La obra secreta
2018
País Argentina
Dirección Graciela Taquini
Reparto Daniel Hendler, Mario Lombard
El film es a la vez un retrato de Elio Montes, un arquitecto devoto de Le Corbusier, quien pasa sus días como encargado de las visitas guiadas de esa casa esperando lo imposible.
La obra secreta es un largometraje de ficción que entrelaza tres relatos: la figura y el pensamiento de Le Corbusier -máxima figura de la arquitectura moderna-, una exhaustiva visita guiada a una de sus obras más logradas y menos conocidas -la casa Curutchet- y la extraña influencia que su figura ejerció sobre la vida de Elio Montes, un arquitecto de la ciudad de La Plata, encargado de las visitas guiadas de esa casa.
Medio siglo después de su muerte, Le Corbusier llega en tren a la ciudad de La Plata para visitar la casa Curutchet, única obra que realizara en latinoamérica y que no pudo conocer en vida. Durante el trayecto de la estación a la casa, Le Corbusier recorrerá extrañado la ciudad del siglo XXI, contemplará la arquitectura, las nuevas tecnologías, los actuales medios de transporte, la vestimenta y los hábitos de la gente, experimentando el pulso de la ciudad contemporánea. En su recorrido, escucharemos en off fragmentos de sus pensamientos históricos -tomados de sus escritos y entrevistas- que generarán un sugestivo contrapunto con la compleja realidad circundante.
El segundo relato se centra en la historia y los valores arquitectónicos de la casa Curutchet, descriptos a partir de una serie de visitas guiadas que, con público diverso, lleva a cabo el arquitecto Elio Montes en una de sus habituales jornadas laborales como guía de la casa. La belleza y elocuencia de las imágenes y las detalladas explicaciones del guía permite asomarse al fascinante universo creativo de Le Corbusier, a sus ideas vanguardistas y a sus notables logros técnicos y estéticos.
Una tercera línea narrativa se desarrolla en los impasses laborales de Elio Montes entre grupo y grupo de visitantes a la casa. En esos tiempos muertos, el arquitecto relata y rememora en off su historia de vida particularmente signada por Le Corbusier y esa casa.
Luego de una agotadora jornada de trabajo, Elio Montes concluye la última visita cuando descubre que el propio Le Corbusier ha llegado hasta allí y está frente suyo.
Productoras: ARCO LIBRE y TELEVISION ABIERTA
Asistente de Dirección y Realización: JERÓNIMO CARRANZA
Dirección de Arte: CATALINA OLIVA
Vestuario: MARCELA VILARIÑO
Dirección de Sonido: JUAN MOLTENI
Música Original: DIEGO BLIFFELD
Montaje: JERÓNIMO CARRANZA - KLAUS BORGES VAZ
Dirección de Fotografía: PABLO HUERTA
Fotos de Arquitectura y Fotos tomadas por Le Corbusier: MARIO CHIERICO
Jefe de Producción: CARLOS MARIS
Dirección de Producción: FRANCISCO LARRALDE
Producción Ejecutiva: VICTORIA AIZENSTAT
Productores: FERNANDO SOKOLOWICZ - MARIANO COHN - GASTÓN DUPRAT
Guión: ANDRÉS DUPRAT
Dirección: GRACIELA TAQUINI
Datos Técnicos:
Argentina - Ficción
2017 - 66 minutos
Sobre Andrés Duprat:
Andrés Duprat es arquitecto, curador de arte y escritor cinematográfico. Actualmente es Director del Museo Nacional de Bellas Artes. Escribió, entre otros, los films “El artista”, “El hombre de al lado”, “Querida voy a comprar cigarrillos y vuelvo”, “Living Stars”, “Todo sobre el asado” y “El ciudadano ilustre”, todos ellos dirigidos por Mariano Cohn y Gastón Duprat. Por su rol de guionista ha obtenido numerosos premios y reconocimientos internacionales.
Sobre Graciela Taquini:
Profesora y Licenciada en Historia de las Artes, miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes, gestora cultural, investigadora y artista. Pionera en el campo del video arte, es una figura ineludible de las artes electrónicas. Ha fomentado y apoyado a destacados artistas en sus inicios y ha obtenido importantes reconocimientos por su obra artística.
A los 75 años, realiza su primera ópera prima: La obra secreta.
El testamento
2017
Duración 88 min.
País Austria
Dirección Amichai Greenberg
Reparto Ori Pfeffer, Rivka Gur, Hagit Dasberg, Orna Rotenberg
Un misterio sobre un hombre que está dispuesto a arriesgar todo para descubrir la verdad.
Ficha Técnica
Guión y dirección: AMICHAI GREENBERG
Productores: YOAV ROEH, AURIT ZAMIR
Co Productores: SABINE MOSER, OLIVER NEUMANN
Fotografía: Moshe Mishali
Música: Walter W. Cikan y Marnix Veenenbos
Edición: Gilad Inbar
Arte: Tamar Gadish
Datos Técnicos
Ficción | 90′ | 2017 | Israel, Austria
Premios y Festivales
Festival de Cine de Haifa
Ganadora
Mejor Largometraje
Festival de Cine de Venecia
Nominada
Mejor Película
Un amor inseparable
2017
Duración 119 min.
País Estados Unidos
Dirección Michael Showalter
Reparto Kumail Nanjiani, Zoe Kazan, Holly Hunter, Ray Romano, Linda Emond, Vella Lovell,Bo Burnham, Aidy Bryant, Matty Cardarople, Adeel Akhtar, Anupam Kher,Shenaz Treasury, Kurt Braunohler, Rebecca Naomi Jones, Celeste Arias,Myra Turley
Cuando parecía que todo iba a quedarse en un encuentro de una noche, su relación empieza a avanzar a pesar de las diferencias culturales, complicando las vidas de todos por las expectativas que tenían los padres de Kumail, unos musulmanes estrictos.
Todo empeora aún más cuando se descubre que ella padece una misteriosa enfermedad...
Comedia romántica de la factoría de Judd Appatow. Pasó por el festival de Sundance.
Dirigida por Michael Showalter ('Love', 'Grace and Frankie'), y protagonizada por Kumail Nanjiani ('Silicon Valley') y Zoe Kazan ('Ruby Sparks').
Cómo se incubó UN AMOR INSEPARABLE
UN AMOR INSEPARABLE surgió como una magnífica oportunidad para el actor y guionista Kumail Nanjiani, algo que ocurre una vez en la vida.
En 2012, Judd Apatow estaba en el Festival anual South by Southwest para asistir al estreno de "Girls", la nueva serie de televisión de la casi desconocida guionista/directora/estrella Lena Dunham. Le pidieron que apareciera como invitado en "You Made It Weird" un podcast de conversación con monologuistas organizado por Pete Holmes. Apatow nunca había escuchado el programa, pero acababa de trabajar con otro de los invitados, Nanjiani, que tenía un pequeño papel en "Eternamente comprometidos", una comedia romántica producida por Apatow y que estaba a punto de estrenarse. Así que parecía una buena ocasión.
El programa de 90 minutos terminó y Apatow y Nanjiani se dieron cuenta de que tenían intereses en común. Apatow llevaba mucho tiempo desarrollando proyectos con y para monologuistas, así que Nanjiani se tomó en serio que Apatow contactara a posteriori con su manager para acordar una reunión.
"Estaba muy emocionado, de eso no hay duda", recuerda Nanjiani. "Y después estaba aterrorizado. Judd y yo habíamos congeniado maravillosamente bien en South by Southwest, pero estaba seguro de que acabaría estropeándolo".
De las cinco ideas que Nanjiani propuso a Apatow en esa reunión, una de ellas se basaba en la vida real: la extraña historia que nació el día que su mujer en la vida real, Emily Gordon, le interrumpió durante su espectáculo en Chicago y la loca aventura que les llevaría a casarse.
Un mes después, Nanjiani volvió a reunirse con Apatow y el productor Barry Mendel, colaborador de Apatow en "Hazme reír", "Damas en guerra", "Bienvenido a los 40" y "Esta chica es un desastre", y que también había sido nominado dos veces al Oscar® como productor ("Sexto sentido", Mejor película, 1999; "Munich", Mejor Película, 2005) de influyentes películas que van de "Los excéntricos Tenenbaums" y "Tres son multitud" de Wes Anderson, a "Munich" de Steven Spielberg y "Sexto sentido" de M. Night Shyamalan, para contarles su historia.
Era 2006 y Nanjiani, nacido en Pakistán, vivía en Chicago, donde desarrollaba su carrera de monologuista, mientras que Gordon acababa de obtener un máster en orientación familiar y de parejas e iniciaba una carrera profesional como terapeuta. Aunque ninguno de los dos buscaba una relación seria, estaban tan a gusto juntos que no quisieron separarse. Sin embargo, la cosa iba a complicarse ya que Nanjiani provenía de una familia musulmana conservadora y sus padres querían para él un matrimonio tradicional paquistaní de conveniencia que ellos acordarían.
Nanjiani y Gordon salieron durante unos meses, ignorando ese dilema. Mientras tanto, Kumail seguía prometiendo a sus padres que se casaría con la persona que ellos eligieran. No conocían todavía a Emily pero de repente cayó gravemente enferma en la primavera de 2007. Los médicos la sometieron a un coma inducido para salvarle la vida mientras intentaban averiguar lo que le pasaba.
Esta experiencia fue una revelación para Nanjiani. "Antes de que Emily enfermara no había pensado en el matrimonio", dice. "Pero cuando vi a Emily en coma, me dije: 'Si sale de esta, me caso con ella'. Es ese tipo de cosas que sientes pero que no asumes de verdad debido a la locura que es un hospital. Pero la promesa estaba hecha".
Compartió la crisis con los padres de Gordon, que vinieron desde Carolina del Norte donde vivían. A los 12 días, los médicos dieron con el diagnóstico y la despertaron del coma. Tres meses después, Nanjiani y Gordon se casaban.
Para ilustrar su historia durante su reunión con Apatow y Mendel, Nanjiani trajo varios objetos que aún conservaba, como su identificación como visitante del hospital, que había llevado durante toda la enfermedad de Gordon.
Apatow nunca había oído una historia como la de Nanjiani. "Me pareció increíble. Nunca había visto a nadie enamorarse de una persona en coma", cuenta Apatow. "No sólo era auténtico, también era muy sincero y se desarrollaba en el mundo de los monologuistas, que siempre me ha fascinado".
A Mendel también le impresionó la historia. "Estábamos alucinados", recuerda. "Salimos de la reunión y, aunque Kumail todavía no era una gran estrella, Judd y yo nos miramos y dijimos 'es una historia increíble, tenemos que hacerla’. La historia de Kumail era desgarradora, divertida, valiente y hermosa, que es lo que todos queremos que sean las películas y que rara vez lo son. Dije que seríamos unos idiotas si no la hacíamos y Judd opinó lo mismo".
Así que cuando Apatow y Mendel le instaron a escribir la historia, Nanjiani sabía que se enfrentaba al mayor reto de su vida. "Estaba emocionado pero también estaba petrificado", confiesa. "Todavía no me había recuperado del todo de la experiencia emocional que supuso la enfermedad de Emily. Pero habían pasado cinco años y parecía el momento perfecto. Llega un momento en el que todavía recuerdas todos esos sentimientos, los sientes, pero ya ha pasado el tiempo suficiente para analizarlos con perspectiva. Además, no quieres esperar a que los sentimientos desaparezcan".
Mientras tanto, como ha hecho desde sus años de monologuista, Nanjiani le pidió a Gordon que fuera leyendo lo que escribía. Gordon, que ha escrito y colaborado con The Huffington Post, The New York Times, GQ, Lenny y Rookie, le dio sus notas y aportó sus propios recuerdos sobre los acontecimientos. "Me estaba dando notas tan buenas", recuerda, "que le propuse que lo escribiéramos juntos".
Gordon estaba sorprendida a la vez que encantada. "La verdad es que no se me había ocurrido. Pero cuando lo dijo pensé que estaría bien, que podía ser una gran experiencia. Y lo fue".
Mendel recuerda: "Kumail nos había entregado un par de borradores completos. Era muy bueno describiendo sus propios sentimientos y esas situaciones tan graciosas que ocurren cuando menos te lo esperas. Pero todavía le faltaba cierta dimensionalidad. Después, Kumail se presentó con un borrador en el que esa misma dimensionalidad surgía por todas partes. Nos dimos cuenta por la portada que Emily estaba escribiendo con él, y la diferencia fue inmediata".
La pareja pasó tres años desarrollando el guión en estrecha colaboración con Apatow y Mendel, escribiendo decenas de versiones y dando forma al material. Como explica Gordon: "Había muchas formas de abordar la película porque la historia tiene diferentes ángulos: un monologuista intentando salir adelante; un chico de familia musulmana que vive en Estados Unidos; un hombre con una novia enferma. Así que había que acotar muchas cosas".
"Les presionamos muchísimo. Tanto, que a veces creímos que no resistirían", dijo Mendel, "pero lo hicieron. Nos presentaban un borrador y nos ilusionábamos creyendo que iba por el buen camino pero sólo se trataba de un montón de notas que habían sacado del borrador anterior. Y ese proceso duró dos años. Pero es algo bastante habitual. Muchas veces, mejorar un aspecto de un guión sólo elimina el obstáculo para ver hacia dónde tienes que ir".
La pareja se mantuvo en un territorio muy autobiográfico y centró la narración de UN AMOR INSEPARABLE en Kumail, un pakistaní que intenta ser monologuista profesional en Chicago. Kumail es un experto en compartimentar y separa escrupulosamente sus dos vidas: una como cómico joven que vive en un apartamento espantoso y que liga a veces con alguna chica; y otro que es el adorado hijo de padres musulmanes tradicionales. Sus padres tratan de adaptarse a su carrera de cómico, en parte porque Kumail no les ha dado ninguna razón para creer que no va a emprender otra más seria y contraer un matrimonio tradicional paquistaní.
Tal y como lo ve Nanjiani, Kumail aún no se ha enfrentado a la idea de que la persona a la que educaron en una cultura no es necesariamente la persona en la que se está convirtiendo en una cultura diferente. Nanjiani dice: "El mundo de los padres de Kumail es totalmente diferente del mundo de Emily y sus amigos monologuistas. Él es una persona totalmente diferente en cada uno de esos mundos diferentes, y esa no es una buena manera de vivir. Ese conflicto se convirtió en el núcleo de la película: alguien tratando de averiguar cómo ser él mismo".
Conocer a Emily en uno de sus espectáculos es el desencadenante de esa aventura. Está estudiando para ser terapeuta; le encanta, le gusta ocuparse de los demás y además sabe leer en su interior. Nanjiani describe a los dos protagonistas tal y como los conocemos la primera vez: La Emily de la película es inteligente, fuerte, muy divertida y honesta. El Kumail del principio de la película es un niño. Le aterroriza tomar decisiones, enfrentarse a la vida. Se mata a trabajar para no tener que ocuparse de los problemas de su vida".
La progresión de su relación refleja la de sus homólogos en la vida real, que comenzaron a salir sin buscar ningún compromiso. Gordon dice: "En la película, tenía sentido que comenzaran en pie de igualdad, ya que ninguno de ellos busca nada serio, pero lo cierto es que sucede. Me gusta muchísimo que en una película la gente tenga ciertas intenciones y sus sentimientos hagan aflorar lo mejor de ellos".
Los intentos iniciales de Emily de no salir con Kumail como novios, tienen su equivalente en la "regla de los dos días" de Kumail que limita cuánto tiempo pueden pasar juntos. "La regla de los dos días era algo real", afirma ella. "Pero me di cuenta que el comportamiento de Kumail no coincidía con sus palabras, en el buen sentido. Pensé: 'qué raro. Dice cosas que deberían haberme ahuyentado, pero su forma de tratarme no tiene nada que ver con eso.’"
Nanjiani quería canalizar el espíritu de su propia familia al retratar el ambiente feliz y alegre que impera durante las visitas de Kumail a sus padres Azmat y Sharmeen, a su hermano mayor Naveed y a su cuñada Fátima. "La escena de la cena de la película es exactamente igual que las cenas con mi familia. Hay cinco conversaciones diferentes, las personas hablan entre sí y muy alto", dice Nanjiani. "Era importante que cada relación fuera concreta y única, de modo que no fuera una sola unidad familiar. Mi relación con mi padre es diferente a la que tengo con mi madre, a la de mi hermano, etc. Queríamos asegurarnos que la audiencia comprendiera esto desde la primera escena de la cena. Es una escena que se mantuvo casi intacta a través de todas las reescrituras".
Era genial que escribiera sobre algo que conocía tan bien", dice Gordon. "A menudo en las películas y en la televisión, cuando ves a las familias musulmanas, parecen tremendamente aburridas. Todo reside en 'centrarse en los estudios', y ese tipo de cosas. Pero el hecho de que tengas ambiciones no significa que no te lo pases bien con tu familia. Y esa es la realidad de la familia de Kumail. Son pesados y raros, pero también son divertidos y entrañables".
Pero Nanjiani y Gordon tardaron tiempo en saber cómo querían que sus vidas se interpretaran en la pantalla. Ser fiel a los acontecimientos tal y como ocurrieron no encajaba siempre en el objetivo más grande de hacer una película, y la pareja recibió excelentes consejos de Apatow y Mendel. "Judd nos ayudó a distanciarnos de nuestra experiencia para elaborar una historia con la que la gente pudiera identificarse", explica Nanjiani. "La idea era tomar algo que pasó y destilarlo hasta su esencia. Si consigues que ese acontecimiento resulte realista, puedes jugar con él de infinitas formas".
Apatow quería aplicar ese mismo principio a las caracterizaciones de la historia de Beth y Terry Gardner, que no dudaron en viajar inmediatamente a Chicago desde su casa en Carolina del Norte cuando su única hija cae enferma. Aparte de la geografía y la preocupación por su hija, los Gardner tienen poco en común con los padres de Gordon en la vida real. "Mis padres tienen sus peculiaridades, pero son una pareja encantadora y felizmente casada que estaba muy centrada en su hija", dice Gordon. "Así que Judd dijo, 'ese es un punto de partida. ¿Cuáles son las peores personas con las que el personaje de Kumail tiene que convivir en un hospital durante días o semanas? ¿Cuál es la peor versión? Y después la vas limando.’ Fue una idea muy divertida. Empezamos a pensar: ¿qué pasa si Kumail, que no es un comunicador muy abierto, está atrapado con personas que son una versión extrema de Emily, gente que siempre quiere analizarlo todo?"
Escribir el segundo acto de la película, cuando Emily está en coma, fue una experiencia esclarecedora para Nanjiani y Gordon. Gordon dice: "Yo estaba dormida durante una parte considerable de la película, así que no tengo ninguna perspectiva. Tuve algunos extraños sueños durante el coma, pero no estaba presente. Tuve que comprender lo que supuso esa experiencia para él de una manera que nunca habría imaginado. Fue precioso, increíble a la vez que aterrador y extraño. El nunca entendió completamente mi perspectiva, porque no podía. Y yo tampoco pude experimentar lo que él tuvo que vivir".
Emocionalmente, sus experiencias estaban en extremos opuestos del espectro, señala Nanjiani. "Cuando Emily estaba en coma, ese fue el momento más difícil para sus padres y para mí. Ella no lo recuerda. Para nosotros, los momentos más felices fueron cuando estaba despierta. Para ella era horrible porque tenía unos dolores espantosos. Tener esa perspectiva fue muy útil para ver dónde estaría el personaje de Emily. Sus padres y Kumail creen que lo peor ha pasado, pero ella se siente horriblemente mal. Esa disparidad de perspectivas es una factor importante en la resolución de la película".
Desde el principio, Nanjiani tenía algunas ideas muy concretas sobre lo que quería decir en UN AMOR INSEPARABLE. "En esencia, quería que esta película hablara de gente que intenta conectar y las cosas que se interponen en su camino para conseguirlo: diferencias generacionales, de religión, culturales, etc. Y lo complicado que resulta ser persona, vivir en una sociedad y tener diferentes creencias".
A lo largo del proceso de escritura, los realizadores quisieron mostrar ambos lados de las complicadas cuestiones relacionadas con los matrimonios de conveniencia. Nanjiani dice: "En muchas películas, se retrata a los padres descontentos como personas del Viejo Mundo que no entienden la vida moderna o no creen en el amor. Pero no queríamos que fuera así. Queríamos que el público viera las cosas desde su perspectiva, que es muy convincente. Era muy tridimensional. Como si no hubiera respuestas correctas".
De hecho, en la película, el hermano de Kumail, Naveed, confiesa a Kumail que mientras él tenía relaciones con otras mujeres cuando era más joven, Fátima, con la que se casa en un matrimonio de conveniencia, se ha convertido en su mejor amiga y amante. Para él, el proceso de no conocerla de antemano le hizo valorar la gratitud y la lealtad que entrañaba la antigua forma de hacer las cosas.
Nanjiani tuvo cierto temor cuando hubo que abordar la religión, otra área donde Kumail diverge de sus padres. Sin embargo, Apatow no estaba dispuesto a pasarlo por alto. Y lo recuerda así: "Cada vez que le entregábamos un guión, Judd decía: '¿Y la religión?' Y yo le decía: 'No sé Judd, no quiero abordar ese asunto.’ Me dijo: 'No tienes más remedio que abordarlo. Sólo cuenta lo que sientes al respecto. No tienes que dar tu opinión sobre la religión. Eso es demasiado complicado.’"
Para Mendel, el guión profundiza en lo que de verdad une a las familias, incluso cuando los tabúes religiosos y culturales están rotos.
"Queríamos ahondar lo más profundamente posible en la incomodidad que provocan las creencias no compartidas", comenta Mendel. "Ése es el quid de esta historia familiar: ¿qué es más fuerte, el amor o las creencias? Resulta fácil decir que el amor debe ser más fuerte, pero en la práctica no es tan sencillo. Los padres de Kumail tienen razón cuando le acusan de ser egoísta y malinterpretar el sueño americano. Por lo general, en estos tipos de historias, el punto de vista de los padres es la 'tradición', pero para mí eso no es suficiente. Siempre pregunto: 'sí, pero ¿por qué debemos seguir la tradición?' Los padres de Kumail tienen buenas respuestas, y eso enriquece la historia".
Ver cómo Nanjiani encuentra su propia voz fuerte y original fue tremendamente emocionante. Mendel lo resume así: "Era como ser testigo del proceso que atraviesa una persona para averiguar quién es. Estaba muy dispuesto a ahondar en partes de sí mismo de las que no se siente orgulloso y sacarlas a la luz de una forma valiente, fresca y divertida. Se convirtió en una historia en las que ves a alguien crecer de manera muy auténtica. Es muy intenso y el hecho de que este equipo fuera capaz de hacer comedia con ella demuestra el talento de Kumail y el talento de todos los implicados. El mundo está muy dividido y esta película es sobre gente que se une".
Dirigiendo La gran enfermedad del amor
En la primavera de 2015, Apatow y Mendel empezaron a enviar el guión de UN AMOR INSEPARABLE a posibles directores. Entre ellos estaba el guionista/director/actor Michael Showalter ("Wet Hot American Summer", "Stella", "The State"), que acababa de terminar el rodaje de la comedia dramática "Hello, my name is Doris". En un giro sorprendente del destino, Showalter y su colaborador Michael Ian Black habían dado a Nanjiani su primer trabajo importante en televisión cuando lo contrataron como guionista y actor de su serie de Comedy Central "Michael and Michael Have Issues". También habían contratado a Nanjiani para un papel secundario en "Hello, my name is Doris".
Aunque Showalter se había hecho amigo de Nanjiani y Gordon durante el rodaje de "Michael and Michael Have Issues", no conocía la historia de su relación. Como fan declarado de la comedia romántica, le entusiasmó el estilo y la esencia del guión.
"Me fascinó", recuerda Showalter. "Era una manera diferente de contar una historia de amor: una comedia romántica que exploraba todo tipo de áreas: fe, identidad nacional, cultura... todo en una historia verdaderamente increíble. Al conocer a Kumail y a Emily, entendía lo que estaba leyendo. Sabía lo que intentaban decir con el guión".
Apatow había seguido el trabajo de Showalter desde finales de los noventa y contrató a Showalter para dirigir su serie de Netflix "Love". "Soy fan de Michael como creador e intérprete desde 'The State' y 'Wet Hot American Summer'", comenta. "Después vi 'Hello, my name is Doris' y me pareció increíble. Esta película era un equilibrio muy difícil entre comedia y drama y hay poca gente que pueda hacer algo así. Kumail y Emily ya le conocían. Todos pensamos que Mike era la persona perfecta".
Gordon está de acuerdo. "Michael comprendió desde el principio la carga emocional de esta película y supo darte toda la importancia que tenía", comenta. "Para él era muy importante que acertáramos con las emociones de la película, que nos las tomáramos en serio".
Mendel añade: "Michael llegó con un montón de grandes ideas, asumiendo riesgos, analizando profundamente cada personaje del script, averiguando de dónde vienen, qué hacen y por qué. Le dio vueltas a todo.
... Michael también es excelente a la hora de sacar lo mejor de todo el mundo, y además tiene una filosofía muy relajada. Quiere escuchar las ideas de todos, y es muy bueno a la hora de escoger las mejores. Cuando recuerdo a los mejores directores con los que he trabajado, todos comparten esa cualidad".
Showalter, Nanjiani y Gordon le dieron un buen repaso al guión. Showalter señala que la estructura de UN AMOR INSEPARABLE es muy novedosa para una comedia romántica. "Por lo general, en una comedia romántica, los personajes se enamora y rompen en el segundo acto y luego vuelven a estar juntos en el tercero", comenta. "Pero en UN AMOR INSEPARABLE, todo sucede en el primer acto. Lo más importante sucede al final del primer acto y la enamorada no está presente durante todo el segundo acto. Y eso es un desafío para la narración porque es muy difícil mantener viva la historia de amor. Era una situación muy interesante para alguien que, como yo, adora la comedia romántica. Había que preguntarse si podía funcionar y decidir que sí podía funcionar si lo hacíamos bien".
La comedia adopta necesariamente un tono más oscuro en la segunda mitad de la película, después de que Emily enferme, pero el humor permanece. Showalter afirma: "Una corriente subterránea de humor fluyo incluso en los momentos más serios de la película. Y así es como la película aborda la vida: no importa lo mal que se pongan las cosas, no debes perder nunca el sentido del humor".
A Nanjiani le encantó que, sin caer en el sentimentalismo, Showalter supiera aprovechar la ternura de la historia de amor. "Queríamos hacer una película romántica", dice Nanjiani. "A mí siempre me pareció una comedia romántica. Me encantan las comedias románticas, Mike también es un gran fan de este género. Mi película favorita de todos los tiempos es "Cuatro bodas y un funeral". Emily y yo la vimos el día de nuestra boda. Teníamos todo este vocabulario específico que utilizamos gracias a nuestro conocimiento enciclopédico de comedias románticas. Si decimos por ejemplo: 'Pone cara de pato', nos entendemos perfectamente. Espero que la gente esté de acuerdo en que es una película romántica. ¡Yo creo que lo es!"
Después de otro año y muchos borradores de guión con Showalter, el equipo estaba listo para buscar financiación para la película. Mendel se reunió con Rena Ronson y su equipo en la División de Cine Independiente de United Talent Agency. "Mi idea consistía en enviar el guión a todos nuestros mejores compradores exactamente al mismo tiempo. Los enviamos el viernes 6 de noviembre de 2015 a las 9 de la mañana y a mediodía ya había una oferta por escrito de FilmNation para financiar toda la película, sin condiciones. Me sorprendió porque ni siquiera yo leo un guión tan rápido".
Otros compradores les contactaron en los siguientes días, pero reconocieron que con la mezcla de entusiasmo inmediato y sincero con el historial de FilmNation con películas como "Top five", "Imitation Game", "Nebraska" y "Todo está perdido", habían encontrado su socio ideal y el acuerdo se cerró rápidamente.
Traerse a la familia: el casting de UN AMOR INSEPARABLE
Apatow, Mendel, Showalter, Nanjiani y Gordon empezaron a hablar del casting durante las reescrituras del verano de 2015. Y todo salió mejor de lo que habían imaginado nunca. Mendel afirma: "Es muy divertido dar a conocer una nueva estrella al mundo, y Kumail Nanjiani es una nueva estrella. Pero Zoe Kazan también es una nueva heroína romántica, la gente nunca ha visto a un Ray Romano como este, y la interpretación de Holly Hunter es tan buena como todas las suyas. Es maravilloso que los actores hagan esta historia y se la ofrezcan al mundo".
Zoe Kazan era la primera elección de los realizadores para interpretar a Emily Gardner. Les emocionó que Kazan, una aclamada dramaturga, quisiera pasar el casting.
"Estaba entusiasmada con el guión y la historia", comenta. "UN AMOR INSEPARABLE no se parecía a otros guiones que había leído. Me impresionó el tono tan justo que habían conseguido Kumail y Emily: es emocional, divertido y aterrador, todo al mismo tiempo. Vi videos de Kumail y Emily online y comprendí quiénes eran. Y cuando pasé la audición, me encantó el ambiente que había en la sala. Se notaba que todo el mundo tenía muchas ganas de trabajar".
Gordon no estuvo presente en la audición de Kazan, pero vio la cinta más tarde. "Desde el momento que comenzó la cinta, era evidente que Zoe era la chica. No hubo ninguna duda", comenta Gordon. "Zoe transmite profundidad, inteligencia y pasión. Pero también tiene ligereza y humor. No se toma demasiado en serio. Me emocionó que decidiera aceptar el papel".
Kazan, Gordon y Nanjiani pasaron un par de semanas juntos para definir el personaje con más exactitud. Nanjiani lo explica: "Queríamos que Zoe conociera a la verdadera Emily, y Emily y yo queríamos conocer a Zoe para poder escribir con su voz", explica Nanjiani. "Trabajar juntos durante un par de semanas nos ayudó a ver cómo iba a funcionar su personaje y cómo reaccionaría en diferentes situaciones. Se reescribieron muchas escenas basadas en improvisaciones que Zoe y yo hicimos".
Fue durante esos ensayos cuando los realizadores decidieron que el primer y breve matrimonio de Gordon formara parte de la película. Kazan y Nanjiani empezaron a improvisar y se escribió una escena. Kazan comenta: "El primer matrimonio era una parte importante del historial de mi personaje porque está más dispuesta a entregar su corazón al haber conocido los altibajos del amor. Y además la hizo más cautelosa cuando Kumail traiciona su confianza".
Kazan logró la mezcla perfecta de emoción y comicidad. "Siempre tuve la impresión de que Emily es una mujer que se toma en serio". Showalter comenta: "Para que la tomáramos en serio, ella tenía que tomarse en serio. No la veía haciendo de chica mona o tonta; se toma en serio las cosas que le importan y no es la típica protagonista de comedia romántica cortada por el mismo patrón. Zoe es muy divertida, pero también rebosa tanta inteligencia y profundidad que encaja perfectamente con el personaje".
Y esto se hizo aún más evidente en cuanto empezó el rodaje. "Para mí", dice Mendel, "el momento más memorable de esta película fue ver a Zoe Kazan romper con Kumail. Era cine en estado puro, llevó el nivel de su interpretación a un nivel trascendente".
A pesar de que Nanjiani se interpreta a sí mismo, los retos fueron innumerables, y esto también marcaría su primer papel protagonista en una película, aunque ahora es conocido por millones de telespectadores de la aclamada comedia de éxito "Silicon Valley" de HBO.
Apatow afirma: "Cuando empezamos a hablar de esta película, Kumail sólo era conocido por ser un fantástico monologuista. Su carrera ha evolucionado muchísimo mientras desarrollábamos este proyecto. Es emocionante porque creo que la gente está deseando verle de protagonista en una película".
Mendel llama a Nanjiani "inclasificable" y lo compara con otros monologuistas únicos como Kristen Wiig, Melissa McCarthy y Amy Schumer, a los que ha convertido en estrellas de cine en películas que ha producido. "Todos son muy diferentes, pero lo que tienen en común es que se conocen muy bien", observa. "No intentan encajar en lo que otras personas creen que deberían ser. Creo que Kumail tendrá una carrera muy interesante. Es muy inteligente y le interesan muchas cosas, así que como espectador, estoy deseando ver lo que hace a continuación".
A continuación llegó el reto de encontrar a los padres de Emily. El vínculo tan extraño que se crea entre Kumail y los padres de Emily lleva a la sección media de la película y aunque los personajes de Beth y Terry se reescribieron muchas veces, no se definieron bien hasta que la ganadora del Oscar® Holly Hunter y el ganador del Emmy®, Ray Romano, aceptaron el trabajo.
"Zoe Kazan, Holly Hunter, Ray Romano... eran los actores con los que soñábamos", dice Apatow. "Ray Romano y Holly Hunter son dos de mis actores favoritos de todos los tiempos. ‘Todo el mundo quiere a Raymond' es una serie fabulosa. Era tan divertida, tan consistente. Holly Hunter ha actuado en muchas de mis películas favoritas de todos los tiempos. Creo que me he pasado la vida intentando hacer algo tan bueno como 'Detrás de las noticias'".
La química hizo acto de presencia en la primera lectura con Nanjiani, Kazan, Hunter y Romano. Esto ayudó a refinar aún más el guión y la dinámica interpersonal de los personajes. "Como actores, Kumail, Holly, Zoe y Ray reproducen la vida tal y como es realmente, un complicado enredo emocional de humor, tristeza, ira y amor", dijo Showalter. "Aunque son únicos y diferentes, también forman un todo maravilloso".
Mendel añade: "Tuvimos mucha suerte de poder trabajar con estos actores. También invitamos a Vella Lovell que leyera los diálogos de la posible novia paquistaní de Kumail con la que podría haberse casado. Después de oírla fue difícil imaginarse a otra actriz.
A Hunter le intrigaba la forma en la que UN AMOR INSEPARABLE lograba aunar elementos tan dispares. "Pensé que la forma y textura de la película era maravillosa y poco habitual", comenta. "No se trata de un documental y por eso es mucho más interesante. Tomarse un asunto tan serio con humor es algo sorprendente. Por ejemplo, la protagonista de la película está en coma. No es algo muy habitual en el cine".
También le impactó la evolución emocional del personaje de Kumail. "Creo que Kumail tiene que enfrentarse a su sentido de la honestidad durante el transcurso de esta película", reflexiona Hunter. "Me atraen las historias de personas que asumen las consecuencias de sus actos. De eso trata esta película, de un hombre que conoce a alguien que no tiene nada que ver con él pero su vida cambia a partir de ese encuentro. Pero está dispuesto a asumir lo que le ha ocurrido, a cambiar para poder vivir una vida auténtica".
Mendel dice que Hunter está espectacular en el papel. "Es una fuerza de la naturaleza", observa, "no sólo por el poder de su presencia, sino porque quiere ser totalmente sincera".
Romano y Apatow se conocieron en 1992, cuando ambos participaban en el Young Comedians Special de MTV. Le llamó después para hacer un cameo en "Hazme reír", su tercer largometraje como director. "Judd y yo nos conocíamos pero no éramos amigos, no estábamos en el mismo circuito", dice Romano. "Sabía que él me respetaba y yo lo respetaba a él. Así que fue genial que me pidiera hacer un cameo en "Hazme reír". Que me pidiera encarnar al personaje de Terry fue inesperado pero maravilloso".
Beth y Terry tienen temperamentos opuestos; él es metódico y nada complicado, ella es luchadora y directa. A pesar de eso llevan 30 años casados, algo con lo que Romano se identifica por propia experiencia. "Llevo 28 años casado y mi mujer es muy realista y sincera, muy parecida a Beth", comenta. "Creo que Beth aprecia a Terry porque no trata de ser algo que no es. Es un tipo raro, pero a su manera también es muy realista. Son totalmente diferentes pero a veces es por eso que funciona".
A Gordon le encantó ver cómo Romano y Hunter aportaban rasgos muy definitorios a sus personajes. "En cuanto contratamos a Ray y Holly, todo empezó a encajar", recuerda. "Holly aporta una energía diferente a mi madre de verdad. Su Beth es todo corazón. Ves todas sus emociones; ella no ve ninguna necesidad de esconderlos o disfrazarlos. Ray sabe contar todo esos chistes malos y siguió haciéndolo en la película. Me partía de risa. Ese tipo de chistes de padre que encajaban a la perfección. Hay pocas escenas en las que renuncia a su filosofía de 'voy a contar chistes para quitarle hierro al asunto', en las que demuestra cuánto está sufriendo. Está espectacular".
Nanjiani tenía una muy buena razón para querer que el veterano actor indio Anupam Kher interpretase a Azmat, el padre de Kumail. Kher es una leyenda de Bollywood cuya carrera abarca cuatro décadas y 500 películas, incluyendo éxitos como "El lado luminoso de la vida" y "Jugando con el destino".
"He sido fan de Anupam toda mi vida", dice Nanjiani. "Le había preguntado a mi padre en la vida real quién quería que le interpretase. Me dijo: "Anupam Kher.’ Yo le dije: 'Perfecto. También es mi primera opción’. Desde entonces, sólo vi a Anupam en el papel y lo escribimos para él. Pero él supo darle un carácter singular al papel y aportó ideas sobre cómo funcionaba nuestra relación".
Mendel recuerda: "Nos pusimos en contacto con el representante de Anupam en Bombay, le enviamos un guión, y la respuesta fue 'tal vez'. Pero después, Anupam nos envió un montón de ideas muy buenas que podían mejorar su personaje y gracias a esos intercambios Anupam acabó haciendo la película. Y fue muy halagador para nosotros, porque Anupam ha hecho cientos de películas. Así que la única razón por la que querría viajar desde Bombay para hacer esta pequeña película era porque le gustaba".
Kher dice que le atraía la idea de trabajar con Apatow. "Me apetecía mucho trabajar con Judd porque la mayoría de sus películas tienen alma, y además él no se toma demasiado en serio. Sus películas no son nada pretenciosas".
El deseo personal de Nanjiani de que aceptara el papel también le emocionó. "El hecho de que Kumail me llamara de inmediato para ofrecerme el papel y me dijera que su padre quería que lo hiciera, me llegó al alma. También me gustan las historias humanas y el hecho de que se basara en la vida de Kumail y Emily resultaba muy divertido. Esta película era importante para mí porque iba a ser mi 500ª película. Quería que fuera una gran experiencia y salió muy bien", explica Kher.
Con su amplia experiencia cinematográfica, Kher aportó sus propias pinceladas al personaje. "Azmat tiene una vena cómica a pesar de que es muy serio y realista", observa. "Hice mi propio trabajo sobre la historia de Azmat, donde nació, cuál fue su primer trabajo, cómo crió a sus dos hijos, su deseo de ser importante en la vida de los demás", explica. "Hay una frase muy hermosa cuando habla del sueño americano. Azmat no cree que el sueño americano consista en hacer lo que te dé la gana sin pensar en los demás. Para él, es todo lo contrario. Ser un buen hijo, marido y padre, ese es el sueño".
Adeel Akhtar interpreta a Naveed, el hermano mayor de Kumail; Zenobia Shroff es su madre, Sharmeen; y Shenaz Treasurywala es Fátima, la mujer de Naveen. "Había visto a Adeel en el escenario junto a Jim Broadbent en Londres", dijo Mendel, "y un día nos llegó una cinta a nuestro buzón en la que se ofrecía para hacer el papel. Todos habíamos visto "Four Lions" así que nos sentimos muy afortunados de contar con él. Es un actor muy dotado y natural".
Para poder recrear de forma auténtica el mundo de los monólogos humorísticos era necesario contratar a monologuistas de verdad que se dieran la réplica unos a otros. Contratar a los amigos de verdad de Nanjiani como Aidy Bryant, Bo Burnham y Kurt Braunohler como amigos de Kumail, Mary, CJ y Chris, permitió a los actores aprovechar las relaciones que ya tenían con estos artistas. El trío aportó profundidad, así como hilaridad.
"Kumail, Chris, Mary y CJ son los cuatro amigos que siempre salen juntos", dice Nanjiani. "Durante el rodaje, fue genial ver cómo todos ellos tienen relaciones diferentes entre sí. Son amistades entrañables y aunque no tenían ese cariz cuando Emily y yo escribimos el guión, sí que surgió cuando nos pusimos a rodar. Aidy, Bo y Kurt aportaron ese toque humano a la película".
La hora de la verdad: Arranca el rodaje
UN AMOR INSEPARABLE empezó a rodare el 11 de mayo de 2016 en la ciudad de Nueva York. La filosofía colaborativa que marcó el desarrollo de la película continuó mientras el rodaje se ponía en marcha.
A menudo, los ensayos llevaban a reescrituras, lo que suponía más trabajo para Nanjiani y Gordon. Pero estábamos encantados de hacer ese trabajo, dice Nanjiani. "Esa reescritura aparentemente interminable fue una parte muy gratificante y emocionante del proceso. Cada reescritura que hacíamos mejoraba el guión. Oyes historias espantosas sobre ejecutivos que meten las narices y estropean los guiones pero nosotros nos sentimos muy protegidos. Todas las partes interesadas comprendieron la película que queríamos hacer, entendieron el tono, la historia que queríamos contar. Así que todas las opiniones fueron muy valiosas".
Hunter atribuye a los realizadores el ambiente abierto y creativo que había en el set. "Mike Showalter, Judd Apatow y Barry Mendel confiaron en que tenían a las personas adecuadas para interpretar los papeles", comenta. "Se fiaban de nuestro instinto. Es genial y poco habitual. Hacíamos varias tomas, probábamos cosas diferentes. Era como si la película fuera una gran olla que todo el mundo podía revolver por turnos".
Hunter tenía en cuenta todos los detalles al ensayar una escena; no sólo los diálogos, sino también el atrezzo. De hecho las mantas que Beth le lleva a su hija son de la propia casa de Hunter.
Nanjiani recuerda haber visto a Hunter planificar cada movimiento en una escena clave del hospital que pone al descubierto las tensiones entre Beth y Terry cuando se enfrentan a la gravedad de la situación de su hija. "Holly coreografió cada movimiento", dice. "‘Muy bien, nos pondremos aquí para hacer esto, después doblaremos la esquina para hacer esto, luego intentaré sacar el teléfono de mi bolso...’ Me di cuenta de que estaba añadiendo obstáculos para que su personaje se enfadara. Lo ensayó una y otra vez, puede que 15 veces. Cuando lo rodamos, hizo 10 tomas seguidas, cada cual diferente, cada cual perfecta".
Como Hunter y Romano ensayaron sus escenas juntos, la relación entre sus personajes desarrolló esa pátina de una vida en común y de conocerse muy bien. Eso afectó a cómo Romano enfocó ciertas escenas, incluyendo la escena donde Terry duerme en el apartamento de Kumail. Durante la lectura previa, esa escena era pura comedia. Después, el día en que se rodó la escena, fue emocionante ver cómo Ray encontraba capas emocionales más profundas en la escena. "Ray Romano es un actor naturalista maravilloso", dijo Showalter, "Está totalmente comprometido con los propósitos internos de una escena. El resultado puede ser algo histéricamente divertido o dramático y catártico. Pero siempre es absolutamente sincero".
Hunter estaba muy impresionada con Romano. "Ray tiene una gran mente analítica. Sabe lo que parece auténtico y sabe cuándo algo no responde a la intuición", comenta la actriz. "Me encantó su sensibilidad y aportó una gran integridad a la película y a nuestra relación. No sabía que pasaría algo así. Fue maravilloso verle aportar ese ingrediente esencial a su interpretación".
Por su parte, Romano reconoce que estaba algo nervioso por actuar frente a Hunter, una de las actrices más aclamadas y admiradas del planeta. Pero ella se lo puso muy fácil. "Holly es colaborativa e integradora. Nunca me dio miedo proponer una idea. Ella siempre estaba dispuesta a escuchar. Quiere que te sientas a gusto. Y es genial que le preocupe tanto la historia. No se trata sólo de ella", dice.
Kazan sentía una gran responsabilidad hacia la verdadera historia en la que se basa UN AMOR INSEPARABLE. "Emily y Kumail dieron prueba de mucho valor contando su historia en el guión. Y también fueron muy generosos aportando muchísimo humor y muchos detalles personajes de su historia a esta película. Han convertido sus vidas en arte. Por esa razón sentí que debía poner mucho de mí misma en el papel. A diferencia de otros papeles que he interpretado, este no versaba sobre una transformación. Me exigía ser yo misma y utilizar mi verdadera personalidad y mis emociones y actuar con total sinceridad".
Aunque UN AMOR INSEPARABLE es una comedia romántica, el personaje de Kazan experimenta trastornos emocionales y físicos tremendamente intensos en el transcurso de la película. En el primer acto, la vemos enamorarse, y cómo le rompen el corazón; en el tercer acto, tiene que lidiar con las consecuencias de su enfermedad y sus efectos en ella y en las personas que la rodean. A sus compañeros les sorprendió la fluidez de su interpretación durante esas escenas tan exigentes.
"Zoe aporta una credibilidad y una profundidad emocional muy poco habituales", dice Mendel. "Es algo que se pone de manifiesto en las grandes escenas". Showalter añade: "Conseguimos conocer a 'Emily' en el poco tiempo que pasamos con ella en el Primer Acto".
El rodaje también vivió su propia crisis porque un problema burocrático con el visado retrasó la llegada de Anupam Kher, la estrella de Bombay que interpreta al padre de Kumail. Se había reservado tiempo adicional para ensayar y filmar las escenas de la familia Nanjiani, pero cuando se resolvió el problema del visado sólo quedaban tres días para rodar todas las escenas de la familia. Es mérito de los actores y del director Showalter que, sin tiempo para ensayar, Nanjiani, Kher, Akhtar, Shroff y Treasurywala fueran capaces de reproducir lo que siente una verdadera familia.
Los realizadores también querían que la vida en el backstage de Kumail y sus compañeros monologuistas fuera lo más verosímil posible, con su singular mezcla de diversión, competencia y apoyo.
El monologuista Kurt Braunohler afirma: "Rodamos las escenas del backstage en el mismo lugar donde hice un espectáculo semanal durante dos años con monologuistas que habían estado en ese espectáculo. No se puede ser más realista con lo que ocurre en el backstage de un grupo de monologuistas. Todo el mundo recita sus frases, se burlan los unos de los otros, admiran el pelo de Bo. Es absolutamente real".
Bo Burnham elogia la forma de dirigir de Showalter: "Michael siempre estaba fuera de la cámara, hablándonos y haciéndonos reír". "Él era el más gracioso de todos, y eso es genial. Se sentía parte del grupo, como si también estuviéramos improvisando con él".
La camaradería de Kumail con sus amigos cómicos va más allá de los chistes. Kumail recurre a ellos cuando trata de enfrentarse a la repentina enfermedad de Emily. "Casi todos los que forman la comunidad de monologuistas son muy solidarios", señala Aidy Bryant, "pero también saben lo mucho que vale ver el lado divertido de una situación difícil. Cuando la gente pasa por malas experiencias es bueno recurrir a tus amigos monologuistas y contarles lo que te ha pasado y reírte con ellos. Así que ese elemento de la película es bastante fiel a la realidad".
Al referirse al rodaje, Mendel añade: "Esta película es una gran lección sobre cómo un pueblo entero consigue sacar adelante a un niño. Todas las aportaciones fueron importantes; la película no representa la voz y la opinión de una única persona. Si tantísima gente no hubiera dado lo mejor de sí mismos, esta película no habría sido lo que es. Cuando te preocupas por algo a un nivel profundo y te identificas con ello emocionalmente, el trabajo es muy mejor".
Fotografiando y poniendo música a UN AMOR INSEPARABLE
El compromiso con la autenticidad y la riqueza emocional fue tan fuerte detrás de la cámara como delante de ella. El director de fotografía Brian Burgoyne, que había colaborado con Showalter en "Hello, my name is Doris" y que impresionó a Showalter, Apatow y Mendel por su trabajo en "Other People", se unió al proyecto para aportar un ambiente visual muy natural a la comedia. Showalter señala: "La fotografía de Brian es muy intuitiva y conmovedora. Tiene intimidad y calidez. Se identifica con el mundo que está fotografiando. Está dentro de él".
El compositor Mike Andrews fue una incorporación tardía al equipo de posproducción. La colaboración de Andrews con Apatow se remonta a "Freaks and Geeks" e incluye "Undeclared", "Hazme reír" y "Damas en guerra". Le impresionó la ejecución de la historia. "Cuando vi por primera vez la película", recuerda, "la vi entera sin nada de música. Me emocionó la sinceridad de las interpretaciones y la sutileza de la comedia".
Andrew supo enseguida la música que encajaba con la película. "Siempre intento ir de la mano con la película, sombrear, apoyar y celebrar lo que tiene de bueno y original", dice. "Michael Showalter mapeó emocionalmente la película para mí. Y lo hizo con enorme claridad. Acordamos que se trataba de una comedia romántica hasta que llega el momento de la enfermedad. Cuando Kumail inicia la segunda parte de su viaje, lo vi en un estado nebuloso de confusión hasta que empieza a pensar con más claridad. Y la música se adapta a esa evolución. Simultáneamente, la relación de Kumail con los padres de Emily necesitaba su propio feeling y trayectoria, lo que nos permitió sentir cómo crece la amistad y la comprensión entre ellos, pero sin que la película pierda su toque cómico".
Andrews describe así la evolución de la banda sonora de la película: "En un principio, hablamos de integrar elementos orientales en la banda sonora. Como esta película aborda los conflictos que crean los choques culturales y la asimilación, la introducción de elementos de música de la India y Pakistán parecía apropiado. Lo intenté pero parecía muy forzado. Curiosamente, una vez que despojamos algunas de las piezas de esos elementos indios, la banda sonora empezó a funcionar. Nos quedamos con un par de piezas que se tocan con tabla india (instrumento de percusión indio) que sirven para combinar ambos estilos".
Otro toque clave del diseño -incluyendo fotos de los auténticos Kumail y Emily- fue una idea de la actriz Leslie Mann, que había visto un primer montaje de la película con su marido, Apatow. La historia de Kumail y Emily parece terminar en un tono de esperanza sobre su relación, pero sin aclarar si se resuelve la relación de Kumail con su familia y su oposición a su relación. "Queríamos mostrar lo que pasó en la vida real, que la familia de Kumail llegó a aceptar a Emily como parte de su familia", dice Mendel, "y así es como termina la historia".
Después de terminar la película, Apatow elogió el compromiso de Nanjiani y Gordon para hacer bien las cosas. "Fue un proceso muy abierto", afirma. "Kumail y Emily eran muy flexibles y trabajaron como locos. Se necesita mucho valor para profundizar y reflexionar sobre tus sentimientos, sobre cómo relacionarlos con la historia, con tu pareja y con tus padres. Hace falta mucho coraje para hacer una película como esta".
Mendel señala que costó sudor y lágrimas llevar esta película a la pantalla y lo que hace que UN AMOR INSEPARABLE sea tan potente es que es el fruto de una experiencia auténtica. "La película está llena de cosas de la vida real en las que ningún guionista pensaría si no le hubiesen sucedido", concluye, "y creo que es lo que hace que la película sea una experiencia tan especial".
Victoria y el sexo
2016
Duración 97 min.
País Francia
Dirección Justine Triet
Reparto Laure Calamy, Virginie Efira, Vincent Lacoste, Emmanuelle Lanfray,Laurent Poitrenaux, Melvil Poupaud
Justine Triet (La batalla de Solferino) cita a Howard Hawks, Billy Wilder y Blake Edwards como referentes en esta comedia screwball protagonizada por Virginie Effira, que llegó a lo más alto del box office francés y consiguió 5 nominaciones a los César incluidos el de Mejor Película y Mejor Actriz. VICTORIA Y EL SEXO reflexiona sobre la comedia de enredos con una Efira como protagonista.
La prensa ha dicho...
Comedia romántica inteligente. La consagración definitiva de Virginie Efira en la pantalla grande. - CINEMANÍA
Caótica comedia sobre la crisis de la edad media con una espléndida protagonista. - THE HOLLYWOOD REPORTER
Absolutamente fascinante. - LIBÉRATION
Una comedia romántica precisa y brillante. - LE MONDE
Virginie Efira ilumina la pantalla. - LE FIGARÓ
Una superheroína en tiempos modernos. Una comedia hilarante. - TÉLÉRAMA
Libertad de tono y una originalidad que desarman. - EL PAÍS
Impecable comedia. - CAHIERS DU CINEMA
Parece como si la cinta fuera una puesta al día de algunos aspectos de La costilla de Adán de George Cukor. - CAIMÁN CUADERNOS DE CINE
Entrevista a Justine Triet
P: ¿Es VICTORIA Y EL SEXO una película sobre la depresión?
JT: Yo la llamo "una comedia desesperada sobre la caótica vida de la mujer moderna".
P: ¿Por qué una comedia?
JT: Creo que la comedia ofrece un camino más agradable para mostrar mis obsesiones: las dificultades inherentes en las relaciones de hombres y mujeres, la soledad, los niños, la justicia, el dinero, el sexo. La comedia da cierta distancia. Quería hacer un retrato de una mujer que descubriésemos poco a poco, capa a capa. Sus problemas sexuales se acentúan con el resto de preocupaciones de su vida: el juicio de su amigo, el acoso de su ex, etc. Los personajes se revelan lentamente más problemáticos y complejos de lo que podría parecer en un principio. No es una película sobre la inocencia o una crónica sobre la vida amorosa. Es la historia de una mujer compleja que se encuentra en medio de una espiral de emociones encabezadas por su vida profesional. Su vida personal afecta a su trabajo y viceversa durante toda la película. Mi objetivo era ilustrar esto. Qué la deja tirada en el suelo y qué la vuelve a levantar.
P: ¿Cuáles son tus referencias? Me viene a la cabeza la comedia americana.
JT: Sí, absolutamente. Howard Hawks, Billy Wilder y Blake Edwards me han inspirado, pero también Sacha Guitry. Su película Désiré en particular. Woody Allen también, por supuesto. He descubierto hace poco a James L. Brooks y me ha encantado. Mi gusto por la comedia se ha ido desarrollando a lo largo del tiempo. Soy una apasionada de las sitcoms como Silicon Valley o la menos respetable, no sé por qué, Mom, las cuales mezclan el drama y la comedia como ningunas otras y que me han enseñado hasta dónde puedes internarte en temas oscuros de una forma cómica.
P: Uno de los elementos cómicos de la película es la sobreimposición de escenas donde Victoria pide consejo a amigos, psiquiatra, acupunturista, etc...
JT: La película se centra tanto en las reflexiones de Victoria como en sus acciones. Uno de los objetivos escribiendo el guión era crear una serie de escenas donde Victoria se confiase a la gente equivocada en el momento equivocado. Les cuenta sus problemas a hombres con los que se tenía que estar acostando, a clientes a los que tenía que estar defendiendo... Muchas veces hay un gran salto entre la posición social de la gente y la forma en que se comportan. Quería llevar la película del drama a la comedia para crear la energía propia de esta paradoja.
P: VICTORIA Y EL SEXO también juega con códigos de comedia romántica.
JT: Sí, aunque lo que se dicen los personajes aquí es bastante más cruel la mayoría de las veces. La división de clases es cruel. La última secuencia contiene la ambivalencia de la película. Tenemos un pie en el romanticismo y otro en el cinismo cuando Victoria declara su amor a Sam tras haberlo perdido todo y él empieza a negociar con ella.
P: También tomas prestados códigos de otro género, el de juzgados.
JT: Hay muchas referencias a Anatomía de un asesinato, de Otto Preminger: el perro siendo testigo en el estrado, la ropa interior... Pero me alejo un poco del drama de este género gracias a la comicidad de los animales. Adapté la película de un caso real. Una mujer fue hallada ahorcada y se usó a su dálmata para ver cómo reaccionaba al olor de los sospechosos. Cuando da su argumento final está fuera de sí y a punto de desmayarse mientras intenta desacreditar el testimonio del perro. Nos reímos porque la realidad ha sido invadida por el absurdo. También me gusta la idea de que Victoria no es solo una víctima. Ella es tan ambiciosa profesionalmente, que puede tener ese punto de cinismo propio de la profesión, algo que aprendí hablando con abogados mientras escribía el guion.
P: El sexo danza sobre la película en todo momento.
JT: Siempre se habla sobre sexo pero nunca se muestra. La idea del sexo impregna todo. La película satiriza el amor y el sexo. Vincent tiene problemas sexuales con su novia, quien le acusa de intento de asesinato. David revela la vida sexual de Victoria en un blog. Victoria va al psicólogo y al psiquiatra para que la ayuden a revivir su vida sexual. Y cuando lo intenta, cada encuentro es peor que el anterior, ofreciendo escenas de pura comedia. Al final, el extraño y misterioso objeto de deseo es la persona que ha permanecido en privacidad, cauta y casi virginal todo el tiempo: Sam.
P: ¿Qué nos puedes contar sobre el personaje de Sam?
JT: Es un enfermero y un ángel de la guarda. Es la persona más enigmática de la película. Trabaja para Victoria y tiene total acceso a su vida personal. Madura al lado de ella, absorbiendo todo lo que puede. Poco a poco se convierte en un pilar de su balance frágil y emocional, pero ella apenas lo ve. Se van haciendo más cercanos a medida que él la ayuda en sus casos. Al final se enamoran, aunque con gran cinismo por temas de dinero.
P: VICTORIA Y EL SEXO es una película mucho más cara que La batalla de Solferino. ¿Cómo se siente la subida de presupuesto? ¿Cuáles fueron las diferencias en el trabajo?
JT: La forma de trabajar fue completamente diferente. La batalla de Solferino se rodó en 24 días, Victoria en el doble. Y como no teníamos que estar pendientes de las condiciones de rodaje esta vez, podía estar pendiente de hacer lo que quisiera con la imagen. Con un presupuesto menor, tenía que hacerlo todo cámara en mano y mucho más rápido. En esta, estaba decidida a anclar la cámara. Prefiero la emoción que sale de la escena, no de los movimientos de cámara. En La batalla de Solferino, los actores eran amigos íntimos míos. En VICTORIA Y EL SEXO no los conocía y me veía rodeada de gente que realmente lo daba todo. Trabajamos en estudio y me encantó. Aún así, he continuado arriesgándome: rodando con niños y animales (un mono y un dálmata). También he tenido varios actores no profesionales. Estos elementos hacían que el set al completo estuviera concentrado. Pero la verdadera diferencia fue la preparación del escenario. VICTORIA Y EL SEXO tenía un guión mucho más desarrollado que La batalla de Solferino. Rodé mucho material con VICTORIA Y EL SEXO pero tenía control sobre la longitud de los planos. Estaba obsesionada con el ritmo de cada escena, mi mente estaba pensando todo el rato en el montaje.
P: ¿Cómo establecías el ritmo tan específico de la comedia? Desde el principio no decae en absoluto.
JT: Estaba concentrada en todo momento en el tiempo de cada escena, ya que puedes perder el ritmo en escenas muy largas. Pedía a los actores que hablasen rápido. Por ejemplo, Melvil habla considerablemente más rápido que en la vida real. Pero tenía que conseguir mostrar las emociones también. El reto fue conseguir el equilibrio justo entre el ritmo y al emoción.
P: ¿Qué te hizo elegir a Virgine Efira?
JT: Estaba buscando una mujer brillante, divertida y melancólica para hacer de Victoria. Pero tengo que admitir que me enamoré de ella cuando la vi. Cuando nos conocimos, la encontré intensa, inteligente y divertidísima.
P: ¿Y Vincent Lacoste?
JT: Emparejar a Virgine Efira con Vincent tenía mucho sentido para mí. Vincent tiene candor y gracia. Era la única persona a la que podía ver en ese rol. Quería sexualizarle en la segunda parte de la película, darle dos facetas opuestas. Al principio está un poco perdido y luego pasa a ser más viril. Aunque yo no estaba pensando precisamente en su diferencia de edad, encontré interesante que el chico con el que Victoria acaba sea un chico tan joven.
P: Tienes también increíbles actores secundarios.
JT: Melvis tiene ese estilo de inocencia que tenía Cary Grant, detrás del que se oculta un punto de perversión, es el sospechoso perfecto; Laurent Poitrenaux tiene un toque de extravagancia y Laure Calamy tiene muchísima gracia.
P: Cuéntanos sobre tu aproximación a los actores. La actuación es lo que trae la verdad a las películas.
JT: Creo que dirijo de oído a los actores. Les escucho más de lo que les miro. Pero la mayor parte de ello es una cuestión de tener el cast correcto y la atmósfera correcta en el set de rodaje. No tengo una receta. Intento mantener cierta tensión para que la gente no se duerma. Intenté diferentes cosas durante las tomas para romper la rutina. Tuve mucha ayuda de Cynthia Arra, quien se involucró mucho con la dirección de actores.
P: ¿Crees que continuarás con la comedia?
JT: Sueño con hacer melodrama.
Justine Triet
Justien Triet se graduó en la Escuela Superior de Bellas Artes de París. Rodó dos piezas en las que explora el lugar del individuo dentro del grupo: Sur Place (2007), rodado durante las protestas estudiantiles; y Solferino (2008), durante las Elecciones Presidenciales. En 2009 rodó el documental Des Ombres dans la Maison en un municipio de Sao Paulo. Su primer corto de ficción, Two Ships, ganó numerosos premios en festivales franceses e internacionales, incluido el European Film Award y el Grand Prix en Angers y Belfort y estuvo en la lista de cortos nominados para los César de 2013. Su primera película, La batalla de Solferino, se presentó en Cannes en 2013 como parte de la selección ACID y estuvo nominada a Mejor Ópera Prima en los César. VICTORIA Y EL SEXO es su segunda película.
Filmografía
2016 - VICTORIA Y EL SEXO.
2013 - La batalla de Solferino.
2011 - Two Ships, corto.
2010 - Des Ombres dans la Maison, documental.
2008 - Solferino, documental.
2007 - Sur la Place, corto.
Barrefondo
2017
Duración 76 min.
País Argentina
Dirección Jorge Leandro Colás
Reparto Nahuel Viale, Sergio Boris, María Soldi, Claudio Da Passano, Osqui Guzmán
Requiem para un film olvidado
2017
Duración 66 min.
País Argentina
Dirección Ernesto Baca
En diciembre de 2012, Kodak dejó de producir celuloide, lo que significó el fin de una era y el comienzo de otra para el cine, con la tecnología digital instalándose a nivel industrial en todo el mundo. También tuvo un efecto fulminante en Ernesto Baca, uno de los pilares del cine experimental en Argentina.Réquiem para un film olvidado comienza con ese golpe emocional, con el director en primera persona, en una propuesta que intercala elementos biográficos (su vida en Florencio Varela, la relación con su madre, sus maestros, la influencia de Claudio Caldini, y… ¡hasta su propio velorio!) con otros de (ciencia) ficción, en la que el propio Baca aparece como un científico en su laboratorio, activando dispositivos con el objeto de llevar adelante Proyecto argenta, la primera película virgen de industria nacional que le permita –a él y también a su grupo de amigos del Club de Super 8– seguir filmando a contracorriente del avance digital. "¿Cuántos megapíxeles tiene un sentimiento?”, se pregunta Baca mientras, con un trabajo espectacular de montaje y sonido, un gran uso de textos (La sociedad del espectáculo, de Guy Debord) y mucho buen humor, continúa defendiendo los materiales con los que pone en evidencia eso que llama "reflejos falsos” de un cine industrial desapasionado. (mardelplatafilmfest.com)
Hablemos de amor
2015
Duración 98 min.
País Italia
Dirección Sergio Rubini
Reparto Fabrizio Bentivoglio, Isabella Ragonese, Maria Pia Calzone, Sergio Rubini
Detroit: Zona de conflicto
2017
Duración 143 min.
País Estados Unidos
Dirección Kathryn Bigelow
Reparto John Boyega, Algee Smith, Will Poulter, Jack Reynor, Ben O'Toole, Hannah Murray,Anthony Mackie, Jacob Latimore, Jason Mitchell, Kaitlyn Dever, John Krasinski,Darren Goldstein, Jeremy Strong, Chris Chalk, Laz Alonso, Leon G. Thomas III,Malcolm David Kelley, Joseph David-Jones, Joseph David-Jones, Ephraim Sykes,Samira Wiley, Peyton 'Alex' Smith, Laz Alonso, Austin Hebert
El verano de 1967 fue un momento fundamental de la historia moderna de Estados Unidos, en el que el país se encontraba sumido en un creciente malestar político y social: la escalada de la intervención militar del país en la Guerra de Vietnam y décadas de represión e injusticia racial. Los epicentros de todo ese descontento y furia apenas contenida resultaron ser las grandes ciudades del país, con su discriminación sistémica, sus disparidades raciales en educación y vivienda, y el creciente desempleo reinante en las comunidades afroamericanas.
Dos noches después de iniciarse los disturbios en Detroit, un informe de disparos en las inmediaciones de una zona de preparación de la Guardia Nacional llevó al Cuerpo de Policía de Detroit, a la Policía Estatal de Michigan, a la Guardia Nacional de Michigan y a un guardia privado de seguridad local a registrar y tomar un anexo del cercano motel Algiers. Varios policías se saltaron las reglas de procedimiento y se dedicaron a interrogar de forma brutal y contundente a los huéspedes del motel, llevando a cabo un "juego letal" en un intento de intimidar a alguien, a quien fuera, para que confesara. Al acabar la noche, tres jóvenes desarmados habían sido abatidos a quemarropa y varios hombres y mujeres más habían recibido brutales palizas.
No se encontró ningún arma.
Película de la directora ganadora del Óscar, Kathryn Bigelow (La noche más oscura (Zero Dark Thirty), Vivir al límite).
Protagonizada por John Boyega ("Star Wars: Episodio VII El despertar de la Fuerza", "Attack the block"), Anthony Mackie ("Capitán América: Civil War", "Vivir al límite", "Million Dollar baby"), John Krasinski ("13 horas: Los soldados secretos de Bengasi", "The Office" [TV], "La Tierra prometida"), Kaitlyn Dever ("Last Man Standing" [TV], "Justified" [TV], "J. Edgar"), Will Poulter ("El renacido", "El corredor del laberinto", "Somos los Miller"), Jack Reynor ("Macbeth", "Un escape real", "Transformers: La era de la extinción"), Hannah Murray ("Juego de tronos" [TV], "God Help the Girl", "Skins"[TV]), y Tyler James Williams ("Criminal Minds: Beyond Borders" [TV], "The Walking Dead"[TV], "Everybody Hates Chris" [TV]), "DETROIT" está basada en unos hechos poco conocidos de la historia estadounidense: los disturbios que tuvieron lugar en Detroit durante el verano de 1967, cuando una redada policial acabó desencadenando uno de los mayores levantamientos ciudadanos de Estados Unidos.
En el hervidero
Como ya demostrara de forma memorable la directora Kathryn Bigelow en la ganadora del Óscar "The Hurt Locker" y posteriormente en la nominada al Óscar a la "mejor película", "La noche más oscura (Zero Dark Thirty)", tanto ella como su colaborador habitual, el productor y guionista ganador del Óscar Mark Boal, están familiarizados con los temas polémicos. En su nuevo filme, el thriller dramático DETROIT, Bigelow logra mantener con gran pericia un delicado equilibrio entre su enfoque fílmico tipo cinema verité trabajado con gran destreza y el estilo narrativo lleno de tensión de Boal que hace que te sientas metido en el momento. Con la ayuda de un brillante elenco que combina a veteranos de la gran pantalla con jóvenes promesas, entre ellas John Boyega ("Star Wars: El despertar de la Fuerza"), Anthony Mackie ("The Hurt Locker)", "Capitán América: Civil War"), John Krasinski ("13 horas: Los soldados secretos de Bengasi"), Will Poulter ("El renacido (The Revenant)"), Algee Smith ("Army Wives"), Jason Mitchell ("Straight Outta Compton"), Jacob Lattimore ("Belleza oculta"), Hannah Murray ("Juego de tronos") y Kaitlyn Dever ("Justified"), Bigelow nos transporta de vuelta al verano de 1967 en el hervidero de malestar social que destrozó la ciudad de Detroit.
Tras décadas de abandono y promesas incumplidas, el centro urbano de la ciudad estalló en una oleada de violenta rebelión, y la respuesta militarista a los disturbios no hizo sino echar más leña al fuego de la discordia. La combinación de caos y fuerza llegó a desdibujar por momentos la línea que separa a la víctima del perpetrador.
Más allá de las atroces pérdidas, la mayor baja, no obstante, fue la inocencia, como queda demostrado en la historia dramática central de la película. Los hechos reales de lo que sucedió una aterradora noche en el motel Algiers y sus consecuencias, aunque fueron muy conocidos en su momento, han quedado desde entonces relegados a la condición de mero pie de página en los anales de la historia.
En las expertas manos de Bigelow, los incidentes de esa fatídica noche y lo que sucedió a continuación se resucitan para quedar vívidamente reconstruidos. Este enfoque cercano y personal reproduce la técnica que Bigelow ya dominara en "The Hurt Locker" y "La noche más oscura (Zero Dark Thirty)". El medio cinematográfico, en opinión de la directora, "apela al subconsciente, lo que se presta a una implicación casi activa del espectador".
En "The Hurt Locker", Bigelow logró transportarnos a Irak, mientras que en "La noche más oscura (Zero Dark Thirty)", nos llevó directamente al complejo de Osama Bin Laden. "En esta ocasión, quería meter al espectador en el motel Algiers, de modo que viviera los acontecimientos casi en tiempo real".
Al destapar este momento crucial pero en gran parte olvidado de la historia reciente de Estados Unidos, Bigelow y Boal pretendían rendir homenaje a los supervivientes y a los fallecidos de una manera que resultara considerada y respetuosa. Boal, que le presentó inicialmente la idea a Bigelow y a Annapurna Pictures a través de su Page 1 Productions, llevó a cabo una labor exhaustiva de documentación del incidente y habló con todos a los que pudo localizar que siguieran aún vivos y hubieran estado implicados de algún modo en la rebelión urbana en las calles de Detroit.
Como Kathryn Bigelow y Barry Ackroyd utilizaron una cámara familiar de estilo documental a lo cinema verité, la directora y el montador Billy Goldenberg tomaron la decisión de incorporar metraje ya existente a la película para realzar la fuerte narración central y sumergir al espectador. "Durante el proceso de documentación encontré grabaciones de los disturbios que encajaban a la perfección con el trabajo de Barry, hasta el punto de poder incluirlos en la película para dotarla de un realismo casi táctil".
"En el cine, la historia puede resultar un poco aséptica, sobre todo si hablamos de acontecimientos sucedidos hace 50 años", opina Boal. "Únicamente cuando conoces a las personas implicadas, empiezas a darte cuenta de que la historia general está formada en realidad por las historias individuales. Y en eso fue en lo que se centró mi guión".
A partir de 2014, Boal y su equipo de documentación entrevistaron a docenas de participantes en los propios disturbios, desde residentes afroamericanos de la comunidad a policías y personal militar. Su equipo de documentación de seis personas a tiempo completo, encabezado por el reportero de Detroit ganador del premio Pulitzer David Zeman, descubrió una ingente cantidad de materiales, que incluían reportajes de televisión, radio y prensa escrita, actas judiciales, materiales de investigación del FBI y el Departamento de Justicia, testimonios contemporáneos, investigaciones sociológicas, así como documentos que no habían visto nunca la luz del Cuerpo de Policía de Detroit y de la Universidad de Michigan.
De las docenas de historias personales con las que se encontró Boal, una le llamó especialmente la atención, el documento histórico de Larry Reed (interpretado en la película por Algee Smith), el vocalista principal de un popular grupo coral muy prometedor, The Dramatics, que había reservado una habitación para esa noche en el motel Algiers para sí mismo y su amigo íntimo, Fred Temple (Jacob Latimore), a fin de evitar encontrarse en la calle durante el toque de queda. "Larry se encontró metido en esta historia de crímenes reales", comenta Boal, "y alteró para siempre el curso de su vida; y eso fue lo que, en mi mente, constituiría el eje central de la película".
Boal localizó a Reed, que no había hablado públicamente sobre el incidente en décadas. Aunque en un primer momento no estaba muy seguro, Reed acabó compartiendo su desgarradora experiencia de esa noche en el motel Algiers y Boal quedó tan conmovido, que se dio cuenta de que tenía que sacar a la luz este momento injustamente olvidado de la historia. Además de todas las pruebas documentales sobre el Algiers, logró encontrar a otros huéspedes más que también habían quedado marcados para siempre por este aterrador incidente y habían guardado un silencio casi absoluto desde entonces.
Contar esta historia coral conllevaba la responsabilidad de hacerlo de manera justa y sin juicios de valor, opina Bigelow, que también habló y pasó tiempo con los supervivientes. "Cuando estás haciendo una historia sobre hechos reales y conoces a los testigos de dichos hechos, quieres asegurarte de que esas experiencias no sucedieron en vano, que puedes transmitir la relevancia de su historia y hacérsela entender a los espectadores".
Boal agrega: "Cuando decides contar una historia real como esta, tienes que abordarla con un sentido de responsabilidad personal, tanto para con la historia como, con mayor motivo aún, para con los individuos implicados, algunos de los cuales sobrevivieron, mientras que otros no. Aunque estábamos creando una obra de entretenimiento ficticio y no un documental, cargábamos con la responsabilidad de hacer honor al pasado de una forma que resultara considerada y respetuosa".
Prólogo como contexto
Antes de sumergirse en los disturbios de Detroit y en el relato que sirve de eje central del filme, Bigelow quería ofrecer al espectador ciertos antecedentes socio-históricos sobre qué fue lo que condujo al estallido de violencia, así como una visión general del panorama cultural de la ciudad en 1967. "Como admiradora desde hace tiempo de la obra del gran artista afroamericano Jacob Lawrence, su fundamental serie sobra la gran migración parecía la voz adecuada para describir las décadas previas al malestar social de los 60, de modo que el espectador pudiera entender mejor la ira y la injusticia que se habían ido acumulando a lo largo de tantas décadas y habían puesto el país en un rumbo de colisión".
"Nos pusimos en contacto con los herederos de Jacob Lawrence con una idea, mezclar unos paneles con otros, de modo que cada uno llevara al siguiente. Llegado el momento de incorporar texto, volvimos a quedarnos impresionados ante la magnitud y la complejidad de todo lo que condujo a la agitación de la década de 1960. Esta vez recurrimos a Henry Louis Gates, Jr., director del Hutchins Center for African American Research (Centro Hutchins para la Investigación Afroamericana) de la Universidad de Harvard", explica Bigelow.
Un innovador proceso de casting
En su búsqueda de los intérpretes adecuados para encarnar a los huéspedes del motel Algiers y al personal de las fuerzas del orden, Bigelow decidió meter a los actores en situaciones semiimprovisadas. "Creé escenarios que imitaban el guión pero eran situacionales y me quedé encantada al ver lo ágiles e imaginativos que eran los actores", recuerda, "y lo cómodos que se sentían en situaciones fluidas que no dejaban de cambiar. Así es como elegí al reparto. Los actores elegidos exhibieron, sin excepción, una complejidad emotiva versátil y tremendamente desarrollada, muy superior a la propia de alguien de su edad".
El proceso de selección de Bigelow dejó en un primer momento desorientado a Algee Smith, que interpreta el papel protagonista de Larry Reed, vocalista principal de un prometedor grupo de R&B llamado The Dramatics, que se refugia en el motel Algiers con su amigo Fred Simple (Jacob Latimore), pensando que así estará a salvo de los disturbios. Incluso cuando ya sabía que estaba contratado, Smith siguió sintiéndose algo confundido, dado que no le dijeron qué papel iba a interpretar hasta una semana después de presentarse en el set de rodaje de Boston.
"Al principio, resultó algo confuso", admite, "pero luego entendí realmente por qué Kathryn optó por este estilo improvisado para la selección del reparto y el rodaje. Fue una genialidad. Fue una manera de mantenerte desconcertado, para sacarte una intensidad espontánea y cruda. Nunca había rodado así, sin ninguna planificación. Yo llegaba al set y [Kathryn] me decía ‘vale, esto es lo que van a hacer hoy. Vamos allá, en marcha, ya’. Y así es cómo consiguió reproducir tan bien los momentos reales. No tuvimos ocasión de preparar lo que iba a pasar, así que nuestras reacciones siempre eran sinceras y espontáneas".
Pasarse día tras día de pie, cara a la pared, aguantando insultos y malos tratos, acabó pasando factura a Smith y sus compañeros de reparto, sostiene. "Hizo que me sintiera verdaderamente aterrado y me llevó, por momentos, a lugares muy oscuros. Fue tan crudo e implacable que podíamos sentir todos el dolor y la emoción, aunque no era nada comparado con lo que pasó en realidad".
Tras conocer que interpretaría a Larry Reed, el joven cantante con aspiraciones, Smith tuvo ocasión de conocer y pasar algo de tiempo con el auténtico Reed y descubrir cómo esa fatídica noche cambió el curso de su vida. "Fue duro oír sus historias", admite Smith. "Me mostró las cicatrices que aún tenía de esa noche. Me mostró dónde sigue teniendo el cráneo fracturado".
En el papel de Melvin Dismukes, un guardia de seguridad que protege una tienda de comestibles local de saqueadores y se ve involucrado en el caos del motel Algiers, Bigelow eligió a una joven estrella en alza, el actor de origen británico John Boyega, conocido para los espectadores de todo el mundo por su papel de Finn en la nueva trilogía de Star Wars.
"Melvin Dismukes es un personaje interesante", opina Boyega, "un tipo decente que se encuentra en el lugar equivocado en el momento equivocado. Acudió al Algiers para ejercer de protector tácito de esos jóvenes, pensando que podía hacer algo bueno al estar presente para cuidar de ellos y, al final, lo culpan por tratar de hacer lo correcto, no sólo los agentes de la ley, sino su propia comunidad".
Al igual que Algee Smith, la forma de trabajar de Bigelow hizo que Boyega se sintiera completamente inmerso en el rodaje. "Dada la intensidad de la historia y el cuidado y el respeto que todos mostraban por ella", prosigue Boyega, "cada toma era importante, desde el momento en que pisabas el set hasta el último plano. Incluso te seguía hasta casa".
Boyega también desarrolló un vínculo con la persona real a la que interpretaba. Pasó cierto tiempo con Melvin Dismukes, que, junto a otros supervivientes, ejerció de asesor del filme. "Nunca había interpretado a una persona real", admite, "y Melvin habló en profundidad sobre su experiencia. Habló desde la perspectiva de sus sentimientos: cómo reaccionó cuando sucedieron ciertas cosas y las contradicciones que se le pasaban por la cabeza. Habló emocionado sobre cómo se sintió malinterpretado por su propia gente, así como por la ley. Fue un tipo al que le encomendaron una tarea para la que no estaba preparado y luego lo condenaron por ello ".
El papel crucial de Philip Krauss, el policía que dirige el "letal" interrogatorio e intimida a sus compañeros agentes para que hagan lo que él diga, fue asignado a otra joven estrella en alza de origen británico, Will Poulter, que apareció recientemente en "El renacido (The Revenant)". El personaje, explica, no está basado en ninguna persona concreta, sino que más bien refleja el comportamiento de los agentes de policía implicados en los acontecimientos, y se creó a partir de los testimonios de primera mano de lo sucedido.
El mayor reto de Poulter, comenta el actor, fue interpretar a un personaje con el que no sentía la más mínima conexión. "No podía conectar para nada con él. No podía encontrar ningún parecido. Se trataba fundamentalmente de comprender la forma de pensar tan desinformada y negativa característica de una conducta así de racista. Sabía muy poco de la historia de Estados Unidos, y menos aún de la historia afroamericana, así que tuve que documentarme. Aun así, resultó difícil tratar de aceptar la clase de metodología que conduce a la deshumanización de los afroamericanos y, para ser sinceros, el papel que tienen los blancos en promover esa clase de sistema".
Aunque fue difícil sentirse orgulloso de su trabajo cuando se trata de interpretar a un individuo que maltrata cruelmente a otros, Poulter sintió la responsabilidad de poner al descubierto esa clase de conducta aberrante y distinguirla de los actos de los policías respetuosos con la ley.
La conducta de Krauss se vuelve más repelente aún cuando contagia a sus compañeros agentes, cuya preparación los lleva a presentar un frente unido y a apoyarse unos a otros, pase lo que pase. "Krauss es el responsable de un método utilizado entonces por la policía, por el que usaban tácticas hostiles para provocar reacciones agresivas o violentas de afroamericanos y justificar así su arresto", sostiene Poulter.
Aunque podía percibir la intensidad de la historia incluso sobre el papel, la carga de interpretar a una persona tan amoral resultó muy pesada para Poulter que, fuera del set, había trabado amistad con los actores que interpretaban a los jóvenes hombres y mujeres a los que tenía que maltratar cada día. Algee Smith relata cómo un día Poulter ya no pudo aguantar más.
"Hubo un momento durante el rodaje en el que Will no pudo más y se echó a llorar", recuerda Smith. "Miró a Kathryn y le preguntó: ‘¿Cuántas veces más vamos a tener que hacer esta escena? Porque me está resultando muy dolorosa’. Y eso hizo que los demás prácticamente nos derrumbáramos. Intenté darle un abrazo, pero entonces me vine abajo con él. Y pensé: ‘Si alguien puede sentir semejante dolor y emoción con sólo interpretarlo, en la vida real tuvo que resultar mucho más doloroso".
"Tenía muy claro el estado emocional del reparto, y a Will en especial le pasó una enorme factura", admite Bigelow. Consciente de lo doloroso que estaba resultando, Kathryn cambió rápidamente de planes: "Dimos la escena por acabada y seguimos adelante".
Cámaras en constante movimiento
La intención original de la directora Bigelow era rodar DETROIT en Michigan, por lo que realizó una labor intensiva de localización de exteriores junto con su equipo. Cuando Michigan decidió no renovar sus incentivos fiscales para el cine, filmar en Detroit se volvió económicamente insostenible y hubo que trasladar el rodaje a Boston y alrededores. El rodaje empezó en julio de 2016 y duró 52 días. El equipo de rodaje regresó a Detroit alrededor de una semana para grabar exteriores y otras escenas que necesitaban.
La tensión casi insoportable de DETROIT, sobre todo en las escenas de los interrogatorios en el pasillo del motel Algiers, se derivaba a partes iguales del guión cargado de emoción de Boal y de la ingeniosa técnica empleada por Bigelow para darle vida. No sólo mantuvo al reparto en ascuas en cuanto a lo que iban a rodar cada día, sino que, con la ayuda del director de fotografía, el nominado al Óscar Barry Ackroyd ("The Hurt Locker", "Capitán Phillips"), utilizó una forma excepcional de captar el caos y la desorientación de las secuencias clave, sobre todo el brutal interrogatorio de horas de duración, que se rodó a lo largo de varios días.
El pasillo, en el que colocaron contra la pared a los huéspedes del motel, estaba iluminado uniformemente, de modo que pudieran utilizar varias cámaras para captar cada momento crucial, sin tener que parar para cambiar los ángulos y las luces. "Las cámaras nunca estaban quietas", recuerda Anthony Mackie, que interpretaba a Greene, un veterano de Vietnam que se ha trasladado a Detroit en busca de trabajo en la industria del automóvil y vive en el motel Algiers. Mackie ya estaba familiarizado con la cámara en constante movimiento fluido y discreto de Ackroyd gracias a su colaboración anterior en "The Hurt Locker".
Además, comenta el actor, al estar las cámaras de Bigelow en constante movimiento, grababan y captaban todo el entorno, lo que dio lugar a una experiencia de inmersión total. "Esta técnica te permitía como actor crear tu propio espacio, no estabas actuando para la cámara, estabas actuando en la escena como si estuvieras en una obra de teatro. Como no sabías qué cámara te estaba enfocando y cuándo, tenías que estar presente y dando el 110% en todo momento. Te sacaba de tu elemento, que es lo que necesita todo actor".
Para ayudar a recrear el Detroit de 1967, Bigelow recurrió a su diseñador de producción de "La noche más oscura (Zero Dark Thirty)", Jeremy Hindle. "Aquí lo más importante era crear un entorno realista y sin fisuras que encajara perfectamente con la época y al mismo tiempo no resultara en ningún momento artificial, mecánico, ni manipulado", aporta Bigelow. "Creo que es la maestría de Jeremy lo que hizo que funcionara. Fue capaz de transmitir una sensación muy auténtica de la época y lograr eso sin salirse del presupuesto con el que contábamos es todo un logro. La atención al detalle es extraordinaria y me dejó entusiasmada".
"Empecé con referencias fotográficas reales de la época, de lugares como la revista Time, Magnum", explica Hinkle. "Hay muchas imágenes excelentes y se puede sentir realmente la tensión en las fotos: las calles, la gente, la policía, los militares. Sirvió para marcar el tono y fue lo que nos permitió hacerlo realmente creíble. Barry (Ackroyd) hizo lo mismo para decidir sus planos. Yo diseñé los sets y luego Barry buscó lo que encajara mejor".
Encontrar el estilo adecuado de Detroit cuando la película se rodaba en Boston resultó una labor minuciosa y agotadora. "Pero creo que nos quedó bastante bien. Recorrimos toda la ciudad de Boston, desde Lawrence hasta Broxton. Fue complicado, porque había que encajar demasiadas piezas. No conseguimos encontrar todo lo que queríamos en un único lugar. Así que tomamos parte de una calle y parte de otra y luego las combinamos".
El mayor reto para Hindle y su equipo fue recrear el motel Algiers y su anexo, que han sido demolidos desde entonces. La suerte ayudó. "El interior del anexo fue un hallazgo increíble, una rectoría que era muy similar y en la que se podía rodar bien. El motel principal también fue un buen hallazgo, pero tuvimos que redecorarlo entero, construir una piscina y otra pared, y encargar que nos hicieran expresamente el letrero enorme de neón. Cambiamos todas las puertas, todos los pomos, todos los carteles. Recrear el estilo de una época es complicado, buena parte de ello supone alterar u ocultar cosas en las que normalmente no te fijas, como las señales viales, las alarmas de incendios, los parquímetros... no se acaba nunca".
El anexo, donde se centraba buena parte del rodaje, es en realidad una rectoría, y los dueños se negaron en un primer momento a participar. "Ya había visto un par de cientos de casas", recuerda Hindle. "Sabía el tamaño que buscaba y el aspecto que tenía que tener el pasillo. Tenía que ser central, con espacio suficiente para nueve huéspedes, la policía, los agentes estatales y los militares, y tenía que tener el ancho adecuado", recuerda Hindle. "Podía ver por el exterior que era la casa adecuada, pero se negaron durante días. Y yo dije, hay que seguir insistiendo. Esta es la casa. Al final, aceptaron. Pasamos 17 días rodando en la casa después de transformarla. Lo desmontamos todo y volvimos a dejarlo como estaba en la medida que nos fue posible. Es una casa impresionante. Si la ves ahora, parece una mansión maravillosa".
La diseñadora de vestuario de Bigelow, Francine Jamison-Tanchuck, acababa de trabajar en la biografía de Tupac Shakur "All Eyez on Me" y en el filme de Nate Parker "El nacimiento de una nación", cuando Bigelow se reunió con ella para una entrevista y la contrató en el acto. "Francine colaboró estrechamente con Jeremy para crear esos entornos tan precisos y fieles hasta el más mínimo detalle, y que a la vez no se hicieran notar de una forma artificial", prosigue Bigelow. "Esa clase de profundidad trasciende la superficie de la pantalla".
Como ya hiciera Hindle, Tanchuck aprovechó la documentación sobre la época recopilada para la película (fotografías, grabaciones de noticias) y optó por una gama de colores de rojo ladrillo, amarillo mostaza, color hueso y verde azulado. "Los 60 es una época preciosa", afirma, "las mujeres eran muy femeninas y los hombres tenían mucho estilo. Y en Detroit, Motown estaba en la cúspide. Fue muy divertido recrear eso en la secuencia musical del teatro Fox".
En total, Tanchuck estima que su equipo y ella vistieron a entre 600 y 800 intérpretes y extras, entre el reparto principal, la policía, la Guardia Nacional y los participantes en los disturbios y saqueadores. Además de la documentación sobre la época, aprovechó que contaba con varios supervivientes del motel y habló con ellos largo y tendido sobre lo que llevaban por aquel entonces, sobre todo y muy especialmente esa noche en el motel Algiers.
Los protagonistas de la historia
Además de la amplia labor de documentación que realizó, el equipo responsable de DETROIT tuvo la suerte de contar con tres testigos que estuvieron todos involucrados en los sucesos del motel Algiers de esa fatídica noche del verano de 1967. Sus testimonios permitieron al equipo responsable del proyecto entender mucho mejor el caos que se produjo a lo largo del brutal interrogatorio. Melvin Dismukes, Larry Reed y Julie Ann Hysell ayudaron al equipo de la película a reconstruir los hechos desde distintos puntos de vista. También contaron con ellos durante el rodaje en calidad de asesores, para ayudar al equipo a ser lo más preciso posible.
"Creo que uno de los aspectos más importantes de prepararnos para esta película —al menos para mí— fue pasar tiempo con estos individuos que vivieron personalmente estos hechos", aporta Bigelow. "Nos proporcionaron una versión extraordinariamente detallada de los sucesos de esa noche. 50 años después, muchos están aún visiblemente afectados por el incidente, comprensiblemente".
Melvin Dismukes formó parte de la gran diáspora de afroamericanos que dejó atrás el racismo del Sur atraídos por los derechos civiles y los trabajos en las fábricas del Norte. Aunque comenta haber tenido que tratar con un racismo sutil (y a veces no tan sutil) después de que su familia se trasladara de Alabama a Detroit, logró no obstante convertirse en soldador certificado sindicado, un puesto que era prácticamente inaccesible para los negros en esa época y, posteriormente, consiguió empleo como guardia privado de seguridad.
Durante los disturbios de 1967, se encontró apaciguando situaciones antes de que se descontrolaran. "Toda mi vida había sido alguien que trataba de evitar que los problemas empeoraran y hubo varias oportunidades durante las noches y días de los disturbios de Detroit", recuerda.
Dismukes estaba trabajando como guardia en una tienda de comestibles cuando oyó un disparo y, junto con la Guardia Nacional, acudió al motel Algiers, la dirección de la que supuestamente provenía el disparo. Cuando entró en el anexo del motel, vio a dos chicas blancas y a varios varones afroamericanos puestos en fila cara a la pared, totalmente aterrorizados, mientras la policía los maltrataba física y verbalmente. "Estaba claro que esa gente no sabía nada e, incluso si lo supieran, tampoco iban a contarlo", concluyó.
Aunque se planteó marcharse, como hizo la Guardia Nacional cuando la situación empezó a descontrolarse –insultos, puñetazos, culatazos con fusiles– decidió quedarse. Y esa decisión le saldría muy cara. Fue arrestado y acusado de asesinato, y sólo consiguió quedar absuelto después de un juicio demoledor. No sólo es que la policía intentara implicarlo en las muertes de esa noche, sino que la comunidad negra se volvió contra él. "Intentar hacer algo bueno durante esa clase de caos no sirve de nada", opina. "Podría haber hecho frente a los agentes de policía, pero probablemente me habrían disparado y alegado defensa propia. Pero a nadie le interesaba oír mi versión de la historia".
Dismukes abandonó posteriormente Detroit, aunque siguió trabajando como guardia de seguridad hasta que se jubiló. Rara vez hablaba de los acontecimientos de esa noche y sus repercusiones igualmente traumáticas porque "me recordaba la dolorosa cuestión racial y que no podría haber hecho nada salvo ayudar a buscar las armas", explica. "No tenía autoridad alguna para poner fin a lo que estaba pasando en el vestíbulo. Me sentí completamente indefenso".
Sin embargo, después de cincuenta años, la verdad sobre esa noche y el papel que tuvo en ella ha salido por fin a la luz, opina. "Esta película, DETROIT, contará lo que sucedió de verdad".
Melvin Dismukes está interpretado por la estrella emergente John Boyega, protagonista de la actual trilogía de Star Wars.
Larry Reed era natural de Detroit y vocalista principal de un prometedor grupo de R&B, The Dramatics. No era más que un adolescente cuando, junto a su mejor amigo, se refugiaron en el motel Algiers porque llegar a casa sanos y salvos resultaba imposible. En vez de eso, la policía los puso a él, a su amigo y otros huéspedes más en fila contra la pared, los interrogó brutalmente y los golpeó. Medio siglo después, Reed, que desde entonces ha dedicado su vida a ser director de coro, aún tiene las cicatrices físicas y emocionales que demuestran lo vivido aquella noche.
"Estábamos en el lugar equivocado en el momento equivocado", opina. "Logré salir con vida y encontré a un agente de policía que se compadeció de mí y me llevó a un hospital. Pero mi amigo fue uno de los que murió".
Para Reed, DETROIT es más que una película. Es un testimonio de un momento fundamental de la historia del siglo XX de Estados Unidos. Aunque durante muchos años Reed se mostró reticente a hablar de esa noche que cambió su vida, cuando el equipo responsable del proyecto se puso en contacto con él, sintió que les debía a su amigo y a los demás que perdieron la vida colaborar con los cineastas. "Mi intención al animarme a hablar ahora es que la gente sepa qué fue lo que sucedió", comenta Reed. "No quiero que este acontecimiento se olvide, lo que pasamos mi amigo y yo. Es algo que nunca debería haber sucedido".
Algee Smith, estrella de la miniserie "The New Edition Story", interpreta a Larry Reed.
Julie Hysell se crió en Columbus, Ohio, hija adoptiva de un bombero y una contable. Hysell se describe a sí misma como una "juerguista" en su adolescencia y, junto a su amiga del instituto, Karen Malloy, fueron a Detroit a ver actuar a un grupo de R&B, The Precisions, y luego decidieron quedarse. No tardaron en gastarse todo el dinero que llevaban, así que se trasladaron al motel Algiers, que no costaba más que seis dólares la noche. Durante el toque de queda impuesto en la ciudad, visitaron una de las habitaciones del anexo, que tenía una cocina, con la esperanza de conseguir algo de comida, sólo para verse recibidas por ráfagas de disparos de la policía y la Guardia Nacional, que respondían a informes de posibles disparos.
En medio del caos que estalló a su alrededor, se retiraron a la habitación de un amigo a quien habían conocido en la piscina y en quien confiaban. "Entonces la policía entró en la habitación y me preguntaron algo", recuerda Hysell, "y como no les gustó cómo respondí, me golpearon y nos rasgaron la ropa".
Hysell y su amiga fueron acusadas de ser prostitutas, y su amigo de ser su chulo. Los llevaron a rastras hasta el pasillo del primer piso "y durante las dos o tres horas siguientes se dedicaron a pegarnos y a matar gente", señala. "Podía oír a gente suplicando por sus vidas".
Hysell se siente agradecida por la película DETROIT y por la forma sensible pero honesta del equipo responsable de la misma de tratar los hechos. "Pensé que lo pasaría mal durante el rodaje, porque no estoy segura de haber llegado nunca a asumir lo que sucedió esa noche. Pero Kathryn me rodeó de un grupo tan estupendo de personas que me ayudaron a sobrellevarlo. La única vez que no pude soportarlo fue cuando estaban filmando la escena del juicio en la que se anuncia el veredicto de no culpabilidad. Tuve que salir del set. Esas personas fueron asesinadas. A sangre fría. Fueron asesinadas y los policías fueron absueltos".
"Por eso era tan importante contar esta historia. Me gustaría que la gente viera esta película y pensara: ‘Sí, ya es hora de que las cosas cambien’. Eso es lo que me gustaría que pasara".
Julie Hysell está interpretada por Hannah Murray ("Juego de tronos").
Reflejándonos en el pasado
Todo parecido entre el debate actual sobre el racismo institucional y los hechos mostrados en DETROIT es completamente deliberado, aseguran los responsables del proyecto. "Creo que es una historia que es importante contar", opina el guionista y productor Boal, "porque una de las ventajas de observar el pasado es que te permite ver el presente desde otro punto de vista. Y hacerse preguntas como: ‘¿Cuánto han cambiado las cosas?’ o ‘¿Cuánto sigue igual?’".
Los acontecimientos del verano de 1967 en Detroit y otras grandes ciudades estadounidenses "no fueron un momento aislado en el tiempo", prosigue Boal. "Formaban parte de un continuo. Y si nos hacen ser hasta cierto punto conscientes de ese continuo, tal vez podamos tener más consideración al respecto".
El reparto principal de DETROIT tiene su propia opinión sobre el filme. "Me sentí muy orgulloso de trabajar con cineastas a los que les interesa hacer más que simplemente entretener con su trabajo, que intentan concienciar sobre problemas y cuestiones reales de la sociedad", sostiene Will Poulter. "Para que podamos avanzar, es de una importancia vital que los medios y el arte pongan de relieve esas cuestiones".
"Cuando acabó la película, no estaba seguro de cómo me sentía", admite Algee Smith. "Por un lado, estaba contento de formar parte de una historia tan importante. Por otro, sentí pena por lo que tuvo que pasar la gente de verdad, y rabia por la injusticia que se cometió a continuación. Digamos simplemente que estaba confuso aunque, en última instancia, sentía una inmensa gratitud por el hecho de que se contara esta historia".
En opinión de Bigelow, "si el propósito del arte es agitar para provocar el cambio, si estamos verdaderamente listos para empezar a tratar la desigualdad racial de este país, tenemos que estar dispuestos a escuchar. Espero que esta película anime en parte ese debate y que encontremos una forma de curar las heridas que existen desde hace demasiado tiempo en este país".
Apuesta maestra
2017
Duración 141 min.
País Estados Unidos
Dirección Aaron Sorkin
Reparto Jessica Chastain, Idris Elba, Kevin Costner, Michael Cera, Samantha Isler,Chris O'Dowd, Graham Greene, Jeremy Strong, Bill Camp, Brian d'Arcy James,Claire Rankin, J.C. MacKenzie
Ópera prima como director del conocido dramaturgo y guionista Aaron Sorkin, nominado a múltiples Óscar, ganador de la estatuilla al "mejor guion adaptado" por "Red social" y ganador de cinco premios Emmy por la serie de televisión "The West Wing". Entre los trabajos más populares de Sorkin también se encuentran el drama judicial militar nominado al Óscar "Cuestión de honor", protagonizado por Jack Nicholson y Tom Cruise, y "El juego de la fortuna", protagonizado por Brad Pitt.
Además de Chastain y Elba, el reparto de primera file incluye al ganador del Óscar Kevin Costner ("Decisión final", "Danza con lobos"), Michael Cera ("Juno", "Arrested Development"), Jeremy Strong ("La gran apuesta", "El juez", "Lincoln"), Bill Camp ("Loving", "Midnight Special", "The Night Of"), Chris O'Dowd ("El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares", "The Sapphires", "Damas en guerra"), Brian d'Arcy James ("Rebel in the Rye", "Spotlight"), y el nominado al Óscar Graham Greene ("Danza con lobos", "Milagros inesperados").
El principio
Aunque las memorias de Bloom de 2014 acaban con su arresto por parte del FBI, la historia sobre cómo MOLLY'S GAME llegó a la gran pantalla empieza antes de que Bloom se diera incluso cuenta de que su reinado estaba acabando. Cuando Bloom todavía gestionaba una partida en el hotel Plaza de Manhattan, conoció al productor ejecutivo Leopoldo Gout en una fiesta. Gout se encontraba trabajando en su primera novela y la historia de Bloom despertó su interés. "Era una mujer extraordinariamente inteligente en un mundo de hombres, y eso fue lo que realmente me enganchó", comenta Gout.
Gout se la presentó a su editor, y Bloom llegó a un acuerdo para publicar un libro, pero su arresto paralizó ese acuerdo. Una vez acabado el juicio, Gout y Bloom pasearon el libro por Hollywood en busca de ofertas de los estudios pero, aunque había mucho interés, ninguna parecía la adecuada, hasta que el productor Mark Gordon recibió una llamada de Ken Hertz, el abogado de Molly, y Pete Micelli, su representante de la agencia CAA. "Me enteré de que Aaron también estaba leyendo el libro, así que me puse en contacto con él y le propuse que trabajáramos juntos en el proyecto", recuerda Gordon.
En un primer momento, sin embargo, Sorkin tenía ciertas reservas en cuanto a convertir el libro de Bloom en una película, sobre todo por los jugadores que habían pasado por su mesa. Bloom mantiene la confidencialidad de la mayor parte de los nombres para proteger sus vidas privadas, pero Sorkin aún seguía preocupado por las posibles repercusiones. "Conozco a algunas de las personas sobre las que has escrito, he trabajado con algunos de ellos. Y con otros me gustaría trabajar", dijo Sorkin. "Un par de ellos son amigos míos. Y no pienso escribir una película que cotillee sobre ellos ni sobre nadie más".
Ahora, Sorkin se alegra de que a Bloom no le echara para atrás su actitud en ese primer encuentro y que continuara explicando el resto de su historia. "Quince minutos después, quería desesperadamente escribir esta película, porque descubrí que [Bloom] pagó un precio muy elevado por adoptar la misma postura que a mí no me estaba costando nada".
Hacer justicia a la historia
La certeza de Sorkin sobre el material ayudó a acelerar el proceso de escritura. "Normalmente, cuando acepto trabajar en una película, es un poco como una cita a ciegas. Habrá algo que me interese, pero no tengo ni idea de lo que voy a hacer, así que me paso meses subiéndome por las paredes hasta que consigo dar en el clavo. Con MOLLY'S GAME, en los cinco minutos que tardé en llegar a casa, ya tenía toda la película".
Sorkin encontró la historia que quería contar en los detalles que Bloom no llegó a incluir en su libro, un proceso de descubrimiento que se refleja en el personaje de Idris Elba, el abogado defensor Charlie Jaffey: "Acabaste el libro antes de llegar a la mejor parte". Charlie lee el libro y percibe algunas claras omisiones, como partidas de póker que duran varios días sin mención alguna del uso de drogas, y ninguna alusión a los mafiosos rusos cuya implicación condujo al arresto de Bloom. Además, Bloom rara vez habla sobre su familia, sobre todo sobre su complicada relación con su padre, que fue decisivo para que tanto ella como sus dos hermanos acabaran metidos en actividades deportivas y académicas.
Sorkin fue entendiendo a Molly de forma similar a como lo hace Charlie en la película. La prensa sensacionalista la apoda la "Princesa del Póker", y Charlie cree que ella busca activamente la publicidad por beneficio propio. "Vi una oportunidad de crear un personaje que estaba haciéndose muchas de las mismas preguntas que me hacía yo sobre ella", aporta Sorkin. "Por ejemplo, ¿por qué la arrestaron en plena noche agentes del FBI provistos de armas automáticas, como si se tratara de una persona peligrosa?". Aunque Charlie es una versión ficticia de su abogado, Sorkin señala que "Molly tenían un abogado defensor penal y, cuando habla de él, lo hace con un gran respeto, reverencia y afecto. Molly dijo incluso que era realmente el primer hombre que conoció que era verdaderamente honorable".
Aunque el póker es lo que mueve la trama, la verdadera relevancia de la historia se encuentra en la fuerza de Bloom, su carácter y su capacidad para superar cualquier sistema al que se enfrente manteniéndose fiel a sí misma. "La vi como una historia emocional, y la clase de historia que me gusta contar, con un sentido quijotesco del bien y del mal". Su viaje personal, su relación crucial con su abogado y su negativa a delatar a sus antiguos clientes son el eje central de la historia. "Tenía en sus manos un billete de lotería premiado", opina Sorkin. "Podría haber sido rica y famosa si hubiera dicho simplemente la verdad, pero no estaba dispuesta a hacerlo. Admiro mucho eso y la película admira eso".
Pascal asegura que la capacidad de Sorkin para dotar de profundidad a los personajes eleva MOLLY'S GAME. "A Aaron le encantan los héroes, y encuentra la belleza de la gente que no todo el mundo ve a primera vista", plantea Pascal. "Es un estudio de personaje y nadie hace eso mejor que Aaron".
El fantástico sentido del humor de Bloom y su elevado coeficiente intelectual también impresionaron a Sorkin pero, sobre todo, comenta: "Me pareció que Molly Bloom era un heroína de película realmente única". Se ríe ante la idea de que quería que su hija conociera a "alguien que se ha declarado culpable de un delito federal". Pero, a medida que Sorkin escuchaba a Bloom, pensaba que era un magnífico modelo a seguir para las jóvenes.
A lo largo de los dos años siguientes, Sorkin siguió escuchando más historias de las que Bloom había excluido del libro y pasó aproximadamente un año escribiendo el guión. Entrelazó el trasfondo narrativo, dejó de lado la estructura cronológica lineal, y se centró en la historia de Molly en su guion. La película incluye material del libro, que se incorpora como si fuera una especie de personaje más, pero cuenta su propia historia.
Y aunque MOLLY'S GAME es biográfica, Sorkin tuvo mucho cuidado de novelar a los personajes secundarios. "Siempre me pareció importante que nadie se sintiera tentado de jugar a los detectives con la película para tratar de descubrir qué personaje se corresponde con qué famoso real. Así que todos son amalgamas".
La ópera prima de Sorkin como director
Como dramaturgo y guionista, Sorkin siempre ha disfrutado manteniéndose muy cerca de lo que escribe a lo largo de todo el proceso, incluso cuando era el responsable de la serie "The West Wing". Así que, "cuando me senté a escribir MOLLY'S GAME, lo último que podía pensar era en dirigirla", reflexiona Sorkin, y prosigue: "Es lo más visual que he escrito, y ese no es mi elemento".
Pero dice que empezó a inclinarse por asumir el reto de dirigirla porque "estaba teniendo muchos problemas para describir lo que tenía en mente al estudio, a los productores, a amigos, incluso a Bloom. Empezaba cada conversación diciendo: 'Esta no es la película que crees que va a ser'. Pero entonces no conseguía describir lo que iba a ser, pese a que lo veía claramente en mi mente". Los productores supieron de inmediato que Sorkin era la persona perfecta para dirigir MOLLY'S GAME. Gordon recuerda: "Estaba muy involucrado con el proyecto, como con todo lo que hace, y daba realmente la sensación de que estaba listo para dirigir". El productor Matt Jackson agrega: "Era muy personal para Aaron. La idea de que es una historia sobre una mujer que compite en un mundo enteramente masculino era algo que le atraía mucho".
Por mucho que Sorkin como director y guionista quisiera centrarse en la emoción subyacente de la historia de Bloom, sabía que, por encima de todo, las escenas de póker tenían que parecer lo más reales posibles. "Me documenté mucho sobre póker para asegurarme de que todos los detalles estuvieran bien", asegura. "Contamos con estupendos jugadores profesionales para asesorarnos a cada paso. Nuestros crupieres son crupieres profesionales. Incluso los extras que juegan en las partidas son jugadores profesionales de póker. No tienes que ser aficionado al póker para disfrutar la película, pero los fans del póker apreciarán su autenticidad". Mediante escenas de póker tangibles, vemos a Molly como personaje aprendiendo -pero no jugando- el juego y puliendo su habilidad para manejar a la gente.
Además de rodearse de talento tras las cámaras, Sorkin fue capaz de atraer a un reparto estelar que incluye a Jessica Chastain como Molly Bloom, Idris Elba como Charlie Jaffey y Kevin Costner como Larry Bloom, el padre de Molly.
Chastain comenta: "Es maravilloso trabajar con un director que es tanto guionista como director, porque es verdaderamente su visión de la historia. Aaron es amigo de Molly desde hace tiempo, la conoce muy bien y se siente muy protector para con su historia. Y dudo que alguna vez se hubiera sentido cómodo entregando el guión a otro director. No me puedo imaginar a nadie más dirigiendo la historia".
Elba comenta sobre trabajar con Sorkin: "Siempre he sido un gran fan del trabajo de Aaron, tanto en televisión, en series como 'The West Wing', como por supuesto las increíbles películas que ha escrito, desde 'Cuestión de honor' a 'Red social', 'El juego de la fortuna' o 'Steve Jobs', es verdaderamente uno de los guionistas más prolíficos y distinguidos, si no el más distinguido, de nuestros tiempos. Así que por supuesto que no dejé pasar la oportunidad de trabajar con él, y que luego resulte que sea su ópera prima como director y poder formar parte de ese proceso ha sido una oportunidad extraordinaria. Trabajar con Aaron ha sido una experiencia fascinante -tiene una voz muy característica y un punto de vista avanzado, y te ofrece espacio como actor para encontrar tu propia voz a la hora de encarnar los personajes que escribe".
Los personajes
JESSICA CHASTAIN como Molly Bloom
Elegir a la actriz para interpretar a Molly no fue difícil en lo referente a atraer el interés de intérpretes de talento. "Me alegra poder decir que las mejores actrices de la industria querían el papel", declara Sorkin. "Y no me cabe ninguna duda de que todas ellas habrían estado maravillosas. Pero yo quería a Jessica desde el principio". Observa que Jessica, al igual que Molly, "tiene un sentido del humor irónico y ladino. Además, es fuerte sin tener que hacerse la dura. Normalmente, cuando la gente se hace la dura, es porque personalmente no se sienten así, y tienen que imitar esa cualidad. Pero Jessica ya la posee".
Pascal se muestra de acuerdo con Sorkin: "Jessica es uno de los mejores actores en activo del cine actual, y tuvimos la suerte de que sintiera por la película lo mismo que sentíamos nosotros por ella". Gordon agrega: "Nos parecía que tenía el tipo adecuado de sensibilidad moral, glamur y fuerza para sacar adelante este personaje tridimensional y lleno de matices".
Chastain comenta que ver el nombre de Aaron Sorkin en el guión despertó su interés. "Es uno de nuestros mejores guionistas, sino el mejor guionista de la industria del cine estadounidense", afirma, a lo que agrega: "Me encantó el sentido del humor de Molly, me encantó su inteligencia, me encantó esa historia de alguien que tiene todas las de perder, una mujer que triunfa en una industria dominada por los hombres. Y me gustó mucho la auténtica Molly Bloom".
"Jessica apareció superpreparada, trabaja como un cirujano", opina el productor ejecutivo Gout. "Creó su propia versión de Molly y, cuando la veo en el set de rodaje y se pone a llamar a la verdadera Molly por teléfono, es como si se me fundieran mentalmente los plomos. Es maravilloso".
Elba comenta sobre actuar frente a Chastain: "Jessica es toda una fuerza, pero también una compañera asombrosa en cualquier escena que compartas con ella, y evidentemente en esta película nuestros personajes pasan mucho tiempo de conversación, enzarzados en choques verbales, así que trabajar con alguien como Jessica, que es tan generosa y está tan presente, fue una experiencia verdaderamente fantástica".
IDRIS ELBA como Charlie Jaffey
Sorkin tenía igualmente claro quién debía interpretar a Charlie Jaffey. "Idris es sensacional, y, otra vez, si tienes que interpretar a alguien fuerte, inteligente y divertido, ayuda que ya tengas todas esas cualidades y no tengas que esforzarte por fingirlas. También tiene un rostro estupendo en reposo, cuando está escuchando a Molly; no sabes lo que va a decir cuando ella acabe". La relación entre Molly y Charlie es fundamental y "tienes la sensación de que ambos están acostumbrados a ser la persona más inteligente del lugar. De pronto, se encuentran ambos en el mismo lugar. El toma y daca entre ellos es divertido". Pascal agrega: "Si piensas en manos de quién querrías que estuviera tu vida, sería Idris Elba. Combina masculinidad y vulnerabilidad de una forma que pocos actores son capaces de lograr". Jackson cree: "Charlie fue un apoyo y un consuelo para Molly en un momento difícil. Idris aportó calidez a su interpretación y se mantuvo siempre muy digno en su apoyo a ella, algo que Idris personifica".
Elba asegura que le gustó interpretar a un abogado que no se toma al pie de la letra nada de lo que le dice su cliente. "Charlie es un refinado abogado de primera fila que más o menos lo ha visto todo, pero creo que siente verdadera curiosidad por Molly, dado que ella posee mucha más complejidad que la imagen que proyecta inicialmente. Cree que la tiene calada en cuando aparece por la puerta, pero entonces lo sorprende con su intelecto y su fuerza de carácter y personalidad, y creo que eso le atrae mucho".
En cuanto a actuar frente a Elba, Chastain declara: "Fue maravilloso trabajar con él. Es un actor increíble, me encanta su trabajo desde hace tiempo y es increíble lo que logramos hacer [con las escenas]".
Gordon agrega que, partiendo del guión original, Elba podría haberse considerado una elección inesperada. "Un buen casting no entiende de colores. Idris es un actor asombroso y la idea de verlo trabajar con Jessica era emocionante y maravillosa, así que pensé: ‘Hagámoslo, y subvertamos cualquier suposición que podría existir sobre el aspecto que debía tener este personaje’".
KEVIN COSTNER como Larry Bloom, padre de Molly
La dualidad del papel del padre de Molly es un reto, porque al principio de la película presiona mucho a Molly, pero luego simpatizas más con él a medida que avanza la historia. Sorkin alaba a Kevin Costner como un gran actor que aporta "fuerza y humor, complejidad y mucho amor a un papel que implica moverse por el filo de la navaja". Pascal agrega: "Fue una gran suerte que Kevin conectara con el material. Hizo que cada una de sus escenas fuera un gran momento. La escena hacia el final, en la que está con Jessica en el banco, fue clave para hacer que la película funcionara, y está fantástico", recuerda Jackson, "Molly ha comentado que Kevin Costner le recuerda a su padre pero, independientemente de eso, Kevin es un actor asombroso, icónico y de talla mundial. Aporta una cierta presencia y seriedad al papel y lo logra de una forma impecable".
Costner veía a su personaje como "un padre cariñoso, pero al mismo tiempo estricto y exigente, que presionó a sus hijos para sobresalir y probablemente no era consciente del daño que estaba haciendo o la presión que estaba ejerciendo sobre Molly". Costner alaba el guion lleno de matices de MOLLY’S GAME: "Aaron capta la desesperación de la gente que parece tenerlo todo. Espero haberle dado lo que necesita, porque entiendo y creo en lo que está diciendo sobre este complicado personaje". Costner señala que la historia no trata sobre el padre de Molly y que no conocemos la historia personal que hay tras su "necesidad de presionar a sus hijos, pero creo que todos queremos que nuestros hijos logren grandes triunfos. Y algunos hacemos una mejor labor criando a nuestros hijos que otros. Y algunos creemos que los resultados son realmente la medida de una relación significativa, aunque puedan desear cosas distintas a nosotros y puedan tener necesidades distintas a las nuestras".
Sorkin respeta la brillante interpretación de Costner, pero también valora la generosidad de Costner con sus conocimientos como director. Sorkin recuerda un plano concreto en el que Costner realizó con mucho tacto una sugerencia para mejorarlo. Sorkin pensó: "Es fantástico. Hagamos eso. Y empecé a describirlo como el plano de Kevin cuando hablaba con el director de fotografía. Kevin me dijo después que no necesitaba acreditárselo; así es como funcionan las películas".
Sorkin bromea que estaba nervioso de trabajar con todo el mundo que participaba en el rodaje, incluso "los del catering", porque estaba convencido de que "se darían cuenta de que no tengo ni idea de lo que estoy haciendo. Pero dirigir a un tipo que ya ha ganado un Óscar por dirigir ‘Bailando con lobos’ resultaba abrumador. Pero él me quitó por completo ese miedo. Eso es algo que nunca olvidaré".
Los personajes secundarios
En cuanto al reparto secundario, Sorkin sabe que le tocó el premio gordo. "En las manos equivocadas, estos personajes podrían ser simplemente cretinos unidimensionales, pero se vuelven multidimensionales en manos de actores como Jeremy Strong, Michael Cera, Bill Camp y Brian d’Arcy James. Y, caray, creo que lancé el teléfono por los aires el día que conseguimos a Chris O’Dowd para interpretar a Douglas Downey". Pascal agrega: "No creo que se pudieran pedir mejores actores de reparto. Era un guión magnífico, así que no me sorprende que la gente quisiera hacer la película y, además, todo el mundo quería trabajar con Aaron". Jackson se muestra de acuerdo: "Dados Aaron y su filmografía, en lo referente a la gente con la que quería contar para la película, nunca tuvimos que recurrir a nadie más que a su primera opción". Gordon agrega: "La película solo puede ser tan buena como los actores con los que cuentas, y tuvimos la gran suerte de contar con actores de semejante calibre trabajando en papeles secundarios. El nivel de las interpretaciones que se obtienen de esos actores hace que la película resulte mucho más emocionante y conmovedora de ver".
Sorkin había querido trabajar con Michael Cera desde "Juno" y no quedó decepcionado por esa cualidad que califica como de "lo contrario de siniestro" que Cera aportó al papel del Jugador X. "Es tan encantador, de mejillas sonrosadas y un tipo tan majo, que no te puedes crees que sea capaz de destruir vidas". Como estrella de cine, el Jugador X fue el imán que sirvió para atraer a otros jugadores a la timba de póker. Querían jugar con alguien famoso, y al Jugador X le gustan lo que se llaman primos, jugadores que no son buenos, pero tienen un montón de dinero para apostar. Ganó mucho dinero actuando, pero el Jugador X siempre ha tenido el objetivo de ganar más dinero con el póker del que ganó haciendo películas. Cera juega al póker y se metió en partidas más importantes como preparación para este papel.
El personaje de Dean Keith conoce a Molly cuando esta se traslada a Los Ángeles y trabaja en un club sirviendo cócteles. Le ofrece un trabajo como su ayudante —Keith es dueño de un club de striptease y lleva una timba de póker en el sótano del Cobra Lounge— y hace que Molly envíe un mensaje de texto a toda una lista de nombres importantes para invitarlos a su noche de póker con una entrada de diez mil dólares. Sorkin conocía a Jeremy Strong por su trabajo en títulos como "La noche más oscura (Zero Dark Thirty)" o "La gran apuesta", y afirma que ahora le ofrecería cualquier papel. "No existe ningún papel que no sea adecuado para él", refiriéndose a la facilidad con la que interpreta a un experto en póker. La primera vez que Strong se encontró en el set de rodaje jugando con sus fichas de póker, Sorkin explica que dio por hecho que "Strong había pasado mucho tiempo en una mesa [de póker]. Pero no era así; Strong se había preparado a conciencia para hacer que pareciera fácil".
La creación del mundo de Molly
Al tratarse de un director de cine primerizo, Sorkin sabía que reunir al equipo adecuado tras las cámaras sería clave para que todo saliera bien. "Las películas se hacen entre un par de cientos de personas", aporta, "y si eres un director novel, nada es más importante que el hecho de que esas personas sean el mejor par de cientos de personas que puedas conseguir". Sorkin considera a sus colaboradores de MOLLY’S GAME "nada menos que coautores de la película".
Como guionista, Sorkin admite que su trabajo "ha sido diálogos de principio a fin", así que disfrutó con la oportunidad de explorar el reto visual de MOLLY’S GAME. "¿Qué es lo que miras cuando Molly está hablando en off y contándonos exactamente lo que piensa o siente? ¿Hacia dónde diriges la cámara cuando Molly ya está describiendo lo que estamos viendo?".
La que tenía las respuestas a todas esas preguntas era la directora de fotografía Charlotte Bruus Christensen ("Fences", "La chica del tren"). Cuando Sorkin se reunió inicialmente con ella, Christensen ya había leído el guión y habló con mucha perspicacia sobre cómo debían funcionar las cosas. "Es como si me estuviera leyendo la mente, pero poniéndolo todo en términos cinematográficos literales que pudieran expresarse a un cámara", explica Sorkin. "Me encantó todo lo que decía, y no sé cómo podría haber hecho la película sin Charlotte. La hicimos juntos".
Christensen comprendió la visión de Sorkin para la película desde el principio. "El póker sirve de ambientación, lo que queremos es un retrato de Molly Bloom", explica Christensen. "Trata sobre su capacidad, su intelecto y su ambición. Hacer que un personaje parezca real y vivo supone un enorme esfuerzo, y siento esa pasión en el trabajo de Jessica".
La película se filmó digitalmente, pero Christensen colaboró con Panavision para encontrar unas lentes anamórficas de los años 60 que proporcionaran la profundidad de campo y suavidad necesarias a los fondos cuando utilizaban un plató de un estudio. "La película se ambienta sobre el telón de fondo del glamour, el tamaño y la soledad de las montañas de Colorado, Hollywood y Nueva York", comenta Sorkin.
Sorkin admite que le ponía nervioso filmar la película principalmente en estudios de Toronto, pero el manejo de la cámara de Christensen y el equipo de diseño de producción de David y Sandy Wasco ayudaron a disipar esas preocupaciones.
El "equipo Wasco", como Sorkin se refiere a ellos, han creado la imagen de proyectos tan diferentes como "Pulp Fiction" y "La La Land: Una historia de amor (La La Land)", por la que obtuvieron el Óscar en 2016. Wasco opina sobre MOLLY’S GAME: "Es un guión fantástico que ofrecía todo lo que necesito cuando me pongo a diseñar una película. No soy jugador de póker, pero me sentí fascinado por esta persona y enganchado de la primera a la última página".
Wasco prosigue: "Ayudamos discretamente a contar la historia de Aaron. Contribuimos a definir el entorno físico en el que van a trabajar los actores, y les damos una serie de herramientas con las que trabajar, el atrezo para hacer su labor y un espacio que sirva de apoyo para sus papeles".
Estructurar los sets de rodaje conllevó adaptarse al ritmo del diálogo. Wasco señala que: "Buena parte del diseño de decorados viene dictada por el tiempo que le lleva a la voz en off de Molly empezar y llegar a un determinado punto. Así que los pasillos se midieron según el ritmo de las palabras de Aaron. Y dado que hay tantas páginas de diálogo que se ambientan en torno a mesas de póker, tuvimos que hacer que cada ángulo de cada sala resultara visualmente interesante para el espectador".
El vestuario de Susan Lyall también fue clave para mantener la película visualmente interesante y para informar de en qué punto de su historia se encuentra Molly. Por ejemplo, Molly acudió a su primera partida de póker en Los Ángeles con un vestido de 30 dólares comprado en JC Penney, pero no tardaría en darse cuenta de la importancia de una ropa bonita para avanzar en su carrera. Al final, presumía de que nunca se la veía dos veces con la misma ropa. Sorkin atribuye a la diseñadora de vestuario Lyall el mérito de guiarlo más allá de su "falta de gusto para la ropa" y proporcionarle "el vocabulario para decir lo que no tengo el vocabulario para decir".
Lyall le devuelve el cumplido diciendo: "Trabajar con el mejor guionista de Estados Unidos en su ópera prima como director fue un verdadero privilegio". La diseñadora sentía que la historia se prestaba bien a las etapas y cambios de aspecto de Molly: "Está la etapa actual, en el mundo legal, en el que Molly acude a su vista, su sentencia y todas sus conversaciones con su abogado. Está la etapa de su infancia y su llegada a Los Ángeles, en la que aún es una chica atlética, inocente y sin experiencia de Colorado. Hay un cambio bastante evidente de estilo cuando pasamos al Cobra Lounge, y cuando se hace cargo de la timba del Four Seasons, con lo que comienza otra etapa claramente distinta. Por último, pasamos a Nueva York, con un salto cuantitativo en el dinero que está ganando, y su vestuario se vuelve más caro, sofisticado y de alta costura".
Según el último recuento, Molly tenía 90 cambios de vestuario, así que Lyall pasó mucho tiempo con Chastain. "La verdad es que no recuerdo haber colaborado nunca tan estrechamente con una actriz, y en el momento Jessica es puro instinto". Por ejemplo, después de que Molly gane 3000 dólares en la primera timba del Cobra Lounge, Lyall dice que "fue divertido trabajar con Jessica, que está, por supuesto, muy en sintonía con lo que cree que debería hacer su personaje". Lyall también colaboró con los departamentos de peluquería y maquillaje, porque saber cómo le arreglarían el pelo y cuánto la maquillarían afectaba a lo que llevaría puesto.
Chastain declara: "Me encantó trabajar con Susan. El vestuario, la peluquería y el maquillaje son muy importantes para mí en todas las películas que hago, sobre todo [por lo que respecta] al arco de un personaje y dónde empieza en la película comparado con dónde acaba. Y con la ayuda de Susan, quería mostrar que esta mujer entendía que, para conseguir poder en el ambiente en que se mueve, tenía que tener un aspecto determinado. Que los hombres valoraban a las mujeres por su sexo, en lugar de por su cerebro, y quería mostrar esa transformación de Molly".
La comunicación entre departamentos siempre es crucial, y muy especialmente cuando se trataba de mantener una coherencia en el aspecto de MOLLY’S GAME. Lyall comenta: "Los Wasco fueron muy generosos a la hora de mantenerme al tanto y a veces podía informarles de lo que Jessica iba a llevar en tal o cual escena. Y luego Charlotte estuvo estupenda haciéndoles saber qué colores quedaban bien y resultarían útiles en una determinada escena".
Jerga de póker
Add-on (compra adicional): En un torneo puedes tener la oportunidad de aumentar tu número de fichas y comprar más después del período inicial de juego.
Apostar todo: Apostar todas las fichas que te quedan a una mano.
Ante: Apuesta inicial realizada antes de que se repartan siquiera las cartas de cada mano.
Bad Beat (mala derrota): Una mano en la que pierdes frente un jugador contra todo pronóstico.
Bicycle (bicicleta): Apodo de una escalera mínima (A-2-3-4-5).
Big Slick: Término coloquial referido a tener una mano de un as y un rey.
Ciega(s): Apuestas obligatorias realizadas antes de que se repartan las cartas por parte de los dos jugadores sentados a la izquierda del que reparte.
Farol: Intentar quedarse con el bote a base de pretender que tienes una mano mejor que la que realmente tienes.
Mesa: Las cartas comunitarias para todos.
Boat (barco): Apodo del full.
Burn (quemar): Descartar; el que reparte ‘quema’ la carta superior antes de mostrar cada una de las siguientes cartas comunitarias, flop, turn y river.
Button (marca): Pieza que señala la posición del jugador que se encarga de repartir las cartas.
Buy-In (compra): Intercambio inicial de dinero por fichas para sentarse en una mesa.
Ir: Igualar la apuesta más alta hecha hasta el momento.
Retirarse: Dejar la mesa y cambiar tus fichas por dinero.
Pasar: No hacer ninguna apuesta en ese momento cuando nadie más ha hecho todavía ninguna apuesta (a veces se indica en partidas en vivo dando un golpecito en la mesa).
Pasar en falso: Una jugada en la que pasas al principio pero, luego, una vez que un rival hace una apuesta, la subes.
Cartas comunitarias: Las cartas del flop, turn y river que se sitúan boca arriba en el centro de la mesa.
Cowboys: Apodo para cuando recibes dos reyes (reyes en la mano).
Quinta calle: La quinta y última carta comunitaria (también conocida como river).
Mesa final: La última mesa que queda en un torneo, cuando todos los demás jugadores han quedado ya eliminados.
Fish (primo): Jugador que se queda en las jugadas esperando conseguir las cartas adecuadas para conseguir una mano ganadora, aunque tenga pocas posibilidades.
Color: Cinco cartas del mismo palo.
Proyecto de color: Cuando tienes 4 cartas del mismo palo y esperas que salga una quinta para completar el color.
No ir: Dejar de jugar esa mano.
Cuarta calle: La cuarta carta comunitaria (también conocida como turn).
Cara a cara: Jugar uno contra uno en una mesa que no tiene más que dos jugadores.
High roller (gran apostador): Jugador que compite con apuestas fuertes.
Cartas de mano: Nombre que se da a las dos cartas que recibe boca abajo cada jugador y que solo el jugador puede ver.
Kicker (carta suelta): La otra carta que no participa en la formación de una combinación de póker, pero sigue formando parte de la mano de cinco cartas de póker.
Lay down: Darte por vencido o rendirte con una determinada mano.
Limp In: Igualar la apuesta de la ciega sin subirla.
Loose: Jugador que juega muchas manos y realiza muchas jugadas especulativas.
Muck (desechar una mano): Descartar la mano sin enseñar las cartas a tus rivales.
Nuts: La mejor mano posible teniendo en cuenta las cartas comunitarias.
Outs (ocasiones): Cartas que mejorarán tu mano para hacerla ganadora.
Overcard (carta alta): Las cartas de nuestra mano que son más altas que las que hay sobre la mesa.
Pocket Rockets (cohetes de bolsillo): Cuando te tocan dos ases en la mano.
Posición: La situación de un jugador en la mesa, con respecto al que reparte las cartas.
Bote: Conjunto de fichas que se llevará el que gane la mano.
Subir/envidar: Aumentar la cuantía de la mayor apuesta sobre la mesa.
Recompra: En un torneo, cuando pierdes todas tus fichas al principio, se te puede ofrecer la oportunidad de volver a comprar la entrada para volver a disponer de un juego completo de fichas con las que volver a empezar.
Reenvidar: Cuando subes la apuesta después de que otro jugador ya la haya subido una vez.
River: Quinta carta comunitaria.
Roca: Término para referirse a un jugador que decide jugar únicamente cuando tiene las mejores manos y apuesta solamente cuando está seguro de tener la mejor jugada.
Rush: Racha de varias manos ganadoras.
Satélite: Torneo clasificatorio para otro mayor.
Segunda pareja: Pareja formada por la segunda carta más alta de la mesa.
Trío: Tres cartas iguales, usando las dos de la mano y una de la mesa.
Short Stack: Cuando tienes menos fichas que la media de jugadores.
Short Handed (a pocas manos): Mesa de póker en la que hay menos jugadores de lo normal.
Showdown (confrontación final): Momento en que los jugadores que aún quedan activos deben enseñar su mano para determinar quién gana el bote.
Bote secundario: Un segundo bote, creado porque un jugador va con todo y no puede seguir apostando nada más en el bote que se disputan los restantes jugadores.
Slow-Play (juego lento): Dar la sensación de debilidad o incertidumbre pasando o igualando las apuestas en lugar de subirlas.
Escalera: Cinco cartas seguidas (5-6-7-8-9).
Cartas del mismo palo: Cuando las cartas son del mismo palo.
Cante: Una señal, a menudo inconsciente o no reconocida por el propio jugador, que puede servir a los demás jugadores para saber si su mano es buena o mala.
Tildarse: Por lo general, una señal de frustración o ira, que hace que se juegue de forma temeraria, por ejemplo jugando demasiadas manos de poca calidad y perdiendo por tanto sus fichas.
Pareja más alta: Pareja formada con la carta de mayor valor sobre la mesa.
Turn: La cuarta carta comunitaria.
Whale (pez gordo): Un jugador de póker de enorme riqueza, para el que las grandes pérdidas no suponen un gran problema.
La crítica ha dicho
"MOLLY'S GAME" es un vibrante perfil en forma de thriller que atrapa al espectador desde el brillante y adrenalítico prólogo. No parece ésta la obra de un autor primerizo, sino la reivindicación de un director de una forma de entender y disfrutar el cine que, lamentablemente, ha desaparecido durante los últimos años. "MOLLY'S GAME" es el drama adulto, inteligente y a la vez comercial que la audiencia reclama cada vez que se siente estafada por el blockbuster de antes. Es una de esas películas "que ya no se hacen". - Daniel Martínez Mantilla - FOTOGRAMAS
"Ferozmente elocuente, profusamente llena de ideas, inmensamente entretenida, "MOLLY'S GAME" es una película que fetichiza el poder y el éxito, al tiempo que sirve como fábula admonitoria. (…) Como la protagonista de la película, dura como el acero pero tremendamente honesta, Sorkin juega para ganar" - Wendy Ide - SCREENDAILY
"En su debut como director, Sorkin entretiene y a la vez reclama completa atención para absorber cada detalle de este cuento salvaje, que cuenta con un elenco estelar" - Todd McCarthy - THE HOLLYWOOD REPORTER
"MOLLY'S GAME" ofrece uno de los más grandes personajes femeninos en pantalla - un denso, dinámico y compulsivamente entretenido argumento cuyo papel principal hace un uso impresionante del talento estratosférico de Chastain" - Peter Debruge - VARIETY
Tadeo Jones 2. El secreto del Rey Midas
2017
Duración 81 min.
País España
Dirección Enrique Gato, David Alonso
Tadeo, junto a sus amigos la Momia, el loro Belzoni, su perro Jeff y los nuevos personajes que se suman a esta aventura, tendrá que hacer uso de todo su ingenio y viajar por medio mundo, recorriendo España, Grecia y Turquía, con el fin de rescatar a Sara y desbaratar los planes del malvado Rackham.
"El albañil aventurero regresa con nuevas y emocionantes aventuras", explica Jordi Gasull, coautor del guión, "más divertida si cabe, pero sin perder la ternura. Y no lo hemos decidido nosotros, ha sido el público el que nos ha dicho: '¡Queremos más Tadeo!'".
Michelle Jenner vuelve a encarnar a la enérgica y decidida Sara, Adriana Ugarte presta su voz a la recién llegada y compleja Tiffany y José Corbacho se reinventa respecto a su intervención en la primera película interpretando a un taxista de lo más… curioso. Nuestro gran Tadeo Jones sigue, como no, en las manos y cuerdas vocales de Oscar Barberán, a quien acompaña otra vez Luis Posada, quien se ha visto obligado a redoblar esfuerzos debido al papel de una Momia que no calla.
Para Michelle ha sido "una ilusión muy grande volver a encontrarme con Sara después todo este tiempo. Técnicamente y artísticamente Tadeo Jones ha evolucionado mucho, y la historia también es mucho más profunda. Por otro lado y por suerte, de un tiempo a esta parte cada vez los personajes femeninos son más fuertes, son más guerreras y creo que es algo muy importante". Adriana por su lado destaca la experiencia como "toda una sorpresa. Tenía la sensación de que me lo iba a pasar bien, pero ha sido inolvidable. Tuve un flechazo increíble con Tiffany". Corbacho también se lo ha pasado en grande y lo resume a la perfección: "Ponerle la voz a los dibujos animados es muy divertido, nos permite jugar".
Michelle Jenner, Adriana Ugarte, y José Corbacho, entre las voces protagonistas
Las actrices Michelle Jenner y Adriana Ugarte y el actor, director, guionista y humorista José Corbacho han formado parte del equipo que ha prestado sus voces a los diferentes personajes de la segunda parte de la saga, en el que continúan Óscar Barberán, dando vida al propio Tadeo Jones, y Luis Posada, en el papel de una extremadamente locuaz Momia.
Adriana Ugarte ha debutado como actriz de doblaje en la película encarnando a la joven y compleja aprendiz de arqueología Tiffany, mientras que Michelle Jenner y José Corbacho han repetido experiencia poniendo sus voces a la enérgica y decidida Sara Lavroff y a un curioso taxista español que presta sus servicios a la expedición de Tadeo en Granada, respectivamente.
Bisbal y Tini se suman a la aventura
'Tadeo Jones 2: el secreto del Rey Midas' ha contado con dos aliados muy especiales para afrontar la nueva aventura que llegará a las salas de cine el próximo 25 de agosto: David Bisbal y Martina Stoessel - TINI se han sumado a la expedición de Tadeo Jones con la misión de interpretar el videoclip de 'Todo es posible', tema principal de la banda sonora que ha sido compuesto en exclusiva para la película, en un trabajo conjunto del equipo creativo, Universal Music y Mediaset España.
Tadeo Jones: El fenómeno
La segunda parte de la saga llegará a la gran pantalla tras el brillante lanzamiento de 'Las aventuras de Tadeo Jones', la película de animación española más taquillera de la historia con una recaudación total superior a los 45 millones de euros. Este reconocimiento del público nacional e internacional -llegó a ser estrenada en China, entre otros muchos territorios de Asia, Hispanoamérica y Europa- y de la crítica -fue premiada con tres Goya- desató la 'tadeomanía', un fenómeno de masas que ha llegado en los últimos años a multitud de hogares españoles a través de muy diversos productos licenciados como tablets, peluches, juegos, videojuegos, libros, kits de viaje y aventura, mochilas y revistas, entre otros.
Además, este éxito trascendió la gran pantalla hasta alcanzar incluso el ámbito musical: el tema principal de la película, 'Te voy a esperar', producido y compuesto por Juan Magán e interpretado junto a Belinda, fue Disco de Oro tras ocupar el número 1 en las listas de ventas de singles españoles durante cinco semanas consecutivas.
Notas de los directores
Enrique Gato
"Esta vez Tadeo y compañía hacen parada en España y reflejarla con esa mezcla de encanto y acción extrema ha sido uno de los mayores regalos de la película".
Coger las riendas de una nueva aventura de mi querido Tadeo es un acto de amor y de responsabilidad del más alto nivel. De amor porque es como llevar de la mano a un hijo con el que comparto ya diecisiete años, y de responsabilidad porque quieres estar completamente seguro de que no vas a defraudarle al trazar su nueva historia. Quieres que cada minuto en pantalla cuente, que cada personaje con el que se cruza sea memorable, que cada frase pese.
Desde el primer momento quise que esta segunda parte no se sintiera como la inercia más elemental de la primera, sino como un gran paso. Cualquier persona que conociera a Tadeo tenía que llevarse la sensación de que había crecido a todos los niveles, mucho más allá de aquella primera aventura. Y cualquiera que aún no le conociera debería enamorarse de él en los ochenta minutos del metraje.
Y qué mejor reto que la búsqueda de uno de los mayores mitos de la humanidad: el collar del Rey Midas. Un collar que confiere a quien se lo ponga el poder de convertir cualquier cosa en oro. Un poder que esconde secretos inesperados y que pondrá a los protagonistas a prueba haciendo que se enfrenten a su propia ambición.
Un marco perfecto para mostrar algunas de las más espectaculares escenas que se han rodado nunca en nuestro país. Porque sí, esta vez
Tadeo y compañía hacen parada en España, y reflejarla con esa mezcla de encanto y acción extrema ha sido uno de los mayores regalos de la película. Todo sumado a secundarios de lujo como el taxista gitano y la rata, hacen que esta parte del metraje sean de lo más recordadas de todo el film.
El Secreto del Rey Midas es una gran aventura épica contada a través de la ternura y la sencillez de sus protagonistas. Con una momia omnipresente, un perro loco y un loro mudo que no dejan hueco al aburrimiento, Tadeo Jones vive un nuevo episodio a la altura de lo que todo el mundo merece encontrarse en las salas de cine.
David Alonso
"Queríamos hacer de la segunda entrega de Tadeo un gran entretenimiento que sorprendiera al espectador y sobrepasara en cada uno de los apartados artísticos y técnicos a su predecesora".
A menudo los directores afirman realizar las películas que ellos disfrutarían en el cine como espectadores. Yo me propuse un reto doble: contentar al cinéfilo implacable que soy y emocionar al niño de ocho años que fui, el que se crio con el cine ochentero del que tanto hereda Tadeo Jones.
El germen del guion de 'Tadeo Jones: el secreto del Rey Midas' tenía todos los ingredientes de una gran película de aventuras: un misterio oculto en una leyenda conocida por todos, una odisea alrededor del mundo, localizaciones pintorescas, personajes entrañables y una pizca de romance. A partir de ahí, sólo era cuestión de seguir las máximas del bigger, better, funnier para hacer de la segunda entrega de Tadeo un gran entretenimiento que sorprendiera al espectador y sobrepasara en cada uno de los apartados artísticos y técnicos a su predecesora.
No ha sido tarea fácil pero creo que lo hemos logrado. El cinéfilo perfeccionista que hay en mí probablemente retocaría cada fotograma de la película ad eternum. Pero mi yo de ocho años, ese que tiene la culpa de que hoy esté al otro lado del proyector, el que de verdad cuenta, estaría tremendamente orgulloso, agarrado bien fuerte a la butaca de cine.
Notas de los productores
Ghislain Barrois (Consejero delegado de Telecinco Cinema)
"Los espectadores podrán comprobar que el salto cualitativo que hemos experimentado desde 'Las aventuras de Tadeo Jones' es espectacular. Aquí tenemos una vez más la prueba de que en España es posible hacer un cine competitivo con vocación global".
Cuando hace cinco años comenzamos a recorrer en Telecinco Cinema el camino de la animación, no nos podíamos imaginar que acabaríamos teniendo entre manos una película tan redonda y divertida como 'Tadeo Jones: el secreto del Rey Midas'. De todos los géneros que hemos manejado, la animación es probablemente el más difícil de llevar a cabo, tanto desde un punto de vista artístico como de producción. Artístico porque es necesaria la visión casi ultra lúcida de un director capaz de imaginarse cómo será cada plano de la película años antes de que estén producidos. Sólo un director como Enrique Gato es capaz de adivinar cómo acabará siendo una escena con solo dos trazos en una hoja en blanco. Desde un punto de vista de producción, los costes de una película de animación son tales que requieren de la participación de un socio a nivel internacional. En este aspecto, tenemos la suerte de contar con el apoyo de un partner de tanto prestigio internacional como Paramount, que ya nos respaldó con la primera parte de esta saga y amplió su colaboración con nuestra otra gran producción en animación, 'Atrapa la bandera'.
Como los espectadores podrán comprobar, el salto cualitativo que hemos experimentado desde 'Las aventuras de Tadeo Jones' es espectacular y tenemos una vez más la prueba de que en España es posible hacer un cine competitivo con vocación global.
Jordi Gasull (4 Cats)
"La nueva aventura de Tadeo Jones ha supuesto miles de horas de trabajo de cientos de personas e ilusión, mucha ilusión. Tadeo vuelve más divertido, entretenido y aventurero que nunca, con la esperanza de encontrar nuevos públicos y entretener a los que ya lo conocen".
A veces conviene mirar atrás y recordar de dónde venimos. En mayo de 2004, los que ahora somos los productores de la saga 'Tadeo Jones', mostramos por primera vez, en el marco de un foro de coleccionistas, un magnífico corto llamado 'Tadeo Jones', dirigido por Enrique Gato, escrito por José Ángel Esteban, Carlos López y Manuel Matji, y producido por Nicolás Matji. En ese corto trabajaron también los que serían la columna vertebral del estudio de animación de Tadeo Jones: Pedro Solís, Juan Jesús García Galocha y David Ordieres.
En febrero de 2005, tenían una breve sinopsis de lo que más tarde sería la película y en la que ya aparecía Tadeo coleccionando artefactos y trastos junto a la arqueóloga Sara. Además, en aquel momento ya estaba en marcha un nuevo corto donde Tadeo aparecería como un personaje verdaderamente merecedor de un largometraje.
Casi ocho años y medio después de esa presentación en un centro comercial, en agosto de 2012, llegaba el primer largometraje de Tadeo Jones. Y lo hacía de la mano de dos socios fundamentales para la película, Telecinco Cinema y Telefónica Studios. Sin ellos la película no hubiera llegado a donde llegó. Sin la valentía de Ghislain Barrois, la perseverancia de Álvaro Augustin, la pasión de Javier Ugarte y el entusiasmo y trabajo de Gabriel Arias-Salgado, Tadeo estaría, sin duda, en otro lugar mucho menos relevante.
La segunda parte era inevitable. Los productores, gracias al personaje dibujado por Gato, se encontraron con la posibilidad de generar una franquicia fílmica, todo un sueño, al menos para muchos productores. Así que el albañil torpón tenía que ponerse el sombrero de nuevo y lanzarse a nuevas aventuras.
Con el reto adicional de contrariar esa famosa cita del Quijote en la que el bachiller Sansón Carrasco le dice a Sancho 'nunca segundas partes fueron buenas', comenzó el reto de encontrar una historia para nuestros personajes. Tras unos meses de dudas, el equipo de guionistas nos presentó su particular mirada sobre la leyenda de Midas. Nuestra respuesta fue entusiasta. Y ahora, podemos afirmar, con humildad y sin pudor, que la segunda parte de Tadeo Jones es tan buena o mejor que la primera.
Miles de horas de trabajo, cientos de personas e ilusión, mucha ilusión se han puesto en esta nueva aventura de Tadeo Jones. Una aventura que ha llevado a miembros del equipo desde el famoso Las Vegas Boulevard hasta la maravillosa Alhambra de Granada. Ahora, Tadeo vuelve más divertido, entretenido y aventurero que nunca. Con la esperanza de encontrar nuevos públicos y entretener a los que ya lo conocen. Y esperamos que los espectadores la disfruten y Tadeo pueda volver a ponerse el sombrero en el futuro.
Gabriel Arias-Salgado
"Tadeo Jones 2: el secreto del Rey Midas' será un referente tanto a nivel nacional como internacional y un perfecto escaparate de lo que somos capaces de hacer en España en el ámbito de la animación".
En Movistar+ estamos entusiasmados con el resultado de 'Tadeo Jones: el secreto del Rey Midas'. Han sido tres años de duro trabajo, pero contamos con el mejor talento, los directores, los guionistas y todo el equipo de animación y con los mejores socios, Lightbox Animation, Ikiru y Telecinco Cinema en la producción y Paramount Pictures en la distribución. Con esos ingredientes y con un personaje como Tadeo, que ya enamoró a pequeños y mayores en 2012, estamos convencidos del éxito de esta segunda entrega. Además 'Tadeo Jones 2: el secreto del Rey Midas' supondrá sin duda un hito en la animación española por la enorme calidad que se ha conseguido con un coste muy ajustado. Esta nueva película, como lo fue también 'Atrapa la Bandera', será un referente tanto a nivel nacional como internacional y un perfecto escaparate de lo que somos capaces de hacer en España en el ámbito de la animación. Estamos seguros de que facilitará el camino a futuros proyectos.
Notas de guión
Jordi Gasull
"Tadeo Jones se ha convertido en una entretenida aventura y comedia familiar que gustará a todos los públicos".
Escribir una secuela es un arma de doble filo. Aunque por una parte tienes unos personajes ya hechos, por otra sabes que al público tienes que darle algo distinto: novedoso pero con suficiente continuidad para que se mantenga la esencia.
Para la secuela de Tadeo Jones, lo primero que nos planteamos fue una aventura urbana. Si la primera había sido un recorrido por la selva, el desierto y el interior de una pirámide, en la segunda los guionistas buscábamos algo más urbano. Por eso elegimos localizaciones como Las Vegas y Granada.
Pero más allá de los lugares, necesitábamos algo que sirviera de objetivo para Tadeo. ¿Qué es lo que iría a buscar Tadeo esta vez? Y junto con el qué, también el por qué. Y eso nos llevaba a otra pregunta, ¿Dónde está Tadeo después de su primera aventura? ¿Y su relación con Sara?
Preparamos una breve sinopsis y se la presentamos a los directores y a nuestros productores. ¡Bingo! Les gustó el concepto. Para nosotros era importante que Tadeo buscara la mayor fuente de riqueza conocida pero que, a la vez, eso fuera lo que menos le interesara. Por eso pensamos en que lo que necesitaba Tadeo de verdad era saber si podía avanzar en su relación con Sara o no. La película se iba a articular alrededor del amor. El hecho de que Midas hubiera renunciado a sus riquezas con el fin de recuperar a su hija era un espejo maravilloso para Tadeo. Una vez marcada la línea de acción que articulaba la historia, comenzamos a desarrollar otros elementos, como los personajes. Debíamos decidir a cuáles rescatábamos y cómo serían los nuevos.
Escribir para animación es un trabajo mucho más complicado de lo que parece. Implica un ejercicio de humildad para el guionista, cuya obra es constantemente reescrita por el equipo de story-board, por los animadores, y los directores. Pronto descubres que una idea es germen de otra, y que lo que uno ha escrito en la página se va en otra dirección completamente nueva y aparece de un modo diferente en la gran pantalla. La esencia permanece a pesar de los continuos cambios que se producen a lo largo del proceso. Al final del mismo, el guionista vuelve para articular o re-articular ese mundo de fantasía que ha sido reimaginado por un equipo de enorme talento, encabezado por los directores.
Tadeo Jones se ha convertido en una entretenida aventura y comedia familiar que gustará a todos los públicos. Bueno, o eso esperamos.
Sobre el director
Antes de ser Director de cine, Enrique acumulaba una experiencia de más de 7 años en el mundo del videojuego, casi siempre como responsable de animación y de escenas cinematográficas. Trabajó para compañías de videojuegos tan conocidas como Pyro Studios (2001-2003), responsable de la exitosa saga de videojuegos Commandos o Praetorians, y también en Virtual Toys S.L. (2000), donde se encargó de la creación del videojuego basado en la película TORRENTE.
En 2003 empieza la producción del cortometraje TADEO JONES y en el año 2006, recibe su primer Premio Goya de la Academia al mejor cortometraje de animación por el mismo.
Ya, con la vista puesta en el sueño de dirigir un largometraje, en 2006 inicia la producción del cortometraje TADEO JONES Y EL SÓTANO MALDITO. Y vuelve a ganar el Premio Goya a mejor cortometraje de animación en 2008.
En 2008 cofunda Lightbox Animation Studios para producir largometrajes de animación.
En 2012, el largometraje "LAS AVENTURAS DE TADEO JONES" se convierte en todo un fenómeno dentro y fuera de nuestras fronteras.
Estrenado en más de 35 países, incluyendo China. En España tuvo casi 2,8 millones de espectadores y se alzó con 3 Premios Goya: Mejor película de animación, Mejor Director novel y Mejor Guión Adaptado.
En 2015 el largometraje "ATRAPA LA BANDERA" contó con un acuerdo de distribución Mundial con Paramount Pictures, estrenándose en medio mundo, incluyendo Estados Unidos. En España atrapa la Bandera rozó los 2 millones de espectadores.
En 2016, Enrique Gato cofunda la Escuela de artes Digitales LIGHTBOX ACADEMY, orientada a formar una nueva generación de animadores y artistas digitales.
Filmografía Enrique Gato:
- TADEO JONES 2: EL SECRETO DEL REY MIDAS (2017)
- ATRAPA LA BANDERA (2015): Duración 91 minutos. Premio Goya mejor largometraje de animación 2016.
- LAS AVENTURAS DE TADEO JONES (2012): Duración 92 minutos, Ganadora de 3 Premios Goyas en 2013, Mejor película de animación, Mejor Director novel y Mejor Guión Adaptado.
- TADEO JONES Y EL SÓTANO MALDITO (2007): Duración 18 minutos. Corto en 35mm. Premio Goya al Mejor Cortometraje de animación.
- TADEO JONES (2004): Duración 9 minutos. Croto en 35mm. Premio Goya al Mejor Cortometraje de animación.
- SUPERLÓPEZ (2003): Duración 3 minutos. Exhibido solo en Internet.
- BICHO (2001): Duración 6 minutos, exhibido en diferentes festivales de animación e Internet. PEPE PESCADOR (1999): Duración 1 minuto.
- STARSHIP TRAPERS (1997): Duración 2,5 minutos
Las voces
Oscar Barberán - TADEO JONES
Luis Posada - MOMIA
Michelle Jenner - SARA LAVROFF
Miguel Ángel Jenner - RACKHAM
Adriana Ugarte - TIFFANY
José Corbacho - TAXISTA
Maze Runner: La cura mortal
2018
Duración 142 min.
País Estados Unidos
Dirección Wes Ball
Reparto Dylan O'Brien, Kaya Scodelario, Katherine McNamara, Thomas Brodie-Sangster,Nathalie Emmanuel, Barry Pepper, Giancarlo Esposito, Rosa Salazar,Dexter Darden, Walton Goggins, Jacob Lofland
Ahora CRUEL asegura que el tiempo de las mentiras ha terminado. Con toda la información que reunió gracias a las Pruebas, está en condiciones de avanzar en la cura de la Llamarada. Pero Thomas debe pasar por la Prueba Final. ¿Logrará sobrevivir al procedimiento? ¿Será cierto que se terminaron las mentiras? Quizá la verdad sea más terrible aún... una solución letal, sin retorno.
‘La cura mortal‘ se basa en la tercera parte de la saga literaria iniciada con ‘El corredor del laberinto’, de James Dashner.
El último traje
2017
Duración 86 min.
País Argentina
Dirección Pablo Solarz
Reparto Miguel Ángel Solá, Ángela Molina, Martín Piroyansky, Natalia Verbeke,Julia Beerhold, Olga Boladz, Jan Mayzel, Maarten Dannenberg
Abraham Bursztein, un anciano sastre judío (Miguel Ángel Solá), huye de Buenos Aires rumbo a Polonia, donde se propone encontrar a un amigo que lo salvó de una muerte segura en el final de la II Guerra Mundial. Contra todo pronóstico, y después de más de siete décadas sin tener ningún contacto con él, Abraham intentará encontrar a su viejo amigo y cumplir su promesa de volver un día y contarle la vida que vivió gracias a él.
Descripción de personajes
Abraham Bursztein (88). MIGUEL ÁNGEL SOLÁ
Sumamente seductor, convincente y gracioso. Sobre todo desde que toma la decisión de dejar plantadas a sus hijas, que se disponen a internarlo en un geriátrico, e irse a Polonia a buscar a su amigo sin decírselo a nadie. Tiende a huir de los problemas porque piensa que no va a conseguir lo que desea o merece. Es un hombre muy fuerte. Por eso logra sobrevivir a tanto maltrato, tortura, hambre y horror. Odia a todos los polacos, salvo al amigo que lo salvó, y piensa que todos los alemanes son nazis, sin excepción.
María González (70). ÁNGELA MOLINA
Dueña de un hotel barato de Madrid que heredó de su tercer marido. Muy despierta y de respuestas rápidas. Gran consumidora de best sellers, novelas policiales sobre todo. Aficionada al canto. Tres o cuatro veces por semana canta en un piano bar. Cuando está cantando se olvida de todo y parece ser feliz. No confía en nadie. Menos en los hombres. Hermosa, delgada, de cabello negro azabache, se nota que ha sido una mujer de una belleza inmensa. Y lo sigue siendo hoy.
Claudia Bursztein (45). NATALIA VERBEKE
Hija menor y preferida de Abraham. La única espontánea y auténtica de sus tres hijas. Siempre dice lo que piensa. No soporta la falsedad. A pesar de ser la hija favorita, tiene con su padre una relación complicada porque Abraham vivió en Argentina muy desconectado de sus emociones y se fue volviendo cada vez más terco, testarudo y oscuro. Hace diez años que no se ven por una gran pelea de la que fue testigo toda la familia. Se van a reencontrar en Madrid.
Ingrid (48). JULIA BEERHOLD
Aunque no había nacido en la época del nazismo, vivió a su sombra debido a que su padre formó parte de las SS. Para ella fue un golpe muy fuerte cuando se enteró. Se dedicó a la antropología y se especializó en historia judía. Tiene un doctorado sobre el tema. Es políglota. Maneja perfectamente el Idish, el francés, el inglés y el español. Se encuentra con Abraham en la Gare de L'est. Lo ayuda a entender que no tiene sentido intentar llegar por tierra a Polonia desde París sin tocar Alemania. El encuentro, que comienza muy tenso, se vuelve conmovedor.
Gosia (35). OLGA BOLADZ
Polaca. Enfermera. Estudió dos años en España. Católica, muy creyente, decide ayudar a Abraham a llegar hasta Lodz, su ciudad natal, para intentar encontrar a Piotrek, su amigo y salvador. Lo apoya en su momento de miedo, de duda y lo contiene cuando pierde la esperanza. Es a Gosia a quién Abraham le cuenta con detalle lo que le tocó vivir en Polonia y la forma en que Piotrek lo salvó.
Del argentino Pablo Solarz (guionista de "Un novio para mi mujer", "Sin hijos"), la película narra el viaje de Abraham, un anciano sastre judío que decide embarcarse en la aventura de encontrar a un viejo amigo que le salvó hace más de siete décadas de una muerte segura en el final de la II Guerra Mundial.
Protagonizada por Miguel Ángel Solá ("UCO", "El corredor nocturno" o "El alquimista impaciente"), con Ángela Molina ("Carne trémula", "Blancanieves" y "Luces y sombras") y Natalia Verbeke ("Doctor Mateo", "El método", "El hijo de la novia").
La película se rueda en Buenos Aires (Argentina), París (Francia) Las Palmas de Gran Canaria, Madrid y Lodz (Polonia).
Pablo Solarz tiene una larga trayectoria como guionista de títulos como "Un novio para mi mujer", "Sin Hijos" y "Me case con un boludo", entre otros. EL ÚLTIMO TRAJE es su segundo largometraje como director después de "Juntos para siempre".
EL ÚLTIMO TRAJE nace de la inspiración del entorno familiar del propio director. "Crecí sintiendo que mi vida estaba de alguna manera marcada por lo que había pasado en Polonia"tal como cuenta, y de las vivencias de miles de personas anónimas que vivieron el holocausto. "Un día, mientras desayunaba en una confitería, escuché a un hombre de setenta años contarle a otro la historia de su padre, que se había ido, contra viento y marea, en los noventa a Hungría. El objetivo de ese anciano, que su hijo describió como muy débil y enfermo, era encontrar a un amigo católico que lo escondió en su casa y lo salvó de los nazis".
EL ÚLTIMO TRAJE es una coproducción hispano-argentina producida por Zampa Audiovisual, Tornasol Films, Hernández y Fernández PC, Rescate Producciones AIE, Haddock Films y Patagonik Films Group con el apoyo del ICAA, INCAA y Gobierno de Canarias y la participación de MOVISTAR +.
Notas del director
La primera vez que escuché la palabra "Polonia" tenía seis años. Sabía que en la casa de mi abuelo Juan, padre de mi padre, no se podían decir malas palabras. Pero en aquella reunión que nunca se borró de mi memoria, alguien dijo "Polonia" y se generó un silencio cargado de tanta tensión que me dio mucho miedo. Esa noche le pregunté a mi papá qué significaba eso y si era una mala palabra. Me dijo que en la casa del abuelo estaba prohibido pronunciarla. Insistí más tarde antes de dormir y con los días me fui enterando de cosas que me resultaron misteriosas, incomprensibles. Polonia era un país, como Argentina. Mi abuelo Juan había nacido en ese país y se había tenido que ir porque ahí no querían a los judíos. Todos nosotros, también me enteré esa noche, éramos judíos.
Crecí sintiendo ese miedo, esa cara de odio de mi abuelo, ese silencio cargado que se producía cuando cualquier miembro de la familia quería saber algo de la "otra vida" de mi abuelo Juan.
Por mis averiguaciones supe lo que sabemos todos. En Polonia había violencia contra los judíos. En el treinta y nueve los nazis invadieron el país y decidieron exterminarlos a todos. Sólo un diez por ciento de la población judía se salvó.
Crecí sintiendo que mi vida estaba de alguna manera marcada por lo que había pasado en Polonia. Intenté preguntar más pero sólo obtenía respuestas generales. De los detalles, de los nombres, de las caras, de los familiares que se habían quedado y habían muerto allí, de los que no se habían ido y fueron gasificados, en fin, de la historia, nunca se habló. Ni tampoco de los que habían logrado sobrevivir al holocausto.
Un día, mientras desayunaba en una confitería, escuché a un hombre de setenta años contarle a otro la historia de su padre, que se había ido, contra viento y marea, a los noventa, a Hungría. El objetivo de ese anciano, que su hijo describió como muy débil y enfermo, era encontrar a un amigo católico que lo escondió en su casa y lo salvó de los nazis. Sus hijos no querían dejarlo ir pero el anciano estaba muy decidido. Tampoco aceptaba compañía. Se había obsesionado con hacer ese viaje de regreso a su tierra, después de más de siete décadas, completamente solo. Los hijos, al ver que era su último deseo, decidieron apoyarlo. El hombre estuvo un tiempo largo buscando a su amigo y salvador. Las posibilidades que tenía de encontrarlo eran muy remotas ya que no había tenido contacto en muchos años y el hombre al que buscaba, como él, tenía, en caso de estar vivo, más de noventa años. Para sorpresa de todo el mundo y contra todo pronóstico, un día el anciano llamó por teléfono a su hijo, el que ahora contaba la historia. Estaba feliz, cenando en la misma casa donde había permanecido oculto durante meses en su juventud, cenando con su amigo. Parecía, según el relator, un hombre realizado, listo para morir. El interlocutor del que narraba le dijo: "me hiciste llorar, hijo de puta". Y yo, sentado espalda con espalda con el narrador, me di vuelta y agregué, con claros signos de emoción, "a mí también".
Los tres nos quedamos callados. Me puse a investigar la historia de mi abuelo Juan y la de tantos otros. Encontré muchos relatos de reencuentros, de viajes, de regresos. Decidí que era fundamental para mí escribir y filmar la historia de un anciano que vuelve a su tierra a agradecerle a un amigo esa "otra vida" que gracias a él vivió.
Hice un trabajo de investigación prolongado y minucioso. Viajé a la ciudad natal de mi abuelo, hoy fallecido, encontré parientes, escuché cientos de relatos. Escribí, en los últimos diez años, seis o siete versiones diferentes de la historia. Hoy quiero filmarla para "llenar" de voces, de música, de imágenes, el silencio cargado de dolor, de odio, de espanto, con el que me tocó crecer, y para hacerme algunas preguntas sobre lo que pasó, entender tanta frialdad, tanta dificultad para lidiar con emociones, contagiar eso que sentí en la confitería, cuando el hijo de aquel héroe anónimo finalizó aquel relato que cambió mi vida.
Pablo Solarz
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