Hay muchas veces que, al terminar de ver una película, nos quedamos con la sensación de que algo nos falta, algo falla, o algo no hemos entendido. No siempre tenemos la oportunidad de resolver nuestras dudas, pero más vale tarde que nunca. Casi 3 décadas les ha costado al equipo de 'Duro de Matar' explicar uno de los principales agujeros de guión de la película.
Los más fans de Bruce Willis llevan 30 años preguntándose como John McClane supo desde el primer momento que algo no olía bien con Hans Gruber, el personaje interpretado por Alan Rickman. El líder de los terroristas del Nakatomi Plaza se presenta ante el policía como un rehén más, pero no consigue engañarle. McClane es un gran policía, eso es innegable, probablemente sea el mejor, pero en ningún momento de la saga se nos dice que tenga algún tipo de poder premonitorio o de telepatía, entonces, ¿qué vio exactamente que hizo saltar las alarmas?
Según ha explicado Steven E. de Souza, el quid de la cuestión está en el reloj de Gruber. Parece ser que un tijeretazo en la sala de montaje nos dejó si una escena clave para entender la psique policíaca: "Originalmente, (los terroristas) se bajan del camión, la cámara se eleva, los ves en un círculo y Alan Rickman dice: «Sincronicen sus relojes». Todos ellos ponían sus brazos en un círculo con la cámara moviéndose hacia abajo y todos tenían el mismo reloj Tag Heuer"
Lo que se perdió al montar
Cuando McClane mata al primer tipo bajando las escaleras revisa el cadáver y mira su identificación, sin embrago existe una toma más larga donde se queda observando su reloj. "Le roba un cigarrillo y es gracioso", explica Souza. "Luego mira al reloj y también te ríes porque crees que también se lo va a robar. Cada vez que mata a uno, nota que todos tienen el mismo reloj". De esta manera, cuando Bruce le ofrece el cigarrillo a Rickman, ve el reloj, los espectadores podemos notar como sus ojos miran el reloj, y así es como sabe que es uno de ellos.
La escena de los relojes fue eliminada del montaje final porque entraba en conflicto con el plan de los terroristas de escapar en ambulancia. La idea del escape surgió al final del rodaje, por lo que además de no estar en el guión original, tampoco había ambulancia alguna en la escena de la sincronización. Según Souza, John McTiernan (director de la película) le pidió al montador que cortase tan pronto como apareciese el camión para que no se note que no hay ninguna ambulancia. "Ahora, sin la escena de «Sincronicen sus relojes», todas esas veces en las que Bruce mira a las muñecas de los terroristas no tienen sentido". Se pone una vez más de manifiesto la importancia del montaje y como un simple corte en una escena puede cambiar y dar todo un nuevo sentido a la película. Gracias a Souza es hora de revisar 'Duro de Matar', y lo haremos con otros ojos.
1. Muchos jóvenes vimos ‘Gremlins’ gracias a que nuestros padres pensaron que era una inocente película de Spielberg. El cartel engañaba mucho. También engañaron a la MPAA, que creó una nueva calificación por edades (PG 13, menores acompañados) para la peli.
2. Se rodó en los Warner Brothers Burbank Studios y en los Estudios Universal, donde también se rodó otra famosa producción de Spielberg: "volver al Futuro".
3. Se estrenó un viernes 8 de junio de 1984 y competía con Los Cazafantasmas (que arrasó) y la segunda de Indiana Jones. Steven tenía tanto poder que se hacía la competencia a sí mismo.
4. El primer fin de semana consiguió una recaudación de más de 10 millones de dólares. Fue cuarta en el ranking con 240 millones recaudados.
5. ‘Gremlins’ está inspirada en un relato de Roald Dahl en el que unos diablillos estropean aviones de guerra. Disney quiso hacer una película con ellos, pero nunca se llevó a cabo.
6. Warner usó a estos personajes para cortos animados y de propaganda. De hecho, en uno de ellos los gremlins le hacían la vida imposible al mismísimo Hitler.
7. En cantonés mogwai significa demonio y su pronunciación en mandarín es mogui.
8. El joven Chris Columbus se inspiró para el guión en los ratones que habitaban en su pobre apartamento y no le dejaban dormir.
9. Columbus, rey del videoclub ochentero, también escribió para Spielberg los guiones de "Los Goonies" y "El secreto de la pirámide".
10. Warner y Spielberg pensaron, para dirigirla, en otro joven que prometía mucho: Tim Burton.
11. Finalmente, apostaron por Joe Dante, que venía de trabajar con Roger Corman. "Piraña" no dejaba de ser una versión pobre de Tiburón que a Spielberg le hacía mucha gracia.
12. También pensaron en Emilio Estevez para protagonizarla.
13. Los homenajes a ¡Qué bello es vivir! son descarados: la película se ve en un televisor, la mala es una usurera y el pueblo se llama Kingston Falls (muy parecido a Bedford Falls). De hecho, Columbus volvió a homenajear el clásico en su bombazo "Mi Pobre Angelito".
14. También hay guiños a películas de Spielberg: en la fachada del cine del pueblo leemos que se proyecta A Boy’s Life y Watch The Skies, que son los primeros títulos barajados para E.T. y Encuentros en la tercera fase. Pero hay más: un gremlin disfruta jugando al videojuego Star Wars y al cortar la luz uno de los bichos dice “Phone home”. En la juguetería del final, además, se ve un muñeco del famoso extraterrestre de ojos azules.
15. La película arranca con un temazo navideño, el Christmas (Baby Please Come Home) de Phil Spector. En la banda sonora también se escucha Out Out, de Peter Gabriel.
16. En la escena de la convención de inventores aparece la máquina del tiempo de El tiempo en sus manos y Robby, el robot de Planeta prohibido, además de los cameos de Steven Spielberg y el compositor Jerry Goldsmith.
17. ‘Gremlins’ iba a ser mucho más bestia de lo que es y la mano de Spielberg se nota en su montaje final. Quería algo más amable (como le pasó en Poltergeist, en la que acabó despidiendo al director). Y es paradójico, porque él estrenaba la segunda de Indiana Jones, las más oscura y gore de toda la saga.
18. Quizás Spielberg no andaba mal encaminado. En el guión inicial los bichos mataban al perro y a la madre de Billy. Su cabeza decapitada rodaba escaleras abajo. Los gremlins también atacaban un McDonalds, pero en vez de hamburguesas se dedicaban a comerse a sus clientes. Es más: en un primer guión, Stripe y Gizmo eran el mismo personaje. El peluche se convertía en el líder de los bichos verdes.
19. Pero Spielberg sí peleó por la escena de la chimenea, que no le gustaba nada a Warner. Es la escena en la que la chica le cuenta al chico su trauma: papá se quedó atascado en la chimenea haciendo de Papá Noel y ahí se quedó el pobre hombre.
20. Por cierto: la chica, Phoebe Cates, venía de hacer una comedia cachonda ("Picardías Estudiantiles") y al remilgado Steven no le apetecía que relacionasen una película familiar con aquella cinta adolescente.
21. Tras los primeros montajes, Spielberg recibió una absurda nota del estudio que decía que en la película “había demasiados gremlins”. Les contestó lo siguiente: “Si quieren los quitamos a todos y la titulamos ‘Gente’”.
22. A los chicos de efectos especiales se les ocurrió usar monos maquillados con latex para los gremlins. Fue desastroso. Al final se decantaron por animatronics, que costaban 40.000 dólares cada uno.
23. La escena de la sierra eléctrica no estaba en el guión y es un homenaje a "La matanza de Texas", de Tobe Hooper, el director despedido de "Poltergeist".
24. Los chicos de efectos especiales acabaron odiando a Gizmo por lo complejo que era de animar. Además, su animatronic se rompía con mucha facilidad.
25. Las críticas fueron tibias. Variety dijo: “Los humanos no son más que extras de vestuario que abren paso a lo mecánico”.
26. En la secuela, los bichos atacan al crítico de cine Leonard Maltin. Una venganza de Dante.
27. El primer montaje duraba 2 horas y 40 minutos. Se cortó toda una hora.
28. La película logró 5 Premios Saturno, de la Academia de Ciencia Ficción, Fantasía y Películas de terror.
29. Hubo secuela en 1990 y en ella se parodia a un tal Donald Trump.
30. En los carteles de las dos películas se homenajea (y nadie se dio cuenta) al logo de Amblin Entertainment: en el botón del vaquero de Billy y en el papel del puro que fuma el gremlin de la 2.
31. Tras ‘Gremlins’, Joe Dante rodó su secuela, Exploradores, Más allá de los límites de la realidad, Cuentos asombrosos, El chip prodigioso y No matarás… al vecino. Tras Pequeños guerreros, Hollywood lo olvidó, se refugió en la tele y hasta llegó a rodar un episodio del nuevo MacGyver.
32. Se prepara ya Gremlins 3.
33. Columbus ha dicho que el cierre de la trilogía será una película más oscura y brutal y que se rodará sin ordenadores. Volverán a apostar por las marionetas y los animatronics. Pero esa… es otra historia.
Sony Pictures anunció el atraso del estreno de dos de sus películas mas esperadas de 2018:
Prevista para el 2 de marzo de 2018, la película dirigida por Albert Hughes, "Alpha" llegará a los cines el 14 de setiembre del mismo año. "Alpha" estará protagonizada por Kodi Smit-McPhee, Leonor Varela, Natassia Malthe y Priya Rajaratnam. la historia se ubica en el Paleolítico superior europeo, 20.000 años antes de Cristo, donde un joven tiene que embarcarse en una dura expedición para encontrar a su tribu, enfrentándose a inhóspitos terrenos, terribles condiciones y todo tipo de peligros.
Con respecto a la segunda película, "Escalofríos 2", la cual tenía fecha de estreno para el 21 de setiembre pasado, llegará a los cines estadounidenses el 12 de octubre de 2018.
Momentum Pictures ha publicado el trailer de "Half Magic", film que significará el debut como directora de Heather Graham, quien además escribirá la historia.
La película tendrá calificación R, ya que según Graham es una comedia sobre las malas decisiones que tomamos a la hora de elegir pareja, si bien su idea final es celebrar que las mujeres sigan disfrutando de su sexualidad y encuentren su placer. "Atrás quedaron los días en los que las mujeres se sentían impotentes y los abusos no tenían repercusiones" dijo la directora.
Stephanie Beatriz, Angela Kinsey, Molly Shannon, Thomas Lennon, Luke Arnold y Jason Lewis acompañarán a Heather Graham en el reparto de la cinta. El estreno en cine de "Half Magic" será el 23 de febrero de 2018 en Estados Unidos.
40 años después del filme original, llegará a las salas de cine la secuela de "Halloween", con la vuelta de Jamie Lee Curtis como Laurie Strode y la incorporación de Judy Greer como la hija de Laurie Strode.
Hoy nos llega la noticia de que Nick Castle también volverá a ser parte del filme como Michael Myers, en la cinta que será estrenada el 19 octubre de 2018 en Estados Unidos.
David Gordon Green será el encargado de la dirección y del guión de "Halloween" junto a Danny McBride, quienes han dejado en claro que esta película será secuela directa de la primera, por lo tanto quedarían descartadas las demás secuelas.
La famosa compañía creadora de Mickey Mouse todavía no ha terminado con sus compras navideñas. Ahora ha puesto el ojo en el mundo de las finanzas.
Tras la compra de 20th Century Fox (propietaria de famosas licencias como Alien, Depredador y, sí, Dragon Ball) se estuvo rumoreando el salto de Disney fuera del entretenimiento audiovisual. Ya nos ofrecieron pistas este último año, puesto que el spot de Sabadell protagonizado por Pau Donés y Rafa Nadal, entre otros, estuvo dirigido por John Lasseter, uno de los fundadores de Pixar, y últimamente puesto en entredicho por su supuesto comportamiento indecoroso con empleadas de la compañía de animación.
El acuerdo mantiene a José Antonio Álvarez como máximo responsable del banco al menos hasta 2020, y el montante total, aunque se desconoce, podría superar los cien mil millones de dólares.
La próxima película de los mutantes, Dark Phoenix, nos va enseñando poco a poco detalles, y en esta ocasión nos encontramos con un viejo conocido.
Desde luego resulta todo un misterio el modo en el que evolucionará la trama mutantes o sobre todo de qué modo quedará la trama “desarrollada” desde First Class tras la reciente adquisición por parte de Disney de los derechos de los mutantes. Con casi toda probabilidad entrará en vía muerta y de forma consecuente incorporará a un nuevo elenco de mutantes al UCM, bien creando una serie de películas que den cancha a los X-Men o introduciéndolos directamente en las películas programadas para la nueva fase de Marvel.
El caso es que Dark Phoenix sigue adelante, y ya podemos ver a Magneto (Michael Fassbender), por cortesía de Empire, en no una muy buena situación, en su primera imagen para la nueva entrega de los X-Men.
Hace tiempo que abandonó la primera línea de Hollywood, pero Nicolas Cage sigue hiperactivo. Cada año estrena varios títulos, ampliando así una filmografía de tal forma que resulta cada vez más complicado sacar tiempo y ganas para ver todas sus películas. 'Mom and Dad' es una salvaje comedia negra en la que el ganador de un Oscar por 'Adios a Las Vegas' siente unas ganas irrefrenables de matar a sus hijos, tal y como podemos ver en su tráiler.
'Mom and Dad' se centra en cómo una adolescente y su hermano pequeño tienen que hacer todo lo posible por sobrevivir durante las 24 horas posteriores a que una histeria colectiva de origen desconocido provoque todos los padres tengan un deseo incontrolable de acabar con sus hijos. Cage da vida al padre, mientras que la madre tiene el rostro de Selma Blair, vista en las dos entregas de 'Hellboy' dirigidas por Guillermo del Toro.
Detrás de 'Mom and Dad' encontramos a Brian Taylor, uno de los dos directores de la saga 'Crank', por lo que podemos dar por sentada la adrenalina en las escenas de acción.
'Mom and Dad' ya pudo verse en el pasado Festival de Sitges. El próximo 19 de enero llega a los cines de Estados Unidos y aún se desconoce cuándo podremos verla en Argentina.
Mark Hamill ha decidido apoyar totalmente a Rian Johnson después de que sus palabras hayan sido usadas por los detractores de 'Star Wars: Los últimos jedi' para criticar las decisiones tomadas por el guionista y director. En entrevistas previas al estreno, el actor confesó haber quedado muy sorprendido con el guión y reveló que estaba en contra de esta versión de Luke Skywalker.
Los fans más descontentos con la película comenzaron a compartir el punto de vista de Hamill en un intento por demostrar que Johnson ha arruinado el personaje de Luke en el Episodio VIII. Sin embargo, Hamill ha querido aclarar que esas declaraciones no representaban su opinión de la película, que sólo eran habituales diferencias creativas, y ha mostrado su arrepentimiento por expresar estas dudas en público:
"Me arrepiento de expresar mis dudas e inseguridades en público. Las diferencias creativas son un elemento común en cualquier proyecto pero normalmente permanecen en privado. Todo lo que yo quería era hacer una buena película. Obtuve más que eso: ¡Rian Johnson hizo una GRAN película que resistirá el paso del tiempo! #HumildeHamill
Si echan un vistazo a YouTube hay varios videos que manipulan imágenes y declaraciones de Mark Hamill para transmitir la idea de que está enfadado o decepcionado con el Episodio VIII. Por otro lado, entre los cientos de memes sobre la película que circulan por Internet, está llamando la atención uno que contradice el mayor argumento de Hamill (y muchos fans) para decir que Luke jamás habría hecho lo que vemos en 'Los últimos jedi'. Según el actor, un caballero jedi jamás se rinde, se esconde y huye, PERO...
'Los últimos jedi' es una traición al personaje de Luke. Un auténtico jedi se alzaría y pelearía tras cometer un error que liberó al Lado Oscuro en una galaxia inconsciente.
Obi-Wan: En realidad, cuando mi aprendiz se convirtió en Darth Vader, me escondí en un planeta desierto bajo un nombre falso y esperaba que nadie me reconociera.
Yoda: Sí, se me escapó totalmente que Palpatine era un Lord Sith, así que huí y viví en un pantano. Es lo que hacen los jedi.
Christopher Nolan ya ha ganado su ansiado Óscar. En un gesto sin precedentes, John Bailey, el presidente de la Academia de cine de Hollywood, ha anunciado la cancelación de la gala de los Premios Óscar que debía tener lugar el 4 de marzo porque "no hay una auténtica competición este año".
En el comunicado facilitado a la prensa se da por ganadora de la 90ª edición a 'Dunkerque' ('Dunkirk'), el aclamado drama bélico de Nolan. "Los miembros de la Academia hemos visto todas y cada una de las películas candidatas este año y hemos llegado a la conclusión de que no hay nada al nivel de este film; organizar una gala, en estos tiempos de crisis, cuando hay asuntos más graves e importantes que atender, es un gasto innecesario, incluso inmoral", declara Bailey.
La Academia ya ha publicado el palmarés de la 90ª edición de los Óscar en su web oficial y 'Dunkerque' ha recibido 17 estatuillas, un nuevo récord (hasta ahora el máximo eran 11, las que ganaron 'Ben-Hur', 'Titanic' y 'El señor de los anillos: El retorno del rey'). Éstos son los premiados:
Mejor película: 'Dunquerke'
Mejor dirección: Christopher Nolan, por 'Dunquerke'
Mejor guion: Christopher Nolan, por 'Dunquerke'
Mejor actor protagonista: Fionn Whitehead, por 'Dunkerque'
Mejor actriz protagonista: Tom Hardy, por 'Dunkerque'
Mejor actor de reparto: Mark Rylance, por 'Dunquerke'
Mejor actriz de reparto: Miranda Nolan, por 'Dunquerke'
Mejor diseño de producción: 'Dunquerke'
Mejor montaje: 'Dunquerke'
Mejor fotografía: 'Dunquerke'
Mejor vestuario: 'Dunquerke'
Mejor maquillaje y peluqueria: 'Dunquerke'
Mejores efectos visuales: 'Dunquerke'
Mejor banda sonora: 'Dunkerque'
Mejor documental: 'Dunquerke'
Mejor película de habla no inglesa: 'Dunquerke' doblada al español
Mejor cortometraje documental: los primeros cinco minutos de 'Dunquerke'
Reparto Daniel Giménez Cacho, Matheus Nachtergaele, Juan Minujín, Lola Dueñas,Rafael Spregelburd, Daniel Veronese, Vando Villamil
La historia de Don Diego de Zama, un oficial español del siglo XVII asentado en Asunción que espera su transferencia a Buenos Aires. Pero en esos años pierde todo: decide atrapar un peligroso bandido y recuperar su nombre. Basada en la novela existencial de Antonio Di Benedetto de 1956.
Esta esperada obra de la reconocida directora Lucrecia Martel, luego de nueve años de su última producción, fue elegida para representar Argentina en los Premios Oscar de la Academia de Hollywood y Goya de la Academia de España.
VIE 29/12 18:00 SAB 30/12 20:30
ENTRADA
Entrada $70. Est/Jub $60
Alanis
2017
Duración 82 min.
País Argentina
Dirección Anahí Berneri
Reparto Sofia Gala, Dante Della Paolera, Santiago Pedrero, Dana Basso, Silvina Sabater
Alanis es una trabajadora sexual, madre de un niño pequeño, que deberá pelear por hacerse un lugar en la sociedad. Con este film El cine argentino logró un lugar destacado en el palmarés del 65° Festival Internacional de Cine de San Sebastián, al obtener dos de sus principales premios: Sofía Gala Castiglione se consagró con la Concha de Plata a la mejor actriz y Anahí Berneri, ganó a su vez la Concha de Plata a la mejor dirección.
JUE 28/12 20:30
VIE 29/12 20:30
SAB 30/12 18:00 JUE 4/1 20:30
ENTRADA
Entrada $70. Est/Jub $60
El artista
2008
Duración 91 min.
País: Argentina
Dirección: Mariano Cohn, Gastón Duprat
Reparto: Alberto Laiseca, Sergio Pángaro, Andrés Duprat, Enrique Gagliesi, Ana Laura Loza, Luciana Fauci
Jorge (Sergio Pángaro) es un enfermero que pasa de cuidar ancianos en un geriátrico a convertirse en el nuevo niño mimado de la escena artística bonaerense. Tras presentar como propias unas pinturas de uno de los ancianos, su vida simple y monótona se transforma de repente en un constante peregrinar por galerías de arte, universidades, programas de televisión, y reuniones con artistas e intelectuales.
VIE 29/12 22:30
ENTRADA
Entrada libre y gratuita
Paterson
2016
Duración 113 min.
País Estados Unidos
Dirección Jim Jarmusch
Reparto Adam Driver, Golshifteh Farahani, Sterling Jerins, Luis Da Silva Jr., Frank Harts,William Jackson Harper, Jorge Vega, Trevor Parham, Masatoshi Nagase,Owen Asztalos, Jaden Michael, Chasten Harmon, Brian McCarthy, Jared Gilman,Kara Hayward
Un conductor de autobús y poeta aficionado sobre las pequeñas cosas llamado Paterson, vive en Paterson, New Jersey. Protagonizada por Adam Driver (Kylo Ren en Star Wars) esta película marca el regreso de Jim Jarmusch, ícono del cine independiente estadounidense, tras una década de ausencia. Seleccionada para competir por la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2016.
SAB 30/12 22:30
ENTRADA
Entrada $70. Est/Jub $60
Luna: Una fábula siciliana
2017
Duración 122 min.
País: Italia
Dirección: Fabio Grassadonia, Antonio Piazza
Reparto: Vincenzo Amato, Corinne Musallari, Julia Jedlikowska
En un pequeño pueblo siciliano, Giuseppe, un chico de 13 años, desaparece. Luna, una compañera de clase que le quiere, se niega a aceptar su desaparición. Se rebelará contra el silencio y la complicidad que la rodean y descenderá al mundo oscuro que se lo llevó y cuya entrada es un misterioso lago.
JUE 4/1 18:00
ENTRADA
$70. Est/Jub $60
Los límites del control
2009
Duración 117 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Jim Jarmusch
Reparto: Isaach De Bankolé, Bill Murray, Tilda Swinton, John Hurt, Gael García Bernal, Paz de la Huerta, Hiam Abbass, Youki Kudoh, Luis Tosar, Óscar Jaenada, Jean-François Stévenin, Alex Descas, María Isasi, Héctor Colomé
Un hombre misterioso, desconfiado y solitario (Isaach De Bankolé) que vive al margen de la ley y lleva siempre un violín bajo el brazo, llega a España con la intención de terminar un trabajo. En su camino se cruzarán los más peculiares personajes.
Reparto: Robert Powell, John Mills, David Warner, Karen Dotrice, George Baker
Nueva adaptación de la novela de John Buchan que ya adaptó Alfred Hitchcock en su famosa película de mismo título.
Viernes 29 – 18.30 hs
Sábado 30 – 19.00 hs
Cauce
2017
Duración 75 min.
País: Argentina
Dirección: Agustín Falco
Reparto: Juan Nemirovsky, Alberto Ajaka, Luis Machín, Martín Slipak, Agustina Ferrari
Ariel es un joven de clase media, padre de familia, que sorpresivamente pierde su trabajo en el contexto de una ola de despidos. Alterado y ocultando a su familia lo que sucedió, se escapa del cumpleaños de su suegro para ir a un club nocturno, donde un viejo conocido le ofrece formar parte de un negocio narco. Ariel acepta, confiando en que su participación será acotada, pero las cosas se salen de control.
Martes 02 – 20.30 hs
Miércoles 03 – 20:30 hs
Yo soy así, Tita de Buenos Aires
2017
Duración 111 min.
País: Argentina
Dirección: María Teresa Costantini
Reparto: Mercedes Funes, Damián De Santo, Esther Goris, Andrea Pietra, Ludovico Di Santo, Mario Pasik, Soledad Fandiño, Enrique Liporace
Tita Merello, famosa cantante y actriz, precursora en su estilo de un género singular, único e inolvidable, nació, vivió y murió en Buenos Aires, ciudad que supo amar y odiar, pero nunca quiso dejar. Nacida en la más absoluta pobreza, abandonada en un asilo por su joven madre cuando niña fue recuperada años más tarde por la misma para seguir sufriendo nuevos abusos y privaciones. Siempre dijo que comenzó a cantar por hambre, no por vocación.
La película narra su historia de vida tomando el rumbo poético de su propia voz, acompañando el transitar de su ascenso desde el bajo fondo de la ciudad hacia el centro de las marquesinas del teatro de revista, el cine, los grandes escenarios. Fue aclamada, reconocida, amada, deseada y finalmente declarada por unanimidad como la única, la extraordinaria Tita de Buenos Aires. Un ícono nunca olvidado.
Jueves 04 – 18.30 hs
Zama
2017
Duración 115 min.
País: Argentina
Dirección: Lucrecia Martel
Reparto: Daniel Giménez Cacho, Matheus Nachtergaele, Juan Minujín, Lola Dueñas, Rafael Spregelburd, Daniel Veronese, Vando Villamil
Narra la historia de Don Diego de Zama, un oficial español del siglo XVII asentado en Asunción que espera su transferencia a Buenos Aires. Es un hombre que espera ser reconocido por sus méritos. Pero en los años de espera pierde todo. Decide atrapar un peligroso bandido y recuperar su nombre... Basada en la novela existencial de Antonio Di Benedetto escrita en 1956.
Estos son los cambios en los estrenos anunciados para hoy; se suspendió la premerie de "Amante por un día" y se agregaron los siguientes estrenos:
Rex
2017
Duración 102 min.
País: Argentina
Dirección: Fernando Basile
Reparto: Javier Aparicio, Sergio Marinoff, Juliana Muras
Atormentado por las dudas sobre su origen, REX huye de su casa. Esa misma noche al defenderse de un asalto, mata a un hombre con sus propias manos. A partir de eso, nunca volverá a ser el mismo. Logrará encontrar el amor y construir una familia. Pero por más que luche contra su destino, lo aguarda un final inevitablemente trágico.
Zanjas
2017 Duración 75 min. País: Argentina Dirección: Francisco Paparella Reparto: Diego Alonso, Daniel Tisato, Augusto Britez
El retrato austero de Zamora, un trabajador rural exiliado en la Patagonia argentina, en un pueblo rodeado de femicidios de adolescentes tiradas dentro de zanjas una vez muertas. A través del trabajo duro, Zamora intenta expiar su culpa.
Reparto: Diego Capusotto, Sofia Gala, Yayo Guridi, El Polaco, Daniel Aráoz, Naiara Awada, Guillermo Toledo, Victoria Maurette, William Prociuk, Paula Manzone
Una noche en el verano más caluroso en 20 años, Leandro De La Torre, famoso cantante punk, sale disparado por una ventana e impacta sobre el techo de un auto. Es el día de su cumpleaños número 27. Paula, una joven fan de veintipocos años, graba todo con su celular. Lejos está de saber que en aquel video está la clave detrás del asesinato del músico. Martín Lombardo, acérrimo hincha de Racing, es el detective encargado de investigar el caso. Junto a Paula descubrirá la conspiración detrás de las muertes de todos los famosos rockeros a los 27 años. Jimi Hendrix, Janis Joplin, Amy Winehouse, Sid Vicious y Leandro De La Torre tienen mucho en común: en realidad, todos fueron asesinados. Paula y Lombardo pueden ser los siguientes. Persecuciones, escenas de acción imposibles y vueltas de tuerca completamente inesperadas conforman la trama de 27.
Pendular
2017
Duración 108 min.
País: Brasil
Dirección: Júlia Murat
Reparto: Raquel Karro, Rodrigo Bolzan
Cuenta la relación amorosa entre un escultor y una bailarina.
La rueda de la maravilla
2017
Duración 101 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Woody Allen
Reparto: Kate Winslet, Justin Timberlake, Juno Temple, James Belushi, Max Casella, Michael Zegarski, Tony Sirico, Marko Caka, Jack Gore, Dominic Albano, Evin Cross, Debi Mazar, Brittini Schreiber, Geneva Carr, Steve Schirripa, Matthew Maher
En la Coney Island de la década de 1950 el joven Mickey Rubin (Timberlake), un apuesto salvavidas del parque de atracciones que quiere ser escritor, cuenta la historia de Humpty (Jim Belushi), operador del carrusel del parque, y de su esposa Ginny (Winslet), una actriz con un carácter sumamente volátil que trabaja como camarera. Ginny y Humpty pasan por una crisis porque además él tiene un problema con el alcohol, y por si fuera poco la vida de todos se complica cuando aparece Carolina (Juno Temple), la hija de Humpty, que está huyendo de un grupo de mafiosos.
Woody Allen dirige a Jim Belushi ("Infierno rojo", "Superagente K-9"), Juno Temple ("Batman: El caballero de la noche asciende", "Black Mass"), el cantante y actor Justin Timberlake ("La red social", "In Time") y Kate Winslet ("El lector", "Titanic"), ganadora del Premio a la Mejor Actriz en los Hollywood Film Awards por su papel.
Además Vittorio Storaro ("El último emperador", "Dick Tracy") repite como director de fotografía después de su primera colaboración con Woody Allen en "Café Society".
"La rueda de la maravilla" clausuró el Festival Internacional de Cine de Nueva York donde tuvo un gran recibimiento por parte de la crítica. A continuación, algunos de los primeros comentarios de la prensa internacional:
"Tiene movimiento, ritmo y una apariencia de vibrante atardecer nostálgico a ritmo de blues" - Variety
"La rueda de la maravilla nos recuerda que Allen es un gran director, especialmente un gran director de actrices" - Screen Daily
"Kate Winslet está impresionante en el espléndido film romántico de Allen de los 50" - Indiewire
"La rueda de la maravilla es un caleidoscopio de luces y deleites con la mejor fotografía, un elenco perfecto y detalles de época impecables" - The Playlist
Sobre la producción
Woody Allen siempre ha sentido un cariño especial por Coney Island, y todos recordamos que ubicó la casa de la infancia de Alvy Singer, el personaje de Annie Hall, bajo las ruidosas montañas rusas del parque. Allen tiene muchos recuerdos felices de cuando iba al parque durante su infancia. "Su momento álgido fue mucho antes de que yo naciese, pero cuando yo iba todavía era bastante divertido", dice. "Siempre me impresionaba. Allí había tantas personas pintorescas, y había actividades diferentes y complejas: era una atmósfera muy vital. Pensé que sería una atmósfera muy provocativa para ubicar una historia".
Como tantas otras películas de Allen, "La rueda de la maravilla" es una historia en la que intervienen el amor y la traición. "Si leemos teatro griego, a Stendhal, a Tolstoy o a Dickens, vemos que las relaciones de amor siempre están presentes, porque son las que causan a tanta gente mucha angustia y muchos conflictos. Conducen a situaciones y sentimientos complejos, profundos, intensos y dramáticos. En especial, siempre me han atraído los problemas que tienen las mujeres. Durante siglos, los hombres han tendido a ser menos abiertos sobre su sufrimiento. El código masculino no permite mostrar el sufrimiento. Como cuando un bateador es golpeado, siempre tiene intención de no mostrar ningún dolor. En cambio, las mujeres siempre han sido más abiertas sobre sus emociones. He hecho sobre todo comedias, pero siempre que he tenido entre manos una historia dramática, casi siempre - no siempre, pero casi - ha sido sobre mujeres en situaciones críticas".
Allen escribe conscientemente sus espléndidos papeles femeninos, como el de Ginny en "La rueda de la maravilla", con la idea de plantear desafíos que sólo las actrices de mayor talento puedan asumir. "Intento dar papeles a actrices que tienen una gama y una profundidad enormes. Quiero intentar darles la oportunidad de poder desplegar su gran capacidad", dice. "Cuando escribo una historia, tengo una tendencia a no escribir escenas con demasiada sutileza, escenas en las que la emoción se comunica levantando una ceja, pero sí darles una tragedia mucho más extravagante que le ofrezca a una actriz la posibilidad de ser realmente emotiva".
Sin duda, Ginny en "La rueda de la maravilla" es la más reciente de las heroínas creadas por Woody Allen: personajes complejos, preocupados, y minuciosamente analizados. "Sabía que iba a necesitar a una actriz de primer orden para interpretar ese papel", dice Allen. "Hay solo un número limitado de actrices en lengua inglesa que tienen esa profundidad y esa magnitud. Kate Winslet es una de ellas, y cuando comenzamos a pensar en el reparto, su nombre surgió de inmediato". A pesar de que Winslet reconoció inmediatamente que el papel era una oportunidad extraordinaria, le preocupó el hecho de que tal vez no estaba a la altura. "Estaba aterrada porque no sabía por dónde empezar", dice, "y pensaba que si fallaba nunca me lo iba a perdonar. Tenía que asumir la responsabilidad de dar vida a un personaje que era complejo, evitando caer en un cliché, manteniéndome por encima de una línea trazada, consiguiendo que fuese real, que no fuese una caricatura y que estuviese anclada en su triste realidad. Woody quiso darme el papel a mi, y yo tenía que estar a la altura del envite y convertirme en lo que él esperaba, y ser la mejor versión posible que él esperaba, sacándolo de mi interior".
Cuando vemos a Ginny por primera vez, trabaja en un restaurante de pescado y marisco en Coney Island, atrapada en un matrimonio sin amor y con las heridas de un pasado doloroso", dice Allen. "Se abrió camino, tuvo ilusiones de ser una actriz y terminó por casarse con un señor al que realmente amó y que la amó a ella, y tuvieron un niño. Pero Ginny no pudo resistir la tentación de tener un romance con un actor que trabajaba en el mismo espectáculo que ella, cosa que provocó la desintegración total de su matrimonio. Sólo cuando fue demasiado tarde se dio cuenta de las consecuencias de esa infidelidad y de sus acciones. Entonces, comenzó a venirse abajo, empezó a beber, y su trabajo se resintió".
Kate Winslet dice: "Creo que Ginny creía que era una buena actriz y que podría haber tenido una carrera si no hubiese sido porque destrozó su matrimonio, aunque en el fondo creo que lo cierto es que no era muy buena. Ese momento en que descubre que en realidad era una actriz mala por suerte nunca llega. De alguna manera eso todavía lo hace más trágico".
En este momento tan bajo en su vida, Ginny conoce a Humpty (Jim Belushi), que también lo está pasando mal, porque su esposa ha muerto y su hija Carolina se ha escapado de casa para casarse con un matón local. Aunque Ginny y Humpty sean capaces de ayudarse mutuamente para volver a ponerse de pie, al final Ginny se da cuenta de que, casándose con Humpty, ha entrado en una vida que nunca le va a dar satisfacción.
"Ahora que ha superado la crisis, comienza a entender que en realidad no ama a ese hombre", dice Allen. "Él fue una tabla de salvación justo cuando ella necesitaba una, y él la ayudó a ella a dejar la bebida, pero eso no es suficiente para que haya amor; amor es lo que ella tuvo con su primer marido. Busca algo más excitante que la ayuda práctica que ella y Humpty se han suministrado el uno al otro. Siente que se desliza hacia abajo y que su vida pierde el rumbo". Kate Winslet dice: "Creo que es un poco como un alma perdida. Es como si le gustase pasar mucho tiempo caminando sobre una cuerda floja, y ahora vé que se ha caído demasiadas veces. Ahora repta por una cuerda floja, no está de pie ni tampoco se cae".
Jim Belushi da vida a Humpty, el marido de Ginny. Al igual que Ginny, le ha costado rehacerse después de una caída. "Humpty es muy débil con las mujeres, y no puede estar solo", dice Belushi. "Perdió a las dos mujeres de su vida al mismo tiempo. Quedó destrozado y eso lo encaminó hacia una espiral de alcoholismo. Cuando Ginny aparece ella consigue sacarlo de ese abismo. Y ahora aunque él pegue gritos y siga haciendo de las suyas, es Ginny quien tiene el control, porque él sabe que no la puede perder. Si perdiese a Ginny, él moriría". Winslet cree que Ginny tampoco puede seguir viviendo sin Humpty. "No puede estar sola porque es demasiado vulnerable", dice Winslet. "Pero lo que más me gusta de Ginny es que sus momentos de fragilidad son muy ásperos y muy vivos. No se convierte en un personaje débil que se queda quieto en su silla. Es frágil pero siempre consigue superar todos los golpes que hay en el camino, tanto si tiene que saltar sobre ellos, sortearlos, o derribarlos, ella siempre seguirá adelante".
Ginny no es capaz de ayudar a Richie (Jack Gore), el hijo de su primer matrimonio, que ha empezado a portarse mal provocando incendios en la zona de Coney Island. "Es muy triste, porque de alguna manera Ginny siente que ha destrozado la vida de Richie, y realmente siente que es su culpa que sea un niño malhumorado y triste que provoca incendios. Noto que quiere hacer más por él, pero no sabe qué hacer. Está tan devorada por la culpa que siente por haber engañado a su padre, que ese hecho parece que la hace incapaz de ser una madre para él".
La rutina de la pareja se rompe con la llegada inesperada de la hija de Humpty, Carolina (Juno Temple), a quien Humpty no ha visto -ni tampoco hablado- desde hace cinco años. "Carolina era una muchacha que a nivel local era vista como una belleza", dice Allen. "En un momento, apareció un matón local que quiso deslumbrarla y la llevó a lugares adonde los otros muchachos no la podían llevar, al tiempo que le compraba pieles y joyas. Fue seducida por el glamour y acabaron casándose. Durante un tiempo lo pasaron bien estando juntos, pero finalmente las cosas comenzaron a estropearse en el matrimonio y acabaron por romper. Al cabo de poco tiempo el FBI se puso en contacto con ella y la amenazó, por lo que ella les contó cosas sobre los negocios de su exmarido. A partir de este momento, pasa a ser un blanco para su exmarido y sus esbirros, ya que sabe demasiado y quieren deshacerse de ella". Temple afirma: "Creo que Carolina es una criatura joven con un gran afán de conocer el mundo, que se vio arrollada por un mundo en el que todo parecía suceder deprisa, todo era maravilloso e interesante, un universo que la hizo sentirse glamourosa; se sintió atraída como una urraca a algo que brilla. Hay una fragilidad en ella que me parece mágica, pero también hay ingenuidad, lo cual resulta peligroso, puesto que le impide ver la oscuridad que su marido ha traído a su vida junto con el encanto".
Temiendo por su vida, y sin otro lugar al que ir, Carolina tiende la mano a Humpty, calculando que puesto que su marido sabe lo pésima que era la relación con su padre cree que la casa de éste será el último lugar en el que la buscaría. "No pienso que sea el plan más seguro, pero no creo que tenga muchas más opciones", dice Temple. "Pero quizás también sea el sentimiento subconsciente, o tal vez consciente, de que su padre la protegerá, ya que era la niña de sus ojos cuando era una pequeña. Creo que ella se entrega a este plan con la esperanza de que él volverá a acogerla, pero ella no tiene ni idea de la realidad en la que va a irrumpir y tampoco calcula las consecuencias que su reaparición tendrá para él. Creo que, dentro de su inocencia, ella siempre contempla el lado luminoso de la vida, y siempre mira hacia delante, no hacia atrás".
Aunque al principio Humpty está poco dispuesto a perdonar a Carolina, al poco tiempo se ablanda. "Con Carolina, Humpty tiene un amor mucho más rico, más profundo del que experimenta con Ginny", dice Belushi. "Cuando llega es como si se produjese una explosión, y de repente está de nuevo lleno de esperanza, de amor y de objetivos. Tiene una segunda oportunidad en la vida. A partir de ese momento, todo gira sobre ahorrar el dinero extra para que Carolina puede ir a la escuela nocturna y pueda aspirar a una vida mejor". A Ginny no le hace gracia esa reactivación pasional de Humpty. "Creo que se enfada con Humpty porque ve un lado de él que no había visto antes", dice Winslet. "Si Humpty puede sentir esa adoración por su hija, ¿por qué esa adoración nunca ha sido para Ginny? Nunca la ha idolatrado ni la ha venerado de la manera en que lo hace con Carolina. Humpty no necesita mucho para ser feliz. Cuando Carolina reaparece, de repente su pequeño mundo está completo, pero Ginny quiere mucho más".
La liberación de Ginny llega bajo la forma de Mickey (Justin Timberlake), un apuesto joven exmarinero que trabaja durante el verano como socorrista en la playa de Coney Island, mientras se prepara para conseguir su Master en Dramaturgia ese mismo otoño en la New York University. "El gran deseo de Mickey es llegar a ser dramaturgo", cuenta Timberlake. "Siente una gran admiración por todas las obras del teatro clásico. Debido a sus aspiraciones, le gusta observar, y medir la actividad del mundo que lo rodea. De algún manera creo que las personas a la que está observando se convertirán en personajes de una gran obra que escribirá algún día".
Mickey también es el narrador de "La rueda de la maravilla". "Pienso que a medida que la película avanza, se empieza a poner en tela de juicio la fiabilidad de Mickey como narrador", dice Timberlake. "Ocurre que él ve con gran claridad a toda esas personas cuyas vidas están entrelazadas, también con la suya, de una manera muy específica. Lo que vemos es justo su visión. Como se suele decir, cada historia tiene tres lados: los dos lados de siempre, y luego está el lado de la verdad, que está probablemente en algún sitio en medio".
Una persona a la que Mickey presta atención especial es Ginny, a la que espía mientras camina de manera abandonada por la playa. Sintoniza inmediatamente con su melancolía dramática , melancolía que encuentra extrañamente atractiva. "Mickey es un romántico incurable, y como buen aspirante a dramaturgo, encuentra los defectos hermosos", dice Timberlake. "Por ejemplo esa noche en la que le dice a Ginny que hay algo trágico en ella, y pienso que para él es una especie de elogio, como, 'sí, y esto te hace increíblemente atractiva para mí'. Pero yo creo que se enamorado más de la tragedia de Ginny que de la propia Ginny. Le gusta que ella sea un peligro emocional". Dice Allen: "Mickey está enamorado del aura de la escritura, de la vida en un pueblo, de tener un romance con una mujer mayor, o incluso de la idea de llegar casarse con ella. Todo estas nociones románticas de un escritor que pugna por lograr un sitio le encantan, es alguien que tiende a idealizarlo todo. Yo no diría que esto es un defecto trágico; puede ser incluso un defecto simpático. La parte más triste de su vida es que probablemente no vaya a ser el autor que quiere ser. Mi pronóstico es que Mickey haga un par de tentativas, y tal vez produzca algunas cosas de interés medio, pero no está destinado a ser un Eurípides o un Eugene O'Neill".
Antes de conocer a Mickey, Ginny había llevado una vida sin grandes ambiciones, con algo de ayuda de pastillas contra el dolor de cabeza y un trago ocasional de una botella de whisky escondida bajo el fregadero: el encuentro con él lo pone todo patas arriba. "Una vez que tenga a Mickey en su vida, el gran volcán inactivo que es Ginny entra en erupción de nuevo", dice Winslet. "Mickey representa un mundo con el que ella había soñado en sus sueños más atrevidos. Él es una cosa verdadera, ella no se lo ha inventado: hacen el amor; le susurra dulces promesas; tienen encuentros bajo la pasarela mientras llueve; y le recita grandes naderías. Ella empieza a creer que tal vez puede tener otra vida, la que parece que Mickey le promete. Creo que realmente tiene momentos de esperanza muy auténticos".
Todo cambia después de que Ginny -sin ser consciente de las consecuencias- presenta a Mickey a Carolina y él queda prendado de ella al acto. "Mickey cree en el amor a primera vista, y se enamora intensamente de Carolina", dice Timberlake. "En el poco tiempo en que están juntos, a medida que ella se da a conocer, a medida que él se va enterando de cómo ha sido de ella, él se siente más fascinado con los riesgos que corrió ella siendo tan joven al enamorarse. Creo que eso le lleva a pensar, 'Ah fíjate. Somos más parecidos de lo que pensaba.'"
"Hay una pasión dentro de Mickey y creo que Carolina también la tiene", dice Temple. "Él es un artista y para ella él representa una nueva clase de encanto, que viene de los libros y de las obras de teatro y de las conversaciones sobre lugares remotos. Cuando recibe un libro de él surge algo en ella que es un nuevo entusiasmo, y le gusta que él la corteje. Creo que es un seductor muy bueno; ya lo ha hecho con Ginny y ahora lo hace con Carolina".
Cuando Ginny percibe el creciente encaprichamiento de Mickey con Carolina tiene una reacción interior bastante intensa. "No había experimentado grandes celos antes y creo que se siente sorprendida", dice Winslet. "Creo que realmente se siente consumida por ambos sentimientos: los propios celos y la sensación de que se está descentrando. Entonces los celos se encienden y acaba enloqueciendo. No hay otras palabras: acaba enloqueciendo".
Winslet encontró agotador dar vida a las oscilaciones de la personalidad voluble de Ginny. "Ella exigía tanto de mí que de un modo muy extraño era como si yo fuese el segundo violín y Ginny estuviese controlándolo todo", dice Winslet. "Hay cosas que son tan violentamente inestables dentro de ella que pensar en cómo actuaba y funcionaba era agotador. Casi me sentí atrapada en un modo de avión o de lucha. Era un teatro de 24 horas. Realmente sentí que tenía una batería dentro de mi en algún sitio y tenía que mantenerla cargada en todo momento. Pero de todos modos, no hay nada sobre la experiencia de hacer esta película - incluso el miedo y la tensión- que no me haya gustado. Me encantó ese sentimiento de sentirme completamente retorcida, desafiada, y desangrada. Ha sido el rodaje más estimulante en el que he participado en toda mi vida".
Hiciese lo que hiciese Winslet para desempeñar el papel, a Woody Allen le pareció que era un modelo de control ante la cámara. Si hacía falta un latido en una escena o una emoción en otra escena, o bien si le indicaba una corrección, al acto me entregaba exactamente lo que le había pedido, de una manera profunda", dice Allen. "Era asombroso. Le dije que era como tener una arma nuclear a mi disposición.
Podría hacer cualquier cosa y lo hacía rápidamente y de manera espléndida. Todo lo que había que hacer era ser claro con ella sobre lo que quería, y ya lo tenía. La mayor parte del tiempo, ni siquiera hizo falta que le explicase lo que quería: había leído el guión y lo sabía. Si tenía alguna pregunta, me las planteaba. No iba a interferir con lo que hace que Kate Winslet sea grande, a menos que me viese forzado". Kate Winslet añade: "Si una escena no iba bien Woody decía, 'Alto, tenemos que arreglar esto' y luego decía, 'Ahora cómo consigo dirigirte para salir de este agujero que he escrito yo mismo?' Nos reíamos y luego encontrábamos una manera de solucionarlo".
Woody Allen ve a Justin Timberlake como a las viejas estrellas de Hollywood, en el mejor sentido. "Si estuviésemos en los años 30, o los 40, o en los 50, habría estado a la misma altura que Gable y Bogart", dice Allen. "Ese hubiese sido su sitio. Siempre que pones la cámara sobre él la pantalla se ilumina. Justin lo tiene todo. Es un actor de primera clase y es completamente creíble como socorrista y rompecorazones de mujeres en la playa". Para Timberlake también ha sido un placer trabajar con Woody Allen. "Woody tiene su propio método", dice Timberlake. "Es rápido y es un método que ofrece poca protección. Hace tomas muy largas y sueles tener entre dos y cinco tomas en cada secuencia. Al principio realmente intimidaba, pero, al cabo de poco tiempo me pareció una liberación, y lo vi como más divertido, porque no tenía que preocuparme con encajar con lo que había hecho antes. Y esto hizo que fuese descubriendo cosas. Me sentí como si estuviese actuando en una obra de teatro con un grupo de actores magníficos trabajando conmigo".
Allen vio por primera vez a Jim Belushi en la película ¿Qué pasó anoche? de 1986, dirigida por Ed Zwick. "Pensé '¿Quién es ese tipo?'" dice Allen. "'Es un actor muy bueno, todo lo fuerte que se puede ser en la pantalla y sabe ser emotivo. Pensé, 'Tal vez algún día le llamaré'. Saltamos unos treinta unos años y pienso, '¿Quién sería perfecto para Humpty?' y le pedí que se incorporase. Después de cinco minutos con él ya sabía que iba a ser un Humpty maravilloso. Creo que va sorprender a mucha gente con esto. Creo que van a sorprenderse de descubrir qué gran actor es, tan lleno de la emoción, de realidad y de sentimiento". Belushi añade: "Woody Allen te deja mucho espacio. Trabajé durante tres meses antes del rodaje, memorizando cada coma del guión, pero cuando me puse ante la cámara me dijo, 'Esas son las palabras de un escritor. Haz lo que quieras para que sean tus propias palabras. Al final, sólo cambié unas cosas aquí y allá, pero era encantador trabajar con él, y es una persona muy graciosa".
Allen pensó en muchas actrices para el papel de Carolina, pero no podía encontrar a alguien que tuviese lo que estaba buscando hasta que la directora de casting Patricia DiCerto le trajo una grabación de la actriz británica Juno Temple. "Juno me llegó de una manera fantástica", dice Allen. "Es una actriz muy real y muy conmovedora y tenía todos los elementos para dar vida al personaje. En primer lugar, era bonita y lo bastante atractiva para llamar la atención en una situación real, sin llegar a ser una de esas bellezas llenas de glamour de Hollywood como Marilyn Monroe, de las que no resulta creíble que tengan problemas en Coney Island o en cualquier otro sitio. En segundo lugar, no se la percibe como sofisticada. Estoy seguro de que Juno puede interpretar papeles del repertorio del teatro de cualquier obra maestra clásica, no obstante aquí es capaz de interpretar a una mujer de clase baja de Coney Island". Al igual que sus compañeros de reparto, Temple reconoció la visión tan personal y singular que tiene Woody Allen sobre la dirección. "Woody Allen no suministra una cantidad enorme de información, pero cuando lo hace es muy profundo y pertinente", dice. "Las escenas largas y fluidas que hicimos se coreografiaron como si fuesen bailes con diálogo, y era muy específico sobre dónde quiere que la gente esté debido a su situación dentro del plano. A veces solo quería que alguien moviese un pie a la izquierda para un cierto tipo de iluminación". Temple dice que había gran camaradería entre los actores durante el rodaje: "Todos estábamos en el mismo barco, deseando hacer todo lo posible con este material maravilloso y también realmente hacer lo posible para apoyar a los demás. Repasábamos diálogos juntos entre tomas y a veces por las tardes, y así nos orientábamos el uno al otro de esta manera. Cuando confías en tus compañeros intérpretes entonces eres capaz de entregar todo lo que llevas dentro, y sentí que todos lo hicimos".
"La rueda de la maravilla" es la segunda vez en que Woody Allen ha colaborado con el galardonado fotógrafo Vittorio Storaro, después de Café Society. "Vittorio es una aportación principal y un camarógrafo genial, y siempre tiene alguna idea para lo que hemos decidido", dice Allen. "Es un placer trabajar con alguien que hace una contribución artística de tal magnitud al proyecto". Mientras que en Café Society Storaro usó el color para diferenciar el aspecto de Nueva York y el de Hollywood, en esta película le propuso a Allen un diseño visual total que asocia una variedad de color contrastante a cada uno de los dos personajes femeninos principales. "Creo que la luz y el color pueden ser usados del mismo modo en que las notas en la música o las palabras en la escritura", dice Storaro. "Existe una fisiología del color, es decir que un color muy caliente levanta el metabolismo o la tensión arterial en nuestro organismo y un color muy frío lo baja. Por tanto conecté todas las longitudes de onda más calientes, amarillas, naranja, rojo, con Ginny, y visualicé a Carolina en la longitud de onda específica del azul claro. Así los dos colores se convierten en dos personajes, y Mickey está en medio, y refleja la tonalidad de la que tiene cerca". Estos tratamientos del color no se utilizaron de un modo únicamente abstracto, sino que siempre tenían que reflejar de una manera realista los sitios y momentos en los cuales los personajes se encuentran. "Ginny a menudo aparece en 'el momento de la puesta del sol', cuando las tonalidades calientes del rojo/naranja del sol representan simbólicamente su vinculación con el pasado", dice Storaro. "Como Carolina se vincula con el futuro, vive principalmente en el azul de la 'hora mágica', el tiempo entre la puesta del sol y la aparición de la luna". El ejemplo más llamativo es dentro del piso de la familia, que está muy cerca de la noria, y esa noria proyecta luces rojas y azules muy saturadas sobre los personajes. "Lo que intentábamos hacer con esta película era crear un drama teatral", dice Allen. "Ellos viven con el tumulto justo fuera de su ventana, incluso hay tiroteos en el mismo edificio, y luces que cambian el color de su piso todo el tiempo. Quise que esto tuviera un destello poético y teatral, pero que retuviera el realismo, por ello se implica con los caracteres y es cuidadoso con la historia. Pero los colores cambian en medio de las escenas para subrayar la tragedia teatral que subyace en la historia".
Storaro también encontró una inspiración visual en los cuadros de Coney Island del artista/fotógrafo Reginald Marsh, así como en el trabajo de Norman Rockwell. "Rockwell presentaba un tipo de vida positivo de los Estados Unidos de los años 50", dice Storaro. "Que en realidad era una superficie. Se puede tener esa misma sensación cuando se llega a Coney Island, pero cuando examinas con mayor detenimiento y entras en la vida de los personajes de la familia de esta historia, encontramos algo completamente diferente. Es un gran referente a la hora de mostrar esa clase de conflicto: qué mostraba la superficie de esta gente y qué había en su interior". Igualmente, "Coney Island Washboard", la canción de los Mills Brothers que suena a menudo durante "La rueda de la maravilla", desempeña un papel similar, como un contrapunto. "Coney Island siempre es vista de esa modo: enérgico y animado", dice Allen. "Pero es irónico, ya que esto no es lo que le está ocurriendo a los personajes".
La idea de Allen para el piso de Humpty y Ginny consistía en que viviesen en el corazón del parque de atracciones, sin manera de huir del alboroto y de las luces con parpadeo. Santo Loquasto, el diseñador de producción, encontró una localización en el primer piso de un edificio en Nyack, Nueva York: Esa localización les gustó a Woody Allen y a Vittorio Storaro, pero finalmente decidieron que sería más práctico para Loquasto construir algo similar en los estudios Silvercup en Long Island City, Nueva York. "El tipo de espacio es muy vulnerable y está lleno de ventanas", dice Loquasto. "Es un espacio voyeuristíco desde el cual no hay escapatoria del parque. La cocina casi parece un loft de primera generación, es un ámbito que se impone al espacio. Todavía hay parte de una taquilla. En un principio mi idea era que fuese un espacio que había tenido muchos usos y vidas anteriores, que tal vez había sido parte de las oficinas del parque, y que luego había sido transformado en vivienda para empleados. Del techo cuelgan unas señales que parecen indicar que el lugar también había sido salón de baile".
Aparte del conjunto del piso, el resto de la película se rodó en localizaciones naturales en Coney Island y en otra parte de Nueva York. Loquasto encontró la mayor parte de sus referencias históricas en vario libros, en la Historical Society for Coney Island, así como en internet. "Utilizamos sitios que existían en esos tiempos pero los vestíamos tal como aparecían en las fotografías de la época", dice Loquasto. "Aunque no rodásemos en estudios, tuvimos que hacer bastante construcción. Construimos muchos escaparates que colocábamos delante de otros escaparates para que se viesen las fachadas de la época". En el parque de atracciones de Coney Island, Loquasto y su equipo cambiaron muchas señales modernas y cubrieron las fachadas de las atracciones con lonas impresas gigantescas. "Con la gente de pie vestida con ropa de la época, resulta bastante convincente", dice Loquasto. Ruby's Clam House, donde Ginny y Carolina trabajan, en la actualidad es un restaurante en la pasarela que se llama Ruby's Bar & Grill. "Tenían unas fotos maravillosas, y las utilizamos, con material que ya teníamos, para devolverle el aspecto que había tenido en los años 50", dice Loquasto. Entre las otras localizaciones destacadas podemos mencionar: The Freak Bar, el bar del vestíbulo del Freak Show de Coney Island, donde Ginny y Mickey hablan por primera vez; Capri' Pizzeria, cuyo interior es el Sam's on Court Street, en Cobble Hill, Brooklyn; Carvel at Playland, en Rye, Nueva York; y el New York Chinese Scholar's Garden en Snugh Harbour, Staten Island.
La diseñadora de vestuario Suzy Benzinger tuvo que conseguir miles de prendas para los extras. La mayoría era ropa de esa época original comprada por internet o alquilada, y el resto se tuvo que hacer. "Cada persona que vemos en esa playa lleva tres sacas de ropa", dice. "Quisimos que hubiese mucha ropa en la playa, colgando de los parasoles, porque mucha gente no se podía permitir los diez centavos que costaba cambiarse en los servicios, por lo que se cambiaban en la playa". Sin embargo, no era fácil meter esos cuerpos femeninos actuales, salidos de gimnasios, en los bañadores y los vestidos de los 50. "En aquel tiempo la proporción entre cintura y cadera era realmente drástica", dice Benzinger. "Hoy en día la musculatura femenina es diferente, las mujeres son un poco más cuadradas". Benzinger tuvo que poner faja a las extras para que tuviesen la silueta correcta para poder llevar la ropa de los años 50. "Nos miraron como si las fuésemos a torturar, y les tuve que decir más de una vez 'Chicas, esto es lo que llevaban'". La única excepción fue Kate Winslet. "Me dijo, 'no vas a tener que hacerlo conmigo. Esas son mis medidas, estoy hecha para otra época'. Y es verdad. Podía coger ropa auténtica de los años 50 y cuando se la ponía encajaba a la perfección". A Juno Temple también le sienta bien la moda de los años 50. "Tiene una silueta con mucha curva", dice Benzinger. "Aunque tiene una cintura estrecha, le pusimos una faja para aumentar el efecto".
Benzinger hizo que los conjuntos que llevase Winslet fuesen muy sencillos. "Ella tiene un estilo muy abrochado", dice Benzinger. "Kate y yo sentimos que Ginny quiere evitar que su marido sospeche que ella tiene un romance, por lo tanto siempre lleva la misma ropa. La única cosa nosotros hicimos fue que su ropa interior fuese un poquito mejor a medida que avanza la película. Es posible que el público no lo advierta, pero es una ayuda para la actriz".
El mayor desafío de vestuario para Benzinger fue el uniforme de socorrista de Justin Timberlake. "Yo buscaba y buscaba una foto", dice Benzinger. "Conozco a un individuo genial al que le suelo comprar fotografías, y tenía dos fotos malas -con mucho grano- de los socorristas de Coney Island". Benzinger de consiguió dar con un ejemplar de la revista Esquire de 1949 en el que aparecía una entrevista con el jefe de socorristas, Marty Alvin. Consiguió dar con él -vive en Florida- y él le envió un álbum con fotos viejas en blanco y negro, junto a una descripción de los colores. "Los originales eran en punto de lana áspera, pero pensé, 'Justin me matará si intento que se ponga lana, por lo que hicimos una mezcla de lana y rayon para que no fuese tan áspero y no picase. Creo que al principio no le gustó mucho, pero como tiene un físico magnífico no tiene porqué preocuparse. ¡Le quedaba muy bien!"
La espectacular recreación óptica de la playa de Coney Island, que en los años 50 estaba abarrotada, contó con ayuda digital. Brainstorm Digital, el equipo de efectos especiales, hizo una contribución incalculable. Todo la pasarela de la playa, incluyendo los edificios, los puestos de comida, las taquillas y todas las atracciones de la época fueron recreadas mediante efectos visuales de realismo fotográfico. La gran noria, la Wonder Wheel, que se ve en el primer plano que en el que aparece Carolina en la película, la que se ve desde el piso de la familia, fue creada enteramente por Brainstorm Digital, al igual que una visión de 270 ° de The Cyclone, el salto del paracaídas, los edificios, las señales, los árboles, la playa, el mar y el cielo. Los artistas visuales no solo tuvieron que crear esa ilusión, también tuvieron que atender las indicaciones sobre iluminación de Storaro. "Vittorio trabaja con un reducción de la difusión muy elaborada durante el rodaje, y cambia la luz de manera muy meticulosa", dice el supervisor de efectos visuales y productor Richard Friedlander, que trabajó también durante el rodaje. "Para mí el trabajo de Vittorio es como una forma de pintura dinámica hecha con color y luz, y durante la postproducción tuvimos que conseguir que nuestros efectos visuales encajasen con su creatividad". Eran Dinur, supervisor de efectos visual dice: "Creo que todos los miembros del equipo coincidirían en que ha sido nuestro mayor desafío hasta la fecha, no solo por la complejidad de la iluminación y la fotografía, sino también porque la cámara está constantemente en movimiento, cambia de perspectiva, sentido, lente y tamaño del objetivo". Además, puesto que a Woody Allen le gustan las tomas largas, los planos en "La rueda de la maravilla" son bastante más largos de lo que suelen serlo en una película convencional. "En lugar de planos de 150 fotogramas, la duración de los planos de efectos visuales iba desde los 2000 hasta los 5000 fotogramas", dice el productor de efectos visuales Glen Allen.
La película se llama "La rueda de la maravilla" debido a esa atracción del parque de Coney Island, siempre visible desde la casa familiar; sin embargo el título también tiene un sentido metafórico. "Los personajes siguen las mismas conductas de manera permanente", dice Belushi. "Aunque Humpty quiere cambiar, aunque Ginny quiere cambiar, siguen comportándose de la misma manera. Es como un círculo vicioso de sus vidas y su dependencia mutua, y no consiguen escapar de ese patrón". Woody Allen añade: "Lo cierto es que probablemente podemos extrapolar una especie de símbolo de la vida de cualquier atracción del parque. Puedes estar en la noria, dando vueltas sin cesar a medida que la vida sigue su camino sin ningún sentido, o montar en un tiovivo tratando de agarrar ese anillo de cobre que nunca conseguiremos atrapar, o bien estamos en la montaña rusa. Eso da la idea. La vista desde la noria, desde la "La rueda de la maravilla", es magnífica, pero desde ahí no se va a ninguna parte. Tiene un elemento romántico, y un elemento de belleza, pero, en el fondo, también un elemento de inutilidad".
Olé, el viaje de Ferdinand
2017
Duración 106 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Carlos Saldanha
Ferdinand es un novillo muy tranquilo que prefiere sentarse bajo un árbol a oler las flores que saltar, resoplar y embestirse con otros. A medida que va creciendo y haciéndose fuerte su temperamento no cambia y sigue siendo un toro manso. Un día unos hombres vienen buscando el toro más grande, rápido y bravo... y Ferdinand es elegido equivocadamente para las corridas de toros de Madrid.
El cuento de Ferdinand, un toro gigantesco que le gustan las flores, ha conquistado el corazón de millones de personas desde que se dio a conocer por primera vez en 1936 en el libro "The Story of Ferdinand", original del escritor Munro Leaf y del ilustrador Robert Lawson. Una afable y encantadora interpretación de cómo las apariencias engañan (o, de por qué nunca se debe juzgar a un toro por su piel...), el mensaje de amor y aceptación que encontramos en el libro ha tenido eco durante décadas. Película familiar animada mediante ordenador e inspirada por el relato clásico.
Dirigida por el candidato al Premio de la Academia Carlos Saldanha, creador y director de la serie de RIO y director de muchas de las películas de "La era de hielo", "Olé, el viaje de Ferdinand" se centra en las aventuras de un toro amante de la paz (al que presta su voz John Cena), que es adoptado por un simpático granjero y por su hija. Sin embargo, su idílica vida cambia después de haber sido confundido con una depravada bestia y enviado al último lugar de la Tierra donde quiere estar: un campo de entrenamiento de toros. Pero Ferdinand está decidido a regresar a casa. En el camino, el bondadoso toro hace numerosos amigos y cambia la vida de aquéllos a quienes conoce. Pero sigue habiendo un gran obstáculo que tendrá que superar... En la emocionante escena con la que culmina la película, Ferdinand tiene que enfrentarse al diestro El Primero en una plaza llena hasta la bandera, pero, valientemente, permanece fiel a su pacífica naturaleza e inspira a todos los que le rodean.
El plan de llevar el cuento de Ferdinand a la gran pantalla comenzó hace más de seis años cuando Saldanha seguía trabajando en "Rio 2". "Me entusiasmé mucho al enterarme de que Fox y Blue Sky estaban pensando en desarrollar una película basada en el libro", recuerda Saldanha. "Yo había leído el libro y quedé cautivado por el relato y por su maravilloso mensaje de aceptación y diversidad. Me pareció que éste era el momento adecuado para tomar este encantador librito y convertirlo en un película familiar para el público de hoy en día".
A Lori Forte, productora de Blue Sky Studios durante mucho tiempo, la película le brindaba una oportunidad de volver a encontrarse con Saldanha, que había trabajado con ella en las tres primeras películas de "La era de hielo". "Carlos había querido trabajar en una película cuyo personaje principal fuera un toro", recuerda Forte. "Me encantó trabajar con él en las películas de "La era de hielo". Sabía que el proyecto le apasionaba y conocía la intensa emoción que sentía hacia el relato, cuyo mensaje también me inspiró a mí y todos cuantos le rodeábamos".
Otra persona importante a la hora de hacer realidad la película, fue el productor John Davis entre cuyos numerosos proyectos orientados a la familia figuran las películas de Dr. Dolittle y Garfield, y Los pingüinos de papá. Davis ha estado más de diez años detrás de los derechos de "The Story of Ferdinand" y cuando, finalmente, quedaron libres, se abalanzó sobre la ocasión de adquirirlos y llevar el proyecto a 20th Century Fox.
"Ferdinand era uno de los libros clásicos que mi esposa y yo habíamos leído a nuestros hijos a la hora de acostarse cuando eran pequeños", recuerda Davis. "Vimos en primera fila cómo el dulce mensaje de este libro y otros clásicos semejantes informaron su sentido de la persona y de la moralidad y les enseñaron a ser amables con los demás. En el pasado, yo hice muchas películas basadas en características semejantes que tanto a mí como a mis hijos nos apasionaron enormemente. La familia propietaria de los derechos del libro quería que el espíritu del relato fuera preservado, y yo sabía que el equipo de Fox Blue Sky haría justicia a tan maravilloso cuento".
El productor Bruce Anderson, que también trabajó con Saldanha en las dos películas de "Rio", asegura que "Olé, el viaje de Ferdinand" le facilitó una ocasión de examinar de nuevo uno de los libros favoritos de su infancia. "Mi madre era bibliotecaria de una escuela elemental, y éste era uno de sus libros favoritos y frecuentemente demandados", observa. "Siempre me tocó la fibra sensible porque defiende la no conformidad. Nos muestra que el mundo está hecho de toda clase de personas diferentes y que esta diversidad es lo que nos hace mejores. Cuando uno es un niño y no es tan competitivo como sus compañeros de clase, el mensaje de este libro puede ayudarle de verdad a hallar su camino".
Del papel a la gran pantalla
Uno de los grandes retos de convertir un libro breve en un largometraje, es la ampliación del argumento y la introducción de nuevos personajes que acompañen al principal en su odisea. "El cuento tiene un principio y un final muy sólidos, así que tomamos tan firmes componentes y creamos una parte central que realmente nos ayudó a encariñarnos con Ferdinand", comenta Anderson. "Pudimos dedicarle más tiempo y experimentar su mundo de una forma más contemporánea y comprensible, a medida que él va creciendo. También gozamos de la libertad de introducir a todos estos personajes, pintorescos y memorables, que no estaban en el libro. Sin embargo, ellos también tenían que encajar en este mundo y reflejar el mensaje y las sensibilidades de la obra".
Tanto Saldanha como Forte señalan que los mensajes del libro, estructurados en profundidad, les permitieron ampliar la línea argumental de manera lógica. "Cuanto más investigamos, más evidente nos resultaba que la gente puede interpretar el relato de muchas formas distintas", comenta Saldanha. "Nuestra historia tiene un significado más profundo en el difícil mundo en que vivimos en la actualidad".
Como explica Forte, cuando se expande un relato breve, hay que prestar mucha atención para cerciorarse de que la odisea ampliada del héroe, así como todos sus nuevos acompañantes y los demás personajes, resulten tan satisfactorios y adorables como el principal. "Todos trabajaron de firme para asegurarse de que la película en su conjunto fuera tan universal e intemporal como el relato original que inspiró el proyecto", observa. "Yo estaba muy familiarizada con el libro. Tiene un mensaje tan sencillo y tan eficaz que resulta atractivo para niños y mayores. Naturalmente, ese mensaje tiene tanto eco hoy en día como cuando el libro se publicó por primera vez en los años 30".
"Carlos es un asombroso narrador y un ser humano muy sensible", añade Davis. "Esta película tiene muchísimo corazón. Los niños pueden identificarse con el concepto total de tener que marcharse de casa y adentrarse en un mundo adulto menos protector y más competitivo. Ferdinand tiene un conjunto de valores y se atiene a ellos aunque el mundo no le comprenda. Exactamente igual que las películas clásicas de animación,"Olé, el viaje de Ferdinand" excava en el inconsciente colectivo y expresa nuestros miedos, ansiedades y sueños. Provoca sensaciones muy profundas".
El viaje a España
Puesto que el libro y la película están ambientados en lugares de España históricos y llenos de colorido, Saldanha y unos pocos de sus colegas visitaron el país en busca de inspiración visual y de telones de fondo auténticos para su proyecto. "Nos inspiró la belleza de los paisajes y la singular arquitectura de España", afirma el director. "La gama de colores de la película tiene muchos tonos terrosos y es muy distinta de los colores tropicales que utilizamos en las películas de "Rio". Captamos la magnífica arquitectura de algunas de las ciudades y viajamos al Sur: a la encantadora región de Andalucía".
La ciudad de Ronda, situada en la cumbre de una montaña de la española provincia de Málaga, inspiró la situación de la granja donde Ferdinand encuentra la felicidad con la joven Nina y su padre. "Queríamos que el arte reflejara la belleza de este mundo", explica Saldanha. "Queríamos que los exteriores expresasen las posibilidades de una película de animación, pero que también fueran fieles al arte, la historia y la cultura de España".
El equipo siguió la misma ruta que Ferdinand en su viaje a Madrid, Sevilla y las zonas agrícolas del sur del país. "Aquí, lo viejo y la nuevo coexisten de forma armoniosa", observa Saldanha. "Hay viejos molinos de viento, modernas carreteras y esas antiguas ciudades blancas que ofrecen un precioso contraste con los elementos modernos de España. Visitamos las haciendas donde crían el ganado y captamos cada pequeño detalle: la vegetación, los colores, los pueblos pequeños y la gente. También vimos los molinos de viento de La Mancha y la famosa Plaza de Toros de Las Ventas de Madrid. Todos estos lugares nos ayudan a crear un mundo auténtico para nuestros personajes".
Luz y sombra
Gracias a los últimos avances de la tecnología de creación por ordenador, los artistas y los equipos técnicos de Blue Sky pudieron lograr una animación meticulosa en su atención al detalle: desde cada brizna de hierba del campo, a la textura de los trajes, llenos de vida, pasando por el juego de luces y sombras del paisaje de Andalucía.
"Cada año desarrollamos nuevas versiones del software patentado de representación de Blue Sky [llamado CGI Studio]", explica Saldanha. "Hicimos el mejor uso de la tecnología para crear una gran impresión artística. "Olé, el viaje de Ferdinand" no es una película de grandes efectos especiales. Nuestro objetivo es usar la tecnología de la mejor manera para crear la apariencia adecuada al servicio de la dirección artística y la iluminación. Todo ha sido realizado mediante trazado de rayos [una técnica de representación para generar una imagen trazando la senda de luz a través de píxeles sobre un plano de imagen] meticulosamente, y resulta precioso. El equipo también logró superar complejos retos en la representación de escenas de multitudes. Fueron capaces de conseguirlo de forma muy sutil, de modo que la tecnología no resulta demasiado evidente en la pantalla".
El productor Bruce Anderson está de acuerdo: "La tecnología nos permitió crear realmente la misma forma como la luz cae sobre los campos de España. Nuestros equipos de iluminación, producción e ingeniería aprovecharon al máximo todo lo que estaba disponible en su caja de herramientas para traernos la apariencia y la sensación de ese país. ¡Creo que los elementos visuales de la película van a persuadir al público para que viaje a España!".
Colores y diseños dinámicos gloriosos
El Diseñador de Producción, Thomas Cardone, cuyo trabajo en Blue Sky incluye "Rio 2", "Horton y el mundo de los quien" y "La era de hielo 2: El deshielo", se sintió inmediatamente atraído por "Olé, el viaje de Ferdinand": "Encontré el proyecto atractivo al instante porque es una gran historia con sólo unos pocos personajes, por lo que se puede crear una sensación de intimidad. Es una historia con mucho corazón".
Cardone apunta que al diseñador de personajes, Sang Jun Lee, se le ocurrió una filosofía para el aspecto físico de Ferdinand, nacida de la personalidad del simpático toro. "Tenemos un personaje de un natural bondadoso y un gran corazón, que tiene un enorme tamaño pero que también tiene muchas curvas", explica. "Ferdinand es un toro grande y negro sin marcas ni disfraces, por lo que su silueta y su forma general eran muy importantes. También está en pantalla en la mayoría de las tomas de la película, así que hicimos un gran esfuerzo para concretar firmemente su forma así como su manera de moverse y situarse durante toda la película".
Los paisajes específicos de la parte sur de España, su flora y su fauna, desempeñaron un papel importante a la hora de inspirar el principio de diseño de la película. "Las suaves colinas, los olivos y todas esas amplias curvas guardaban armonía con las suaves curvas de Ferdinand", explica Cardone. "Cualquier cosa que se le opone es más angular y más vertical (como las estructuras creadas por el hombre). Lo mismo vale para su adversario. Los humanos son flacos y más altos de lo que serían en la vida real, y eso dictó la altura de los edificios, las puertas, los coches... de todo cuanto les rodea. Estas dos ideas, armonía y conflicto, tuvieron una auténtica influencia sobre la forma y el estilo totales de la película".
Las emociones internas de Ferdinand también se ven reflejadas en la elección de los exteriores que sirven de telón de fondo. Como explica Cardone, la granja de Ronda, a la que desea regresar nuestro heroico toro, es representada como un lugar verde y feliz, con muchas flores y vegetación. "Pero la ganadería, la hacienda para toros donde es encerrado, tiene un aspecto árido, lo que también existe en España durante las estaciones más duras", añade.
Los edificios de estuco blanco de la región con sus tejados de terracota, también proporcionan fondos neutros contra los cuales los artistas jugaron utilizando memorables toques de color. "Colocamos colores fuertes, como el de una carretilla azul brillante, un cubo turquesa o un instrumento de labranza verde contra el lienzo neutro", recuerda Cardone. "También equilibrábamos los composiciones con animales de distintos colores. El rojo quedaba especialmente reservado para momentos clave específicos, como las amapolas favoritas de Ferdinand en la granja, o los claveles en la arena o en la capa".
El Diseñador de Producción apunta que todos los elementos artísticos se combinan para hacer llegar el tierno mensaje de la película. "Creo que esta película tiene un corazón enorme, por lo que me agradó mucho la forma como el estilo, el diseño, la iluminación y todos los elementos técnicos unen sus fuerzas en aras de un objetivo común".
Llenando la granja de voces conocidas y diversas
Escoger a los actores y actrices idóneos para poner voz a la amplia variedad de memorables personajes de la película fue una de las etapas más importantes de la puesta en práctica del concepto del director y los productores. Gracias a los esfuerzos del veterano director de reparto Christian Kaplan, que ha sido responsable de hallar las voces de muchos de los largometrajes de Fox/Blue Sky durante los últimos catorce años, "Olé, el viaje de Ferdinand" cuenta con un reparto vocal variado que incluye a John Cena (Ferdinand), Kate McKinnon (Lupe), David Tennant (Angus), Gina Rodríguez (Una), Peyton Manning (Guapo), Bobby Cannavale (Valiente), Anthony Anderson (Bones), Jerrod Carmichael (Paco), Flula Borg (Hans), Daveed Diggs (Dos), Raúl Esparza (Moreno), Sally Phillips (Greta), Boris Kodjoe (Klaus) y Gabriel Iglesias (Cuatro).
"Cuando confeccionamos el reparto de nuestras películas, a menudo no sabemos a quién pertenecen las voces que estamos oyendo", dice la productora Lori Forte. "Nuestro ejecutivo de talento nos envía muchas voces; luego, nos fijamos en los diseños de los personajes y en las maquetas [esculturas de prototipos] y decidimos qué voz encaja mejor con el personaje. Creo que con esta película hemos marcado un gol por la escuadra. Cada voz suena muy específica y distinta y tiene su propia actitud especial. Realizamos una extensa búsqueda para hallar las voces perfectas para los papeles, y creo que cada una de ellas es capaz de reflejar muy bien las pintorescas personalidades de los diferentes personajes".
Añade Saldanha que "nos llenó de alegría contar para esta película con John Cena como nuestro principal personaje. Queríamos que la voz reflejase a alguien que al mismo tiempo fuera fuerte y amable. Exteriormente parece duro pero dentro tiene un gran corazón: un verdadero gigante amable. Estableció una verdadera conexión entre el personaje y su propia personalidad; es imponible no quedar cautivado por la singular forma como da vida a Ferdinand".
El gigante amable
"Me ganaron para la causa tan pronto como me mostraron unos pocos clips en la sala", recuerda Cena. "Carlos estaba subido en el podio, tratando de lograr que yo arrimara el hombro en el proyecto, y yo le dije: ‘Tío, basta ya... Cuenta conmigo. ¿Cuándo empezamos con esto?’ A partir de ahí, ha sido un enorme placer trabajar con él. Hemos trabajado muy bien juntos; y la calidad de la animación que Blue Sky produce es sencillamente asombrosa".
La superestrella de la WWE, que también ha causado una enorme impresión como gran actor cómico en películas como "Guerra de papás" y "Esta chica es un desastre", es un gran admirador de la notable animación de la película. "Rebosa vida, está llena de color y es simplemente explosiva por su energía", dice. "Pero, al mismo tiempo, es desenfrenada y realista. Es verdaderamente posible comprender las singulares personalidades de los animales: Ferdinand es sin duda alguna un toro, pero es posible ver sus atractivas cualidades en el modo como fue diseñado. En la animación, es posible ver la arrogancia de Valiente [el macho alfa de la Casa del Toro]; y Lupe [la cabra amiga de Ferdinand], ¡bueno!; es simplemente indescriptible. Los personajes humanos también son excepcionales, desde la naturaleza realista de la gente del festival de flores hasta la fragilidad de la anciana de la tienda de porcelana".
"Ferdinand es un toro muy grande, fuerte, bondadoso y feliz que se encuentra en una plaza llena de gente, donde tiene que luchar por triunfar", prosigue Cena. "El público ve finalmente su enfoque de la vida, lo agradece y le recompensa. Ésa es mi vida. Así que ése soy yo. ¡Yo soy Ferdinand!"
Muchos de los mensajes de la película tocaron la fibra sensible del actor: "Hay que ver a Ferdinand en busca de su vida perfecta y, en ocasiones, pasar apuros. Para un tipo que predica continuamente que ‘nunca hay que rendirse’, ésta es en verdad una historia sobre saber lo que se quiere de la vida y creer que, cuando uno queda atascado, hay algo más que conseguir. Pero eso no se obtiene sin trabajar duro. Todo el mensaje de ser fiel a lo que uno es de verdad, me llegó muy hondo".
Saldanha asegura creer que hallaron la voz perfecta para Lupe, la desternillante cabra que es profesora y amiga de Ferdinand: "Lograr que el asombroso talento cómico de Kate McKinnon aparezca en la película fue un enorme triunfo para nosotros", dice Saldanha. "Ella creó un personaje completamente nuevo y le dio vida mediante una combinación ganadora de ingenio y su incomparable forma de expresarse. Es creíble y absolutamente posible identificarse con este personaje, pues añade mucha ligereza al relato y nos ofrece, junto a John, una brillante pareja".
Haciendo la cabra
McKinnon ("Buscando a Dory", "Saturday Night Live") está tronchante como de costumbre cuando se le pide que describa al personaje al que presta su voz: "¡Bien! ... Lupe. Pues Lupe es como la profesora de Ferdinand. Y está más o menos contenta con lo básico. Come basura, duerme en un cubo y eso no le causa ningún problema. Es simplemente feliz con tal de que nadie le dé una patada en la cara. Si eso no sucede, está pasando un buen día".
La actriz y cómica ya estaba familiarizada con Ferdinand por haber leído el libro de niña. "Era uno de mis libros favoritos", refiere. "Recuerdo que tenía una portada roja con algunas flores. A Ferdinand le encantaban las flores y yo me quedé prendada de él porque no era como ningún otro toro. Creo que la mayoría de la gente puede identificarse con eso en algún aspecto de sus vidas. Tienen la sensación de que no encajan con el resto de la cultura".
Como incondicional, McKinnon se alegró una barbaridad al saber que el libro iba a ser llevado al cine: "Cuando oí que estaban haciendo una película del libro, me puse como [grita] ¡AHHHHH! Porque me emocionaba mucho que, por fin, estuvieran haciendo algo con este cuento maravilloso. Y después, cuando me contaron la idea del personaje que yo representaría, que es como una cabra que come basura, dije: ‘¡Sí. Lo haré!’ Porque, para ser sinceros, no difiere mucho de quien soy yo en la vida real. Más o menos me zampo lo que sea que haya en una habitación siempre que sea comestible..."
Un favorito escocés
El actor David Tennant ("Doctor Who", "Broadchurch"), que presta su voz a Angus, el toro de las Tierras Altas de Escocia, dice que, en su primera reunión, le impresionó mucho la energía dinámica de Saldanha así como su concepto del proyecto. "Uno tiene que depositar su confianza en este concepto porque, cuando está grabando su parte en el estudio, no ve el resto de la película. Uno no sabe qué otras cosas están pasando y luego, poco a poco, empieza a conocer unos diminutos fragmentos. Pero todo está sólo en la cabeza de Carlos y en Technicolor, hasta el ultimísimo momento, cuando la película es lanzada al mundo. Por eso tiene uno que creer que ésta es una odisea en la que vale la pena embarcarse; porque la gente que participa en ella tiene un enorme talento. Así que yo sólo robaré algún reflejo de su gloria. ¡Y tan contento!"
Tennant asegura haberse divertido mucho interpretando al toro escocés. "Angus es uno de esos toros que cree que su destino en la vida es luchar", explica. "Cuando Ferdinand se incorpora al grupo de la Casa del Toro, todos se quedan muy confusos porque son verdaderamente incapaces de entender a un toro pacifista. Lentamente, Ferdinand les hace ver el mundo de modo diferente, así que la película muestra el cambio que sufren gracias al toro más grande y más bueno de todos ellos. Creo que Ferdinand y su mensaje positivo son la clase de modelos de conducta que todos necesitamos; en especial, cuando el mundo está agitado".
El actor disfrutó participando en el proyecto de animación y presenciando cómo las ideas que inicialmente sólo existían en la cabeza de Saldanha se hacían realidad. "Carlos asiste a cada sesión y modula y hace que todo se materialice perfectamente", afirma. "Tiene mucha energía, entusiasmo y perspicacia. También fue un honor formar parte de la talentosa familia de Blue Sky. Puede decirse que yo soy el tío raro escocés. Han realizado películas hermosísimas y "Olé, el viaje de Ferdinand" será un digno añadido a esa lista. Me cuesta trabajo esperar a ver cómo el proyecto entero cobra vida palpitante en la gran pantalla".
El pequeño aliado
De dar voz a Bones, uno de los toros amigos de Ferdinand, se encarga el actor Anthony Anderson, más conocido por sus papeles en "Black-Ish" y "Los Infiltrados". "Bones es probablemente el toro más esquelético que jamás hayan visto", asegura Anderson. "Siempre está siendo arrojado de aquí para allá y viéndose atrapado y estrujado en algún lugar. Bones es el primer personaje al que Ferdinand inspira y cambia. Él se da cuenta de que necesitan salir del rancho. En consecuencia, primero entablan amistad y, después, todos se les unen y se dan cuenta de que tienen que huir".
Como muchos de sus compañeros de reparto, Anderson se siente orgulloso del impactante mensaje de la película. "No puedo esperar a ver esta película con mi familia", asegura. "Esta película tiene todo lo que una película familiar debe tener: corazón, comedia, suspense y acción. Hay una escena entre Ferdinand y Bones, y la conversación que estos personajes animados mantienen es muy real y muy emocionante. Eso es lo que va a encontrar eco en el público: los momentos auténticos entre padre e hijo o entre dos amigos".
Un guapo jefe de equipo
Peyton Manning, considerado uno de los más grandes capitanes de equipo de fútbol americano de todos los tiempos, también forma parte del reparto rebosante de estrellas de la película. Manning, que interpreta al apuesto y nervioso llamado Guapo, afirma que se abalanzó sobre la oportunidad de formar parte de la película. "Me halagó mucho que me lo pidieran porque nunca había trabajado en un proyecto de animación", dice. "Tenemos gemelos de seis años y nos encanta ver películas de animación en el cine y en casa; por tanto me entusiasma ver "Olé, el viaje de Ferdinand" con ellos".
"El nombre de Guapo lo dice todo. Que yo interpretase el papel de tan atractivo personaje podría suponer forzar un poco las cosas. ¡Pero me esforcé al máximo!", dice Manning bromeando. "Guapo es un toro muy bien parecido pero se pone ligeramente nervioso en algunos de los momentos de más tensión. Sólo porque un toro parezca ser un gran luchador no significa que sea eso lo que él quiera ser. Tal es el caso de Ferdinand, pero también eso es más o menos cierto en el de Guapo".
Añade Manning: "La película gira en torno a no hacer lo que todos esperan que uno haga, y a elegir el propio camino. Yo he jugado al fútbol durante mucho tiempo y ahora se me ha presentado la ocasión de hacer cosas diferentes. Repentinamente, uno empieza a preguntarse a sí mismo: ‘Pero, ¿qué estoy haciendo aquí?’ Además, creo que la película es un verdadero homenaje a la importancia de la amistad, como vemos en la manera en la que Ferdinand quiere ser amigo de todos. Me recuerda a todos los distintos tipos de personalidades que he conocido en mi vida; y a cómo todos ellos –jugadores, entrenadores, personal auxiliar... todos– han enriquecido mi vida".
La combativa eriza
La actriz Gina Rodríguez ("Jane the virgin", "La estrella de Belén") figura entre los numerosos personajes de voz que aportan su talento especial y su personalidad singular a sus papeles. La dinámica actriz interpreta a Una, la luchadora eriza que supervisa a sus dos hermanos, Dos y Cuatro (nunca hablan de Tres...), y ayuda a Ferdinand a huir del rancho de toros.
"Creo que Una me recuerda a mí misma cuando era más joven", dice Rodríguez. "Es simplemente una peleona y no piensa realmente en lo que esté diciendo o haciendo, y de primeras se lanza a lo que sea. ¡Así que, definitivamente, orienté en ese sentido a la Gina más joven que llevo dentro!"
La actriz también elogia al director por su hermoso concepto. "Carlos es extraordinario en la animación, pero tiene un corazón de oro y es posible verlo en Ferdinand", dice Rodríguez. "Realmente se puede ver su capacidad de recrear la humanidad de forma amable, cariñosa y tierna. Trabajar con él fue divertido de verdad porque él está representando contigo: la animación puede ser en ocasiones algo solitario, cuando solamente estás tú y una pantalla; fue, por tanto, agradable que Carlos estuviera tan involucrado y tan encantador".
La actriz también cree que el sencillo mensaje de la película es algo con lo que todos pueden identificarse. "Creo que todos estamos embarcados en una odisea constante con el fin de ser la mejor y más verdadera versión de nosotros mismos. Siempre vamos caminando por la vida combatiendo estereotipos, generalizaciones o ideas que otros tienen de nosotros. Hay, por consiguiente, que luchar para recordar los propios sueños y luchar también por quien es uno verdaderamente. Es una importante lección que impartir a los niños y que los adultos deben también recordar".
El hogar está donde está el corazón
No sólo el reparto quedó impresionado por el mensaje de la película; el cantautor Nick Jonas se sintió igualmente conmovido. "Yo ya estaba familiarizado con la historia y cuando me enseñaron los materiales de la película, me emocioné", recuerda. "Siempre he querido componer una canción original para una película".
Esa canción sería "Home", que se interpreta en la película, se repite durante los títulos del crédito del final y engloba el tema de aceptación de la película. "Yo compuse esta canción con mis buenos amigos Justin Tranter y Nick Monson", dice Jonas. "Y la creamos pensando en lo que supone sentirse aceptado, sentirse amado y también pensando en el lugar que es el nuestro, donde quiera que esté. Para mí, es mi hogar, es mi familia, la gente más próxima a mí y las experiencias que hemos compartido".
Divulgar el mensaje, profundo y universal, de "Olé, el viaje de Ferdinand" ha sido una experiencia feliz y gratificante para Saldhana y para el talentoso equipo artístico y técnico de Blue Sky Studios y Fox Animation Studios que participa en la película. El público podrá disfrutar de los bellos colores, los memorables personajes y las interesantes aventuras de Ferdinand y sus amigos en los cines de EE. UU. el 15 de diciembre de 2017.
Acerca del libro
"Olé, el viaje de Ferdinand" está basada en el libro "The Story of Ferdinand" de MUNRO LEAF y ROBERT LAWSON. Este clásico lleva publicándose más de setenta y cinco años, ha sido traducido a más de dieciséis idiomas y figura entre los 100 Mejores Libros para Niños de Todos los Tiempos de la revista TIME.
El mensaje de amistad y aceptación del libro es tan pertinente al día de hoy como lo fue cuando salió al mercado por primera vez, y sirve de oportunidad perfecta para que los padres compartan esta moral hasta con los más pequeños de sus hijos.
Hoja de datos de "Olé, el viaje de Ferdinand"
- Ferdinand es el 12.º largometraje de animación de Blue Sky Studios. Y es el séptimo del estudio que es dirigido o codirigido por Carlos Saldanha.
- Publicado por primera vez en 1936, The Story of Ferdinand fue escrito por Munro Leaf e ilustrado por Robert Lawson. Ha vendido millones de ejemplares en todo el mundo.
- En su primera tirada, el libro vendió 14.000 ejemplares a 1 $ la unidad. Al año siguiente, las ventas subieron hasta los 68.000, y en 1938 el libro estaba vendiendo 3.000 ejemplares por semana. En 1938, superó las ventas de Lo que el viento se llevó , convirtiéndose en el número uno en ventas en EE. UU. El libro ha sido traducido a más de 60 idiomas y nunca ha sido descatalogado.
- Leaf escribió el cuento por un capricho una tarde de 1935, a fin de brindar a su amigo, el ilustrador Robert Lawson, un lugar en el que mostrar su talento.
- El paisaje español que aparece en el libro y en la película está basado en una vista de la ciudad andaluza de Ronda.
- Un ejemplar de la primera edición de The Story of Ferdinand se vendió por 16.500 $ en 2014.
- Se hace referencia a Ferdinand en la película de 2009 "Un sueño posible", la historia de Michael Oher, una película con un mensaje semejante al del libro de Leaf. La película incluye una escena en la que un entrenador menciona que Oher preferiría mirar globos antes que golpear a alguien. El personaje interpretado por Sandra Bullock contesta: "El Toro Ferdinand".
- La historia fue adaptada por Walt Disney en 1938 como cortometraje de animación con el título de "Ferdinando el Toro". Dirigido por Dick Rickard, "Ferdinando el Toro" obtuvo el Premio de la Academia de 1938 al Mejor Dibujo Animado Corto con Argumento.
Jumanji: En la selva
2017
Duración 119 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Jake Kasdan Reparto: Dwayne "The Rock" Johnson, Karen Gillan, Jack Black, Kevin Hart, Madison Iseman, Nick Jonas, Rhys Darby, Alex Wolff, Marc Evan Jackson, Morgan Turner, Ser'Darius William Blain, Bobby Cannavale, Missi Pyle, Maribeth Monroe, Tim Matheson
Cuatro adolescentes son absorbidos por un videojuego, en el que se convierten en avatares de personajes arquetípicos. Allí vivirán múltiples aventuras, al tiempo que buscan cómo salir de ahí para volver a su mundo.
Con Dwayne Johnson, Jack Black, Kevin Hart, Karen Gillan, Nick Jonas y Bobby Cannavale. Dirigida por Jake Kasdan. Producida por Matt Tolmach y William Teitler. Guión por Chris McKenna & Erik Sommers y Scott Rosenberg & Jeff Pinkner. Historia de Chris McKenna. Basada en la novela Jumanji de Chris Van Allsburg. Productores Ejecutivos David Householter, Jake Kasdan, Dwayne Johnson, Dany García, Ted Field y Mike Weber. Director de Fotografía Gyula Pados, HSC. Diseño de Producción Owen Paterson. Edición por Mark Helfrich, ACE y Steve Edwards. Supervisión de Efectos Visuales Jerome Chen. Diseño de Vestuario Laura Jean Shannon. Música por Henry Jackman. Supervisión Musical por Manish Raval y Tom Wolfe.
Sobre la producción
"El espíritu de Jumanji fluye a través de esta continuación" dice Dwayne Johnson. Para el actor/director ejecutivo y para muchos de su generación, la película de Jumanji original despertó el espíritu que acabaría siendo la columna vertebral de la nueva película. "Queríamos volver a traer ese espíritu de asombro, de superación de miedos y de descubrimiento de uno mismo. De vez en cuando aparece una película que directamente sabes que tiene una calidad especial".
Para Johnson, una de las claves para conseguirlo fue la de aproximarse a la nueva película como una continuación, una nueva aventura Jumanji dentro del mismo universo que el de la primera. "Todos tenemos gran aprecio y respeto por la cinta original. Siempre he sido una gran seguidor de Robin Williams y de sus interpretaciones, y esa película significa mucho para mi familia y para mí" confiesa. "Así que, mientras en la primera la jungla aparecía en nuestro mundo, en esta nosotros vamos a Jumanji".
El productor Matt Tolmach es también un enamorado tanto de la película original como del libro de fantasía infantil de Chris Van Allsburg que la inspiró. En el momento que vio la cinta de 1995 por primera vez, Tolmach relata como "sentí inmediatamente como había más historias que contar sobre Jumanji. Mi primer pensamiento fue '¿Cuál es el siguiente capítulo en esta historia? ¿Cuál es la siguiente aventura de Jumanji?' Continuar lo que empezó hace más de 20 años parece el paso más natural a seguir".
Tolmach y el escritor Chris McKenna anticiparon una nueva dirección para Jumanji: le darían completamente la vuelta. En vez de traer la jungla a nuestro mundo, "Jumanji: En la selva" llevaría a los jugadores a la jungla, pero no sólo eso. "El juego evoluciona, de un juego de mesa a un videojuego, y hará lo que sea para que lo jueguen" explica Tolmach. "Los videojuegos encajan perfectamente con el mundo de Jumanji: dejas tu mundo atrás para convertirte en alguien distinto, un aventurero, un doctor o un héroe. Esta es una forma genial de explorar temas clásicos atemporales como el de aceptar quién eres al mismo tiempo que te retas a hacer cosas que nunca pensabas posibles. Son obligados a ser otra persona completamente distinta de quien piensan que son, sólo que podrían no ser tan distintos como piensan. No es una coincidencia que se conviertan en personajes aparentemente tan distintos a ellos, probablemente necesiten emprender esta aventura para descubrir de lo que son capaces, de lo que siempre llevaron en su interior".
"Los personajes principales son en realidad adolescentes interpretados por actores adultos"aclara Jake Kasdan. Tolmach había trabajado anteriormente con Kasdan en varias películas y pensó que sería el director perfecto. "Es un momento de descubrimiento personal para ellos, pero en un contexto fantástico. Así que, mientras descubren quiénes son en la vida real, se encuentran de repente dentro del juego en el cuerpo de otro. Pienso que eso es algo bastante gracioso, pero también algo muy interesante. ¿Qué descubrirías sobre ti mismo si pudieses pasar un día en el cuerpo de otra persona?"
De cualquier forma, la película es una comedia con bastante acción. "Me encantan este tipo de películas. Siempre quise hacer una gran película de aventuras" confiesa Kasdan. "Así que es una historia sobre el paso a la adultez que grabamos en Hawái con grandes secuencias de acción y muchos efectos visuales".
"Queríamos crear una película clásica de acción de alto riesgo" aclara Tolmach. "El riesgo es muy real, en Jumanji puedes morir. Sabíamos que habría mucha comedia en la película, pero queríamos que estuviese intercalada con mucha acción visceral y emocionante".
Sobre los personajes
En la película, cuatro adolescentes (Spencer, Bethany, Fridge y Martha) que en principio no podrían ser más distintos, son arrastrados al mundo de Jumanji. Pronto descubren que van a tener que aprender a trabajar en equipo si quieren sobrevivir. En sus nuevas identidades, cada uno tiene habilidades únicas, aunque también tendrán debilidades únicas que frenarán su progreso.
Un arqueólogo y explorador internacional, el Dr. Smolder Bravestone es un consumado héroe de acción: intrépido, más rápido que una bala, capaz de escalar cualquier cosa, habilidad excepcional con armas, y todo hecho con su intensidad característica. ¿Sus debilidades? Ninguna. ¿A qué suena eso? Pues ningún otro más que a Dwayne Johnson.
En el interior del Dr. Bravestone está Spencer, un jugador neurótico de constitución frágil, interpretado por Alex Wolff. Alérgico y muy nervioso, Spencer es todo lo contrario a Bravestone... o eso parece.
Johnson ansiaba poder interpretar a un personaje completamente distinto a La Roca o cualquiera de los muchos héroes de acción que ha traído a la vida. "Spencer es el personaje más maravilloso, inseguro, adorable, alérgico a todo y divertido que jamás haya interpretado"admite Johnson. "Nunca he tenido la oportunidad de interpretar a un adolescente. Él no es un tipo grande y fuerte, sólo es el pequeño Spencer que se transforma en mí. Yo lo que hago es interpretar a un niño asustado de 16 años, lo que fue un reto".
Un reto, ya que la película entera depende de que la audiencia se crea que Johnson es un nervioso adolescente de verdad. Pero Johnson aclara que, aunque hoy sea un hombre adulto seguro de sí mismo, no siempre fue así. "Incluso cuando tenía 16 años aparentaba 46. Medía 195 cm, pesaba 110 kg y llevaba un gran bigote, pero en realidad en mi interior seguía siendo un adolescente intentando averiguar quién era. Así que me aferré a ese espíritu de adolescente. Quería asegurarme de que cualquiera que viese la película pensase 'Ese es Spencer' y no 'Ese es La Roca'".
"De verdad, no hay otro actor en el mundo que pudiese hacer esta idea más divertida que Dwayne" dice Kasdan. "Además se entregó en cuerpo y alma. Aprovechó la oportunidad de jugar con su persona y clavar la personalidad del chico".
Cuando Bethany (Madison Iseman), la chica popular del colegio, es arrastrada dentro del juego decide jugar con un "genio con curvas", el Dr. Shelly Oberon, experto en cartografía, arqueología y paleontología. Habría que puntualizar que Shelly en realidad viene de Sheldon. Bethany, quien está obsesionada con su imagen, se convierte en un "hombre de mediana edad con sobrepeso". Este es Jack Black. (Bethany no se sorprende cuando la debilidad de Shelly resulta ser la resistencia.)
Para Black, el atractivo de este papel era doble. Por un lado, podría disfrutar sacando su chica adolescente de dentro, para lo que se aseguró de estar en la misma sintonía que ella. "En mi cabeza, sé ser una tía maciza. Entra dentro de mi repertorio" explica el comediante. "Pero las chicas adolescente las conocí en los 80 así que antes de empezar a rodar le estuve haciendo un montón de preguntas a Madison. Tenía que investigar. '¿Qué estás escuchando ahora? ¿Cuál es tu música favorita? ¿Qué programa de televisión sigues?' Observé y escuché y guardé todo en mi cabeza. Madison ha sido de gran ayuda".
Pero por otro lado, también tendría la oportunidad de interpretar bajo la dirección de Jake Kasdan, uno de sus colaboradores favoritos. El director y el actor trabajaron por primera vez en 2001 en la comedia "Orange County". "Jake Kasdan es uno de mis directores favoritos con los que trabajar. "Orange County" fue una película muy divertida de rodar y en el set tuvimos el mejor buen rollo. Es muy listo y muy gracioso y mantuvimos muy buenas conversaciones. Así que me interesé por este proyecto y me apunté inmediatamente. Él sabe cómo pellizcar para sacarme la mejor interpretación. Es un buen científico de la interpretación".
"Jack es una de mis personas favoritas para trabajar. Confío en un 1000 por cien en que siempre será brillante" comenta Kasdan. "Por lo que cuando le pedimos que interpretase a una adolescente, no tenía muy claro cómo quedaría, pero sabía que sería increíble. Él es Bethany cada segundo que le vemos en pantalla".
El atleta del campus es Fridge, interpretado por Ser'darius Blain. Cuando es arrastrado a Jumanji, su estatus crece... más o menos. Se convierte en Franklin "Moose" Finbar, un experto en zoología y en armas... aunque de talla algo pequeña, del tamaño de Kevin Hart. Y si eso no es suficientemente malo, más debilidades se suman a su humillación: la fuerza, la velocidad... y los pasteles.
"Cuando Fridge está eligiendo a su personaje sin duda se fija en 'Moose' Finbar. Moose parece fuerte, grande y alto, justo como Fridge es" explica Hart. "Pero no lo es. Acaba siendo yo, un tipo pequeño y menudo. Todo lo que él pensaba que era en un instante ya no lo es. Era grande y duro en la vida real, pero en el juego es pequeño. No es tan duro, no puede hacer todas las cosas de antes. Y de repente se encuentra siendo el opuesto a él, algo que no le sienta muy bien. Y lo que realmente le sienta mal es que Spencer sea ahora más grande que él. Al final tiene que dar un paso atrás y dejar que Spencer sea el líder".
"Kevin es como una bola de energía ardiendo" dice Jack Black. "Es increíble estar en una película con él, aunque admito que sentí algo de presión intentando ser más gracioso que él. Me decía a mí mismo '¡Venga, me tengo que poner las pilas!'".
"Creo que Kevin es una de las personas más graciosas del mundo y es genial tener a alguien así en tu película" admite Kasdan. "Tal cual empezamos, fue evidente que estábamos trabajando con alguien con superpoderes para la comedia. Puede ser desternillante con un diálogo entero o sólo una mirada".
Martha no tiene pelos en la lengua pero socialmente es considerada una rara y está interpretada por Morgan Turner. Martha sabe que los años de instituto pueden ser difíciles y que la vida mejorará en la universidad, pero eso no hace que su día a día sea más llevadero. Hasta ahora ha sobrevivido pasando desapercibida, pero cuando se convierte en Ruby Roundhouse, una maestra de las artes marciales, Martha se sorprende exigiendo la atención de todo el mundo. Es terreno desconocido, pero no tiene más elección que hacer de tripas corazón y luchar por sobrevivir.
La actriz escocesa Karen Gillan, más conocida por sus papel en la serie de la BBC Doctor Who y el de 'Nébula' en la saga Guardianes de la Galaxia, interpreta al avatar guerrero de Martha. Jumanji se convierte en el sitio perfecto para descubrir de lo que realmente está hecha.
"Para mí, el proceso de aprendizaje de Martha es donde está la diversión" dice Gillan. "Es una adolescente introvertida y rara que es forzada a tomar control de un cuerpo y mente totalmente distintos de ella. Yo soy un poco rara a veces, pero he sido capaz de interpretar a personajes duros y fuertes, así que me ha tocado enfrentarme a mis torpezas a menudo. Pero con Martha/Ruby he tenido la oportunidad de aceptar ese otro lado y pasármelo de maravilla".
"He seguido a Karen ya desde hace bastante tiempo" confiesa Kasdan. "Una de mis cosas favoritas sobre la película es la forma en la que interpreta a Martha, como una chica introvertida pero muy inteligente que descubre su propio poder delante de nuestros ojos. Interpreta perfectamente todos los niveles del personaje".
"El avatar de Alex es un piloto, Jefferson 'Seaplane' McDonough" dice Nick Jonas. "Lleva ya en el juego un tiempo y ha estado pasándolo un poco mal. A medida que avanza la película descubrimos que la historia es un poco más complicada..."
El rival explorador y aventurero del Dr. Bravestone, Van Pelt, emprende un plan que podría dejar a nuestros héroes atrapados en Jumanji para siempre. Está interpretado por Bobby Cannavale.
"Van Pelt está obsesionado con la búsqueda de algo místico por el puro hecho del descubrimiento" dice Cannavale. "Ser un explorador es algo de la vieja escuela. Vivimos en una época en la que la mayoría de la gente piensa que ya se ha descubierto todo, así que muy poca gente emprende estas expediciones. Hay algo verdaderamente emocionante en la idea de dar un paso hacia lo desconocido, pero es algo que ya no vemos".
Una de las formas en las que Kasdan fue capaz de mantener a los actores equilibrados y que la comedia fluyese fue dejándoles espacio para que encontrasen el humor. Según relata Black, "Karen y yo tenemos una escena genial en la que le enseño como ligar. Ese día me recordó lo bien que lo pasamos Jake y yo en los viejos tiempos con Orange County. Nuestra escena era un como un organismo vivo, iba sucediendo a tempo real. Fue muy emocionante".
"Es un reparto de ensueño" dice Kasdan. "Son todos tan graciosos y animados, y trabajan muy bien juntos. Además son actores muy físicos, algo muy importante ya que hay mucha acción en la película. Es algo en lo que todos se implicaron totalmente".
Sobre el diseño
Para llevar la exótica localización de Jumanji a la gran pantalla, el equipo al completo hizo el sacrificio de trasladarse a la peligrosa jungla interior de Oahu, Hawái. (Un trabajo duro, pero alguien tenía que hacerlo.)
Tanto Kasdan como Tolmach tenían claro que era esencial encontrar auténticas localizaciones de jungla. Además de añadir valor al aspecto general de la producción, también sería de gran ayuda para ejecutar los efectos especiales y ayudar en las interpretaciones.
"Para que la audiencia se creyese que nuestros héroes habían sido arrastrados a una jungla había que ir a una de verdad" dice el productor Matt Tolmach. "Afortunadamente, Hawái presume de una amplia variedad de junglas que nos ofrecían todo lo que necesitábamos. Es un entorno espectacular que aumenta la tensión y dota a la película de un contraste increíble con respecto a nuestro día a día".
La isla ofrece una gran variedad de entornos selváticos, como el Valle Waimea, la Costa Norte o el Rancho Kualoa, en la parte frondosa de la isla con vistas kilométricas al océano y valles.
Mientras que las localizaciones en la selva apuntaban a un marco natural, el ojo creativo de diseñador de producción Owen Paterson lo elevaría a un entorno único que se adecuase al mundo fantástico de videojuego de Jumanji.
Paterson es un veterano diseñador de producción que ha colaborado en películas como Capitán América: Civil War y la trilogía de Matrix. Él y su equipo de diseñadores, constructores y decoradores construyeron varios sets en la isla, incluyendo un almacén enorme con infinidad de coches, barcos, aviones y un helicóptero.
Otro de los sets que se construyeron de cero fue la casa del árbol de Álex, un refugio construido de verdad alrededor de un ficus y escondido entre el follaje de la jungla. El reto en este caso residió en asegurarse de que el diseño, construcción y decoración fuese compuesto por elementos reutilizados o rescatados de la propia isla.
"La casa del árbol era genial. Pasaría las vacaciones ahí si pudiese" asegura Jonas. "No sólo fue un gran sitio para presentar a mi personaje y contar dónde había estado todo este tiempo, también fue una forma de respetar la película original".
Aparte de las junglas de Jumanji, Paterson necesitaría recrear también las escenas del mundo real, estableciendo dos mundos visuales muy diferenciados. "El exótico mundo de Jumanji contrasta enormemente con la pequeña ciudad de Brantford" explica Paterson. "Acepté encantado el reto de experimentar y jugar desarrollando el mundo de Jumanji. Fue especialmente satisfactorio poder ver tan perfectamente emplazados nuestros templos, la casa del árbol y el resto de decorados, mimetizados con las frondosas selvas y cascadas de Hawái".
En "Jumanji: En la selva" hay animales de todos los tamaños, como enormes mosquitos, rinocerontes, hipopótamos, serpientes y jaguares, todos bajo la maldición de la Joya de Jumanji, así que hasta el más benigno de los animales puede suponer una amenaza. Aunque en la vida real los actores también tuvieron sus encontronazos con la Madre Naturaleza. Y aunque Hawái es conocida por no tener serpientes en ninguna de sus islas, rodando en bosques lluviosos y de noche si aparecieron abundantes bichos. Pudieron ver grupos de cerdos salvajes pero fueron los bichos y sabandijas los que mantuvieron a todo el equipo en tensión, especialmente por las fuertes picaduras de los ciempiés.
Las últimas seis semanas de rodaje llevarían al equipo de rodaje de vuelta al continente, a la ciudad de Atlanta, zona que sirvió como localización para las escenas de Brantford así como para varios decorados de la jungla: la escena del bazar, la estatua del jaguar y el laberinto de túneles.
El exótico pero salvajemente peligroso bazar funciona como sitio de reunión de los habitantes de Jumanji. Es aquí donde los adolescentes se topan con más retos, con la esperanza de que les lleven al siguiente nivel. "Desde el punto de vista del diseño, hay varios puntos que debíamos seguir para guiar la historia, como la entrada de personajes, el emplazamiento de la tienda para una secuencia central, el punto del bazar donde descubrimos de qué va la debilidad de Fridge con los pasteles, y finalmente el encuentro con los dragoons de Van Pelt"explica Paterson. "A partir de ahí ya añadimos capas con texturas y elementos típicos de un mercado turbio donde todo vale. Parecía un bazar de verdad. Ronald Reiss, el decorador del set, puso comida, especias, metal y alfombras, como lo que te encontrarías en Oriente Medio, aunque también se supone que estamos dentro de un videojuego, donde los personajes irían a comprar armas, así que metimos de esas también. Mi intención fue la de crear un espacio bullicioso con aires exóticos que tuviese un contraste visual con respecto a la jungla".
El diseño de la venerada estatua de jaguar de Paterson acabaría siendo un híbrido. Por un lado construyeron una sección de 35 m de alto y de la mitad para abajo el equipo de efectos visuales de Jerome Chen ideó una formación rocosa enorme en la localización donde grabarían. La cabeza de jaguar de 12 m se hizo combinando gomaespuma y cemento pintado para darle un aspecto envejecido.
Para relacionar aún más el juego de tablero de Jumanji con el videojuego, Paterson quiso imitar algunos de sus iconos de una forma sutil que sorprendiese y causase nostalgia. Así pues, trasladó las fichas del juego original, un elefante, un cocodrilo y un rinoceronte, y las integró en el diseño del templo como grandes estatuas cubiertas de maleza que guiaron a Bravestone y los demás hacia la estatua jaguar.
La diseñadora de vestuario Laura Jean Shannon confiesa que tuvo gran licencia creativa a la hora de la conceptualización de los diseños para los personajes. Su investigación se basó en videojuegos tanto contemporáneos como clásicos, eventos históricos e incluso películas clásicas. De este modo creó un vestuario totalmente nuevo que se basaba en estas influencias.
Con personajes tanto dentro como fuera de Jumanji, Shannon quiso darle a cada uno una apariencia que le definiese. Shannon y su equipo crearon su propio repertorio videojuegos que abordaban todos los tipos de héroes, desde el aventurero clásico con su envidiable arsenal de poderes y armas a la arquetípica princesa guerrera, todo entrelazado con discretos toques cómicos.
"Mi objetivo para Ruby Roundhouse fue el de crear una impactante mujer de revista para el icónico personaje femenino de videojuego" explica Shannon. "Lleva un arnés, un cinturón con armas y algunos elementos de kevlar. Pusimos todo eso encima de un top muy estilizado, pantalones cortos militares y botas. Karen Gillan crea una situación cómica por el contraste entre el vestuario y su personalidad, una joven inteligente que pasa desapercibida y que acaba dentro del cuerpo de una heroína".
"Conseguir el aspecto de Ruby fue muy divertido" confiesa Gillan. "Fue interesante resaltar la estética que le daban a las mujeres en los videojuegos en los 90. Y luego darle la vuelta y que se vista así una adolescente que nunca en su vida hubiese elegido ese modelito. Esto ha permitido muchos momentos cómicos".
Shannon está igual de emocionada con sus diseños para Van Pelt y sus Dragoons. En la película, la codicia de Van Pelt por poseer el ojo de esmeralda del Jaguar de Jumanji provoca una maldición en todo Jumanji, y así los animales de la jungla caen bajo el malvado hechizo y acuden a su llamada. Esa premisa fue el desencadenante que Shannon necesitaba para el diseño del vestuario de Van Pelt y sus mercenarios. El aspecto de Van Pelt es el del guapo explorador por antonomasia con una gabardina larga, pero a medida que va cayendo bajo el influjo del hechizo de la Joya de Jumanji es cada vez más tenebroso y amenazante. Mientras tanto, sus secuaces empiezan a mutar con los animales de la jungla. Un chaleco antibalas es en realidad una cabeza de rinoceronte y un caparazón de armadillo sirve como armadura.
"Van Pelt sufre una transformación física a medida que la maldición toma control de él" explica Shannon. "Quería que hubiese un elemento de afinidad entre sus seguidores, y esto es un respeto por los animales que les rodean. Usamos de todo, cocodrilos, serpientes, armadillos, murciélagos, cuervos, osos, rinocerontes y escorpiones, por nombrar unos cuantos. No hubiésemos podido hacer nada de todo esto sin la increíble técnica de unos artesanos que crearon estas piezas inspiradas en animales hechas con materiales sintéticos. Todos hicieron un trabajo fantástico".
La idea en el diseño de Shannon fue tan detallado que representó a cada grupo de dragoons (exploradores, militares y motoristas) con su propio espíritu de animal. A medida que el mal penetra más y más en Jumanji, cada grupo adquiere más de la esencia de su animal. Los exploradores se identifican con los animales de la jungla, mientras que los militares se representan con animales más grandes, y los motoristas con animales voladores. Esta atención al detalle dotó a todos sus diseños de una cohesión lógica y creativa que armonizaba perfectamente con el diseño de producción de Paterson para crear un Jumanji perfecto.
Sobre la acción
A la hora de ejecutar toda la acción que complementa la parte cómica y potenciar la aventura, Kasdan y Tolmach contaron con los veteranos coordinadores de efectos especiales Gary M. Hymes y Oakley Lehman así como con el director de segunda unidad Jack Gill para supervisar la acción de la película.
La clave a la hora de crear los elementos de acción fue centrarse en los poderes y debilidades de los personajes de videojuego.
Por ejemplo, en la secuencia del rinoceronte albino tenemos una estampida gigante que va en la dirección de los personajes. Johnson, Black, Hart, Gillan y Jonas se pasaron días colgados con arneses de un helicóptero customizado a 6 m de altura. El mecanismo era capaz de simular varias maniobras de vuelo, inclinaciones, rotaciones, ascensos y descensos a grandes velocidades.
Aprovechándose de las impactantes vistas hawaianas, muchas de las secuencias especiales fueron construidas alrededor de la topografía de la isla, como cuando docenas de dragoons en moto van disparados por la jungla y saltan por encima de empinados acantilados persiguiendo a nuestros héroes.
A la hora de grabar varias escenas de lucha, Hymes y Lehman usaron un complejo sistema de cables que customizaron para el entorno de la jungla y conseguir capturar el estilo de lucha de un videojuego. Después de semanas de diseño, manejando equipamiento pesado y ensayando consiguieron ejecutar las acrobacias en cada secuencia.
Johnson y Hart son conocidos por el entrenamiento exhaustivo que exigen, pero fue Gillan, cuyo personaje es una experta en artes marciales, la que tuvo que trabajar más con el equipo de especialistas para aprender la extensa coreografía de sus escenas. El equipo de especialistas concluyó que el estilo de lucha brasileño Capoeira es probablemente el que más se acerque al poder especial de Ruby, aunque en la coreografía juntan varias técnicas para crear sus movimientos propios, en parte danza, en parte pelea letal.
Sobre los efectos visuales
El supervisor de efectos visuales Jerome Chen (Escuadrón Suicida y The Amazing Spider-Man) fue el encargado de visualizar colección de animales de la película, así como las espectaculares secuencias de acción.
Chen comenta que tenía dos razones muy personales por las que apuntarse al proyecto. "Jumanji me crea mucha nostalgia. La vi en el cine cuando salió, y los efectos especiales fueron únicos para aquella época, los animales parecían cobrar vida. Así que por eso me emocionaba mucho participar. Pero también resulta que el supervisor de efectos visuales de esa película fue un hombre que se llama Ken Ralston, quien se convertiría en uno de mis mentores. Desde un punto de vista profesional, no podía resistirme a involucrarme en un proyecto que uno de mis mentores había supervisado en el pasado".
Para "Jumanji: En la selva", Chen se enfrentó a algo nuevo en su carrera. "Nunca antes había hecho animales fotorrealistas" comenta. "Eso me intrigó mucho, en parte porque varias películas recientes habían creado animales fotorrealistas a un nivel altísimo".
Era importante que los animales fuese fotorrealistas, aclara Chen, ya que Kasdan quería que los efectos visuales de la película fuesen lo más creíble posibles y así poder introducir otros aspectos inspirados en el escenario del videojuego. "Jake realmente quería que los efectos fuesen muy realistas, el movimiento, la textura y la sensación en general tenía que ser perfecta. Gracias a eso pudimos jugar con el tamaño. Los elefantes y los rinocerontes son un 50% más grandes de lo normal y los jaguares que protegen la cima al final de la película son el doble de grandes. Son todos más grandes que en la vida real, más feroces".
También, ya que los animales están malditos y están controlados por el malo de la película, Chen pudo realzar a los animales con atributos únicos haciéndolo todo aún más emocionante. "Esa fue una parte muy interesante, cómo crearíamos los animales, cómo interactuarían con el humano y cómo los haríamos divertidos al mismo tiempo que peligroso y creíbles" explica.
Chen también colaboró con el director de segunda unidad Jack Gill y el equipo de especialistas para mejorar las habilidades de lucha de los actores y que fuesen como las de un videojuego. "Cuando Dwayne Johnson le da un puñetazo a alguien, este puede volar 10 m. Karen Gillan puede saltar 10 m con una combinación de cables y efectos visuales" aclara Chen. "Para poder transmitir la idea de Jack, le ayudé quitando algunos cables o añadiendo escombros para asegurarnos de que la escena fuese un éxito".
Por último, los efectos visuales fueron clave a la hora de contar como Van Pelt es un villano siniestro que controla a los animales a su alrededor. "En realidad está hecho de alimañas y roedores, los animales más asquerosos que te puedas imaginar viven en su cuerpo. Incluso usa animales para castigar a la gente que le falla. Hay una escena donde uno de los dragoons deja que los protagonistas se escapen y Van Pelt le castiga haciendo que un escorpión salga de su boca".
