUE FUERA PERFECTA PARA EL PAPEL DE LADY BIRD?
R: Me reuní con Saoirse Ronan en el Festival de Cine de Toronto en 2015, al que acudió por la película Brooklyn. Me senté en su habitación y leí todo el guión en alto con ella. En cuanto la vi pronunciar esas frases, supe sin lugar a dudas que ella tenía que ser Lady Bird. Era diferente y mucho mejor de lo que había imaginado. Era obstinada, divertida y conquistadora, de un modo universal y específico. Justo estaba comprometida para ensayar El crisol en Broadway, así que hubo que retrasar la película seis meses, pero ninguna otra persona podría haberlo hecho igual. El papel era suyo en cuanto leyó para mí dos minutos.
P: ¿CÓMO FUE EL PROCESO DE DESARROLLAR EL PERSONAJE CON ELLA, Y CÓMO EVOLUCIONÓ ESE PERSONAJE A TRAVÉS DEL PROCESO DE RODAJE?
R: Los guiones que escribo apenas cambian durante la grabación. Cada línea se dice exactamente tal y como fue escrita. Una película no es primordialmente un modo de transmitir palabras, pero yo valoro el recurso por mi gran amor al teatro, así que para mí el lenguaje es primordial.
Sin embargo, el proceso de crear un personaje es un auténtico collage artístico. Saoirse estaba actuando en Broadway, y yo iba dándole información poco a poco. Le daba una novela, un poema, una foto... A medida que fuimos eligiendo a más actores y actrices, los iba reuniendo para miniensayos. Quería que los actores comenzaran a generar una burbuja mágica compartida de creación de esa realidad.
R: El calibre de los colaboradores que he tenido ha sido la mayor sorpresa, y aquella por la que me siento más agradecida. No me podía creer que gente con tantísimo talento estuvieran dedicando su tiempo y sus dones a esta película. Desde Scott Rudin and IAC Films firmando para hacerla, a Lois Smith aceptando interpretar a la hermana Sarah Joan, todas las personas involucradas han ido mucho más allá de lo que nunca habría imaginado. Y ha sido sorprendente.
Aún me lo sigue pareciendo.
P: ¿CUÁLES HAN SIDO LOS MAYORES DESAFÍOS Y RECOMPENSAS DEL PROCESO DE HACER UNA PELÍCULA?
R: Lo más gratificante ha sido ver trabajar a los actores. Yo había escrito el guión sola, y lo había oído en mi cabeza, pero de pronto ves cómo cobra vida y forma de un modo mucho mejor a todo lo que yo había imaginado. Creo que hay directores que desearían clonarse a sí mismos para hacerlo todo, pero yo no soy así. Dejar que la gente lo ponga todo en el proyecto, su alma y su creatividad, es para mí una de las mayores alegrías del proceso. En cuanto a los desafíos... Cada paso fue un desafío, pero esa faceta de dificultad se desdibuja en mi recuerdo.
P: ¿CÓMO DIRÍAS QUE HA INFLUIDO EN TU ESTILO COMO DIRECTORA EL HECHO DE PROCEDER DEL MUNDO DE LA INTERPRETACIÓN?
R: Como he trabajado de actriz, soy muy sensible respecto a todo el proceso de casting. He estado en muchas situaciones de audición humillantes, y sé cómo te sientes cuando muestras algo en lo que has puesto el corazón y la gente que tienes delante ni siquiera levanta la vista. No podía elegir a todos los maravillosos actores y actrices que vi, pero sí mostrarles respeto y consideración mientras compartían su arte conmigo.
También creo firmemente que los actores necesitan tener un mundo secreto ajeno al director. Necesitan establecer sus propias conexiones entre sí, y no considero que el director deba ser parte de eso. Quería brindarles ese espacio para actuar. Hacía cosas como concertar reuniones entre el diseñador de vestuario y alguno de los actores, sin estar yo presente, porque quería que compartiesen su propio lenguaje privado, y la sensación de que estaban creando juntos al personaje.
Yo decía mi opinión sobre lo que me gustaba y lo que no, claro, pero no quería entrometerme demasiado. Parte de la labor de los actores es realmente hacer propio el personaje, y si tienes a alguien diciéndote constantemente que no a todo y corrigiéndote, nunca vas a sentir que te fundes con el papel. Mi trabajo era crear un perímetro para que pudiesen quitarme esa responsabilidad, porque los personajes ya no eran míos.
P: ¿TIENES PENSADO DIRIGIR MÁS PELÍCULAS PRÓXIMAMENTE?
R: Sí, sin duda. Lo haré.
P: ¿CÓMO FUE LA ELECCIÓN DE SAOIRSE, Y QUÉ HACÍA QUE FUERA PERFECTA PARA EL PAPEL DE LADY BIRD?
R: Me reuní con Saoirse Ronan en el Festival de Cine de Toronto en 2015, al que acudió por la película Brooklyn. Me senté en su habitación y leí todo el guión en alto con ella. En cuanto la vi pronunciar esas frases, supe sin lugar a dudas que ella tenía que ser Lady Bird. Era diferente y mucho mejor de lo que había imaginado. Era obstinada, divertida y conquistadora, de un modo universal y específico. Justo estaba comprometida para ensayar El crisol en Broadway, así que hubo que retrasar la película seis meses, pero ninguna otra persona podría haberlo hecho igual. El papel era suyo en cuanto leyó para mí dos minutos.
P: ¿CÓMO FUE EL PROCESO DE DESARROLLAR EL PERSONAJE CON ELLA, Y CÓMO EVOLUCIONÓ ESE PERSONAJE A TRAVÉS DEL PROCESO DE RODAJE?
R: Los guiones que escribo apenas cambian durante la grabación. Cada línea se dice exactamente tal y como fue escrita. Una película no es primordialmente un modo de transmitir palabras, pero yo valoro el recurso por mi gran amor al teatro, así que para mí el lenguaje es primordial.
Sin embargo, el proceso de crear un personaje es un auténtico collage artístico. Saoirse estaba actuando en Broadway, y yo iba dándole información poco a poco. Le daba una novela, un poema, una foto... A medida que fuimos eligiendo a más actores y actrices, los iba reuniendo para miniensayos. Quería que los actores comenzaran a generar una burbuja mágica compartida de creación de esa realidad.
Según fuimos profundizando en los ensayos antes del rodaje, Saoirse y yo pasamos horas hablando juntas y quedando, de modo que, para cuando comenzó la grabación, era a ella a quien recurría para preguntarle qué se pondría Lady Bird en una escena en concreto, o cómo andaría o se sentaría. Saoirse desarrolló toda una expresividad física alrededor del personaje que dio forma a cómo quería fotografiarla, el ritmo de la grabación y la emoción.
P: EN ESTA PELÍCULA EXPLORAS MUCHAS RELACIONES, PERO DA LA IMPRESIÓN DE QUE EL NÚCLEO DE TODO ES LA HISTORIA ENTRE MADRE E HIJA.
R: Sí.
P: ¿POR QUÉ ELEGISTE PONER ESA RELACIÓN EN EL CENTRO DE LA PELÍCULA?
R: La relación madre-hija es la historia de amor de este proyecto. Durante bastante tiempo, el título de la película fue Madres e hijas.
Normalmente, en las películas sobre adolescentes, la historia se centra en un chico: el príncipe encantador, la respuesta a todos los problemas de la vida. Y a mí no me parece que la vida real sea así, en absoluto.
La mayoría de las mujeres que conozco mantienen una relación infinitamente bella e increíblemente compleja con su madre durante la adolescencia. Quería hacer una película que pusiera eso en el centro, en la que pudieras sentir empatía por ambos personajes en cualquier momento. No pretendía que una de ellos tuviese razón y la otra no. Quería que ambas fracasaran dolorosamente en su intento por conectar mutuamente, y quería recompensar el amor inconmensurable al final. Para mí, esos son los momentos más conmovedores de las historias de amor. El romance entre una madre y una hija es uno de los más complejos que conozco.
P: HABLEMOS DE LAURIE METCALF.
R: Oh, Laurie Metcalf.
P: ¿QUÉ TE HIZO SENTIR QUE ERA LA PERSONA ADECUADA PARA EL PAPEL?
R: De pequeña no veía mucho la tele, así que no conocía a Laurie de "Roseanne". Sabía que era una gran actriz sobre las tablas, alguien que había dado forma al teatro norteamericano moderno. Quería a alguien con esa profundidad, ese alcance y esa potencia, como un luchador capaz de estar a la altura de sus competidores, pero aparentando ligereza en su actitud. Y así es Laurie. Aporta muchísima humanidad y ternura a Marion, sin perder su vis cómica.
Su carácter del Medio Oeste norteamericano fue también un aspecto de ella que me atrajo mucho. Tracy Letts y ella son de la misma zona, y hay algo muy arraigado en ambos. Son competentes, no engreídos ni rimbombantes, aunque ambos tienen talento más que suficiente para serlo. Es una buena aproximación a la humildad de Sacramento.
Antes de reunirme con ella, estaba ocupándome de la prensa para una película que he hecho con Ethan Hawke. Sabía que ambos habían trabajado juntos en el teatro, así que le pregunté cómo había sido la experiencia. Ethan pidió al siguiente entrevistador que esperara para entrar, me agarró por los hombros y me dijo: "Si tienes la suerte de interesar a Laurie Metcalf en tu película, vas a ver lo que es una artista de verdad. Todo los demás nos dedicamos a fingir que hacemos lo que ella hace realmente".
Pero no se puede hablar de un gran deportista sin más; hay que verlo en acción. Y cuando empezamos los ensayos, lo tuve claro. Podríamos haberlo rodado el primer día.
P: ¿EN QUÉ CREES QUE SE PARECEN LADY BIRD Y MARION? ¿Y EN QUÉ SE DIFERENCIAN? ¿CÓMO CREES QUE AFECTAN ESAS SIMILITUDES Y DIFERENCIAS A LA TENSIÓN QUE HAY ENTRE ELLAS?
R: Lady Bird y Marion son dos caras de la misma moneda. Sus similitudes son las que hacen que sean tan cercanas y peleonas. Me encantó que Saoirse y Laurie fuesen casi exactamente de la misma estatura. Desde la primera toma, quería mostrarles que ambas eran la cara inversa de la otra. Una sola persona, pero independientes.
Parte de ello es generacional. Crecer como mujer en Estados Unidos fue algo totalmente distinto para Marion que para Lady Bird. Lady Bird ha nacido en los 80, por lo que forma parte de una generación para la que, de pronto, era posible tener sueños ambiciosos para una misma. Marion procede de la cultura de los 50, tras la Segunda Guerra Mundial. El derecho al aborto a raíz del caso Roa contra Wade se aprobó en la época en la que ella hubiera tenido veintitantos. Sus padres habrían vivido la Depresión. Incluso discusiones del tipo "cómo cuidar tus cosas" están profundamente arraigadas en sus respectivas generaciones. Creo que subestimamos las tensiones que generan esas diferencias entre madres e hijas.
P: LA RELACIÓN ENTRE AMBAS RESULTA DE UN REALISMO EXTRAORDINARIO. ¿CÓMO FUE EL PROCESO DE TRABAJAR CON ELLAS PARA DESARROLLAR ESA DINÁMICA?
R: Como sabe todo aquel que se ha peleado con un miembro de la familia, las discusiones nunca son nuevas. Es la misma repetida un millón de veces. Es ese tipo de dinámica bien entretejida en la que casi podrías recitar de memoria lo que va a decir la otra persona. Quería crear ese sentido de la repetición, de toda una vida peleándote y haciendo las paces.
Rodamos la primera escena en la última semana, la bronca a grito pelado en el coche. Para entonces, ya estaban totalmente compenetradas. Conocían a la perfección sus ritmos y energías. Creo que pelearse puede ser un modo disfuncional de expresar intimidad, porque sólo te peleas con la gente que de verdad conoces. Quería que esa pelea expresara intimidad. Desde la primera toma, estaban que mordían. Durante mucho tiempo en el montaje, usé todo el metraje de esta primera toma. Eso da idea de lo conectadas que estaban.
P: ¿QUÉ NOS PUEDES CONTAR DE LADY BIRD Y SU PADRE, LARRY? ¿CÓMO ES ESA RELACIÓN, Y EN QUÉ SE DIFERENCIA?
R: Larry es el héroe de Lady Bird. Le tiene una adoración absoluta, y no puede soportar la idea de haberle causado algún daño, o de que esté triste y ella no pueda solucionarlo.
Me encanta Tracy Letts como actor y como escritor, pero me daba la impresión de que nunca le había tocado interpretar a un personaje bondadoso. Habitualmente interpreta a gente intelectualmente muy rigurosa y fuerte, pero personalmente casi insoportables. Y se le da genial hacerlo. Sin embargo, cuando lo conocí en Sundance, vi que era muy cálido y que transmitía una dulzura que nunca he visto explorar, ni en el teatro ni en cine. Para mí, ese era Larry. Brillante y bueno, y capaz de imprimir profundidad emocional a su personaje.
P: ¿CUÁL ES EL PAPEL DE LARRY EN LA DINÁMICA FAMILIAR?
R: Larry es la persona que equilibra todo discretamente. Es el contrapeso. Adora a su mujer y a su hija, y quiere que ambas se vean entre sí del modo en que él las ve.
P: HÁBLAME DE LA EXPERIENCIA DE TRABAJAR CON TRACY Y DAR FORMA A SU PERSONAJE.
R: Tracy es uno de mis escritores favoritos de todos los tiempos, y lo que más valoraba de trabajar con él como actor es cómo me hablaba de mi guión. Es uno de los lectores de guiones más inteligentes con los que me he topado.
Quiere entender hasta la última coma. Algunas de las preguntas que me planteaba me ayudaron a afinar lo que había escrito y a perfeccionar mi instinto para ir a por lo que andaba buscando. Es económico como artista, y me animó a encontrar la esencia de la pieza. Lo más fructífero fue contar con sus comentarios y sus planteamientos, siempre bien dirigidos. Nos hizo dialogar sobre el personaje y la película, además de enriquecer y hacer más completo este proyecto.
P: SE PUEDE PERCIBIR QUE MARION Y LARRY COMPARTEN UNA HISTORIA EN COMÚN MUY INTENSA. DE HECHO, HAY MUCHAS COSAS QUE NO SE DESVELAN ABIERTAMENTE EN LA PELÍCULA. ¿HABLASTE CON LAURIE Y TRACY DE ESE TRASFONDO COMÚN PARA SUS PERSONAJES? ¿CÓMO SE DESARROLLÓ TODO ESO?
R: Hay una escena al comienzo de la película en la que Marion hace un chiste, Larry le responde con otro y ambos se ríen. Y se ríen con ganas. Para mí, eso lo dice todo. Se gustan. Están bien. Habrán tenido sus cosas buenas y malas a lo largo de los años, claro, y no todo habrá sido fácil, pero no es la historia de un matrimonio problemático. La gente que se ríe de ese modo está a gusto. Es todo mérito de Tracy, Laurie y su habilidad como actores el llenar esa sensación de vida en común en un mínimo de tiempo.
Algo del pasado de lo que sí hablamos es de que Marion era mayor cuando se casaron, y pensaba que no iba a poder quedarse embarazada. Por eso se decidieron a adoptar, pero resultó que sí se quedó embarazada. Se lo podría haber desvelado al público exponiéndolo en algún momento, pero lo cierto es que las familias no se explican de ese modo. Se limitan a existir tal y como son, saben lo que les une y lo que les convierte en una unidad. Siempre me han gustado las películas que no se extienden en explicaciones. A veces, en el cine, todo queda demasiado explícito, mientras que en la vida real nos encontramos con todo tipo de familias, y no siempre nos enteramos de su historia.
P: ¿SUS VIDAS ESTÁN BASADAS DE ALGÚN MODO EN LA DE TUS PROPIOS PADRES?
R: Son personajes con entidad propia, y existen en el universo ficticio de la película. Sin embargo, su generosidad es un homenaje a mis padres: su capacidad de abrir su hogar a quienes lo necesitaban siempre me ha parecido muy conmovedora. Ellos me enseñaron que la genética no es la base de una familia, sino el amor, y que siempre hay que compartir lo que tienes de todas las formas posibles.
P: ¿PUEDES CONTARNOS ALGO DE MIGUEL Y EL ACTOR QUE LO INTERPRETA, JORDAN RODRIGUES?
R: Quería que Miguel mantuviese una relación con sus padres mucho más fácil, menos tensa. Nunca se pelea con su madre como Lady Bird. Pero Shelly y él han caído en ese extraño espacio liminal en el que se encuentran tantos compañeros recién salidos de la universidad: han terminado sus estudios, pero su vida de adulto aún no ha comenzado.
Están atascados profesionalmente. Ambos son muy inteligentes (Berkeley) y conscientes (veganismo), pero no han descifrado aún cómo traducir sus ideas a la vida laboral moderna. Los piercings tampoco ayudan. Esa sensación de estar atrapados entre cosas que están atravesando matiza además la idea de Lady Bird de que la universidad será su oportunidad para "salir" de donde está. Es un contraargumento a una narrativa demasiado recta.
Creo que, a menudo, nos imaginamos que nuestra vida se mueve en una línea, cuando en realidad hay curvas, caídas y acelerones.
Jordan fue muy divertido en su audición, pero también tiene una faceta increíblemente dulce y vulnerable, que era esencialmente la que necesitábamos para la historia. Cuando aparece en la entrevista de trabajo, enseguida percibes su necesidad y su miedo. Ves el niño que era y el hombre en el que aún se está convirtiendo.
Era muy importante para mí que todos y cada uno de los personajes fuera de la órbita principal de Lady Bird y su madre, véase Larry, Miguel y Shelly, el padre Leviatch, Julie o el Sr. Bruno, se percibiesen como personas que, si nos centrásemos en ellas, merecerían su propia película. Que fuesen reales. Que no fueran simplemente accesorios de la vida de Lady Bird. Cada cual interpreta su propia obra. En una gran película de conjunto, no hay mucho tiempo para todos los personajes individualmente, así que cada escena tiene que causar impacto. Para ello, necesitas actores capaces de aportar una sensación de vida completa fuera del momento que vemos en pantalla. Miguel es un hermano mayor contrariado, pero también es simplemente un muchacho en lucha consigo mismo.
P: ¿CÓMO FUE EL PROCESO DE RECLUTAR A LUCAS HEDGES PARA EL PAPEL DE DANNY?
R: Vi a Lucas en Manchester junto al mar en Sundance en una de esas proyecciones de las 8:00 de la mañana, y después no podía parar de llorar, pensando en su brillante actuación. Le pasamos el guión y me reuní con él en Los Ángeles. Le dije que podía interpretar el papel que quisiera. Eligió a Danny, que era precisamente el que yo esperaba que escogiera.
P: ¿QUÉ ES LO QUE A LADY BIRD LE ATRAE O SEDUCE ESPECIALMENTE DE DANNY?
R: Lady Bird está en un momento de su vida en la que ama el amor y está deseando encontrar un objeto sobre el que proyectarlo, y Danny es un buen objeto amoroso. Es un encanto, guapo y el tipo de novio que todos soñamos que nuestra hija traiga a casa.
Siempre me pareció que Lady Bird no se equivoca en entregarle su amor a Danny, sino en la forma que debía tomar ese amor. Lo que a ella le atrae sigue siendo real. Es cierto que él no está siendo como de verdad es, y que, en último término, no tiene un interés romántico en ella. Pero ella sí que le gusta, y quiere pasar tiempo con ella, porque le parece salvaje, arrogante y libre. La cosa es que Danny se siente hundido por ciertas expectativas de su familia y el mundo de la comunidad católica en 2002.
El colectivo LGTBQ ha progresado muchísimo en cuestión de derechos y concienciación en los últimos quince años, pero 2002 era una época notablemente distinta, especialmente fuera de grandes núcleos urbanos. Cuando yo iba al instituto, nadie era "distinto". Nadie. No podías serlo. Te daban una paliza, o algo peor. Gracias a Dios que eso ha cambiado. Pero no hace tanto tampoco. El cambio acaba de producirse. Ahora, es fabuloso ver a los chavales sintiéndose mucho más cómodos con cómo son y aceptados en su comunidad. Danny desearía fervientemente ser la persona que Lady Bird quiere que sea, y aunque trata de negar su esencia, resulta aun así increíblemente amoroso y entregado. Desearía ser el novio perfecto. Pero, al final, acaba siendo el amigo perfecto.
P: ¿QUÉ IMPACTO TIENE ESA RELACIÓN EN LADY BIRD?
R: Al principio, Lady Bird ve a Danny como parte de su vida, sin ver la historia de él. Luego, cuando él la visita en la cafetería, Lady Bird comienza su transformación y lo ve como una persona con su propia narrativa.
Yo no creo que la gente cambie en un instante. Pero, en ese momento, de pronto se percata del peso de la personalidad de Danny, y ahí es cuando la historia comienza a cambiar.
P: HABLEMOS DE KYLE. ¿CÓMO FUE EL PROCESO DE RECLUTAR A TIMOTHÉE PARA SU PAPEL?
R: Timothée hizo la audición para mí, y me pareció un actor tremendo: joven, lleno de talento e inteligente. Fue a la Universidad de Columbia, es pianista, habla francés e italiano y, sinceramente, resulta bastante intimidante. Había algo en ese intelecto supremo que pensé que funcionaría muy bien para Kyle. Kyle es un personaje frustrante, pero muy listo. Es fácil reírse de sus ideas, pero todas están fundadas en una capacidad auténtica de pensamiento profundo. Timothée fue capaz de interpretarlo de un modo muy auténtico.
Puse a su disposición mucha literatura sobre socialismo, teoría de la economía y matemáticas, y también artículos académicos sobre Internet. Hay un libro de ensayos titulado The Internet Does Not Exist (Internet no existe) que me encantó, y le pasé una copia a Timmy. Lo leyó, así como las anotaciones que yo había ido dejando en los márgenes. Estaba un poco sorprendido de que compartiera tanta visión del mundo con Kyle. Me dijo: "Todo el mundo va a pensar que eres Lady Bird, cuando en realidad eres Kyle". Le hice ver Mi noche con Maud, de Eric Rohmer, para que pudiera asimilar los ritmos de un joven convencido de estar hablando a una mujer, no con ella.
P: ¿QUÉ ES LO QUE A LADY BIRD LE RESULTA ATRACTIVO DE KYLE?
R: Con Kyle, Lady Bird experimenta esa atracción sexual irrefrenable por primera vez. Las indicaciones de actuación eran: "En un segundo, comprende todas las canciones de R&B".
Es puro deseo. Construye una narrativa alrededor de él que realmente no existe, porque eso es lo que hacen las adolescentes.
Yo les ponía muchos temas de películas de John Hughes en el set, desde La chica de rosa a Se busca Novio. Películas que a mí me encantan. Muchas mujeres se han criado viendo esos romances, y es difícil olvidar ideales de ese calibre. Incluso en el caso de que esté totalmente claro que el objeto de tu afecto no se comporta como un galán de película. Quería que la película mostrase la fantasía tanto por dentro como por fuera: que se sintiese la intensidad de las emociones reconociendo por otro lado que fuesen castillos de papel.
P: ¿CÓMO DISTE CON BEANIE FELDSTEIN PARA EL PAPEL DE JULIE?
R: Beanie Feldstein se presentó en el casting para el papel de Julie, y mostró exactamente la interpretación que vemos en la película. Fue inmediato, al instante. Resultó muy emotiva, abierta, divertida pero con su toque serio, y en ningún caso autocompasiva. Transmitía cierta dureza, resistencia. Cuando salió de la sala de audiciones, tuve un momento Hollywood, girándome hacia los directores de casting y diciéndoles aquello de "Esta es nuestra Julie".
P: ¿QUÉ SIGNIFICA ESA AMISTAD PARA EL PERSONAJE DE LADY BIRD?
R: Es el amor-amistad en estado puro de su juventud. Cuando sientes ese amor-amistad por alguien en el instituto, y de hecho creo que pasa en el instituto porque es cuando tienes cierta autonomía real por primera vez, podrías pasarte cada hora del día con esa persona y seguir queriendo más y más. En cuanto vuelves a casa, llamas a la persona y le preguntas: "¿Qué haces ahora?".
Me gusta asignar tropos cinematográficos de romances chico-chica a otras relaciones, como una madre corriendo al aeropuerto para ver a su hija, en vez de que sea un hombre buscando a su amada. Del mismo modo, cuando Lady Bird va a pedirle a Julie que vaya con ella al baile de promoción, percibimos esa sensación de "¡Consigue a tu chica!" que estamos acostumbrados a ver en historias de amor heterosexuales. Es una demostración de personalidad, pero con tu mejor amiga.
P: NO HE PODIDO EVITAR PERCATARME DE QUE GRAN PARTE DEL ELENCO HA TRABAJADO EN TEATRO.
R: Sí.
P: ¿FUE EN ALGUNA MEDIDA UNA ELECCIÓN CONSCIENTE DURANTE EL CASTING, O ALGO QUE OCURRIÓ DE FORMA NATURAL?
R: Adoro a los actores teatrales. Y adoro el teatro. Soy una friki del teatro. Mi primer amor fue el teatro y nunca lo he superado. Los actores veteranos de esta película, Lois Smith, Stephen McKinley Henderson, Laurie Metcalf y Tracy Letts, son gente a la que he observado y admirado, y sobre la que he leído, durante años. Son gigantes del teatro norteamericano. Contar con la ayuda de Scott Rudin fue clave para acceder a actores de semejante nivel. Cada vez que entro a su despacho, veo carteles por las paredes de lo mejor de la historia del cine y del teatro, algunas de mis creaciones favoritas de todos los tiempos.
P: HABLEMOS UN POCO DEL AÑO EN EL QUE SE DESARROLLA LA ACCIÓN, 2002.
R: La respuesta sencilla es que no me interesaba rodar una historia en la que hubiese smartphones. Si haces una película sobre adolescentes ahora, gran parte de su vida sucede online, y yo no sabría cómo hacerlo sin rodar un montón de pantallas.
La respuesta más honesta es que quería hacer una película que tuviera lugar en el mundo inmediatamente posterior a los atentados del 11-S, que creo que nos llevaron a una nueva era que apenas estamos comenzando a entender. Mi objetivo no era hablar de la política mundial ni economía nacional, sino presentarla. Fue un momento en el que vivimos la erosión total de la clase media. Seguimos viviendo dentro de ese nuevo paisaje económico. La invasión de Irak es un recuerdo muy vívido para mí, aunque yo estaba en la universidad, no en el instituto, cuando sucedió. Y, por supuesto, seguimos presentes allí. Aún no hemos retirado todas las tropas. No me interesaba la guerra moderna televisada, la propaganda y el teatro que acarreaban. Es como si pusieran el horror a tu disposición, pero de un modo completamente gestionado y distante.
Está el terror de la guerra y la incertidumbre del mercado laboral, pero siguen dándose flechazos y nuevas amistades. La vida no se divide en diferentes temas. No hay historia allí y vida personal aquí. Todo ocurre junto.
P: YA HAS HABLADO DE CÓMO LA ICONOGRAFÍA Y LAS NARRATIVAS DEL CATOLICISMO HAN INFLUIDO EN TU FACETA ARTÍSTICA Y TU PUNTO DE VISTA. ¿CÓMO CREES QUE ENCAJA EL CATOLICISMO EN LA VIDA DE LADY BIRD?
R: Al principio de la película, durante la secuencia de créditos en la iglesia, las primeras palabras que se pronuncian son: "En el nombre del Padre, del Hijo y del Espíritu Santo". Es algo que en misa se dice constantemente. Cuando eres adolescente, piensas: "¿Y bien? ¿Qué pinto yo en todo esto?" No soy padre, hijo ni espíritu santo". Una podría aspirar a ser la Virgen María, pero parece de algún modo algo secundario, no parte del principal evento. Es una sensación de "¿Dónde encajo yo en esta estructura patriarcal?".
Creo que la religión es una forma de narración, un modo de darle significado a la vida, y es difícil si no te ves reflejada en ella. Lady Bird se ha topado con este problema y despotrica contra todo eso.
Sin embargo, el personaje de Lois Smith, la hermana Sarah Joan, presenta una faceta alternativa del catolicismo. No es efusiva ni empalagosa, pero resulta sólida y amorosa de un modo más prosaico. Es un poco áspera, pero se involucra mucho en la vida de sus estudiantes. Presenta otra opción, otro modo de expresar la fe.
La idea de la gracia, teológicamente hablando, me resulta fascinante. No es algo que se gane, sino que se te otorga. Uno no experimenta la gracia siendo buena persona. El bautismo es un momento de gracia. Se podría ver como salvar a los bebés del infierno, pero también se puede ver como experimentar amor y gracia antes de haber podido hacer nada para "merecerla". Una definición de la gracia que escuché es que es generosa, gratis y totalmente inesperada e inmerecida. Ese es el tipo de gracia que se le presenta continuamente a Lady Bird, y su viaje consiste en aceptarla.
Lady Bird no es un personaje específicamente religioso, y no ha tenido ninguna experiencia mística, pero es su momento de transformación. El lugar del que procede y la tradición en la que la han criado le han brindado raíces y alas. Al final vuelve a la iglesia porque es su hogar, pero no puede permanecer allí. Solo puede seguir avanzando, aceptar los dones que recibe y decir "gracias".
P: ¿QUÉ PAPEL CREES QUE TIENE LA CLASE SOCIAL EN LA PELÍCULA? LADY BIRD PARECE SENTIR CIERTA VERGÜENZA RESPECTO A SU PROPIO ESTATUS. ¿POR QUÉ ES IMPORTANTE PARA EL PERSONAJE?
R: No creo que nadie sienta nunca que tiene suficiente o que sea suficiente. La obsesión de Lady Bird con la clase tiene su origen en algo real: su familia sufre dificultades económicas. Además, están atrapados en una clase media muy parca, donde la mayoría de recursos y medios económicos van a parar a los de arriba. Sin embargo, uno de los temas principales de la película es reconocer la riqueza de la propia vida, comprender lo muchísimo que tienes en vez de lo poco que crees tener. En una sociedad hipercapitalista en la que hay cosas que tienes y cosas que no, es difícil conectar con la sensación de "suficiente", pero es parte de su viaje.
Además, creo que las chicas lo tienen mucho más difícil que los chicos en lo referente a conectar su propia autoestima con la situación económica de su familia. Los chicos tienen la misma presión, pero en su caso su estatus no depende tanto de las cosas, y siempre tienen la vía de escape de los deportes. Si se te daban bien los deportes, estabas a salvo. La cultura de las chicas gira en torno a cuánto cuestan los zapatos que llevas o lo deslumbrante que es tu coche.
Parte de ser una adolescente consistía en reflejar dinero en tu ropa, en función de las marcas que vistieras. Querías que la gente supiese lo mucho que te habías gastado en lo que tenías. Es algo que a Lady Bird le parece de muy mal gusto, pero en cierto modo envidia.
P: ¿POR QUÉ DECIDISTE ACABAR LA PELÍCULA EN NUEVA YORK CUANDO LADY BIRD YA VA A LA UNIVERSIDAD?
R: No creo que los finales sean realmente finales, ni que los comienzos sean tampoco inicios, verdaderamente. Siempre estamos en el proceso de mirar hacia atrás y poner punto y final a una historia que parece haber acabado. Despegar en el avión es un falso final, y el falso comienzo de una nueva historia. Ha dejado atrás su antigua vida sencilla porque se monta en un avión.
Hay un concepto cuáquero sobre el que pensé al hacer esta película, la idea del "camino abriéndose" y también el "camino cerrándose". El "camino abriéndose" es esa sensación de tener claros los siguientes pasos que tienes que dar, de que el sendero que debes recorrer lo tienes preparado ante ti. Un "camino cerrándose" es lo contrario. Es echar la vista atrás desde donde has venido y darte cuenta de que las puertas están cerradas. El final de la película es un momento tanto de "camino abriéndose" como de "camino cerrándose". Sólo se puede ir hacia delante, porque nunca puedes volver corriendo a la infancia. Solo puedes expresar tu gratitud y dar un paso después del anterior para adentrarte en tu nueva vida.
P: HABLEMOS UN POCO DE CIERTOS ASPECTOS TÉCNICOS DE LA PELÍCULA. CUÉNTAME ALGO DE TU COLABORACIÓN CON EL DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA SAM LEVY Y DE CUÁL ERA VUESTRO OBJETIVO RESPECTO AL ASPECTO VISUAL DE LA PELÍCULA.
R: Sam Levy ha rodado tres películas en las que he participado, dos de las cuales he coescrito, y me siento increíblemente afortunada de contar con él como colaborador. Me encanta su forma de ver el mundo. Nos pasábamos horas juntos mirando fotos, haciendo listas de escenas que debíamos rodar y hablando de películas. Compartimos un lenguaje común tras años de trabajar juntos y confío plenamente en él. Era como mi otra mitad, y nos entendemos a la perfección con lo mínimo, algo de un valor incalculable a la hora de hacer la película.
Quería que todos los planos contaran con un encuadre específico, como un tríptico del Medievo, como una presentación. Nada tipo amateur o manual, o tipo documental. Hablamos sobre transmitir en todo momento una sensación de proscenio, de una película que se desarrolla en una serie de escenas preparadas, al igual que el vía crucis presenta la historia de la Pasión.
Siempre he visto la historia como una especie de alegoría, y quería que la fotografía reflejara eso.
También quería que los colores transmitiesen la sensación de un recuerdo en el tiempo, que no fuera exactamente como se ve el mundo. No es que quisiéramos embellecerlo mucho, tampoco, pero sí que quería que Sacramento se viese bonito, porque está retratado con honestidad, del mismo modo que quería que los personajes resultasen bellos por sus defectos, no a pesar de ellos. Nos fijamos en los cuadros de Wayne Thiebaud y Gregory Kondos porque capturan el color, la sencillez y la belleza que caracterizan a Carolina del Norte. La densidad de colores pastel que emplean siempre me ha evocado sentimientos que recuerdan a hogar.
Para conseguir ese resultado, Sam Levy y yo trabajamos con nuestro colorista Alex Bickel, que es un auténtico artista. Ha estado con nosotros desde el principio, y nos ha ayudado a marcar el look de la película. Hubo muchas pruebas, mucho ensayo y error hasta dar con lo que buscábamos.
Yo no hacía más que decir que quería que pareciese que la película sucedía allí. Quería sentir constantemente el encuadre y el medio cinematográfico.
P: HÁBLAME DE LA EXPERIENCIA DE MONTAR LA PELÍCULA Y TRABAJAR CON NICK HOUY.
R: Nick Houy vino a parar al proyecto a través de Jen Lame, que había montado Frances Ha y Mistress America. El montaje es como volver a escribir la película, y cuando Nick leyó por primera vez el guión, respondió con notas muy cuidadosas que eran como de guionista.
Comprendió el tono que buscábamos, que era el de una canción pop que sólo te das cuenta de que es triste cuando alguien hace una versión más lenta y escuchas verdaderamente la letra.
Me gustan las películas que te pillan desprevenido, en las que no te das cuenta que se está tejiendo una historia que te está llegando. Mike Leigh es uno de mis cineastas favoritos, y sus películas tienen esa virtud. Nick Houy entendió el tipo de ligereza que buscaba, el modo en que la película debía resultar banal y emocionante como las olas rompiendo en una playa, pero que, cuando llegara la resaca, te dejara metida en aguas mucho más profundas de lo que te esperabas.
P: ¿HUBO ALGO QUE TE GUSTASE MUCHO Y QUE TE VIERAS OBLIGADA A ELIMINAR EN EL MONTAJE? ¿ALGO QUE HUBIERA QUE DESCARTAR?
R: La mayor parte de lo que sale en el guión aparece en la película. Como ya he escrito otras películas y me he involucrado mucho en el proceso de montaje, desde el principio tenía la idea de lo que querríamos en la versión final.
Sí que hubo alguna que otra cosa. Una despedida entre Julie y Lady Bird que tuve que quitar porque daba la impresión de que ya se habían dicho adiós. También un discurso de campaña cuando Lady Bird se presenta candidata a la asociación de estudiantes, que realmente no encajaba.
Sin embargo, la principal dificultad fue reconocer que no podía usar todas las excelentes tomas que los actores me brindaron. Solo podía elegir una única lectura, aunque me proporcionasen un material increíble con cada toma.
P: TODOS LOS ESPACIOS QUE USAS EN LA PELÍCULA TIENEN UNA PERSONALIDAD MUY DEFINIDA. ENCAJAN TOTALMENTE CON LA ÉPOCA. ENCAJAN PERFECTAMENTE CON LA HISTORIA. ¿CÓMO LO CONSIGUIERON TU DISEÑADOR DE PRODUCCIÓN, CHRIS JONES, Y TÚ?
R: Conocí a Chris Jones trabajando en la película de Mike Mills Mujeres del siglo XX. La película se desarrollaba un mundo muy específico. Era Santa Bárbara en 1979 y Chris hizo un trabajo increíble creando algo muy particular. Fue muy sensible y cuidadoso. Conoce el significado de una silla frente a otra, no sé si me explico. Sabe que los objetos tienen su historia, su psicología y su personalidad. Además, Chris es pintor y tiene mucho sentido de los colores y de las emociones que despiertan. Trataba cada set como un bodegón. Podías fotografiarlo por sí mismo y transmitía mucha información y sensaciones.
P: ES EL TURNO DEL VESTUARIO. LA ROPA ES MUY MODESTA, PERO CADA ATUENDO RESULTA INCREÍBLEMENTE ESPECÍFICO Y ENCAJA PERFECTAMENTE CON EL PERSONAJE. ¿PUEDES HABLARNOS DE TU COLABORACIÓN CON APRIL NAPIER?
R: April Napier me llegó también por recomendación de Mike Mills. Me senté a reunirme con ella y llevábamos puesto exactamente lo mismo. Me pareció una señal muy reveladora.
Le di unos cuantos anuarios como referencia y nos empapamos de viejas fotos y revistas; lo típico a la hora de documentarse, pero creo que lo mágico del proceso fue cómo colaboraba con los actores. Mantenían reuniones propias y luego me mostraban lo que habían descubierto. Beanie y ella son las responsables de las horquillas que Julie lleva en el pelo y de las zapatillas blancas. Yo siempre ando buscando justamente esa clase de atención a los detalles. Creo que cada departamento cuenta la historia utilizando sus propios medios, y en el caso de ella era a través de la ropa.
P: ¿Y LA BANDA SONORA? ¿CÓMO FUE EL PROCESO DE TRABAJAR CON JON BRION? ¿QUÉ QUERÍAS CONSEGUIR CON LA MÚSICA?
R: Jon Brion es mi músico/compositor/productor favorito de todos los tiempos, y trabajar con él fue un sueño hecho realidad. Es una banda sonora melódica con aire añejo, que es exactamente lo que yo esperaba. No quería que la música se percibiese como sólo de fondo o ambiental; quería que estuviese muy presente y fuera estructurada, en primer plano de la narración. En la primera conversación que tuvimos me tocó un esbozo que se convertiría en el tema principal de la película. El tema principal de Lady Bird, esa melodía en descenso, una caída con su recuperación. Él ya tenía en la cabeza que sonasen instrumentos de viento de madera, que son más delicados que las cuerdas, pero transmiten la misma emotividad.
Es un tipo nocturno, así que lo que hacíamos era que yo volaba a Los Ángeles y nos quedábamos toda la noche trabajando en ello. Se ponía a trabajar sobre las 10 de la noche y paraba a las 6 de la mañana. Hablábamos, veíamos escenas de la película y luego se sentaba al piano y componía melodías preciosas para la película. Después, parábamos y hablábamos un poco más. De películas, de la vida y de todo. A veces, le explicaba un sentimiento, y él tocaba algo al piano que era literalmente el equivalente musical de ese sentimiento. Poco a poco, creó nuestra banda sonora de ese modo.
P: LAS CANCIONES SELECCIONADAS PARA LA PELÍCULA CONSIGUEN ENFATIZAR LOS MOMENTOS EMOTIVOS Y CAPTURAN LA ÉPOCA. HÁBLAME DE ESAS ELECCIONES Y EL PORQUÉ.
R: Quería que las canciones que sonaran en la película, los "momentos tocadiscos", fuesen un verdadero reflejo del gusto adolescente en ese lugar y esa época. No quería que los personajes escuchasen música que en la realidad no conocerían. La música es para los adolescentes su modo de conectar con el "mundo exterior", su forma de dar expresión a su pasión, su miedo y sus deseos.
Algunas de las canciones que aparecen en la película las especificaba en el guión: "Hand in My Pocket" de Alanis Morissette o "Crash Into Me" de Dave Matthews. Alanis porque fue mi Patti Smith, mi Kate Bush, mi Stevie Nicks. Era una mujer que componía su propia música y sus letras, e interpretaba de manera magistral esas canciones tan emotivas que parecían escritas específicamente para mí. Y siempre prensé que "Crash" es una de las canciones más románticas jamás creadas. Recuerdo ponerla en bucle y sentir que nadie iba nunca a besarme. No conozco ninguna otra canción que conecte más profundamente con los anhelos adolescentes. "Cry Me a River", de Justin Timberlake, representa totalmente el puente 2002–03 y me parece muy rencorosa, sexy y simbólica de ese momento exacto.
A menudo, la música y el diseño de las películas de época son exactamente de un año concreto. Si se desarrolla en 1955, de repente todos los coches que vemos son de 1955, pero así no funciona el mundo. También debería haber coches de 1951. No toda la ropa estaría totalmente actualizada, tampoco. Y lo mismo con la música: los éxitos de los 90 seguían en la radio.
Merrily We Roll Along es mi musical favorito. Tengo la esperanza de que LADY BIRD le brinde al público un poco de esa sensación que me invadió al ver la obra de Sondheim por primera vez. Esa sensación del tiempo que se escapa, del futuro apoderándose del presente, de que los vínculos de la infancia sólo viven en el recuerdo. Es doloroso, bonito y pasajero, y algo que siempre persigo en el arte.
Operación Red Sparrow
2018
Duración 139 min.
País Estados Unidos
Dirección Francis Lawrence
Reparto Jennifer Lawrence, Joel Edgerton, Jeremy Irons, Charlotte Rampling,Mary-Louise Parker, Matthias Schoenaerts, Joely Richardson, Nicole O'Neill,Sergej Onopko, Sergei Polunin, Kristof Konrad, Simon Szabó, Ciarán Hinds,Thekla Reuten, Joel de la Fuente, Sakina Jaffrey, Douglas Hodge
Dominika aprende a utilizar su cuerpo como arma, pero lucha por conservar su sentido de la identidad durante el deshumanizador proceso de entrenamiento. Hallando su fuerza en un sistema injusto, se revela como uno de los activos más sólidos del programa. Su primer objetivo es Nate Nash (Joel Edgerton), un funcionario de la CIA que dirige la infiltración más confidencial de la agencia en la inteligencia rusa.
Los dos jóvenes agentes caen en una espiral de atracción y engaño que amenaza sus carreras, sus lealtades y la seguridad de sus respectivos países.
Basada en el libro del antiguo agente de la CIA Jason Matthews, en "Red Sparrow" vuelven a encontrase Jennifer Lawrence y su director de "Los juegos del hambre", Francis Lawrence; con Joel Edgerton, Charlotte Rampling, Jeremy Irons y Mary-Louise Parker redondeando el elenco.
Basada en el libro del antiguo agente de la CIA Jason Matthews, en "Red Sparrow" vuelven a encontrase Jennifer Lawrence y su director de "Los juegos del hambre", Francis Lawrence; con Joel Edgerton, Charlotte Rampling, Jeremy Irons y Mary-Louise Parker redondeando el elenco.
Noche de juegos
2018
Duración 98 min.
País Estados Unidos
Dirección John Francis Daley, Jonathan Goldstein
Reparto Jason Bateman, Rachel McAdams, Jesse Plemons, Kyle Chandler, Kylie Bunbury,Lamorne Morris, Michael Cyril Creighton
Visages villages
2017
Duración 90 min.
País Francia
Dirección Agnès Varda, JR
El nacimiento del dragón
2016
Duración 103 min.
País Estados Unidos
Dirección George Nolfi
Reparto Billy Magnussen, Terry Chen, Teresa Navarro, Vanessa Ross, Ron Yuan, Philip Ng,Darren E. Scott, Natalie Stephany Aguilar, Christina July Kim, King Lau, Felix Chu,Steven Roberts, Yee Jee Tso, Yu Xia, Jeff Mosley, Simon Chin
Transformación
País Argentina
Dirección
Iván Wolovik
No hay comentarios:
Publicar un comentario