Veredas
2017
Duración 71 min.
País Argentina
Director Fernando Cricenti
Reparto Ezequiel Tronconi, Paula Reca, Julian Kartun, Alan Sabbagh, Ana Pauls,Paula Carruega, Paloma Contreras, Paula Castagnetti, Lara Pedrosa,Fernando Bravo, Fernando Abadi, Juan Cruz Wenk, Lara Jadur, Amalia Repetto,Nicole Saal, Mónica Lairana, Natalia Señorales, María Dupláa, Agustina Quinci,Lucas Crespi, Mariano Vivar, Andy Andersen, Juan Pablo del Bosque,Sofía D'Amelio, Pedro Di Salvia, Demián Rugna, Mercedes Serrano, Simón Jadur,Berta Muñiz, Mario Galian, Flor Castillo
Comedia urbana que narra la historia de Federico y Lucía, dos jóvenes que se cruzan en una ciudad signada por obsesiones y persecuciones, y donde el azar se hace presente para guiarlos hacia un cambio en sus vidas.
Pendeja, payasa y gorda
2017
Duración 74 min.
País Argentina
Director Matías Szulanski
Reparto Mirta Wons, Florencia Benitez, Ana de Vincentiis, Germán Tripel, Romina Pinto,Macarena del Corro, Denise Yañez, Andrés Gil, Claudia Schijman
SOBRE EL DIRECTOR
Matías Szulanski nació el 18 de Diciembre de 1991.
Es Licenciado en Gestión de Medios y Entretenimiento (UADE).
Mientras cursaba el quinto año del secundario trabajó en la producción de “Aballay, el hombre sin miedo”, dirigida por Fernando Spiner.
Durante sus estudios universitarios trabajó como productor en Índigo Música y Sonido y en Bustamante Publicidad S.A.
En 2014 fundó Kligger, productora dedicada a servicios y desarrollo de contenidos, formatos y eventos en vivo.
Escribió el guion de “Su realidad”, dirigida por Mariano Galperin y ganadora de Mejor Película Argentina en el 29º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.
En Junio de 2016 estrenó comercialmente “Reemplazo incompleto”, su ópera prima.
“Pendeja, payasa y gorda” es su segunda película como director y productor, y tercera como guionista.
Actualmente se encuentra desarrollando su tercer y cuarto largometraje, además de estar trabajando como guionista free-lance y dirigiendo Kligger.
MOTIVACIÓN DEL DIRECTOR
Quise hacer una película que sea una de las que cuando salgo del cine digo “uh, qué zarpada, me dejó re-manija”. En una licuadora mezclar violencia, mucho humor, screwball y Russ Meyer, y que quede un cocktail explosivo.
Mi intención es que el espectador se entretenga, persiga la historia y tenga esa hermosa sensación dicotómica de “me encanta lo que estoy viendo y quiero terminar de verla para llegar al clímax de todo esto” y a la vez “no quiero que termine”.
“Pendeja, payasa y gorda” es la película que me encantaría ver pero que aún nadie tuvo las agallas -en Argentina- para tomar los riesgos de la violencia y el humor negro al palo y armar una historia compleja con esos elementos.
Para preparar la película tomé inspiración de Russ Meyer, Roger Corman, Charles Bukowski, Palito Ortega, Serge Gainsbourg, Joe Swanberg, Terry Richardson, los Ramones y todo el cocktail de los VHS y DVDs pirata con los que crecí en los ’90 y ‘00s y el vasto catálogo de cultura popular, bandas ignotas y películas increíbles que se encuentran en internet.
Vergel
2017
Duración 86 min.
País Argentina
Director Kris Niklison
Reparto Camila Morgado, Maricel Alvarez, Maria Alice Vegueiro, André Caldas,Daniel Fanego, Daniel Araoz, Sang Min Lee
Adiós querido Pep
2017
Duración 90 min.
País Argentina
Director Karina Zarfino
Reparto Facundo Arana, Mirela Payret, Florencia Raggi, Juan Palomino, Pochi Ducasse,Claudia Cantero, Mauricio Díez, Amancay Espíndola, Diego Wainstein,Marian Bermejo, Yoska Lázaro, Alejandra Peralta Ramos, Patricio Bedoya
Acerca de la producción
Elegí como marco narrativo un velorio, o una partida, preferiría llamarle, porque considero que se trata de una situación de quiebre muy interesante. Ante la muerte la máscara suele resquebrajarse y aflora algo más genuino, que algunas veces se mantiene activo y otras desaparece pasado el dolor. La muerte nos moviliza emocionalmente y nos impulsa a actuar, a materializar los proyectos pendientes, a conectar con los anhelos más profundos.
El tema me llevó a indagar en otras realidades menos racionales y estudiar puntos de vista de tradiciones como el budismo, el chamanismo y algunas técnicas de manejo de energía y sanación.
Mi intención es despertar en los espectadores el interés sobre la posibilidad de crear rituales de despedida distintos y personales, que permitan volver a sacar a la luz la muerte socialmente ocultada.
Adiós querdido Pep entrecruza dos líneas temáticas principales, la muerte de Pep y las historias vivenciales de las tres amigas, líneas que hacen referencia a la muerte y a la vida. Y como en la vida misma, el llanto, la risa, la desesperación, la incomprensión y la esperanza van tejiendo en esta historia situaciones que nos invitan a reflexionar sobre nuestro pasaje por este mundo.
Karina Zarfino
Karina Zarfino es una escritora y cineasta uruguaya que vive en Buenos Aires. Nace en Montevideo en 1970. En 1995 comenzó a formarse en el área de escritura de guión, formación que completó en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, Cuba.
Entre sus obras más destacadas figuran el guión del largometraje “La Sombra del Sol”, dirigido por David Blanco y producido por Batea Films. El guión del largometraje “La noche sin tiempo” que participó en la 5º convocatoria para ayuda y Desarrollo de Guiones y Proyectos de Largometraje, Instituto de Desarrollo Audiovisual- IDEA, Valencia, también en el 3º Laboratorio de Desarrollo de Proyectos cinematográficos organizado por el Instituto de Cervantes. Bahía. Brasil, y en el V Laboratorio de Desarrollo de Proyectos cinematográficos Iberoamericanos organizado por Casa de América y Fundación Carolinas, Madrid. También escribió el guión de largometraje titulado “AMAD” finalista en 2006 en el Concurso de Guión del Festival de Cine Internacional de La Habana, guión que también participó en el III Curso de Desarrollo de Proyectos cinematográficos Iberoamericanos, organizado por Casa de América y Fundación Carolina, Madrid, y en el Laboratorio de Guiones organizado por Instituto Sundance/Fundación Toscano en México.
Escribió y dirigió varios cortometrajes, entre ellos destacan “El Contrato” y “En las buenas y en las malas”. Vivió 15 años en Barcelona, donde se dedicó a la enseñanza de escritura de guiones y montaje de piezas de teatro, entre las que destacan: “Mate y Chocotale”, “Bolivia” y “La muerte es está adentro”. En el 2014 su guión para largometraje “Adiós querido Pep” resulta ganador del Premio Opera Prima del INCAA.
Biofilmografía Productor
Fernando Díaz es director, guionista y productor cinematográfico. Nace en Buenos Aires en 1964, se gradúa de abogado en la Universidad de Buenos Aires y estudia cine en la Universidad del Cine. Realiza varios cortos hasta que en 1993 gana el primer Concurso de cortometrajes del INCAA Historias Breves Cero, con “Rubén el murciélago”, cortometraje realizado en 35 mm y premiado en numerosos festivales. El 1997 gana el concurso de ópera prima del INCAA y realiza su primer largometraje “Plaza de almas” que obtiene importantes premios en Mar del Plata, Biarritz, Chicago y Rio de Janeiro. Se desempeña como profesor de guión y realización en varias escuelas de cine en Buenos Aires. En 2002 se instala en Paris, donde realiza una docena de documentales para las series de TV “Toutes les télés du monde” y “Toutes les Habits du Monde” producidas por Point du Jour y el canal franco alemán ARTE. En 2007 regresa a la Argentina y realiza su segundo largometraje “La extranjera”, que obtiene el premio Signis en la sección en construcción en el Festival de San Sebastián y el premio del público en Milán. En 2011 produce la serie documental “Mancomunados” ganadora del primer concurso de la TDA (televisión digital abierta) y en 2014 coproduce el largometraje “Viaje a Tombuctú” de la directora peruana Rossana Díaz Costa.
En 2016 dirige y produce el documental “Monumento”, que es nominado a Mejor Película Documental en los Premios Sur, obteniendo muy buenas críticas.
Sus más recientes trabajos como productor son “Adiós querido Pep”, “Aterrados” y “Mala vida”, este último codirigido con Mad Crampi, todos ellos a estrenarse en 2017.
50 primaveras
2017
País Francia
Director Blandine Lenoir
Reparto Agnès Jaoui, Thibault de Montalembert, Pascale Arbillot, Lou Roy-Lecollinet,Sarah Suco, Marlène Veyriras, Philippe Rebbot, Samir Guesmi, Laurie Bordesoules
Con humor y sensibilidad, Blandine Lenoir nos trae una entrañable película sobre una mujer de cincuenta años en plena etapa de transición con un hermoso personaje protagonizado por Agnès Jaoui.
La crítica ha dicho
La película es un dardo perfumado contra la imágen que la sociedad sigue teniendo de la mujer madura. - FOTOGRAMAS
Película entrañable, graciosa y trabajada sobre una mujer de 50 años en pleno proceso de cambio y con una gran interpretación de Agnès Jaoui. - CINEUROPA
Agnes Jaoui desarrolla este hermoso personaje, entre la melancolía y grandes dotes de comedia. - VOICI
Una comedia insólita, jovial, plena de energía y ternura. - TELERAMA
Deliciosa, entre emocionante retrato y fantasía luminosa. - BANDE A PART
De tono positivo y sin embargo realista, bello retrato de una mujer que se enfrenta a un día a día no demasiado fácil. - PREMIERE
Un hermoso cuento, con una Agnes Jaoui luminosa. - OUEST FRANCE
Comedia divertida y conmovedora, que honra al genero femenino. - LA CROIX
Entrevista con Blandine Lenoir
P: Háblenos de la génesis de la película
R: Como ocurre a menudo, el tema nace de una experiencia personal. Yo entré en la cuarentena con angustia, sin comprender por qué tenía tanto miedo a envejecer mientras que mis amigos hombres no compartían esa inquietud. Pronto me di cuenta de que las mujeres de cincuenta años no estaban representadas para nada en el cine. ¿Cómo tener ganas de alcanzar una edad que no está representada? Veía a muchas amigas de mi entorno llegar a dicha edad en una soledad sentimental terrible; mujeres formidables, guapas, con talento, cuyos ex habían rehecho su vida. Me apeteció rendirles homenaje, darles (y darme) ganas de envejecer. 50 PRIMAVERAS es también un modo de curar mis propias angustias (risas).
P: A Aurore, la heroína, se le acumulan los problemas: vive sola en una situación precaria y está en plena menopausia...
R: Pero toma las riendas de su vida. Es un personaje fuerte que, frente a la discriminación, descubre la solidaridad de otras mujeres y se da cuenta de que todo es posible aún. Como siempre, me apeteció contarlo con sentido del humor, riéndome de estas cosas tan poco divertidas, hay tanto que decir.
P: Desde las primeras imágenes, usted aborda la menopausia de frente, con la conversación que Aurore mantiene con Lucie, su hija pequeña.
R: Me gusta plantar cara a los tabúes, y el vínculo entre generaciones, del que hablo ya en ZOUZOU, mi primer largometraje, me importa mucho. Es importante acordarse de la manera en que nuestras madres y abuelas fueron educadas. Muchas cosas han cambiado, naturalmente: las mujeres votan, trabajan, utilizan métodos anticonceptivos, pero en todo ello existen a la vez desigualdades flagrantes que perduran.
P: Precisamente, Lucie, la hija pequeña, se deshace en atenciones a su novio y la mayor confiesa a su madre que esperar un bebé es una de las cosas más bonitas que le han pasado. Lo mínimo que se puede decir es que muy feministas no son…
R: Me divertía que mujeres de cincuenta años como Aurore y su amiga estuvieran aterradas por verlas imitar los comportamientos de sus propias madres. No he inventado nada: fíjense en las manifestaciones contra el aborto. La mayoría de los jóvenes que protestan tiene 19 o 20 años. Por este motivo, no juzgo a esas mujeres jóvenes. Lucie está aprendiendo y parece que Marina, la mayor, no se siente muy bien consigo misma. Por lo demás, para mí la disputa entre Marina y su madre corresponde más a una secuencia hormonal: Marina llora porque está embarazada, y Aurore, debido a la menopausia. Es una escena que me gustó mucho: quería mostrar que no es tan fácil quererse y decírselo, y que a veces hay que pasar por una pelea violenta para llegar a ello. Por otro lado, para Aurore es difícil aceptar que va a ser abuela porque siente que envejece más aún.
P: Ella solo se implica en este embarazo cuando vuelve a encontrarse con Totoche, su amor de infancia (Thibault de Montalembert), con la maternidad…
R: Vuelve a enamorarse y vuelve a tener quince años. Me emociona pensar que el amor pueda permanecer intacto aunque se haya vivido otra larga historia entretanto.
P: Aurore está realmente en plena deconstrucción / reconstrucción. Ama sin saber si es correspondida; su hija pequeña se va de casa…
R: La etapa que atraviesa me recuerda a la adolescencia. Descubre una nueva libertad a la que no está acostumbrada y que se traduce, al principio, en una sensación de pérdida. El cine representa a menudo a padres aliviados cuando sus hijos adultos se van por fin de casa, pero a mi alrededor, yo veo lo contrario. Muchos de mis amigos están conmocionados por estas marchas. Antes de volver a experimentar la sensación de tener tiempo para ellas y proyectos que emprender, estas mujeres deben afrontar una transición muy delicada.
P: Es como una nueva emancipación...
R: Exactamente. Estoy convencida de que los roles se desplazan en la vida, sobre todo entre madres e hijas, que necesitan alejarse un tiempo para reencontrarse. Eso es exactamente lo que sucede entre Aurore y sus hijas, que se encuentran asumiendo cada una un nuevo estatus.
P: Aurore también se encuentra en apuros en sentido profesional: el nuevo jefe decide rebautizarla contra su voluntad…
R: ¿Cómo contar la humillación en el trabajo en muy pocas escenas? Privar de identidad a alguien me parece que es lo peor que se puede hacer a una persona. Si se tiene un poco de dignidad, resulta insoportable. El sufrimiento en el trabajo es una realidad horrible, pero Aurore es una luchadora. En ningún momento es una víctima.
P: Se percibe una solidaridad increíble entre todas las mujeres de la película…
R: Yo creo enormemente en la solidaridad femenina. Una solidaridad que me transporta permanentemente y que se presenta en toda la pirámide de edades. Por otro lado, era fundamental que todas estuvieran representados en la película.
P: Hablando de pirámides de edad, incorpora usted un fragmento de la entrevista con la antropóloga y etnóloga feminista Françoise Héritier, que explica que no hace tanto tiempo, al llegar a la menopausia, la existencia de la mujer se detenía en seco.
R: Del mismo modo que cité a Christine Delphy en ZOUZOU, quería homenajear a Françoise Héritier en 50 PRIMAVERAS. Esto ha sido posible gracias a las imágenes que Patric Jean tuvo a bien cederme, extraídas de su DVD Conversations avec Françoise Héritier (conversaciones con Françoise Héritier). Al igual que Thérèse Clerc, Maya Surduts y Benoite Groult, desaparecidas recientemente, estas mujeres pertenecen a una generación que ha contribuido en gran medida a que avancen las reflexiones sobre la política y el feminismo.
P: ¿Se le ocurrió enseguida Agnès Jaoui para el papel de Aurore?
R: Me apetecía una actriz cuyo rostro se conociese desde hacía tiempo, y quería también una actriz que asumiera su edad y reflejara todos sus atractivos. Como mujer madura, Agnès resulta increíblemente femenina y seductora. Era importante que mi heroína no tuviera aspecto de eterna adolescente. Agnès se enamoró a primera vista del personaje de Aurore y me confirmó en dos días.
P: ¿Cómo se preparó ella para su personaje?
R: Trabajamos mucho su aspecto con el vestuario. Agnès no va vestida en la película como en la vida real. Yo quería resaltar su cuerpo con ropa ajustada. Es maravilloso ver a una mujer con caderas, nalgas, pecho… se ven poco en el cine. Ella, que suele llevar vestidos amplios, comprendió lo que yo quería mostrar. En nuestras conversaciones, yo le repetía continuamente: «Eres una mujer que se mantiene recta y escucha a los demás. Puede que Aurore no sea una gran feminista, pero a medida que se encuentra con mujeres solidarias, toma conciencia de que su experiencia íntima es realmente una experiencia colectiva.» No es el hecho de enamorarse lo que la salva, sino que el hecho de recuperar su dignidad le permite enamorarse.
P: ¿Qué tipo de directora de actores es usted?
R: Parto siempre de la personalidad de mis actores. Los elijo por lo que son, así que su personalidad debe aparecer en los personajes. A continuación, intento que se diviertan. No voy con prisa e intento conservar el placer de la interpretación: cuando me parece que deja de haber placer, paro.
P: ¿Por qué quiso rodar en La Rochelle?
R: Quería que se pudiera ver el cielo y que mi heroína tuviera una calidad de vida relativamente agradable. Cobrando el salario mínimo, eso es imposible en la región parisina, donde todo es caro, desde el alojamiento hasta el ocio. Además, me gusta rodar en provincia, poder cenar por la noche con mis actores, observar en ellos algún detalle que utilizaré al día siguiente.
La estafa de los Logan
2017
Duración 119 min.
País Estados Unidos
Director Steven Soderbergh
Reparto Channing Tatum, Adam Driver, Farrah Mackenzie, Riley Keough, Daniel Craig,Katie Holmes, Charles Halford, Seth MacFarlane, Jack Quaid, Brian Gleeson,Katherine Waterston, Dwight Yoakum, Sebastian Stan, PJ McDonnell,Robert Fortner, Hilary Swank, David Denman
Llena de giros inesperados, personajes raros, humor seco y con una banda sonora divertidísima, Logan Lucky supone la vuelta a la gran pantalla del oscarizado director Steven Soderbergh. Logan Lucky está protagonizada por Channing Tatum (Magic Mike, Comando especial), el actor nominado a los Emmy Adam Driver (Star Wars: el despertar de la fuerza, Paterson), Seth MacFarlane ("Padre de familia", Ted), Riley Keough ("The Girlfriend Experience", Viene de noche), Katie Holmes (Batman Begins), Katherine Waterston (Puro Vicio, Alien: Covenant), Dwight Yoakam (Resplandor en la noche, La habitación del pánico), Sebastian Stan (Capitán América: Civil War, Misión rescate), Brian Gleeson (Mother!, Blancanieves y la leyenda del cazador), y Jack Quaid ("Vinyl", Los juegos del hambre), junto con la oscarizada Hilary Swank (Deuda de honor, Million Dollar Baby) y Daniel Craig (Camino a la perdición, la saga James Bond).
Dirigida por el oscarizado director Steven Soderbergh (Ocean's Eleven, Magic Mike). El guión es obra de la debutante Rebecca Blunt. Producen el filme Gregory Jacobs (Magic Mike, "The Knick"), Mark Johnson (Rain Man, "Breaking Bad"), Channing Tatum y Reid Carolin (Magic Mike, Comando especial). Los productores ejecutivos son Dan Fellman, Michael Polaire ("Behind the Candelabra", Mulholland Drive) y Zane Stoddard. De la dirección de fotografía se encarga Peter Andrews (Ocean's Eleven, Magic Mike); del diseño de producción, el ganador de un Emmy Howard Cummings (Los sospechosos de siempre, Magic Mike); del vestuario, Ellen Mirojnick ("Behind the Candelabra", El gran showman) y del montaje, Mary Ann Bernard (ganadora de un Emmy por "Behind the Candelabra"). La música está compuesta por David Holmes (Ocean's Eleven, Un romance peligroso).
Tras pasarse casi tres décadas dirigiendo películas que han definido épocas, hace cuatro años el oscarizado director Steven Soderbergh sorprendió a todo Hollywood al anunciar su retirada del cine. Soderbergh le dio un giro a su carrera y centró sus miras en televisión, donde logró dos premios Emmy por "Behind the Candelabra" (HBO) y fue candidato a los mismos premios por la aclamada serie "The Knick". Logan Lucky supone la vuelta del cineasta a la gran pantalla, una decisión que atribuye a "una convergencia de varios elementos, uno tecnológico y otro creativo". "En cuanto a la tecnología, hemos llegado a un punto del panorama digital en el que una empresa pequeña puede lanzar una película a gran escala sin tener que recurrir a los grandes estudios", comenta. "Estaba hablando sobre el futuro de la distribución cinematográfica cuando me llegó este guión". Fue su esposa, Jules Asner, quien le entregó el material escrito por su amiga Rebecca Blunt. "En principio mi cometido iba a ser únicamente buscar un director para la película, pero el guión me encantó", dice Soderbergh. "Después de un par de semanas admití que no quería encontrar a otra persona para dirigir Logan Lucky porque tenía ya una imagen mental muy clara de cómo sería la película basándome en lo que había escrito Rebecca. Podría describir el filme como un primo lejano de la serie Ocean's, aunque no es exactamente la misma historia puesto que estos personajes no disponen de medios económicos ni tecnológicos. Viven con el agua al cuello, por lo que un par de bolsas de basura llenas de dinero les pueden cambiar la vida". "También me gusta que al comienzo de la película los personajes no son delincuentes", añade. "El equipo de Ocean's sabe lo que hace, pero los de Jimmy Logan tienen que ir aprendiendo sobre la marcha. Ese aspecto del guión me gustó. La historia me pareció lo suficientemente cercana como para que me sintiera cómodo, pero lo suficientemente novedosa como para emocionarme". Financiada sin la participación de grandes estudios y distribuida en EE. UU. a través de la recién creada empresa de Soderbergh, Fingerprint Releasing, en asociación con Bleecker Street (Captain Fantastic, Trumbo), Logan Lucky es el máximo exponente del nuevo modelo de realización independiente digital. "Podría decirse que es un experimento", comenta. "Necesitaba probar mi teoría sobre la distribución con una película comercial protagonizada por grandes estrellas. Un proyecto así justificaría una distribución mundial y me permitiría mantener el control creativo sobre todos los aspectos".
Un debut muy satisfactorio
El guion de Logan Lucky es un debut impresionante de Rebecca Blunt. Al igual que sus personajes, Blunt se crió en Virginia Occidental. Tras un breve paso por UCLA, se mudó a Nueva York para pulir sus dotes como escritora. Blunt comenta que el antihéroe de clase de trabajadora que presenta en Logan Lucky se inspira en la historia de su amigo Channing Tatum. "Escribí el personaje de Jimmy Logan para Channing porque siempre le he visto como una versión alternativa de Chan", apunta. "Chan es de un pueblecito del sur de EE. UU. y jugaba tan bien al fútbol americano que le ofrecieron una beca para ir a la universidad en Florida. Una lesión de rodilla frustró su carrera deportiva y acabó trabajando de stripper. Cuando estaba escribiendo Logan Lucky me pregunté, '¿Y si Chan no se hubiera hecho stripper y se hubiera vuelto a casa?'. Me encontré a Chan y a su pareja Reid en una bolera y les comenté la idea. Por aquel entonces el proyecto se llamaba Hillbilly Heist, y Chan me contestó, '¡Suena fenomenal!'. No sé si recuerda que me dijo eso y, desde luego, nunca me imaginé que todo esto fuera a suceder". Blunt le dio cuerpo al guión inspirándose en noticias reales y tirando de su imaginación. "Me habían hablando de los socavones del Charlotte Motor Speedway, que está construido sobre un vertedero, y de cómo habían contratado a mineros en paro para arreglarlos. Como soy de Virginia Occidental siento mucha afinidad con los mineros. Por otra parte, los tubos neumáticos me han fascinado desde niña. Cuando mi madre iba al banco, me dejaba meter el dinero en el tubo y alucinaba al verlo desaparecer como por arte de magia". Blunt le entregó el guión final a Soderbergh, "Quería ver si a Steven se le ocurría un buen director para la cinta, porque tiene mucha experiencia con películas sobre robos", dice Blunt. "Pensé que había jurado no volver a los largos, así que fue toda una sorpresa cuando me contestó que quería dirigirla él".
Los Logan
Soderbergh había trabajado con Channing Tatum en las dos entregas de Magic Mike y le pareció que el actor era la opción obvia para el papel. "Chan tiene un aire de tipo normal que es muy auténtico", comenta. "Da la impresión de ser un tío con el que no sólo te lo pasarías en grande, sino que también te cubriría las espaldas si las cosas se ponen feas". Tatum dice que se moría de ganas de volver a trabajar con el hombre que le había dirigido en la película con la que saltó a la fama en 2012 y que el guión le pareció maravilloso en cuanto Soderbergh le contó de qué iba el filme. "Estaba rodando Magic Mike XXL con Gregory Jacobs cuando Soderbergh me llamó para contarme que tenía un guión sobre unos pueblerinos que atracaban un circuito de NASCAR", recuerda Tatum. "Me partí de risa porque me pareció divertidísima la idea de que unos ladrones de medio pelo intentaran robar algo, sobre todo cuando ese algo es una organización gigantesca como el NASCAR. Me encantan las historias sobre perdedores y este grupo de personajes es genial. Tienen un punto de irrealidad que los hace muy divertidos". Aparte de que la historia le había picado la curiosidad, Tatum comenta que simplemente quería volver a colaborar con Soderbergh. "Es un tipo genial", comenta. "Todo se reduce a eso. Pero además es un maestro del cine. Sus películas son siempre tan diferentes". Por recomendación de la guionista, Tatum se empapó de la subcultura de los Apalaches para preparar el papel y vio el impresionante documental de 2009 The Wild and Wonderful Whites of West Virginia. "También bebí mucha cerveza y comí un montón de pizza, porque me lo podía permitir", se ríe Tatum, que cogió bastante peso para el papel. "Fue para el personaje". Al saber que contaba con Tatum, Soderbergh empezó con la tarea de escoger al intérprete que encarnaría al hermano pequeño de Jimmy Logan, Clyde. Muchos actores de primera mostraron interés por el papel, pero Soderbergh comenta que siempre había pensando en Adam Driver para dar vida al lúgubre camarero de Virginia Occidental que lleva una prótesis en el brazo. "Al igual que la mayoría de los espectadores, conocí a Adam por la serie 'Girls'", comenta Soderbergh. "A partir de ese momento seguí de cerca su carrera y me di cuenta de lo bueno que era". Driver describe a Clyde como "el pensador de la familia. Se toma su tiempo porque lo analiza desde todas las perspectivas. Aunque siempre ha tenido a su hermano Jimmy en un altar, siente que él es quien debe proteger a la familia". Cuando se sentó a hablar del personaje con Driver, el director recuerda que el actor estaba muy interesado en perfeccionar la forma de hablar de Clyde. "No hablamos demasiado del papel, más allá de que quería esforzarse a fondo para clavar el acento de Virginia Occidental", comenta Soderbergh. Driver dice que pensaba en dos personas al desarrollar el personaje. "Clyde es una mezcla entre [el actor] Sam Elliott y mi tío Kenny. Más mi tío Kenny. Si esos dos tuvieran un hijo, sería Clyde". Después de trabajar con el especialista de acentos Diego Daniel Pardo, el actor nominado en tres ocasiones a los premios Emmy llegó al plató para interpretar la primera escena. "Había gente de Virginia Occidental entre el equipo técnico y alucinaron al escuchar a Adam", recuerda Soderbergh. Incluso la guionista Blunt se quedó de piedra con el acento de Driver. "Adam sonaba exactamente igual que mi abuelo", dice. Además de clavar el patois, Driver también tuvo que perfeccionar otra técnica muy difícil para su primera escena importante. "Aprendí a preparar un Martini con un solo brazo", comenta. Mellie, la hermana de Jimmy y Clyde, llega a la pantalla de la mano de la carismática Riley Keough. La actriz impresionó a Soderbergh cuando trabajaron juntos en la serie "The Girlfriend Experience", emitida en 2016 por la cadena de cable Starz y por la que la actriz fue nominada a un Globo de Oro. "'Mellie' es una joven muy guapa que tiene un salón de belleza, pero también es una flipada de los coches", explica Soderbergh. "No tiene muchos amigos y suele ir a su bola, así que la actriz que la interpretara tenía que transmitir mucha vida interior. Eso se le da fenomenal a Riley. Ha sido el catalizador perfecto para este cóctel de chicos". A Keough le gustaron mucho los personajes rudos y el entorno tan especial que planteaba el guión de Logan Lucky. "Me gusta el concepto de que a la gente normal le salgan las cosas bien", comenta. "Además, soy del sur, por lo que rodar una película sobre un golpe ambientado en esta zona me molaba mucho. Tiene de todo: comedia, acción y familia. Por supuesto, Steven es increíble y quería volver a trabajar con él". Para meterse en el papel de una amante de la velocidad y las carreteras secundarias, Keough dio unas clases con el coordinador de escenas especiales Steve Kelso para aprender a conducir un coche manual. "No había conducido un coche de marchas en mi vida, así que me enseñó", cuenta. "Primero condujimos por California y cuando llegué a Atlanta me pasé al Mustang de la película. No conduzco mucho, así que ha sido muy divertido pisar a fondo este deportivo de marchas".
Joe Bang y sus hermanos
A Daniel Craig le entusiasmó poder hacer gala de sus dotes cómicas gracias al excéntrico experto en explosivos Joe Bang. "Llevaba mucho tiempo sin interpretar a un rarito", comenta Craig. "Este papel me permitía fundirme con el personaje pero a la vez no suponía un compromiso enorme, puesto que el peso de la película recae realmente sobre Channing y Adam. Yo llegaba al plató, lo daba todo y me lo pasaba en grande con el personaje". Craig, archiconocido por haberse enfundado el traje de James Bond en cuatro superproducciones de 007, participó recientemente en una producción de "Otelo" para el circuito alternativo Off-Broadway, pero nunca se había metido en la piel de un bandido de los Apalaches. "En cuanto me ofrecieron el papel empecé a trabajar el acento para descubrir quién era esta persona y qué tipo de personaje quería que fuera", comenta el actor. "Joe Bang estaba muy bien desarrollado en el guión, por lo que no tuve que trabajarlo demasiado. Tuve que encontrar su voz. Pero una vez que di con el acento, Joe Bang se materializó". Sin ningún tipo de instrucción por parte de Soderbergh antes de empezar a rodar, Craig decidió transformar su aspecto físico: se rapó el pelo y se tiñó de rubio. "Compré decolorante en una droguería y me lo eché en el pelo", cuenta. "Se lo mostré al equipo de peluquería y maquillaje y les pareció fenomenal". Soderbergh, que conoció a Craig gracias a la película The Jacket (2005) en la que participaba como productor, pensó que al actor británico le interesaría este papel secundario destacado. "Daniel y yo hemos coincidido bastante estos años, así que le mandé un email con el guión y le dije 'Creo que tengo algo para ti'. A la mañana siguiente tenía su respuesta: 'Esto es genial'.
Pensé que Daniel respondería bien al papel porque podría decirse que el personaje de Joe Bang es el caramelo de la película. Tiene las mejores frases y hace cosas muy divertidas durante un tercio de la película sin tener que cargar con la responsabilidad de un papel protagonista". Completan la pandilla criminal de Joe Bang sus supuestos hermanos convertidos llamados Fish y Sam, interpretados por Jack Quaid y Brian Gleeson. "Me encantan los hermanos Bang", comenta Quaid, que fue elegido para el papel en Logan Lucky gracias a su impresionante interpretación en el melodrama sobre la industria musical "Vinyl" (HBO). "Quiero decir, los Logan al menos son seres funcionales que contribuyen a la sociedad y tienen empleos, pero Fish y Sam son dos paletos que están intentando salir del mundo de la metanfetamina. Me pareció muy divertido meterme en la piel de un personaje no demasiado inteligente porque suelo interpretar papeles neuróticos que le dan demasiadas vueltas a todo". Quaid utilizó la técnica de menos-es-más para el armario del personaje, inspirándose en The Wild and Wonderful Whites of West Virginia. "Hank Williams III a menudo llevaba solamente una camiseta interior en ese filme, así que cuando fui a las pruebas de vestuario me dijeron que buscaban una estética similar para Fish. Creo que mi personaje no se molestaría en llevar más ropa de la estrictamente necesaria por ley".
Dar el gran golpe
El rodaje de Logan Lucky duró 36 días y comenzó en agosto de 2016, con Atlanta como centro de operaciones para el reparto y el equipo técnico. El oscarizado productor Mark Johnson (Rain Man, "Breaking Bad") estaba presente para supervisar el día a día. "En realidad, el mayor reto ha sido seguirle el ritmo a Steven", comenta Johnson.
"Llega a la localización por la mañana y lo da todo. Por la noche, llega al hotel y se pone a montar lo que ha rodado durante el día. Es impresionante". Entre las localizaciones principales destacan una caravana utilizada para las escenas en casa de Jimmy Logan en Virginia Occidental, una parcela ambientada para parecer una feria popular, un bar de carretera y una cárcel. Para crear un contraste con las vibrantes escenas de acción que dominan el resto de la película, Soderbergh pidió al diseñador de producción Howard Cummings, ganador de un premio Emmy, que utilizara tonos muy apagados para la prisión. "Esa fue la única localización en la que exigí un estilo determinado para el diseño de producción", cuenta Soderbergh. "Quería usar una estética monocromática, así que le pedí al diseñador de producción Howard Cummings que todo fuera gris y a la diseñadora de vestuario Ellen Mirojnick que diseñara uniformes en blanco y negro para los reclusos". La escena más compleja de la producción fue el propio golpe. Se rodó en cuatro localizaciones y las escenas se hilaron después en posproducción para crear las secuencias del Charlotte Motor Speedway. Soderbergh pasó unos días muy intensos en Concord, Carolina del Norte, rodando en el circuito. En el Atlanta Motor Speedway se rodaron muchos primeros planos de los bólidos volando por la pista. El Georgia World Congress Center de Atlanta se utilizó para rodar los túneles subterráneos del circuito. El robo se filmó en un gran plató equipado con un sistema de tubos neumáticos de transporte (PTT, por sus siglas en inglés). "Le dimos muchas vueltas al sistema de PTT", explica Soderbergh. "Tenía que ser lo suficientemente avanzado para parecer un sistema de transporte efectivo, pero lo suficiente rudimentario para que estos tipos pudieran robarlo. El equipo de attrezzo y el departamento de efectos físicos pasaron mucho tiempo documentándose y desarrollando formas de hacer que los cilindros se abrieran y cerraran antes de que los volvieran a succionar los tubos, tal y como describe Rebecca en el guión. Quería rodarlo sin recurrir a trucos por ordenador en posproducción". Driver quedó impresionado con la característica eficacia de Soderbergh, que contribuyó a que el reparto estuviera siempre centrado. "Steven le da mucha importancia a controlar el ritmo y los tiempos durante el rodaje", apunta el actor. "Opera la cámara, lo ilumina todo y dirige, sabe muy bien lo que quiere y lo hace. Llega, coge la cámara y dice 'Listos'. Para los actores eso significa que nadie se vuelve al camerino a descansar durante una horita porque luego cuesta un par de tomas volver a meterse en el personaje". El ritmo acelerado de Soderbergh no impidió que el reparto se lo pasara bomba delante y detrás de las cámaras."Se notaba una gran hermandad entre Channing y los demás actores", comenta el productor Gregory Jacobs, que ha trabajado en casi todas las películas de Soderbergh desde King of the Hill en 1993. "El ambiente era muy universitario, había muy buen rollo, como entre el reparto de la serie Ocean's". Soderbergh dice que la buena relación de los actores se trasladó a la película. "Formaron una pandilla y eso se nota cuando se ruedan las escenas. Todo el mundo se siente seguro para probar cosas nuevas, ya sea una frase o una postura, porque saben que todo el mundo va en el mismo barco y rema en la misma dirección".
Una banda sonora muy cañera
Soderbergh trabajó con el compositor y músico irlandés David Holmes para crear los montajes con una fuerte presencia musical de Logan Lucky. Holmes, que colabora frecuentemente con Soderbergh y fue compositor de toda la saga Ocean's y supervisor musical de Ocean's Twelve y Ocean's Thirteen, se propuso dar con canciones rockeras típicas del sur del Estados Unidos que tuvieran mucha garra. "Después de hablar del rollo que quería darle a la película, David empezó a mandarme miles de temas que no había escuchado en la vida", comenta el director. "Odio cuando se utilizan canciones superobvias en la películas. En el caso de Logan Lucky, hemos usado una canción de John Denver para subrayar un elemento, pero más allá de eso quería que todo fuera muy analógico, para que se notara que la música estaba producida por humanos. Teniendo en cuenta cómo es la vida de estos personajes y el golpe que quieren dar, no queríamos que las canciones sonaran demasiado estupendas o muy producidas. La banda sonora tenía que sonar dura, incluso un poco oxidada. En ese sentido David se ha superado". Además de elegir canciones existentes para la banda sonora, Holmes compuso e interpretó música original para la película. "Le dije a David, 'Tengo un X % de la música, así que ahora necesito que compongas otros temas que suenen como las otras canciones que me has propuesto'", explica Soderbergh. "Juntó una banda, grabó las piezas que había compuesto y las metimos en la película. Ha sido un proceso muy fluido".
Para darle un toque auténtico a la carrera, Soderbergh invitó a la superestrella del country LeAnn Rimes a interpretar "America the Beautiful" en el circuito. La guionista Blunt recomendó a Rimes después de ver una actuación en el Indy 500. "Queríamos a una cantante con un buen chorro de voz que resultara creíble en un evento de la NASCAR", comenta Soderbergh. Rimes actuó delante de varios cientos de extras en el Atlanta Motor Speedway, que se combinó posteriormente con escenas de las gradas del Charlotte Motor Speedway. "Cuando llegué al circuito, lo único que sabía era que Steven quería que cantara 'America the Beautiful' y me quedé como diciendo,'¿Las 17 estrofas?'", recuerda Rimes. "Solo me sabía dos, así que me dio un pequeño ataque de pánico y pedí hablar con él. Steven me dijo que no tenía ni idea de que tuviera tantas estrofas y que bastaba con las dos que me sabía. ¡Menos mal! Fue un placer trabajar con Steven porque sabe exactamente lo que quiere. Salí a la pista, interpreté dos veces la canción y listo. Creo que nunca había hecho una escena tan rápido". Soderbergh, que ha incluido el último single de Rimes "Love Is Love Is Love" en la BSO, alaba la profesionalidad de la cantante. "LeAnn nos dejó de piedra con su voz y con el grado de control que tiene sobre dicho instrumento", comenta. "Cuando terminó de cantar todos nos miramos como diciéndonos 'Por eso es LeAnn Rimes'".
Un robo con mucho corazón
Las películas sobre robos no suelen estar protagonizadas por este tipo de personajes de clase obrera y por eso Logan Lucky destaca como una comedia dura, inteligente y divertida con los personalísimos toques artísticos de Soderbergh como director. "Espero que el público disfrute de Logan Lucky como pura diversión, pero que también se quede con el mensaje", comenta Soderbergh. "Creo que pasan cosas a muchos niveles en este filme como para que les dé a los espectadores para pensar más allá de las dos horas que pasan en el cine. Muchas veces las películas de Hollywood son como una telaraña que desaparece de la mente del público en cuando abandonan la sala. Pienso que Logan Lucky es lo suficientemente realista como para no desparecer y para hacerlos pensar". Soderbergh dice que también está ilusionado por ver cómo funciona su modelo de negocio desarrollado sin la participación de los grandes estudios. "Con Logan Lucky siento que se han alineado los astros para que pueda distribuir la película de la forma que siempre soñé", dice.
Black Sabbath: The end of the end
2017
País Estados Unidos
Reparto Ozzy Osbourne,Tony Iommi y Geezer Butler
¡madre!
2017
Duración 120 min.
País Estados Unidos
Director Darren Aronofsky
Reparto Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Michelle Pfeiffer, Ed Harris, Domhnall Gleeson,Kristen Wiig, Brian Gleeson, Cristina Rosato, Marcia Jean Kurtz, Ambrosio De Luca,Hamza Haq, Anana Rydvald, Arthur Holden, Bineyam Girma, Jaa Smith-Johnson, Xiao Sun
Madre (JENNIFER LAWRENCE) y Él (JAVIER BARDEM) viven una existencia aparentemente idílica en un paraíso recóndito. Inesperadamente la relación de la pareja se pone a prueba cuando hombre (ED HARRIS) y mujer (MICHELLE PFEIFFER) se presentan en su casa sin que nadie les hubiese invitado. Responder a esa llamada a la puerta altera su apacible existencia, y a medida que se presentan más y más invitados, madre se ve obligada a reexaminar todo lo que sabe sobre el amor, la devoción y el sacrificio.
Una película dirigida por el nominado a los Oscar de la Academia, Darren Aronofsky (Cisne Negro, Réquiem por un sueño); la actriz ganadora de un Oscar de la Academia, Jennifer Lawrence (El lado luminoso de la vida) y el actor ganador del Oscar de la Academia Javier Bardem (Sin lugar para los débiles) en "madre!", coprotagonizada por el nominado a los Oscar de la Academia Ed Harris (The Truman Show) y la nominada al Oscar de la Academia Michelle Pfeiffer (Los fabulosos Baker Boys). El diseñador de vestuario es el nominado al Oscar de la Academia Danny Glicker (Milk) y el director de montaje es el nominado al Oscar de la Academia Andrew Weisblum (Cisne Negro). El diseñador de producción es Philip Messina (Los Juegos del Hambre). El director de fotografía es el nominado al Oscar de la Academia Matthew Libatique (Cisne Negro). Los Productores ejecutivos son Jeff Waxman, Josh Stern y Mark Heyman. La película ha sido producida por el nominado a los Oscar de la Academia Scott Franklin y Ari Handel, y ha sido escrita y dirigida por Darren Aronofsky.
"madre! comienza como una historia de cámara sobre un matrimonio. El centro lo ocupa una mujer a la que se le pide que dé, y dé , y dé, hasta que ya no puede dar nada más. Con el paso del tiempo, la historia de cámara no puede contener la presión que se acumula en el interior. Se transforma en otra cosa..". - Darren Aronofsky, Guionista / Director
Vivir en tiempos desquiciados
Una película dirigida por el nominado a los Oscar de la Academia, Darren Aronofsky (Cisne Negro, Réquiem por un sueño); la actriz ganadora de un Oscar de la Academia, Jennifer Lawrence (El lado luminoso de la vida) y el actor ganador del Oscar de la Academia Javier Bardem (Sin lugar para los débiles) en "madre!", coprotagonizada por el nominado a los Oscar de la Academia Ed Harris (The Truman Show) y la nominada al Oscar de la Academia Michelle Pfeiffer (Los fabulosos Baker Boys). El diseñador de vestuario es el nominado al Oscar de la Academia Danny Glicker (Milk) y el director de montaje es el nominado al Oscar de la Academia Andrew Weisblum (Cisne Negro). El diseñador de producción es Philip Messina (Los Juegos del Hambre). El director de fotografía es el nominado al Oscar de la Academia Matthew Libatique (Cisne Negro). Los Productores ejecutivos son Jeff Waxman, Josh Stern y Mark Heyman. La película ha sido producida por el nominado a los Oscar de la Academia Scott Franklin y Ari Handel, y ha sido escrita y dirigida por Darren Aronofsky.
"madre! comienza como una historia de cámara sobre un matrimonio. El centro lo ocupa una mujer a la que se le pide que dé, y dé , y dé, hasta que ya no puede dar nada más. Con el paso del tiempo, la historia de cámara no puede contener la presión que se acumula en el interior. Se transforma en otra cosa..". - Darren Aronofsky, Guionista / Director
Vivir en tiempos desquiciados
Este thriller de relación comenzó cuando el guionista / director Darren Aronofsky se encerró durante cinco febriles días con su teclado, solo en una casa vacía. El cineasta nominado al Oscar de la Academia es consciente de que el resultado de ese encierro puede hacer que tenga que enfrentarse a preguntas acuciantes... ¿por qué una visión tan sombría? ¿Su respuesta? Mirad a vuestro alrededor: "Vivimos en tiempos desquiciados. A medida que la población mundial se acerca a los 8.000 millones de personas, nos enfrentamos a cuestiones demasiado preocupantes como para imaginar las consecuencias: Los ecosistemas se derrumban y somos testigos de la extinción a un ritmo sin precedentes; las crisis migratorias desconciertan a los gobiernos; unos aparentemente esquizofrénicos Estados Unidos ayudan a elaborar un tratado señero sobre el clima, y meses después se retiran de dicho tratado; las creencias ancestrales y las disputas tribales siguen provocando guerras y divisiones; el mayor iceberg de la historia se desprende del casquete polar antártico y vaga a la deriva por el océano. Al mismo tiempo, nos enfrentamos a cuestiones que son demasiado ridículas para poder entenderlas: En América del Sur los turistas han matado en dos ocasiones a crías de una rara variedad de delfines, al asfixiarlos en medio del frenesí para hacerse selfies con ellos; la política recuerda cada vez más a los acontecimientos deportivos; sigue habiendo seres humanos que mueren de hambre mientras otros tienen al alcance de la mano cualquier manjar que se les antoje. Como especie, nuestro impacto sobre el planeta es peligrosamente insostenible, y sin embargo, vivimos en estado de permanente negación sobre las perspectivas del planeta y sobre el lugar que ocupamos en el mismo".
"En este caldo de cultivo esencial de angustia y desesperanza", continúa Aronofsky, "me levanté una mañana y la película me salió de dentro, a borbotones".
La gestación de sus otras seis películas le costó años, pero ¿esta? En 5 días tenía entre las manos una primera versión del guión de madre! "En menos de un año, teníamos las cámaras en marcha".
Dos años después de aquel fin de semana largo, la película de Aronofsky se dirigía a su estreno mundial en el 74º Festival Internacional de Cine de Venecia (30 de agosto - 9 de septiembre), seleccionada para competir por el prestigioso premio León de Oro a la mejor película. Su estreno en América del Norte fue programado para que tuviese lugar en el 42º Festival de Cine Anual de Toronto, del 7 al 17 de septiembre. En Estados Unidos se estrenó el 15 de septiembre.
Aronofsky admite que madre! es difícil de encasillar en un género concreto, y eso se debe a que ni siquiera él puede identificar plenamente cuál es el origen de todos los contenidos de la película: "Una parte proviene de los titulares a los que nos enfrentamos cada segundo de cada día, otra parte viene del incesante zumbido de las notificaciones de nuestros teléfonos inteligentes, otros elementos tienen su origen en haber vivido el apagón provocado por el Huracán Sandy en el centro de Manhattan, otras cosas me salieron del corazón, otras de las entrañas. Colectivamente, es una receta que nunca podré repetir, jamás, pero estoy convencido de que la mejor manera de servir este brebaje es de una vez, de un trago".
Una candela romana
Después de las lecturas iniciales por parte de colaboradores de confianza, el bronco concepto de Aronofsky llegó a manos de Jennifer Lawrence, ganadora de un Oscar de la Academia por El lado luminoso de la Vida y nominada tres veces (Joy, Escándalo americano, Winter's Bone). Su reacción fue "muy visceral, muy intensa", recuerda el guionista. Se sumó al proyecto de la película inmediatamente. Para Aronofsky, esto abrió una senda para conseguir que la película se rodase. En sus propias palabras: "Cuando tienes a Jen Lawrence, tienes una película".
El sí de Lawrence no se debió simplemente a la oportunidad de añadir una historia de terror de invasión de un hogar a su repertorio.
"Una de las mejores que cosas que puede ocurrirte, como artista, consiste en formar parte de una película que sirva para comenzar conversaciones, porque es una idea original, absolutamente singular", dice Lawrence. "Aunque las escenas que estamos rodando son inquietantes de por sí, la alegoría subyacente es aún más sobrecogedora. La clave está en el significado del todo, del conjunto".
"Hay un millón de facetas diferentes en esta película con las que ciertas personas van a conectar, que les van a asustar, o intrigar", prosigue Lawrence. Describe lo seductor que resulta interpretar el papel de madre, la devota esposa y musa del enigmático poeta interpretado por Javier Bardem: "Enamorarse es una experiencia estremecedora. ¿Sentirse vulnerable? Aterrador. ¿Sobreponerte a la vulnerabilidad? También aterrador".
"Una cosa es lograr que algo sea acogedoramente cálido", dice Lawrence. "Otra diferente convertirlo en abrasadoramente caliente. ¿Esto? Esto es una candela romana. Una explosión. Una algarada, una película tumultuosa. Una expresión. Impresiones iniciales: 'En esta película hay definitivamente un momento en el que parte del público dirá 'Darren, te estás pasando', y saldrá corriendo de la sala. Pero yo no estaría en esta película si no hubiese tirado el guión al otro lado de mi habitación de hotel de Nueva York, pensando que el que había escrito aquello estaba loco de atar. Pero siente la obligación de llevar el guión hasta sus últimas consecuencias. Creo que acertó al no echarse atrás y dejar que el miedo le dominase".
En cuanto a la candela romana, debe esperarse una experiencia metafórica desasosegante, que conmocionará y agitará al público. El sombrío resumen de Lawrence: "Un creador siempre necesita una musa. En tanto en cuanto el universo se expanda, los hombres usarán a las mujeres".
Siempre rompiendo las normas
En cuanto Lawrence y su coprotagonista, Javier Bardem, ganador del Oscar de la Academia (Sin lugar para los débiles) y nominado dos veces al Oscar de la Academia (Biutiful, Antes de que anochezca) se sumaron al proyecto, este cobró impulso.
Entonces, Aronofsky hizo algo que nunca antes había hecho: Tres meses de ensayo en un almacén recóndito de Brooklyn. Los productores Ari Handel (Noé, La fuente de la vida) y Scott Franklin, nominado al Oscar de la Academia (Cisne negro) se unieron al trío para trabajar sobre el guión. Para las dos últimas semanas, la tres veces nominada al Oscar de la Academia Michelle Pfeiffer (Conflictos de amor, Los fabulosos Baker Boys, Relaciones peligrosas), el cuatro veces nominado al Oscar de la Academia Ed Harris (Las horas, Pollock, The Truman Show, Apolo 13), Domhnall Gleeson (Ex Machina, La Guerra de las Galaxias: El despertar de la fuerza.) y su hermano Brian Gleeson (Blancanieves y la leyenda del cazador, Assassin's Creed) se habían unido al proceso colaborativo. (La nominada al Oscar Kristen Wiig (Damas en guerra), que interpreta el papel de mensajera, no se unió a la producción hasta un momento posterior).
Aronofsky se encargó de que se marcase con cinta en el suelo del almacén una maqueta a escala de la casa, y junto con su colaborador Matthew Libatique, el director de fotografía nominado al Oscar (Cisne negro) que ha fotografiado seis de las películas de Aronofsky, rodó una versión de prueba de toda la película. En el espacio de ensayo no había paredes; únicamente la cinta en suelo demarcaba el espacio que se construiría posteriormente, recuerda Aronofsky. "De todas formas, rodamos todas las tomas, todas las escenas. Andy Weisblum, mi editor, hizo el montaje de todo lo que rodamos. Pudimos estudiar una versión de 90 minutos", sin peluquería y sin maquillaje. "Esencialmente, conseguimos una impresión de los movimientos de la cámara, la evolución y el arco de los personajes a lo largo de toda la película, antes de rodar la primera escena".
Esto era importante, porque Aronofsky estaba decidido a rodar la película exclusivamente desde el punto de vista de madre, así que Libatique tenía un número limitado de opciones. La coreografía de Libatique con la cámara se desplazaba alrededor de la casa "en largas tomas únicas, con la cámara en la mano, subiendo escaleras, bajando escaleras, recorriendo pasillos estrechos", añade Franklin. "A la vez que se desplazaba en una dirección, giraba la cámara a la izquierda y a la derecha, para captar la acción que tenía lugar en un cuarto en el centro de la casa".
Y ese no era el único desafío. Al haber sólo un puñado de tomas generales cuando madre está sola, "la película, esencialmente, está compuesta por tomas sobre su hombro, de su rostro o de lo que está mirando. Eso limita tremendamente el número de tomas que llegan a la sala de montaje", reconoce Aronofsky. Con una duración de dos horas, 66 minutos de la película son primeros planos de Lawrence, "y sin embargo, si no lo digo, no te darías cuenta", afirma Aronofsky. "Si Jen, en algún momento, no funcionaba, no había muchas opciones a las que recurrir. Tenía que ser permanentemente específica y hacerlo bien. Si hubiese sido una película de estudio normal, y yo no hubiese tenido una colaboración tan buena con Paramount, creo que hubieran estado aterrados, porque no seguía los recursos habituales".
Pfeiffer indica: "Darren puso el listón muy alto, para él... y para todos los demás. Rodábamos unas tomas demenciales, descabelladamente largas, que no acababan jamás, recorriendo pasillos, subiendo y bajando escaleras. Entrabas en escena y salías de escena constantemente, saltando por encima de cables, ocultándote tras la cámara. Tenías que recordar el guión y a la vez estar pendiente de no tropezar. Sin embargo, todos lo afrontamos como un reto, con ansia de superación, estábamos todos emocionados y entusiasmados por el desafío constante".
Durante el periodo de ensayo, Aronofsky reconoce que estuvo nervioso; Lawrence parecía muy relajada, el papel era muy diferente de todo lo que había hecho hasta entonces, y el director no estaba seguro de que fuera posible materializar el personaje que había imaginado para ella. Sin embargo, llegado el momento de comenzar la producción en Montreal, Aronofsky se dio cuenta de que ella estaba siguiendo su proceso, estaba descubriendo a madre. "En realidad, probablemente no llegué a conocer al personaje que interpreta Jen en la película hasta el primer día de rodaje, cuando apareció con el vestuario, el trabajo de peluquería y descalza", dice Aronofsky. "Está descalza toda la película. madre empezó a cobrar vida ante mí. Es increíble la inmensa cantidad de talento innato que atesora".
De la cinta de marcar a las paredes
Como la casa es básicamente uno de los personajes de la película, encontrar la estructura perfecta tenía una importancia capital. Cuando después de una búsqueda por el noreste no fue capaz de encontrar exactamente lo que quería, Aronofsky recurrió al Diseñador de producción Philip Messina, que previamente había trabajado con Lawrence en la franquicia de Los Juegos del Hambre como diseñador de producción, para que construyese una casa. Aunque, tal y como indica Franklin, "toda la película tiene lugar en una misma casa, fue todo un trabajo de construcción. Al principio de la película parece que está terminada al 85%, pero va cambiando y alterándose. Atraviesa muchos niveles de destrucción". Como la historia tiene lugar íntegramente en la casa, podría haber tenido un aire claustrofóbico, así que "el desafío consistió en dar con la manera de hacer que este escenario único fuese una fuente de constantes sorpresas", afirma el diseñador.
Aronofsky y Messina se embarcaron en una larga travesía de diseño para elaborar una casa que tuviese la estética adecuada, para lo que llevaron a cabo un profundo estudio arquitectónico. Encontraron la inspiración para esta casa, con su expansivo porche envolvente, en un estilo existente en la realidad, pero muy poco frecuente. "Nos entusiasmamos mucho al descubrir estas casas victorianas, que estaban construidas con una planta octogonal con ocho lados. El número ocho, de hecho, tiene estrechos vínculos con nuestra alegoría", añade. A Aronofsky también le atrajo que la forma octogonal permitía a la audiencia ver lo que ocurría en varias habitaciones simultáneamente, combando, por así decir, las paredes. En cierto sentido, el diseño desencadena una serie de circunstancias imprevistas y nos pone en camino hacia la creación de esta casa Escher-esca".
"En última instancia, fuimos a Montreal y construimos la casa de verdad... dos veces. La primera vez construimos únicamente la primera planta en un campo, un campo bellísimo. Eso nos permitió hacer todas las secuencias con luz de día, que fueron rodadas en orden. Después construimos la casa de tres plantas completa en un plató de rodaje de Montreal y pudimos rodar las escenas de noche", dijo Aronofsky. "A medida que la película avanza, se va adentrando más y más en la oscuridad, en la noche, y pudimos rodar esa especie de evolución en una larga y compleja barrida".
Para los actores, pasar de un espacio de ensayo imaginario al mundo real hecho con madera y escayola, fue toda una transformación. "Empecé a establecer mi relación con la casa en un almacén en el que no había más que líneas de tiza que mostraban la distribución de la casa, porque eso era lo que teníamos al hacer los ensayos y entonces fue cuando empecé a descubrir quién era realmente madre", recuerda Lawrence. "En cuanto llegamos a Montreal, y a ese escenario, todo se hizo realidad", afirma la actriz.
Su imaginación se estimuló al visualizar cómo bajaría madre las escaleras, agarrándose a la barandilla de la escalera, percibiendo la casa como si fuera una entidad viva, por "la intensidad de las emociones que la unían a la casa". Lawrence describe cómo la interacción con la casa real le ayudó a dar vida al personaje de madre, "Estaba básicamente descalza en todo momento, en contacto físico con la casa. Sabía que la reacción de mi personaje hacia la casa iba a ser interna. Tenía la oportunidad de trabajar realmente con la casa, después de haber usado únicamente mi imaginación cuando estábamos en el almacén. Fue increíblemente útil".
Reparto y personajes
"pasamos todo nuestro tiempo aquí, quiero crear un paraíso" ...madre
"En cuanto conoces a mi personaje, te das cuenta de todo el amor y pasión que ha puesto en esta casa", explica Lawrence. "Ha reconstruido la casa de su marido, que quedó arrasada por un incendio antes de que le conociese, hasta donde ha podido, por todo el amor que siente por Él, y porque quiere crear un entorno perfecto para los dos. Pone todo su afán en la restauración, para ella es un proyecto de verdadera pasión. Él es un artista asombroso que necesita elogios. Necesita que le veneren, y ella está dispuesta a concederle ese deseo. Ella está completamente deslumbrada por Él. Llegado un cierto momento, Él se acostumbra a su admiración, al permanente entusiasmo que despiertan en ella sus obras. Necesita un nuevo estímulo. Es una situación descorazonadora en cualquier relación, la sensación de que ya no eres suficiente. Ella es una mujer que lo ha dado todo en su esfuerzo por ser todo para este artista, y pese a todo, él no se siente estimulado por ella".
"Cuando Ed Harris (hombre) llama a nuestra puerta es la primera vez que aparece otro personaje diferente de Javier o de mi. Y se trata de un completo desconocido, lo que le resulta muy interesante al personaje de Javier, y estimulante y un poquito atemorizante para madre. La forma en que conectan (Él y hombre) desde el principio es intimidante... y esa sensación no deja de aumentar a lo largo de la película".
"lo único que trato de hacer es traer algo de vida a esta casa" ...Él
Decir que el personaje de Javier Bardem es elusivo sería un eufemismo. El centro de la casa está ocupado por su oficina, el santuario en el que trabaja y donde se encuentra su posesión más preciada, un objeto misterioso procedente de la vida que vivía antes de conocer a madre. Y el misterio no hace sino profundizar a medida que avanza la película.
"El personaje de Javier tiene una oscuridad inherente", indica Franklin. "Su personaje evoluciona a lo largo de la película de una forma sutil, y acabas descubriendo que los rasgos del personaje que muestra al final de la película, han estado presentes a lo largo de toda la trama. Simplemente los ha estado ocultando".
Michelle Pfeiffer, que interpreta a mujer, la esposa de Ed Harris, dice que la habilidad con la que Bardem interpreta su personaje es testimonio de su grandeza como actor. "Javier es como un enorme osito de peluche, muy dulce. Es sencillamente brillante a la hora de interpretar estos personajes intrínsecamente malévolos, truculentos", pero en realidad nada podría "estar más lejos de la verdad".
En cuanto al veterano actor Bardem, actuar junto a Pfeiffer, Harris y Lawrence fue la mejor fuente de inspiración.
Ha descrito a Lawrence como "una actriz que no conoce límites ni cortapisas. Teniendo en cuenta la dificultad de este papel y las ordalías a las que la somete mi personaje, no se necesitan heridas físicas para generar el dolor y el sufrimiento que experimenta. Su entrega es absoluta. Está dispuesta a llegar hasta donde haga falta, y se requiere una fortaleza inimaginable para hacer lo que ha hecho. Asumir estos riesgos, hacer lo que ha hecho, dice mucho de ella como actriz. Es muy valiente".
"amor a primera vista".
"lo mismo digo" ...hombre y mujer
La tensión entre los personajes de Bardem y Lawrence empieza a eclosionar cuando el personaje de Harris, hombre, llega a la casa.
"Es ese electrón suelto que llega volando al núcleo. Empiezan a pasar cosas cada vez más raras", dice Aronofsky. Aronofsky dice de Harris, como actor, que "siempre está dispuesto a hacer cualquier cosa; se introduce por completo en la situación y se lanza sin titubeos. No creo que haya hecho nunca nada que no sea auténtico".
Harris indica que la relación de su personaje con su esposa (Pfeiffer) es muy "afectiva". Pfeiffer indica: "Nosotros, como pareja, representamos muchas de las cosas que faltan en la relación (de Él y madre). Mi personaje es una especie de espejo en el que se mira el personaje de Jen. Podría decirse que estoy allí para sembrar la duda en la mente de Jen".
La decisión de elegir a Pfeiffer para el papel de mujer, dice Aronofsky, tuvo su origen en los recuerdos de una clase de dirección a la que asistió en la escuela de cinematografía. "El profesor dijo una cosa que se me quedó grabada en la mente, refiriéndose a Michelle: 'Es muy poco frecuente disponer de tanta belleza y tanto talento en el mismo lote'. Nada ha cambiado desde aquel comentario, hecho hace 25 años. Su belleza es sobrecogedora, pero la profundidad de su capacidad interpretativa es excepcional". Su personaje requería una combinación de seducción y agresión. Ella percibió esos momentos y los interpretó con naturalidad, dice el director.
Según Pfeiffer: "Rodar esta película ha exigido mucho esfuerzo y ha sido muy divertido. Me ha encantado trabajar con este grupo de actores. Ed y yo conseguimos una verdadera sinergia. Jennifer es una persona muy compleja, en el mejor sentido posible de la palabra. Es divertidísima, una de las personas más graciosas que he conocido, y es tremendamente inteligente".
Pero la llegada de hombre y mujer es solo el comienzo.
"Tenemos dos hijos interpretados por los hermanos Gleeson, que tienen sus propios problemas. Mi personaje se está muriendo", explica Harris. "Hemos organizado la herencia, pero uno de ellos no está muy contento con lo que hemos hecho". Los hijos se presentan, interpretados por los hermanos en la vida real Domhnall y Brian Gleeson, e "irrumpen en la casa, provocando aún más tensiones",
La situación se desborda a partir de ese momento.
A medida que se presenta cada vez más gente en la casa, madre presiona a Él para que les haga marcharse.
Pero para Él, el estímulo que estaba necesitando se ha presentado finalmente.
El receptáculo
"madre! es definitivamente un thriller psicológico, y el público percibirá la relevancia que tiene para nuestro mundo actual", indica el productor Scott Franklin "Tiene un elemento de suspense, inquietante y agobiante, pero es un género en sí mismo", explica Franklin, "madre es receptáculo y todos los temas se despliegan a través de sus ojos".
"Nunca había visto historias, ideas, entretejidas de esta manera. Todavía sigo dándole vueltas. Darren y yo seguimos teniendo conversaciones sobre ello", dice Lawrence.
"Arranca como un tipo de película", indica el Productor Ari Handel. "El público cree que conoce el terreno. Y después, poco a poco, te empuja más y más adentro. Y en realidad en ningún momento de las dos horas de película puedes tomar aire y decir '¡Ah!, esta es de ese tipo de películas. Ya sé cuáles son las reglas de este género, de este mundo.' Darren siempre quiere abordar al público desde ángulos insospechados".
Según Pfeiffer, Aronofsky se mostró desde el principio muy misterioso respecto del simbolismo de los elementos que aparecen en la película, aunque la actriz dice que era consciente de que "no se había dejado nada al azar, en ninguna escena, en ninguna palabra. Había ciertas cosas que eran muy importantes para Aronofsky en la redacción, en mi diálogo".
A pesar del pedigrí, el talento y la enorme experiencia del grupo de actores que trabaja en la película, Lawrence dejó claro desde el principio que aunque Aronofsky es un líder colaborativo y que incorpora las aportaciones de los actores al proceso: "No hubo ningún tipo de improvisación. Darren lo escribe, lo crea, es un visionario muy específico. Trato de imaginarme qué significa todo eso y en qué lugar encaja madre dentro de su visión".
"Cuándo Darren se puso a escribir esta historia, una de las cosas más importantes en las que pensaba era en la forma en que los seres humanos viven en este planeta y en lo que le hacen al planeta", dice Handel. "Y quiso dotar de dramatismo a esa idea, jibarizándola al extremo: una relación en una casa".
"Recuerdo cuando, ya llevábamos unos cuantos meses profundizando en el guión, descubrió un libro, Woman and Nature, de Susan Griffin. Era una obra con filosofía de los 70, que también trazaba un paralelismo entre la forma en que los hombres tratan a veces a las mujeres, y la forma en que la gente trata al planeta. Ese libro nos confirmó que podríamos hacer estas dos historias, la historia de una relación y la historia de nuestro mundo, y que ambas funcionarían simultáneamente".
Handel prosigue, "Creo que el sustrato medioambiental de la película es uno de los elementos que hacen que sea tan perturbadora. Es incuestionable que simpatizamos con madre, y la interpretación de Jen es como un rayo captador que nos arrastra hacia ella, pero creo que también sentimos que cada uno de nosotros forma parte de esa insaciable y voraz turbamulta que está destrozando su mundo".
Postproducción
A medida que Aronofsky y sus colaboradores se embarcaban en el proceso de montaje, se enfrentaron al montaje más complejo de toda la carrera de Aronofsky, que en última instancia les exigiría casi un año de trabajo. En palabras de su director de montaje, Andrew Weisblum: "A causa de las estrictas reglas que nos habíamos impuesto en cuanto a la gramática subjetiva, en combinación con la estructura casi de tiempo real, lineal, estábamos privados de la bolsa de trucos habituales: No podía usar un cambio de plano, no podía utilizar una toma simple para dar una idea del espacio o las relaciones, no tenía dos tomas, no podía manipular la estructura dejando cosas al margen, o cambiando el sentido de las imágenes".
"No obstante, todas esas limitaciones son la madre del invento", continua Weisblum. "Cuando te impones esos límites a ti mismo, te obligas a reflexionar sobre las opciones que tienes, y de esa manera llegamos a invenciones que nunca se descubrirían en otro caso. Al mantener esta constante relación estrecha, subjetiva, con Jennifer, ya sea empleando su punto de vista, su rostro, o sus tomas sobre el hombro, las tomas eran travellings que siguen los desplazamientos de ella. Si ella no está mirando algo, ¿cómo muestro al público lo que ha pasado? Cuando tuvimos la montaña de material rodado, mediante tomas alternativas y experimentos, tuvimos que imaginarnos cómo transmitir el pulso narrativo, el pulso emocional y el personaje. Además de emplear el sonido para llenar las lagunas en las escenas en las que no estábamos viendo lo que queríamos que el público supiese, también tuvimos que centrarnos en los efectos visuales, para manipular el tono de la película y plantear ideas que eran verdaderamente subjetivas, además de lo que ya estaba presente en el material rodado".
Una gran duda que se planteó fue la banda sonora de la película. Aronofsky había conseguido la participación del famoso compositor Johann Johannsson (La llegada, Sicario, La Teoría del Todo). Sin embargo, a medida que Aronofsky y Johannsson comenzaron a analizar las diferentes opciones, se dieron cuenta de que la mejor opción era, simultáneamente, la más atrevida. Así que, Aronofsky, una vez más, se apartó de los convencionalismos.
"Una de las grandes dificultades de la película fue la de hacerla sin música", dice Aronofsky. "No lo hicimos porque no tuviésemos la posibilidad de contar con una música estupenda. Estaba trabajando con uno de los mejores compositores del mundo. Pero el problema con la música es que no dejaba de orientar constantemente la historia hacia una dirección determinada". Por ese motivo, después de haber pasado meses explorando diferentes direcciones musicales, Aronofsky y Johannsson decidieron que la mejor partitura para la película sería una partitura inexistente.
En palabras de Johannsson: "madre! es una película en la que las medias tintas no tienen cabida, y después de que Darren y yo explorásemos muchos enfoques diferentes, mi instinto me aconsejó eliminar la música por completo. Eliminar material es una gran parte del proceso creativo, y en este caso, sabíamos que teníamos que llevar este enfoque hasta su extremo lógico".
Aronofsky comentó: "La mecánica de la película hace que el público no sepa dónde está: No dejan de mirar a Jen para ver dónde están, pero el personaje de Jen realmente no sabe cómo asumir ciertas cosas. Fluye constantemente entre diferentes emociones, diferentes pensamientos. Queríamos que el público tuviese que abalanzarse hacia lo desconocido, no queríamos darle un punto de apoyo que le transmitiese emociones sencillas".
Estreno
Cuando el proyecto llevaba más de un año rodeado de misterio, Aronofsky empezó a abrir el apetito de su público con un póster brutal de Lawrence elaborado por el artista James Jean (Fables, The Umbrella Academy). Fue publicado el día de la madre, seguido por otro póster de Bardem este verano. Después de que los aficionados digiriesen la estremecedoramente bella, pero perturbadora, imagen del póster, empezaron a examinar el diseño en busca de pistas sobre la temática de la película, debatiendo el significado de los más pequeños detalles. Con el fin de atraer su curiosidad, Aronofsky convirtió su cuenta de Twitter en un punto de destino de pistas sobre madre!. No obstante el cineasta ha aprovechado la oportunidad para regodearse, retirando la cortina que cubría su creación muy lentamente.
"Realmente no se me da nada bien hacer películas de género. π (Pi) fue un intento de hacer ciencia ficción, pero no llegamos a conseguirlo", explica Aronofsky. "Noé no era la típica película bíblica. Nadie sabe si Cisne negro era una película de ballet o una película de miedo. ¿Esta película? Hay cosas que dan miedo y son espeluznantes, hay suspense y romance, cosas surrealistas. Ya se sabe que las mejores películas son aquellas de las que hablas constantemente después de haberlas visto. Y ese interés surge del esfuerzo por superar las limitaciones, por tratar de hacer algo diferente", añade. "Cuando era un cineasta joven, estaba un día en una cafetería, junto al NuArt (Theater) de Los Angeles, en donde estaban proyectando π (Pi) y entró un tipo con su hija de 18 años y algunos amigos de la hija. Se sentaron allí y se pusieron a hablar sobre el tema de la película que habían visto. Para mí fue un momento muy especial, como poder espiar una conversación sobre una cosa en la que has trabajado mucho, una sensación muy gratificante".
"Para mí, lo peor que puede pasar", continúa el director, "es que una película te entretenga pero dos horas después lo que pienses es '¿Qué película hemos visto esta noche?'. Como director, quieres ofrecer al público algo en lo que pueda pensar. ¿Esta película? Habrá muchos debates acalorados, y eso es parte de la diversión".
En cuanto a la pregunta que espera Aronofsky... "¿Por qué tanta oscuridad?".
"Hubert Selby Jr., el autor de Réquiem por un sueño, me enseño que fijando la vista en nuestras partes más oscuras es como podemos encontrar la luz".
Lego Ninjago: La película
2017
Duración 101 min.
País Estados Unidos
Director Charlie Bean, Paul Fisher, Bob Logan
Jackie Chan (Kung Fu Panda, The Karate Kid) protagoniza al Maestro Wu; Justin Theroux (Megamind 2, la serie The Leftovers) interpreta el papel de Garmadon; Dave Franco (Malditos vecinos 2) en el papel Lloyd; y Olivia Munn (X-Men: Apocalipsis) interpreta a la madre de Lloyd, Koko. Conforman el equipo secreto ninja, Fred Armisen (la serie The Jim Gaffigan Show, la serie Saturday Night Live) que da voz a Cole; Abbi Jacobson (Malditos vecinos 2) en el papel de Nya; Kumail Nanjiani (Mike y Dave: los busca novias) en el papel de Jay; Michael Peña (Ant-Man, Misión rescate) en el papel de Kai; y Zach Woods (la serie Silicon Valley) que pone la voz a Zane.
Zama
2017
Duración 115 min.
País Argentina
Director Lucrecia Martel
Reparto Daniel Giménez Cacho, Matheus Nachtergaele, Juan Minujín, Lola Dueñas,Rafael Spregelburd, Daniel Veronese, Vando Villamil
Narra la historia de Don Diego de Zama, un oficial español del siglo XVII asentado en Asunción que espera su transferencia a Buenos Aires. Es un hombre que espera ser reconocido por sus méritos. Pero en los años de espera pierde todo. Decide atrapar un peligroso bandido y recuperar su nombre... Basada en la novela existencial de Antonio Di Benedetto escrita en 1956.
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