ESTRENOS DEL 13 DE ABRIL

La hija

2016

Duración 90 min.

País Argentina

Director Luis Sampieri
Reparto Gloria Berbuc, Julia Carcheti, María Laura Carhuavilca, Daniel Elias,María del Pilar Fiad, Harry Havilio, Santiago Paz Posse, Carolina Paz

Los Amado deciden pasar un fin de semana en la casona familiar, pero el plan es alterado cuando la empleada domestica da a luz un bebe.

Todo para ser felices

2015

Duración 97 min.

País Francia

Director Cyril Gelblat

Reparto Manu Payet, Audrey Lamy, Aure Atika, Pascal Demolon, Bruno Clairefond, Joe Bel,Rafaèle Gelblat, Jaïa Caltagirone

Antoine, de casi 40 años, egoísta e insatisfecho, nunca se ha ocupado de sus hijas, de 9 y 5 años. Tratado como un niño por su mujer Alice, Antoine no llega a encontrar su sitio dentro de su hogar, lo que hace que lo abandone aprovechando una aventura amorosa sin importancia. Cuando por sorpresa, Alice le confía a sus hijas durante unos días, Antoine se encuentra en una situación desconocida. Y mientras que él es incapaz de asumir el papel de padre dentro de la unidad familiar, por fin se va a transformar en una verdadera "madre".

El faro de las orcas

2016

Duración 110 min.

País Argentina, España

Director Gerardo Olivares

Reparto Maribel Verdú, Joaquín Furriel, Joaquín Rapalini Olivella, Ana Celentano,Osvaldo Santoro, Federico Barga, Ciro Miro, Alan Juan Pablo Moya,Zoe Hochbaum, Juan Antonio Sánchez

Lola viaja con Tristán, su hijo con autismo, hasta el fin del mundo para encontrarse con Beto, un guardafauna que tiene una relación muy especial con las orcas salvajes en la Patagonia Argentina. La determinación de Lola de luchar por su hijo, la peculiar personalidad de Tristán y su especial relación con la naturaleza harán que la vida de todos ellos cambie para siempre. Basada en hechos reales EL FARO DE LAS ORCAS es una búsqueda de los valores esenciales de la vida y su encuentro con el espíritu de la Naturaleza.

Argumento
La historia se desarrolla en Península Valdés, Patagonia, un privilegiado rincón del planeta donde la fuerza de la naturaleza expresa poderosamente su lenguaje universal. Basada en hechos reales, tiene por eje la búsqueda de los valores esenciales de la vida y su encuentro en las cosas simples y en la sabiduría de la Naturaleza.

Beto Bubas (45) es un guardafaunas que desde hace quince años vive aislado en un remoto faro de la costa argentina de la Patagonia. Desde la muerte de su mujer y su hijo en un trágico accidente, Beto decidió aislarse del mundo y su vida gira en torno a las orcas, que cada año, entre marzo y abril, aparecen por las playas del faro para cazar lobos marinos. Su relación con ellas es tan especial que incluso se mete en el mar y juega con ellas.

Un buen día aparecen por el faro una madre con su hijo. Han venido desde España buscando una última oportunidad para que Tristán mejore del autismo que padece. Lola, su madre, está convencida de que Beto y su relación con las orcas le pueden ayudar. La idea de viajar hasta el faro surge después de ver la reacción de Tristán, apoyando sus manos frente a la pantalla de televisión, mientras emitían un documental de Beto y su especial relación con orcas salvajes. En estos animales percibió un extraño estímulo que podría significar su mejoría. 

La experiencia de las orcas es el disparador de un viaje hacia el reencuentro de una madre con su hijo, pero es también al mismo tiempo una travesía movilizadora hacia la esencia de la búsqueda que cada ser humano emprende al nacer.

El guardafauna, intentando que Tristán tenga una experiencia personal con las orcas, losconduce por paisajes y situaciones que propician tal reencuentro. Él mismo transita también una búsqueda, sacudido y aquietado muchas veces por la soledad y el contacto íntimo con la naturaleza salvaje del lugar en el que ha transcurrido la mitad de su existencia. Alcanza a percibir que no sólo la extraña conexión del niño con las orcas, sino también la restauración del lazo con su madre, son en conjunto primordiales para que Tristán se abra al mundo. Pero el vínculo no puede restablecerse si Lola y Beto no se reconcilian primero consigo mismos, hecho que será el inicio de una maravillosa historia de amor.

La imponente belleza de las orcas, la fuerza de la naturaleza, lo inhóspito del paisaje, la soledad, la simpleza y generosidad con que los lugareños se brindan a su paso, crean la atmósfera propicia para que el proceso se produzca. Y las experiencias resultan transformadoras no sólo para Tristán y Amanda, sino para todos los que intervienen en la historia.

Finalmente, nunca sabremos a ciencia cierta si fueron las vivencias conmovedoras, la magia de las orcas, o la totalidad reunida por la extraña alquimia del destino lo que causó una leve mejoría de Tristán. Lo verdaderamente importante es que el niño-orca, se animó por fin a desandar el camino y comenzó a transitar el puente de regreso hacia el mundo de los hombres.

Producida por José María Morales (Wanda Vision) en coproducción con Argentina a través de las productoras Historias Cinematográficas, Puenzo Hermanos y Pampa Films y con el apoyo de TVE, ICAA e Ibermedia.

Tras el éxito de Entrelobos, el director Gerardo Olivares, vuelve a abordar una película en la que ficción y naturaleza se unen para contarnos esta historia protagonizada por Maribel Verdú y Joaquín Furriel.


Carta del director
Hace unos doce años, rodando la GRAN FINAL en Mongolia, vino a visitarme mi productor, José María Morales. Una tarde, andábamos paseando por un lago helado en las montañas del Altai, cuando me contó la historia de Beto Bubas, un guardafaunas argentino que conoció un par de años antes en la Patagonia. Beto había logrado entablar una relación muy especial con orcas salvajes y hacía algo único; se metía en el mar tocando su armónica y las orcas se le acercaban para que él pudiera acariciarlas. La historia era fascinante y José María quería llevarla al cine.

Tras el éxito de ENTRELOBOS, mi última película de ficción, pensamos que había llegado el momento de llevar este proyecto a cabo. Al igual que ENTRELOBOS, hemos unido la naturaleza con la ficción para contar una historia real; la que vivió Beto con las orcas, y con un niño con autismo, que un buen día apareció por Patagonia junto a su madre.

Basada en hechos reales, tiene por eje la búsqueda de los valores esenciales de la vida y su encuentro con el espíritu de la Naturaleza. Es un viaje hacia el reencuentro de una madre con su hijo, y al mismo tiempo, una travesía movilizadora hacia la búsqueda que cada ser humano emprende al nacer.

La imponente belleza de las orcas, la fuerza de la naturaleza, lo inhóspito del paisaje, la soledad, la simpleza y generosidad con que los lugareños se brindan a su paso, crean la atmósfera propicia para el inicio de una maravillosa historia de amor. Y las experiencias resultan transformadoras no sólo para el niño y su madre, sino para todos los que intervienen en la historia. 

Finalmente, nunca sabremos a ciencia cierta si fueron las vivencias conmovedoras, la magia de las orcas, o la totalidad reunida por la extraña alquimia del destino, lo que causó la mejoría del muchacho. Lo verdaderamente importante es que el niño-orca, se animó por fin a desandar el camino y comenzó a transitar el puente de regreso hacia el mundo de los hombres.

Gerardo Olivares

El porvenir

2016
Duración 100 min.
País Francia
Director Mia Hansen-Løve
Reparto Isabelle Huppert, Edith Scob, Roman Kolinka, André Marcon, Sarah Le Picard,Solal Forte, Elise Lhomeau, Lionel Dray, Marion Ploquin

Nathalie enseña Filosofía en un instituto de París. Su trabajo le apasiona y disfruta con la reflexión. Casada y con dos hijos, divide su tiempo entre la familia, algunos exalumnos y su madre, una mujer muy posesiva.

Un día, su marido le dice que la deja por otra mujer. Con tanta libertad, Nathalie se ve obligada a reinventar su vida.

OSO DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN en la Berlinale 2016 para la realizadora francesa Mia Hansen- Love (Eden, Primer amor), quien en su quinto largometraje, nos adentra en la historia de una profesora de filosofía, interpretada por una Isabelle Huppert (El amor es más fuerte que las bombas, Amor), que tras ser abandonada por su marido, deberá aprender a vivir y buscar la felicidad.


Una entrevista con Mia Hansen-Løve

P: ¿Cuál fue la primera escena de una película que le impresionó?

R: No creo que pueda hablar de la primera toma, pero algo que me sigue obsesionando es la escena final de Un cuento de invierno, de Éric Rohmer. En el autobús, la protagonista se encuentra por casualidad con el hombre del que se enamoró perdidamente. "No debes llorar". "Son lágrimas de felicidad". O también en Pickpocket, de Robert Bresson: "Qué camino más raro he debido seguir para llegar hasta ti". El arco del personaje, una perseverancia infinita que, de pronto, se ve justificada al final de la película, cuando vuelven a reunirse dos personas. La magia del cine. Esos finales me dejan entrever la relación que tengo con el cine.


P: ¿El cine siempre ha sido para usted una forma de explorar los mecanismos interiores de una persona en evolución constante?

R: Sí, pero también es la posibilidad de captar la existencia a través de una presencia. Para mí, las películas son retratos conmovedores, y solo el cine es capaz de conseguir esto. Se trata de capturar la sensibilidad, la sensualidad y lo efímero, así como de intentar abrir una puerta que lleve a lo impalpable, al infinito.


P: Más específicamente, sus películas giran en torno a un retrato costumbrista actual y a una exploración del alma que le permite profundizar, con cada obra, en la descripción de la interioridad.

R: Mis películas siempre comparten la misma búsqueda y forman un diálogo. Se trata de personificar un destino, darle un significado, aunque no sea a través de la palabra. Las historias que cuento no siempre acaban bien, pero intento expresar una verdad y encontrar una especie de plenitud. Es lo que espero del cine.


P: Su cine no encaja con la etiqueta de "drama psicológico" dado que su sentido es multifacético y nos persigue mucho tiempo después de salir de la sala.

R: Cuando escribo, me preocupa el ritmo, la musicalidad y muchas otras cosas, pero casi nunca la falta de información acerca de la "psicología" de los personajes. Lo que necesita saberse suele aparecer a medida que avanza la película sin necesidad de explicarlo. Es más, desde la escritura a la edición, me esfuerzo en retirar la máxima información posible. Si me parece que una escena solo sirve para una cosa, la corto. Solo la mantengo si tiene un valor existencial, si contiene poesía.


P: En EL PORVENIR los personajes están más abiertos que nunca. Filma la vida como si ofreciera una continua oportunidad de empezar de nuevo.

R: Mis sentimientos hacia esa idea son ambivalentes. ¿Cómo se puede creer simultáneamente en la libertad y en el destino? Eso crea una tensión entre la convicción de que hay que dejarse llevar o creer en una posible satisfacción a través de un movimiento que nadie puede controlar.


P: En algunas ocasiones parece que el personaje de IsabelleHuppert no tiene ni la menor idea de lo que le aportará el mañana o incluso el momento siguiente. ¿Consigue esto siendo muy libre en el plató? ¿Sigue el guión al pie de la letra o busca causalidades oportunas?

R: No ensayo antes de filmar porque la verdad de cada escena depende mucho del decorado, la luz, la ambientación y hasta de cómo influye todo esto en los actores. El guión, la estructura y los diálogos son muy importantes, pero en el plató se trata de que todo esto cobre vida, y solo puede suceder con la interacción entre los actores y el director en un momento preciso. A veces tarda en llegar, en otras ocurre con suma rapidez; puede que sea exactamente tal como lo había imaginado o va en una dirección que no tiene nada que ver. No hay reglas, excepto seguir abierta, estar atenta a todo.


P: Es una cineasta joven, sin embargo se atreve a describir etapas de la vida que aún no a vivido físicamente. EL PORVENIR es el retrato de una mujer de la edad de su madre. ¿Qué importancia tiene la idea generacional en su obra?

R: Siempre me he sentido alejada de mi edad; incluso diría que es algo patológico que guía la escritura de mis guiones. Hay una melancolía en mí de la que me liberó el cine. Se escribe para liberarse de los demonios, pero siempre se regresa a esos demonios. Cuando ruedo, la sensación de alejamiento desaparece. Mi ritmo de escritura y rodaje de los últimos diez años nace de mi necesidad de redescubrir el presente. Da igual la edad o sexo de mis personajes; cuando empiezo a rodar, me identifico con ellos y me reconcilio conmigo misma.


P: EL PORVENIR habla de una mujer que enseña y ama profundamente su profesión. Toca un tema muy poco habitual en el cine, el mundo de las ideas.

R: El destino de Nathalie y su fuerza a la hora de aguantar la separación de su marido no puede disociarse de su relación con las ideas, la enseñanza y la transmisión. No podía enfocarlo de forma anecdótica. Incluso me entraron más ganas de rodar a una profesora de Filosofía poseída por su trabajo debido a la falta de libertad en el cine en cuanto a la representación de intelectuales y al vaivén de las ideas. En muy pocas películas se sabe qué periódico leen los personajes, qué ideas tienen y qué temas políticos les preocupan. Siempre intento situar a mis personajes en el mundo real, pero EL PORVENIR me ha dado la oportunidad de sumergirme en la relación entre libros e ideas. No puede reducirse a una mera descripción del entorno. Requiere una forma de precisión que no solo debe ser documentalista, sino también poética. Me conmueve oír el nombre de los lugares por donde pasan los protagonistas. También el nombre de las revistas que leen o los grupos de música que escuchan. La fijación de Patrick Modiano con los nombres, lugares y fechas, como puntos fijos a los que agarrarse, es una vertiente de una inspiración con la que siempre me he sentido identificada. Tiene que ver con nuestra necesidad de memoria, con la fragilidad de la vida y el deseo de vivirla.


P: ¿Cómo nació Nathalie? ¿Cómo se formó en su imaginación?

R: En parte surge de la pareja formada por mis padres, su unión intelectual y la energía de mi madre. Luego viene la brutalidad de la separación y, para muchas mujeres de cierta edad, la dificultad que plantea escapar de la soledad, algo que, como todos nosotros, he tenido ocasión de observar. Pero escribí la película pensando en IsabelleHuppert, por eso puedo decir que Nathalie nació a partir de mis recuerdos y de lo que había observado, así como de Isabelle. El guión de EL PORVENIR casi se escribió solo a pesar de mis temores en torno al tema y a cómo podía afectarme. El tema me asustaba por una cierta oscuridad unida al hecho de ser mujer, pero debía hacerlo. Estaba dispuesta a ir hasta el final sin miedo ni autocensura. Si hubiera tenido miedo, habría introducido una relación romántica para un final más feliz. La autocensura habría sido dar otra profesión a Nathalie y no la de profesora de Filosofía. Cuanto más trabajaba en el guión, más comprendía la unión entre enseñar Filosofía, tal como lo había conocido por mis padres, y lo que el cine significa para mí. Lo que me trasladaron y que reproduzco a mi manera es, en realidad, la búsqueda del significado. La pregunta constante. También es una obsesión por la claridad y la integridad. En lo más profundo de mi ser veo el Arte y la Filosofía como dos caminos posibles hacia un solo fin, el vínculo con lo invisible. Nuestras preguntas, por muy aterradoras que sean, nos aportan fuerza y valentía, y eso es la esencia de la película.


P: El cine suele definir a los personajes por su origen social. En este caso están definidos por su biblioteca. Nathalie y su marido tienen una relación casi biológica con sus libros, como si fueran la columna dorsal de su existencia.

R: En el piso donde crecí, el gran lujo era la colección de libros. No creo que pudiera vivir en un lugar sin libros, por eso siempre me fijo mucho en qué libros hay en las estanterías de mis películas. No solo se trata de mostrar que son personajes cultos, sino también de disfrutar con los títulos y las editoriales. Una fila de primeras ediciones o de libros de bolsillo, una fila marrón o una multicolor no dicen lo mismo. Si lo que contiene una estantería es falso, me da en toda la cara. Es más, en mis películas los personajes leen y van al cine. Trabajan en profesiones que les hacen ser lo que son, como ocurre con la mayoría de nosotros en la vida real. Al contrario de una idea preconcebida, me parece que la gente real da más importancia al arte que sus "congéneres" en el cine. Por ejemplo, hacia el final, en el Vercors, cuando Nathalie lee La muerte, de Vladimir Jankélévitch, es una imagen sacada de mis recuerdos. Poco después de que mis padres se separaran, recuerdo a mi madre leyendo el libro, que le había dedicado un viejo profesor de universidad al que adoraba. Me hizo gracia que se sumergiera en La muerte en ese momento y no se diera cuenta de lo que significaba. Pero también me afectó. Quizá fuera ese el momento en que nació EL PORVENIR. A menudo hay una imagen que lo resume todo. En este caso, expresa el diálogo entre la vida de Nathalie y su trabajo. El mismo diálogo que entablo entre la vida y el cine.


P: Isabelle Huppert trabaja en numerosas películas, pero vuelve a sorprendernos una vez más con su encarnación del personaje, su forma de moverse, de ocupar el espacio, de hablar, de tomar el sol, de pensar...

R: Creo que es la mejor actriz francesa y no podía imaginar a nadie más en el papel. Además de las conocidas facetas de su talento (la energía, el humor, el toque de ferocidad, etcétera), también tenía en mente a la IsabelleHuppert que había conocido lejos de los platós, que tiene poco que ver con los personajes en los que estamos acostumbrados a verla. Otra cosa me llamó la atención, una especie de fragilidad, de tranquilidad, que contrasta del todo con la mujer dura a la que suele interpretar. Tenía ganas de sacar ese lado y llevarla hacia algo más dulce, tierno, inocente incluso.


P: Ha dado en el clavo con el reparto de la familia - marido, mujer, hijos -, y del ambiente escolar y estudiantil. ¿Cómo consigue semejante autenticidad?

R: Al igual que muchos realizadores, creo que la elección de los actores representa el 95% del trabajo. Hay que saber ver a cada uno individualmente y, a la vez, tener una visión conjunta. Luego es muy importante confiar en ellos para impulsarlos, sobre todo tratándose de no-profesionales. Si tengo un método en el plató, no sabría definirlo. Es a la vez intuitivo y definido. Las conversaciones con los actores giran en torno al ritmo, los movimientos y pequeños detalles que dicen mucho. No suelo tocar temas profundos. Tengo la impresión de que cuanto menos se hable de esas cosas con los intérpretes, más felices se sienten. No hay nada peor que descargar todas las consideraciones psicológicas del realizador en el actor. Siento bastante escepticismo en cuanto a las intenciones abstractas como un camino para encontrar a un personaje. Creo más en la autenticidad de las escenas a las que nos enfrentamos directamente, en el momento.


P: Además de transcurrir en París, su ciudad natal, también rueda mucho la naturaleza, las playas de Bretaña, las montañas, la nieve. La naturaleza ocupa un papel importante en la película y en el viaje interior de Nathalie.

R: Sí, como en todas mis películas anteriores. Pasar de la ciudad al campo, de una estación a otra, es una constante de la que no puedo escapar. Supongo que tiene que ver con el paso del tiempo y con una forma bastante impresionista de hacer cine. También doy mucha importancia a las localizaciones. Me atraen los lugares con encanto, alma e historia. Conozco directores que buscan exactamente lo opuesto y se sienten más libres y cómodos en ambientes neutros y limpios. Necesito sentir un flujo, una vibración, capas de vida para que haya una conexión y sepa dónde colocar la cámara. Por eso no podría rodar en un estudio.


P: En todas sus películas, la música ofrece un marco para la historia. La canción del final puede interpretarse de muchas formas. ¿Es quizá una forma de decir que una película no acaba necesariamente, que puede seguir dentro de cada uno de nosotros?

R: Procede de mi ambivalencia con la vida y a la que intento ser fiel. Yuxtapongo sentimientos aparentemente contradictorios para que coexistan. En la secuencia final prevalece una sensación de impotencia frente al tiempo: la idea de que solo nos queda dejarnos abrazar por la fuerza que nos lleva; en este caso, la llegada de una nueva vida a la que se debe dar la bienvenida, un regalo que lo consume todo. Es una forma de lucidez a la que aspiro, aunque también me parece cruel. Nos gustaría que Nathalie conociera a alguien y se enamorara, pero no ocurre nada de eso en la película. Acaba teniendo a un niño en brazos, y el tema musical también puede interpretarse como una canción de cuna. Aun así, es una canción de amor y puede ir dirigida a un hombre, al hombre que Nathalie espera y que tal vez aparezca. Es una canción sensual que habla de deseo y de esperanza, dos cosas tan irreprimibles como invencible es el tiempo. Estas dos fuerzas se enfrentan y puede que en esta lucha esté el extraño equilibrio que nos permite sentir que estamos vivos.

Una entrevista de Laure Adler
París, enero de 2016


Críticas francesas
La Voix du Nord - Philippe Lagouche (*****)
Oso de Plata en Berlín, Premio de la Prensa en Valenciennes... Mia Hansen-Løve colecciona galardones. Su quinto largometraje, aún más que los anteriores, está construido sobre contrastes. Es a la vez intelectual y sensual, sombrío y luminoso, elegíaco y melancólico.

Femme Actuelle- La redacción (*****)
Una película sutil a la vez que accesible, de una fluidez perfectamente controlada a la que le espera un brillante futuro.

Le Nouvel Observateur - La redacción (*****)
En ningún momento queremos olvidar la considerable deuda que EL PORVENIR tiene con Mia Hansen-Løve, pero desde la primera a la última imagen la película es Isabelle Huppert, hasta el punto de no saber quién habita a quién, si la actriz al personaje, o el personaje a la actriz. La inteligencia de la joven realizadora reside en haber hecho posible semejante confusión.

Les Inrockuptibes- SergeKaganski (*****)
Al principio parece una película bonita, sin más, pero acaba cautivándonos una belleza espontánea, una complejidad sin temor y una riqueza de los sentidos.

Metro - MarilyneLetertre (****)
La realizadora encuentra el equilibrio perfecto entre el inevitable desconcierto de la protagonista y su fuerza. Firma la película más unificadora, limpia y conmovedora que ha hecho hasta la fecha.

Bande à part - Isabelle Danel (****)
Una película grande, extraña, triste y optimista.

Critikat.com - JulienneGoffart (****)
Mia Hansen-Løve encuentra una forma de sosiego sereno y luminoso en esta bellísima película.

Marianne - DanièleHeymann (****)
Un bello encuentro, lleno de una lucidez a veces cruel alimentada por un humor beneficioso.

Le Monde - Jacques Mandelbaum (****)
EL PORVENIR no tiene nada de acumulativa, de demostrativa, ni de pesada. La película avanza con sutileza, con la fluidez de la vida misma, aunque esta lleve una gran amargura.

Les Fiches du Cinéma - Gilles Tourman (****)
Un drama inteligente, iluminado por una Isabelle Huppert más impecable que nunca.

Paris Match - YannickVely (****)
Galardonada en Berlín por su puesta en escena, la realizadora francesa firma su mejor película hasta la fecha con una Isabelle Huppert que alcanza la perfección.

20 Minutes - Caroline Vié (****)
Una cineasta sensible, combativa y emancipada que sabe mostrar las cualidades y defectos de sus personajes, hacer que sean humanos y sencillamente próximos.

Le Figaroscope- Marie-Noëlle Trachant (****)
Una puesta en escena ligera, alusiva, muy bien ambientada, a la que no le falta la amplitud necesaria.

Télérama - Jacques Morice (****)
Una película que da tanta importancia a las palabras como al silencio y que no olvida el humor. Y luego está Isabelle Huppert, conmovedora en su pánico, pero que sigue hacia delante, abierta a cualquier posibilidad, en un presente infinito.

Un jefe en pañales

2017

Duración 97 min.

País Estados Unidos

Director Tom McGrath

Comedia familiar sobre la repercusión que tiene en el hogar la llegada de un nuevo hijo, contada desde el punto de vista de un narrador deliciosamente indigno de confianza: un niño de 7 años llamado Tim, dueño de una imaginación desenfrenada. El singularísimo Jefe en Pañales llega al hogar de Tim en un taxi, luciendo un traje, maletín en mano y hablando con la voz de Alec Baldwin. La rivalidad que surge entre los dos hermanos queda, a regañadientes, a un lado cuando Tim descubre que el Jefe en Pañales es en realidad un espía en misión clandestina y secreta y que sólo él puede ayudarle. A continuación, tiene lugar una estrafalaria aventura cuando los diminutos socios se disponen a frustrar una ruin trama que incluye una épica batalla entre mascotas y niños.

Inspirada en el muy vendido libro ilustrado de Marla Frazee, esta alocada comedia para todos los públicos cuenta con las voces de Alec Baldwin como el Jefe en Pañales; de Steve Buscemi como el infame Francis E. Francis; de Jimmy Kimmel y Lisa Kudrow, que dan vida a los inocentes padres de Tim y del Jefe en Pañales; de Miles Bakshi como Tim, y de Tobey Maguire, que es el narrador de la película.

Desde el estudio que trajo a nuestras pantallas Shrek, Kung Fu Panda y Madagascar, llega ahora UN JEFE EN PAÑALES, de DreamWorks Animation.

Para el director Tom McGrath, más conocido por haber dirigido para DreamWorks los tres taquillazos de la serie Madagascar y la fantasía de supervillanos Megamind (2010), UN JEFE EN PAÑALES es un relato muy personal. Tom recuerda cómo el libro le tocó la fibra sensible en cuanto cayó en sus manos. "El libro de Marla cautivó realmente mi atención. Era un libro de cartón arrebatador a más no poder, de unas 30 páginas, y yo ni siquiera sabía lo popular que era. Pero me recordó mi infancia y la dinámica de mi propia familia, algo que al instante puso a mi imaginación en una quinta marcha alocada, pensando en lo fantástico que sería ampliar el libro hasta convertirlo en un largometraje".

El más pequeño de dos hermanos, McGrath fue el Jefe en Pañales de su familia y se dio perfecta cuenta de la conmoción que provocó su llegada. Imaginó el relato como una carta de amor a su hermano mayor. "Al guionista, Michael McCullers, y a mí nos entusiasmó inmediatamente la metáfora central del libro: qué ocurre cuando llega un bebé y se apodera de tu casa", dice Tom. "Mi hermano y yo estábamos muy unidos en nuestra infancia, aunque también nos pegábamos como todos los hermanos. Pero a medida que crecíamos, cada uno se convertía en el mejor amigo del otro. Para mí, la película es un homenaje de amor a él. Se inspira en muchas cosas que experimentamos creciendo juntos. Está ambientada con toda intención en una urbanización de una ciudad pequeña, pero también es una combinación de los años sesenta, setenta y ochenta. Creo que los padres sentirán nostalgia cuando vean la película porque advertirán detalles que les recordarán su propia infancia".

Además de su atracción cómica general, la sentida naturaleza del relato y el notable encanto de los principales personajes fascinaron inmediatamente a la productora Ramsey Naito. "La historia era un espejo de mi vida. Mi hijo mayor tenía siete años cuando llegó el más pequeño, y sentía auténticos celos justo como nuestro protagonista, Tim. Me identifiqué al instante con la historia de los hermanos", dice Naito, cuyo amplio currículo incluye títulos como Bob Esponja: La película, Jimmy Neutron: El niño inventor, y South Park: Más grande, más largo y sin cortes. "Me gusta que festejemos el poder de la fantasía y la imaginación infantiles en esta película".

Naito también menciona que la película es francamente especial puesto que brinda algo con lo que puede disfrutar toda la familia, y consigue revelar algo nuevo e inesperado en cada latido del relato. "Primero, vemos la llegada del Jefe en Pañales y descubrimos que es un bebé muy poco habitual que viste un traje y tiene una voz como la de Alec Baldwin", explica. "Luego, nos compadecemos de Tim porque él tiene la sensación de que sus padres no podrán quererlo tanto como antes. Aunque pronto se da cuenta de que algo muy diferente rodea a su nuevo hermanito. Por último, nos vemos envueltos en la misión secreta, que incluye la broma del espía de élite, y Tim descubre que los dos hermanos tienen que unir sus fuerzas para salvar al mundo".

Naito añade que "si bien la película es muy cómica y entretenida, esta odisea une muchos y distintos niveles emocionales. Aunque el Jefe en Pañales provoque, al principio, el caos en Tim y en su familia, acaba enseñándoles algunas lecciones valiosas sobre lo que verdaderamente importa".

Como el libro de Frazee solamente se centra en el Jefe en Pañales y sus padres, la sensación de McGrath era que la película tenía que introducir a un hermano mayor. La idea consistía en que la película se narrase desde el punto de vista de un niño que tiene un hermano pequeño, añadiendo a la mezcla el interesante y universal elemento de la rivalidad fraterna. Para que ayudase a desarrollar el guión, DreamWorks designó al aclamado escritor Michael McCullers (Las aventuras de Peabody y Sherman, Mamá de alquiler, las películas de Austin Powers).

"Yo tengo cuatro hijos, y dos de ellos tenían en aquella época tres y cinco años", dice McCullers. "Inmediatamente me llamó la atención la metáfora central del libro: qué ocurre cuando llega un niño y toma posesión de tu casa. Tom y yo nos esforzamos para idear formas de ahondar en los orígenes de este Jefe en Pañales. ¿Para qué clase de empresa trabaja? ¿Cuál es su misión? Eso nos dio la ocasión de estudiar el mito del nacimiento de forma genial y divertida".

McCullers afirma que concebir la historia desde la perspectiva de un preocupado niño de siete años fue un momento importantísimo en el periplo creativo de la película. "Ése es el núcleo emotivo de la historia", explica. "Nos dimos cuenta de que ha habido muchas películas de niños que han tratado los sentimientos que acompañan a la llegada de un hermano o hermana nuevos. En realidad es una de las primeras y elementales dinámicas familiares. Gira en torno a compartir el amor y superar los celos que inevitablemente aparecen. En cierto modo, padres e hijos se identificarán fácilmente con la situación de la película, porque todos hemos experimentado estos problemas en nuestras propias familias de una u otra forma; naturalmente, sin el niño mandón del traje".


Un Cariñoso Homenaje a los Dibujos Animados Clásicos
Uno de los elementos clave que diferencia a esta película es su singular estilo visual. Tal y como ha sucedido en la mayoría de los largometrajes de DreamWorks Animation, los realizadores buscaban crear una apariencia general que encajase con el tema y las líneas argumentales de las películas. En los últimos años la animación ha avanzado hasta el extremo de casi poder reproducir el realismo fotográfico de la acción real. En el caso de Un Jefe en Pañales, a McGrath y a su equipo les entusiasmaba crear un mundo de fantasía que invitase a los espectadores a introducirse en un entorno artístico que sólo pudiera ser creado en la animación, y que supusiera una vuelta al mundo elástico y propio de la historietas, tan característico de los grandes clásicos.

"Yo crecí con los clásicos de Chuck Jones y Bob Clampett", recuerda McGrath. "Esta película me dio la oportunidad de recuperar la magia que la animación de la vieja escuela podía plasmar en dos dimensiones, aunque llevándola mucho más lejos gracias a la moderna tecnología de la creación por ordenador. Nosotros queríamos que estos personajes fueran flexibles y con cuerpo. El resultado es que nuestros personajes pueden comunicar gran parte del argumento a través de expresiones y actuaciones, algo que la animación no había podido hacer en el pasado. Nuestro mundo es francamente distinto del duro y gráfico bidimensional que vemos actualmente en la televisión".

David James, diseñador de producción de la película, cuyo extenso currículo en DreamWorks incluye Monstruos vs aliens, Megamind y Las aventuras de Peabody y Sherman, afirma que el equipo creativo quería rendir homenaje a algunos de los cortometrajes y largometrajes clásicos de animación que todos ellos adoraban y veneraban. "Todos somos incondicionales de Chuck Jones y Maurice Noble y admiramos la estética artesanal de muchos de los cortometrajes de esa Edad Dorada de la animación", dice James. "Por ejemplo, La dama y el vagabundo (1955), de Disney, tenía un maravilloso sentido de nostalgia y encanto, que evocaba la estética de la época victoriana. Queríamos lograr lo mismo, pero ambientando nuestra película en un pasado más reciente".

James señala igualmente que la película está llena de enigmáticos detalles sacados de la experiencia personal de los artistas del estudio. "Cuando Tom me lanzó la idea de la película, me sentí emocionado por el hecho de que tuviera como impulso motor a un personaje que está pasando por una experiencia que es casi universal: ¡La enorme injusticia de tener hermanos!", explica James. "Como diseñador, es muy emocionante trabajar con este panorama más amplio que nos permite asignar significado a todos los diseños cuando sabemos a dónde tiene que llevar todo esto".


La Voz Perfecta para el Jefe en Pañales
Uno de los más grandes y especiales golpes maestros cómicos de la producción fue fichar al actor Alec Baldwin para el personaje que da título a la película. El actor, más conocido por sus característicos papeles en Rockefeller Plaza, The Cooler y La caza del Octubre Rojo, es el perfecto candidato para interpretar a un niño que lleva traje, maletín y da órdenes a todos a fuerza de ladridos.

"Mi personaje trabaja para una compañía llamada Baby Corps, y es enviado a espiar a la gente para averiguar lo que quieren niños y padres", explica Baldwin. "Es algo parecido al estudio de mercados o al espionaje industrial, así que entra en esa casa para obtener información. El truco consiste en que él es un bebé –pero también un visionario–, y en que la meta de mi personaje es convertirse en el más grande. Yo quiero llegar a ser como mis mentores, el Súper Gran Bebé Jefazo… o el Súper Colosal Enorme Bebé Jefazo… Y así sigue sin parar la tontería como en el mundo de los dibujos animados".

Baldwin apunta que aunque la idea central de la película es estrafalaria y ridícula, está llevada a la práctica con grandes dosis de refinamiento, ingenio e imaginación. "Nuestro director, Tom McGrath, y nuestra productora, Ramsey Naito, son inteligentísimos en la forma como logran que todo salga adelante y manejan la película. Además de todo ello, la película también oculta en su interior un maravilloso corazón, ya que el Jefe en Pañales acaba siendo ganado por la idea de formar parte de la familia. Además, hay muchas escenas locas y una acción desenfrenada, porque en animación puede hacerse cualquier cosa".

El actor asegura que su propia familia pasó por momentos semejantes de rivalidad fraterna cuando nació su hijo. "Mi esposa y yo tenemos una hija de tres años y antes del nacimiento de mi hijo, ella era la reina de la casa, adorada por todos y con todos pendientes de ella. Entonces llegó mi hijo, y era el primer varón; yo perdí el seso. En aquel momento, mi hija tenía dos años. Se quedaba mirando a su hermano como si pensara: 'Algo va a cambiar aquí. ¡Sabes que tenemos que arreglar esta situación!' Para mi hija, pues, se abrió un proceso que le permitiera aceptar a su hermanito. Cuando, por fin, le dio un beso, todos rompimos a llorar. Creíamos que ese día no llegaría jamás".

Baldwin afirma que en la película Tim pasa por una experiencia muy parecida. "Pasa todo el tiempo con sus padres. Entonces, aparece el Jefe en Pañales, que no es solamente un bebé sino su peor pesadilla con forma de nene. Él es… ¡Bueno! Es un chico listo, maquinador y maquiavélico, pero el argumento no funcionaría si Tim no fuera también inteligente. Así que tuvimos que hacer que el personaje de Tim fuera también muy perspicaz, aunque sea un diablillo con un corazón de oro".

Baldwin se ríe cuando le preguntan por qué se le da tan bien interpretar a tipos duros o patronos exigentes. "En mi casa no mando yo", dice. "Quiero decir que soy parecido a la forma de vida más baja. Creo que si un día desapareciera, mi esposa y mis hijos ni se darían cuenta, hasta que llegara el momento de echarle gasolina al coche en medio de un frío glacial".

El actor afirma haber aprendido mucho sobre interpretación de los viejos dibujos animados de Warner Bros. "Mel Blanc me enseñó a interpretar a esos personaje con la autoridad y el tipo de ostentación que exigían. Viendo al Gallo Claudio y todos esos dibujos animados de Bugs Bunny, uno se da cuenta de que cuando estos tipos meten la pata o son vencidos por alguien, la situación es verdaderamente divertida. No todas las partes que uno interpreta son como la de Boo Radley en Matar a un ruiseñor. Yo siempre interpreto a personajes extravagantes hasta decir basta y trato de dar todo lo que puedo, porque eso es lo que el papel exige".

Baldwin también concede gran parte del mérito del éxito del proyecto al guionista de la película Michael McCullers. "Andaba por allí cuando estábamos realizando la primera ronda de grabaciones. No es verdaderamente posible que una película sea buena sin un excelente guión. Muchas personas que son grandes cantantes no componen las canciones; solamente las interpretan. Nosotros nos limitamos a hacer que los renglones suenen bien. Yo no compongo las canciones; sólo las canto".

El actor también cree que Jefe en Pañales, como sus dos anteriores colaboraciones con DreamWorks —Madagascar 2 y El origen de los guardianes— ofrece la combinación perfecta de entretenimiento familiar, chistes para niños y cosas para que los mayores también disfruten y se rían. "Me explico. Es como una película de Bugs Bunny en la que pudiéramos deshacernos de los candelabros e imitar a Liberace con toda su chaladura. Los niños no entendían lo que estaba haciendo pero los padres sí. Y todo era muy divertido y funcionaba a distintos niveles. Creo que por eso Jefe en Pañales también atraerá a todos".


Una Familia de Voces Familiares
Para interpretar el papel de la madre de Tim, los realizadores recurrieron a la talentosa actriz cómica Lisa Kudrow (Friends, The Comeback). Anteriormente, la actriz, ganadora del Emmy y en nueve ocasiones candidata a dicho premio, ha prestado su voz a varios proyectos de animación como El Americano, BoJack Horseman, Los Simpson y El rey de la colina, pero afirma que encontró este papel en particular especialmente gratificante.

Kudrow asegura que ser la madre de un único hijo le ayudó a entender todo por lo que la madre de Tim pasa en la película. "Soy madre de un hijo único y sé cuánto se me necesita. Imagino, por tanto, que será verdaderamente duro tener dos hijos y ser totalmente consciente de que hay que tratar de que parezca que no se presta demasiada atención ni se quiere demasiado a uno o a otro. ¡Me parece, en fin, que es bueno que yo sólo haya tenido uno!"

Kudrow, que fue la pequeña de tres hijos, reconoce que ella también fue el Jefe en Pañales de su familia. "Yo era la nena de la casa y mis hermanos tenían ocho y seis años más que yo. Recuerdo que cuando era pequeña hacía algo que verdaderamente los enojaba. Luego, tan pronto como mi padre llegaba a casa, ellos empezaban a abalanzarse sobre él para quejarse. Entonces, yo decía: 'Bueno, ¡es que soy pequeña!', y mi padre decía: 'Es verdad… no es más que una niña'. Era una auténtica maldad por mi parte".

Kudrow explica que es natural que un chico como Tim tenga la sensación de que el Jefe en Pañales ha llegado a su familia para causar estragos. "Tim estaba acostumbrado a ser el único y apreciadísimo niño de la familia, y a recibir toda la atención", explica. "Me parece que probablemente le arropan durante 30 minutos ante de dormir, incluido todo el repertorio de canciones y cuentos. Luego, llega al Jefe en Pañales y simplemente no hay tiempo para todo eso, no es extraño, pues, que esté un poco resentido. Pero como Tim y el Jefe en Pañales se ven envueltos en una batalla contra Puppy Co., tienen que trabajar juntos y, entonces, aprenden a quererse, al igual que ocurre en la vida cuando uno comienza a compartir experiencias con la familia".

La polifacética actriz asegura haber disfrutado de veras trabajando con el director Tom McGrath y también con la productora Ramsey Naito. "Los dos son fantásticos y es muy divertido trabajar con ellos", comenta. "Tom te permite jugar un poco y añadir nuevos materiales a medida que vas actuando, y Ramsey es ahora como una nueva amiga. Durante el rodaje realmente conecté con ella".

Kudrow afirma estar verdaderamente encantada con el aspecto de la película, con su sentido del humor y con su potente mensaje. No menos le agrada que Alec Baldwin preste su voz al Jefe en Pañales. "Nada puede salir mal con Alec Baldwin en el papel de un niño con traje que mangonea a todo el mundo", añade. "Esa voz tan profunda le hace divertido a rabiar. ¡Puedo ver a un niño que mirase hacia atrás e imaginara que así eran las cosas cuando llegó el pequeño!"

La actriz dice que a las familias les encantará la película porque es divertida y tiene una gran dosis de cariño. "El cariño se gana. Los niños pasan muchos apuros juntos y aprenden mucho el uno del otro".

Para el papel del padre de Tim, el director Tom McGrath pensó en Jimmy Kimmel, cómico y productor y presentador de programas de televisión de madrugada, después de oír una entrevista que le hicieron en la radio cierto día. "Creo que oyó mi voz y pensó que ése era al que tenía que conseguir para que interpretara al Papá; luego, cometió el error de llamarme", dice el cómico, bromeando. "Ha sido divertidísimo. Tom me parece una persona muy agradable y paciente, y siempre tiene sugerencias excelentes. Cuando quiera que llego al estudio y estoy actuando, me parece que debo estar horrible. No es posible que esté haciendo un buen trabajo. Pero él parece estar contento conmigo. Al menos, miente y finge que estoy haciendo un trabajo de primera".

Kimmel asegura que disfrutó de veras con su primera experiencia como actor de doblaje en un proyecto de largometraje de animación. "Cuando era niño, yo quería crear historietas y me vuelve loco dibujar", reconoce el actor. "Me encantó, pues, participar en la realización de una película de animación. Sigo sin tener ni idea de cómo esos asombrosos artistas son capaces de armar un proyecto tan enorme, pero su talento me tiene impresionadísimo".

Afirma el cómico que la película contenía, sin duda, un paralelismo con su propia familia. "Tengo una hija de dos años y no hay duda de que ella es la Jefa en Pañales de nuestra casa", explica Kimmel. "Es como si nosotros fuéramos sus sirvientes. Creo que ella piensa que nosotros somos el personal de servicio de la casa porque yo le hago tortitas por la mañana y les doy la forma que ella quiere. Ya saben ustedes. Sea lo que sea, sus deseos son órdenes".

Habiendo sido él mismo hermano mayor, Kimmel también tiene su propia experiencia con sus hermanos. "Tengo una hermana y un hermano más jóvenes, ¡yo sería el Tim de esta particular situación!", explica. "Cuando yo era un niño, convencí a mi hermano de que yo era Superman. De vez en cuando, solía organizar una búsqueda del tesoro para mi hermana, dejándole pistas por toda la casa. Luego, al final de la búsqueda, el tesoro sería una bolsa de recortes de las uñas de mis pies o algo parecido".

Kimmel afirma que la película logra en gran medida captar verdades auténticas sobre la dinámica familiar y la forma como los padres reaccionan a lo que hacen sus hijos, siendo a la vez muy divertida de principio a fin. "Evidentemente, hay mucho en Un Jefe en Pañales que es exagerado; pero, naturalmente, las relaciones entre los padres y su hijo, y entre el hijo y su hermano pequeño, son muy, muy reales. Hay un elemento de imaginación que tenemos cuando somos niños y que se desgasta cuando crecemos, que es excelente".

Él también cree que hijos y padres responderán positivamente a la película. "A los niños les va a encantar el Jefe en Pañales y reaccionarán ante la situación de rivalidad fraterna. También hay chistes que los niños no entenderán y que sin duda harán disfrutar a los adultos. El núcleo de la película es una historia sobre una familia, sobre unos padres que aman a sus hijos y sobre el mundo que crean juntos. Creo que todo el que haya sido niño en su día o que tenga hijos propios puede identificarse con ello".


Poniéndole Voz al Villano de Francis E. Francis
El veterano actor Steve Buscemi (Boardwalk Empire, Los Soprano) interpreta a Francis E. Francis, el perverso fundador y presidente de Puppy Co., donde nuevos y adorables cachorros son creados para que el mundo los ame. En la película, el Jefe en Pañales y Tim tienen que infiltrarse en Puppy Co. a fin de apoderarse de cierta información. "La forma como lo hacen es acompañando a sus padres, que trabajan en Puppy Co., a su oficina en el Día de 'Traiga a sus Hijos al Trabajo'", explica Buscemi. "Una vez dentro, caen en una trampa tendida por Francis E. Francis, que comprende que están tratando de frustrar su malvado plan".

Francis E. Francis tiene un arma secreta en el monísimo Cachorro Eterno. "Este cachorro vivirá eternamente y, por lo tanto, siempre será amado", observa el actor. "Pero él necesita la fórmula secreta que mantiene jóvenes a los niños de Baby Corp., y acaba robándosela al Jefe en Pañales a fin de que su Cachorro Eterno se mantenga joven".

El actor también alaba la emocionante escena en la que Tim y el Jefe en Pañales tienen que llegar a una convención en Las Vegas para impedir que Francis saque al mercado al Cachorro Eterno. "Hay una maravillosa secuencia de persecución que lleva al gran clímax de la escena", explica Buscemi. "Se suben a un vuelo para imitadores de Elvis Presley que los lleva a Las Vegas, y acaban desbaratando el plan de Francis E. Francis trabajando en equipo. La otra cosa importante de la película es que, al principio, a Tim no le gusta su hermanito, mientras que al Jefe en Pañales tampoco podría importarle menos su hermano mayor. Pero, más adelante, acaban necesitándose y ayudándose mutuamente; en realidad no sólo acaban cayéndose bien sino queriéndose".

Buscemi, que tiene un hermano mayor y dos hermanos pequeños, afirma que él también entendió por completo la idea de rivalidad fraterna que estudia la película. "Yo recuerdo lo terriblemente mal que me sentí cuando mi hermano Michael llegó justo después de mí. Tenía la sensación de que estuviera invadiendo mi terreno y no me gustaba. Imagino que lo mismo le ocurrió a mi hermano mayor, Johnny, cuando yo llegué pero yo no lo vi de esa forma. Es grande tener hermanos pero a veces es difícil llevarse bien y compartir el amor".

El prolífico actor, que también prestó su voz a Randy en Monsters Inc. y Monsters University, dice haber disfrutado mucho con la experiencia de trabajar con profesionales como el director Tom McGrath y la productora Ramsey Naito. "El reto de realizar una película de animación consiste en que la animación no esté acabada cuando uno vaya a grabar sus diálogos. De modo que hay que contar con que el director facilite una clara imagen visual. Tom era muy bueno a la hora de evitar que me fuera por las ramas y a la de darme una perspectiva visual global del relato. También jugamos con el personaje y tratamos de interpretarlo de distintas formas, para poder dar a los de animación mucho material de trabajo. Siempre era una aventura llegar y ver qué podía ocurrírsenos juntos. Ramsey está entre los productores (de uno u otro sexo) más amables con los que yo haya trabajado. Toda la experiencia de DreamWorks ha resultado francamente sencilla. Ellos han sido muy complacientes y todo el ambiente fue muy creativo".

Buscemi cree que las familias se identificarán fácilmente con la película porque ésta logra representar a la perfección la dinámica padres-hijos. "Creo que capta de verdad toda la dinámica entre los padres y sus hijos, y cuánto amor hay en ella. Sin embargo, vista con sus ojos, a los niños les pondría nerviosos no saber cuánto duraría ese amor cuando se presentase un nuevo hermano. La película muestra de forma excelente cómo funciona la imaginación de Tim. Él inventa todas estas situaciones. Naturalmente, tener una gran imaginación puede funcionar igualmente en sentido opuesto. También puede acabar en un lugar oscuro cuando él imagine que no tendrá siempre el amor de sus padres".


Proporcionando el Hilo de la Narración
El actor Tobey Maguire (la trilogía de Spider-Man, Las normas de la casa de la sidra) es el narrador de la película. "Tim es un niño feliz de siete años que tiene unos padres que le adoran y que al principio es hijo único, pero cuando le dan la noticia de que va a tener un hermano menor, no le entusiasma demasiado tener que compartir el amor y el tiempo de sus padres", explica Maguire. "Está luchando con la transición y se ha inventado un montón de cosas sobre el Jefe en Pañales porque tiene una imaginación muy viva".

Maguire señala que la relación de Tim con su hermano está llena de desavenencias. "Tim desconfía mucho de su nuevo hermano porque es parecido a un hombre pequeñito que tiene un plan, y le gustaría desenmascararlo para así recuperar la atención de sus padres. Pero luego los hermanos tienen que unir sus fuerzas y ayudarse mutuamente para luchar contra Francis y detener su plan de destruir Baby Co".

Cuando la misión del bebé está cumplida y tiene que irse, Tim piensa que es feliz pero le ha cogido mucho cariño a su hermano pequeño y, en definitiva, no quiere que se vaya".

El talentoso actor dice que la película le parece muy divertida y que es muy fácil identificarse con el argumento. "Los temas de la película se dejan ver por medio de la fantasía; mediante la idea verdaderamente divertida de que Alec Baldwin sea un Jefe en Pañales, lo que es una bomba. Pero también es posible identificarse con ella porque quien haya estado en cualquiera de estos papeles, como padre o como hermano, probablemente haya experimentado algo de esto".

Maguire también va directo al grano afirmando haber disfrutado mucho trabajando con Tom McGrath y el resto de su equipo creativo. "Ha estado excelente y ha sido muy fácil trabajar con él", señala, "pero lo que realmente admiro es su creatividad. Es auténticamente imaginativo y muy divertido. Creo sencillamente que ha encontrado un tono tan encantador como singular para esta película".


Guiones Gráficos y Animación
El jefe de argumento de Un Jefe en Pañales, Ennio Torresan, dice que conectó inmediatamente con las emociones humanas que evocan algunas de las escenas clave de la película. "Yo trabajé con Tom [McGrath] en Megamind y en las películas de Madagascar, y compartimos el mismo sentido del humor", afirma. "El hecho de que también entremos y salgamos de la mente de nuestro personaje principal, Tim, fue algo que nunca habíamos hecho y a mí me encantó. Yo tengo dos hijos pequeños por lo que también tenía que enfrentarme en casa a problemas de celos entre hermanos. Cada lunes le contaba a Tom historias sobre lo que había sucedido en casa y cómo mis hijos casi me matan en el fin de semana. ¡También tratamos de usar nuestra propia experiencia en la película!"

Torresan, que dibuja guiones gráficos con lápiz, papel y Photoshop, asegura haber hallado mucha inspiración en las obras de los legendarios animadores Friz Freleng y Tex Avery. "Freleng era todo un modelo de sincronización de música y temas", observa. "Me gusta pensar en nuestro director como en alguien loco, brillante y cómico como Mozart. Respira comedia y todos tratamos de emularle".

Esta veneración de un estilo de animación retro y bidimensional, amén del deseo de crear personajes memorables y adorables, también significaban mucho para Carlos Puértolas, el director de animación de la película. Veterano de DreamWorks Animation, cuyo historial incluye Madagascar 2, Madagascar 3, El origen de los guardianes y Home: Hogar, dulce hogar, Puértolas dice que supo que la película iba a ser especial en cuanto oyó la orientación que le iba a dar McGrath. "Es la película perfecta para la animación porque se cuenta desde el punto de vista de un niño pequeño", dice. "La imaginación tiene un gran papel en las vidas de los niños al igual que en nuestra película".

Tal y como Puértolas indica, él y el resto del equipo de animación trabajaron de firme para asegurarse de que los personajes resultasen atractivos desde cualquier ángulo. "Pongamos, por ejemplo, al Jefe en Pañales. Estamos oyendo la voz de Alec Baldwin, pero el personaje es un nene monísimo y encantador. Queremos que el público tenga ganas de cogerle de los mofletes. Lo mismo ocurre con Tim. Queremos que sea un agradable niño de siete años. Lo que puede resultarle encantador a un adulto quizá le parezca ñoño a un joven aficionado al cine. No queremos que Tim sea un llorón, pero el personaje necesita tener un poco de pose para que el público joven se identifique con él".


Diseño y Edición
Para Kent Seki, responsable del diseño, la película proporcionaba una oportunidad para experimentar con diferentes estilos cinematográficos, especialmente durante las secuencias de fantasía de Tim. "Podíamos imponer los elementos estereoscópicos en esas secuencias porque esas aventuras tan elaboradas sólo suceden en la imaginación de Tim", dice Seki. "También teníamos la posibilidad de explorar una fotografía con efecto diorama, algo que no habíamos hecho antes. Este estilo fotográfico se basa en el movimiento del plano de cámara y la rotación de los objetivos, lo que crea un efecto de miniatura y mucho más íntimo. El diorama hace que las personas de Baby Corporation parezcan pequeñas y vulnerables. Después de que el Jefe en Pañales abandona la corporación para volver con su familia, eliminamos esa ilusión óptica para dar más profundidad al efecto 3D y al enfoque. Eso refuerza el contenido emocional del momento".

Otro aspecto del filme que le gusta especialmente a Seki es la manera en que el director Tom McGrath utiliza la acción dinámica y la enorme cantidad de trabajo de previsualización para planificar la fotografía. "Intentábamos permanentemente mejorar la interpretación de los personajes, sobre todo la cómo exteriorizan sus emociones", añade. "Examinábamos una y otra vez la estructura ósea (rigging) de los personajes para obtener la mejores emociones posibles. Constantemente repasábamos la iluminación con los diseñadores de arte y, durante todo el proceso, conseguimos un proyecto mejor. En general, tengo que decir que hemos elaborado una película que aglutina el legado del cine de animación tanto en sus opciones estéticas como narrativas. Es una verdadera demostración de técnica artística".

Para Jim Ryan, editor principal del filme, uno de sus principales retos fue encontrar momentos especialmente propicios y dar con la mejor forma de acercarse a ellos. "El estilo de animación de la película, particularmente en los números cómicos, es muy abierto", explica. "Podemos proporcionar una visión más general en la parte de comedia, y, sin embargo, ajustarnos un poco más al detalle, adoptando un enfoque más de dibujos animados, en esos momentos concretos".

La debilidad de Ryan por el mítico cine de Steven Spielberg también contribuyó a dar forma a las secuencias que corresponden al imaginario de Tim. "Tim se embarca en cuatro fantasías diferentes: corre por una selva, se pelea con un gorila, tripula una nave espacial, pilota un submarino para rescatar a sus padres de los tiburones, así que el estilo de edición que usábamos nos permitía evocar algunas de esas películas tan familiares".


El Bello Arte de la Animación Digital y los Efectos Visuales
Crear animación digital y efectos visuales para una película sobre una típica familia que vive en las afueras y su muy inusual bebé puede ser tan difícil –si no más– que preparar un gran éxito de la taquilla veraniega.

"Elaborar todos los detalles de la habitación de Tim con sus juguetes puede ser tan complicado como crear una persecución imaginaria en el jardín, donde tenemos que conseguir efectos divertidos para el césped", dice el supervisor principal de efectos visuales Ken Bielenberg, un veterano de películas tales como Shrek, El gato con botas y Monstruos vs aliens. "Hay tanta acción en esa escena de persecución que tuvimos que asegurarnos de que la interpretación de todos los personajes fuera nítida aunque sus movimientos fueran muy rápidos. También tuvimos que descubrir cómo pasar delicadamente de personajes, entornos y árboles digitales hasta el más estilizado y pictórico matte painting (imágenes estáticas utilizadas como fondos)".

Bielenberg señala que aunque Un Jefe en Pañales no es en sí misma una película de "efectos especiales", sin embargo, está llena de secuencias que exigían un uso inteligente de la tecnología. Un buen ejemplo es una escena en la que el Jefe en Pañales finge estar enfermo para distraer a su niñera, Eugene. "Esta larga secuencia de vómitos, con apariencia de proyectiles, tenía que ser planeada al detalle", afirma Bielenberg. "El liquido interactúa con los personajes —con su pelo y su ropa— y eso afecta a la hora de la aplicación del revestimiento. Se necesita un relato de dónde ha ido exactamente el vómito y dónde ha interactuado con el material".

El supervisor principal de efectos visuales Tony K. Williams señala que la fascinación de McGrath por la era de los clásicos de la animación y artistas como Mary Blair ejerció una enorme influencia en cómo el equipo incorpora la animación 2D en sus diseños y efectos visuales. "No es fácil conseguir que algo parezca simple", afirma. "Nuestro trabajo es atenuar las formas hasta el mínimo más absoluto. En otras películas en las que hemos trabajado, lo que teníamos que hacer era justo lo contrario, añadir más detalles, y eso es mucho más fácil. Nuestro trabajo aquí es conseguir una animación muy nítida y definida. ¡No puedes ocultar nada!"

Para hacer que el rostro del Jefe en Pañales fuera lo más atractivo posible, Williams y su equipo debieron trabajar con deformaciones geométricas extremas. "Tuvimos que hacer que esas formas se ajustaran más a una estética de dibujos animados; con esos grandes ojos y atractivas expresiones faciales", apostilla. "Otro rasgo relevante es el pelo que fuimos capaces de crear para este filme. Me siento muy orgulloso del cabello de Tim; ¡ha sido elaborado de forma que su aspecto es estupendo desde todos los ángulos posibles!"

Trabajar en el conjunto de bebés mientras se desplazan por la cinta transportadora de Baby Corp. fue una de las partes favoritas de la labor de Vanitha Rangaraju como supervisora de efectos visuales. "Es una secuencia onírica durante la cual introducimos al Jefe en Pañales", señala. "Queríamos lograr ese ambiente etéreo y celestial. Nuestro objetivo era que se apreciara la mano del artista que se advierte más allá de la tecnología digital y conectar directamente con el público".

Rangaraju señala que, en algunas ocasiones, el departamento encargado de generar multitudes tenía que producir hasta cuatrocientos bebés para una escena. "Por supuesto, ya habíamos creado multitudes para muchas de nuestras películas anteriormente, pero no se pueden comparar con esto. La piel de los bebés tenía que parecer translúcida y suave. Nuestro departamento de texturas tuvo que trabajar muy duro para conseguir esos atributos. Utilizamos muchos efectos de dispersión subsuperficial (un mecanismo que transporta la luz haciéndola penetrar en la superficie de un objeto translúcido) para permitir que la luz atravesara la piel".

El supervisor digital Vimal Subramaniam afirma que tanto la estética del filme como las sensaciones que provoca son muy distintas a las de otros proyectos en los que ha trabajado anteriormente: "A diferencia de otras películas, ajustamos la estética para que coincidiera con el ánimo de nuestro protagonista, Tim. Cuando Tim piensa que él es el centro del mundo, la luz le ilumina, y cuando piensa que no lo es, su figura está fuera de la luz. La paleta de colores tiene una mezcla de análogas y complementarias combinaciones de colores, todos basados en el estado anímico que transmite el filme. Asimismo, nuestra iluminación se centra mucho en los personajes y en la dirección artística para expresar las emociones de Tim durante todo el tiempo. El matte painting (fondo de la pantalla) es muy impresionista y el acabado es sumamente estilizado; ¡lo que incluye incluso hasta los detalles de la madera en los muebles!"

El supervisor de efectos Mitul Patel añade, "Todas las demás películas en las que hemos trabajado han tenido formas y ritmos muy realistas, pero en el caso de Un Jefe en Pañales los efectos se usan para hacer más divertido el filme. Las formas son simples, pero detrás hay una dirección artística, y el ritmo es muy ágil y como de dibujos animados. Eso supuso un reto en aquel momento, puesto que nuestras herramientas (es decir, los solucionadores) están construidas en base a la física del mundo real, así que tuvimos que trabajar un poco más duro para conseguir darle al filme la estética y ritmo deseados".

El supervisor de iluminación Rajarajan Ramakrishnan dice que McGrath fue muy concreto respecto a una cosa muy sencilla: la filosofía "Luz es amor". "Necesitábamos comprender esa simple filosofía y utilizar nuestras herramientas y técnicas para cumplir con la visión que él tenía del filme", señala. "Yo soy padre de una niña de dos años, y como la película trata sobre el vínculo emocional entre hermanos, significaba mucho para mí. Estábamos introduciéndonos en un espacio visualmente muy íntimo. Nuestras opciones de configuraciones de iluminación y matices ópticos tenían que reflejar las especiales interpretaciones de los personajes y las sinceras emociones del filme".

Rápidos y furiosos 8

2017
Duración 136 min.
País Estados Unidos
Director F. Gary Gray
Reparto Vin Diesel, Dwayne "The Rock" Johnson, Jason Statham, Charlize Theron,Michelle Rodriguez, Tyrese Gibson, Ludacris, Helen Mirren, Scott Eastwood,Chris Bridges, Eva Mendes, Kurt Russell, Kristofer Hivju, Jordana Brewster,Nathalie Emmanuel

Por muchas experiencias aterradoras que los miembros del grupo hayan vivido juntos, como tirarse en coche desde un avión, un rascacielos o una montaña, la idea que los une nunca cambia, y esa idea es la familia.

Dom y Letty están casados, Brian y Mia han decidido retirarse y las autoridades han perdonado al resto del equipo; parece que todos pueden llevar una vida normal. Pero una mujer misteriosa (la oscarizada CHARLIZE THERON) vuelve a atraer a Dom al mundo delictivo del que, aparentemente, no puede desligarse. Dom traiciona a sus seres más queridos y todos deberán enfrentarse de nuevo a pruebas inesperadas.

Desde las playas de Cuba a las calles de Nueva York, pasando por las llanuras árticas bañadas por el Mar de Barents, los amigos cruzarán el globo en un desesperado intento por detener a unos anarquistas dispuestos a convertir el mundo en un caos... y para llevar a casa al hombre que les hizo ser una familia.

Para FAST & FURIOUS 8, el primer capítulo de la trilogía final de la franquicia producida por Universal, se une a VIN DIESEL en el papel de Dom Toretto, que se ha pasado al otro bando, un elenco estelar compuesto por habituales y famosos recién llegados.

DWAYNE JOHNSON vuelve a dar vida a Hobbs, el agente de la DSS que deberá reunir a su gente para enfrentarse a Dom e impedir la destrucción del planeta; MICHELLE RODRIGUEZ como Letty, la lugarteniente que se las sabe todas y cuya misión es hacer sacar a su marido del otro lado; TYRESE GIBSON como Roman, un seductor con mucha labia y un encanto que siempre le saca de cualquier apuro; CHRIS "LUDACRIS" BRIDGES como Tej, el brillante técnico y mecánico; JASON STATHAM como Deckard Shaw, un asesino a sueldo del servicio secreto y que tiene más en común con los enemigos del equipo de Dom de lo que jamás imaginó desde su celda de máxima seguridad; KURT RUSSELL como el Sr. Don Nadie, el agente federal que no teme salir de los límites de la ley; NATHALIE EMMANUEL como Ramsey, una hacker genial de cuyo invento quieren apoderarse todos los gobiernos y grupos terroristas del mundo, y ELSA PATAKY como Elena, la expolicía de Río de Janeiro y actual agente de la DSS que se verá obligada a escoger entre lo imposible para salvar a sus seres queridos.

Además de CHARLIZE THERON, que interpreta a una enigmática persona llamada Cipher, la ciberterrorista más peligrosa del mundo de la que Dom se ha enamorado, la saga da la bienvenida a actores como SCOTT EASTWOOD en el papel de Eric Reisner, el protegido del Sr. Don Nadie, también llamado Pequeño Don Nadie, y la oscarizada HELEN MIRREN, una de las mujeres más misteriosas que jamás ha aparecido en la saga.

F. GARY GRAY, el cineasta responsable de taquillazos de la talla de Straight Outta Compton, la biografía musical más taquillera de la historia del cine, The Italian Job, Cómo conquistar Hollywood y Friday dirige la película producida por los habituales socios NEAL H. MORITZ, el padrino de la saga Fast & Furious y la fuerza motriz de Soy leyenda, así como MICHAEL FOTTRELL (Fast & Furious 7, Fast & Furious 5) y Vin Diesel. Escrito y dirigido por el arquitecto de la serie CHRIS MORGAN (las entregas de Fast & Furious, Wanted-Se busca), el thriller de acción está basado en los personajes creados por GARY SCOTT THOMPSON (The Fast and the Furious).

El director F. Gary Gray se ha rodeado de un equipo técnico compuesto por colaboradores habituales de la familia de Fast & Furious y nuevas caras. Volvemos a encontrarnos con el conocido director de fotografía STEPHEN F. WINDON (Fast & Furious 7, Fast & Furious 6); el director de producción BILL BRZESKI (Fast & Furious 7, Iron Man 3); los montadores CHRISTIAN WAGNER (Fast & Furious 7, Fast & Furious 5) y PAUL RUBELL (Thor, Collateral); la diseñadora de vestuario MARLENE STEWART (Oblivion, Tropic Thunder); el coordinador de vehículos DENNIS McCARTHY (Fast & Furious 7, Fast & Furious 6); el director de la segunda unidad SPIRO RAZATOS (Fast & Furious 7, Fast & Furious 6), y el compositor BRYAN TYLER (Fast & Furious 7, Fast & Furious: aún más rápido).

AMANDA LEWIS (las entregas de Fast & Furious) y SAMANTHA VINCENT (las entregas de Fast & Furious) se ocupan una vez más de la producción ejecutiva, además de Chris Morgan.


Se acabó la familia: Empieza la producción
Fast & Furious 7 fue la culminación con una gran carga emocional de la querida franquicia. No solo los productores y el director querían homenajear el legado de Paul Walker, la persona que simbolizaba el corazón de la película, sino también a la chispa que la primera The Fast and the Furious: A todo gas encendió entre el público hace ahora más de 15 años y que se vuelve a encender con una nueva generación de seguidores.

El final del rodaje y la gira de promoción por todo el mundo fueron agotadores porque todos se entregaron totalmente. Y entonces surgió la inevitable pregunta: ¿Realmente iba a ser el final de la saga?

Ante la decisión de seguir o acabar con la franquicia, los productores Neal H. Moritz y Vin Diesel, el guionista Chris Morgan, los ejecutivos de Universal Pictures y los actores se pararon a reflexionar muy seriamente sobre el siguiente paso que debían dar. La familia de Fast & Furious estaba de luto y a la mayoría no se le ocurría una razón que justificase seguir con la saga. Los amantes del riesgo y de la velocidad del este de Los Ángeles capaces de burlar a la ley habían alcanzado la fama internacional con sus atrevidos e inimaginables golpes, y de paso habían perdido amigos y ganado enemigos en el camino. Pero eso sí, estaban decididos a ser fieles a sus raíces.

Los productores estaban convencidos de que debían hacer algo completamente diferente si la serie iba a seguir adelante. Cuando por fin se decidió que la franquicia tenía más historias que ofrecer, optaron por arriesgarse y tomar un camino totalmente inesperado. La sorpresa para el fiel club de fans de la saga sería mayúscula. Desde la primera entrega, la familia y su unión ha sido la base de la historia, pero esta condición fundamental se pondría a prueba.

"Solo estaba dispuesto a seguir adelante con la saga si construíamos juntos la mejor trilogía final en honor al legado de nuestro hermano Paul y de Universal, que nos ha apoyado durante todos estos años", explica Vin Diesel, productor de la saga desde Fast & Furious: Aún más rápido. "Con Fast & Furious 7 no solo nos centramos en hacer la mejor entrega de todas, sino en honrar lo que representaba. La clave del siguiente capítulo reside en poner a prueba los temas centrales de todas las películas hasta la fecha, y hacerlo de forma convincente y entretenida".

El guionista Chris Morgan vuelve por sexta vez a la franquicia y también es uno de los productores ejecutivos. En su papel de arquitecto de la serie, del que diseña e inventa los múltiples acontecimientos de la historia, este capítulo le planteó las mayores dificultades hasta ahora. Incluso puede decirse que representó una auténtica hazaña para el guionista.

"En realidad, FAST & FURIOUS 8 trata de las consecuencias de un instante de enorme importancia que cambia todo lo que uno cree. ¿Qué ocurre cuando el patriarca, el hombre que defiende a la familia a capa y a espada, da la espalda a los suyos? ¿Qué ocurre si se pasa al otro bando? ¿Cómo puede una familia alzarse contra un hermano? Era un tema único y algo aterrador", reconoce Chris Morgan. "El dramatismo es tremendo y nos proporcionó la razón que buscábamos para seguir adelante".

No cabe duda de que la premisa era atrevida. Una vez que Chris Morgan, Neil H. Moritz y Vin Diesel tuvieron claros los puntos principales de la historia, se dieron cuenta de que podían lanzarse en una nueva dirección con una historia absorbente sin perder ese espíritu "fuera de la ley" que tanto atrae a los seguidores.

"Siempre me asombra que seamos capaces de desarrollar y mantener esa línea borrosa entre el bueno y el malo en esta serie", comenta el productor Neil H. Moritz. "Todos los personajes, los antiguos o los nuevos, han escogido caminos diferentes. Nunca empezamos un capítulo con ideas preconcebidas de lo que deberían hacer o de cómo deberían ser, por eso crecen de forma orgánica en cada película. Nos llena de satisfacción descubrir la cantidad de lugares a los que pueden ir. Y eso es parte de lo que gusta a los espectadores; quieren a los personajes, pero nunca saben realmente cómo van a reaccionar".

Con cada nueva entrega, Neil H. Moritz y Vin Diesel, además de mantener al público en tensión, quieren que se divierta con lo más inesperado. Una de las condiciones indispensables siempre ha sido encontrar a un director que dé lo mejor a todos los niveles y que respete la voz de cada uno de los personajes. Justin Lin sentó las bases para cuatro capítulos realmente memorables al dar una nueva dirección a Tokyo Race. Y James Wan no se quedó atrás con la memorable Fast & Furious 7, que batió todos los récords de taquilla.

Y ahora es el turno de F. Gary Gray, un cineasta conocido por su versatilidad y que tiene en su haber la aclamada biografía Straight Outta Compton, los thrillers El negociador y The Italian Job, la comedia de culto Friday, entre muchas otras. Proyectos que no tienen nada que ver uno con otro, pero es lo que gusta a F. Gary Gray.

El realizador reconoce que le atraen los proyectos complicados. Cuando se le ofreció la posibilidad de dirigir un capítulo de una de las mayores franquicias de Universal, F. Gary Gray se sintió intrigado. Inmediatamente empezó a buscar el gancho que le inspirara y ofreciera un reto. "Un artista siempre irá más lejos cuando se le presenta un desafío, y esta película representaba un gran desafío", explica el cineasta. "Desde un principio quise aportar algo nuevo a la saga. Para mí, todo empieza con la historia, y ésta es completamente diferente. No se parece en nada a lo que hemos visto en las entregas de Fast & Furious".

FAST & FURIOUS 8 era la oportunidad perfecta para F. Gary Gray de dirigir una película de gran presupuesto a la que podía aportar su singular perspectiva, así como su toque personal en la dirección de actores con el fin de conseguir una experiencia nueva a todos los niveles.

Estaba decidido a llevar la saga en una nueva y fascinante dirección. Además de aportar ideas innovadoras que encajaban con el estilo visual, F. Gary Gray ya había trabajado con muchos miembros del reparto. Por ejemplo, dirigió a Vin Diesel en el thriller de acción Diablo, a Jason Statham y a Charlize Theron en The Italian Job, y a Dwayne Johnson en Be Cool. Aparte de eso, conoce bien a Tyrese Gibson y a Chris "Ludacris" Bridges por verse a menudo en fiestas de la industria y por sus comienzos profesionales como director de videoclips y anuncios.

Vin Diesel estaba encantado con que su talentoso amigo se uniera a la familia de Fast & Furious. "Sabía, por la película Diablo, lo que Gary podía hacer con un personaje lleno de sombras. Estaba convencido de que sería perfecto", dice. "Como director, se centra sobre todo en las interpretaciones, y por eso tenemos a actores oscarizados en esta película. Todos sabíamos que cuidaría de los matices interpretativos necesarios para este capítulo tan especial".

F. Gary Gray supo dónde quería llegar desde el momento que se reunió con los productores para hablar del tono y la dirección de la película. "Dom Toretto siempre defiende el concepto de familia, pero en este caso hace exactamente lo opuesto de lo que se espera. No solo quería ser parte de una historia completamente diferente a las anteriores, sino también de una interpretación nunca vista de Vin y del resto del reparto. El hecho de que Dom esté en contra de su familia nos permite explorar emociones totalmente diferentes".


Que nadie se fíe de nadie: El reparto de la nueva entrega
Vin Diesel y F. Gary Gray entienden la dinámica de un personaje. El director se empeñó en documentarse y volvió a ver cada una de las entregas, además de leer los comentarios en redes sociales de millones de acérrimos fans en todo el mundo. Se quedó sorprendido ante lo que descubrió, pero también le ayudó a saber cómo satisfacer los deseos de un público entregado con este nuevo capítulo.

Decidió dedicar la misma duración e importancia a los pequeños momentos íntimos y a las aceleradas secuencias de acción. Los fans de Fast & Furious están acostumbrados a que las partes más emotivas empiecen y acaben con la historia de amor entre Dom y Letty.

Michelle Rodriguez empezó a dar vida a la leal Letty Ortiz en 2001 y siempre ha defendido la idea de que la relación de la pareja debe ser tan realista como posible, sobre todo teniendo en cuenta la tumultuosa historia que les rodea. La relación entre los dos protagonistas se ha visto amenazada en varias ocasiones, sobre todo en Fast & Furious cuando todos creyeron que Letty había muerto. Incluso durante su ausencia, la presencia de Letty era palpable, hasta llegar a su breve reaparición en Fast & Furious 5 y a su reincorporación a la familia en Fast & Furious 6.

Una historia de amor tan poco convencional como la suya es una de las razones por las que la saga de acción sigue atrayendo a tantos seguidores después de casi dos décadas de existencia. "El regalo más poderoso que puede hacer una mujer es entregar su amor", dice Michelle Rodriguez. "Lo maravilloso de Dom es que sólo ve la fuerza del amor y esto demuestra el tipo de hombre que es. Hace falta un hombre especial para aceptar a una mujer fuerte. ¿Pero no reside ahí la belleza del amor? Si de verdad quieres a alguien, estás tan cerca de esa persona que sólo importa lo uno siente por el otro. Es exactamente lo que Vin y yo intentamos comunicar con la relación entre Dom y Letty. El auténtico mensaje de este amor idealista impulsa a la gente a defender a sus seres próximos, a luchar juntos y a tener fe en el ser humano".

Después de superar todas las conspiraciones que les separaron durante años, en FAST & FURIOUS 8 Dom y Letty se han casado y disfrutan de la belleza y tranquilidad de Cuba. Pero todo está a punto de cambiar cuando una misión rutinaria se tuerce y Dom traiciona a todos los que le importan.

Ante las pruebas irrefutables de que Dom se ha unido a una ciberterrorista, las dudas empiezan a surgir entre los miembros del equipo, y los lazos que existen entre ellos se vuelven frágiles. Letty es la única que sigue creyendo en Dom, apoyada por un amor que ha triunfado y evolucionado con los años. "La fe es lo único que mueve a Letty en toda la película. Conoce a Dom, sabe cómo piensa y cómo funciona. Jamás había tenido que enfrentarse a algo tan duro, pero la relación de Letty y Dom nace del amor incondicional que les une", dice Michelle Rodriguez.

"El amor entre los dos es tan profundo que, por muy oscura que parezca la situación, Letty luchará por él pase lo que pase", añade Vin Diesel.

Después de producir los siete capítulos de una de las franquicias más taquilleras del mundo, Neal H. Moritz cree que el trabajo colectivo del equipo les ha dado la libertad y la seguridad suficiente para crear nuevas y sorprendentes historias, lo que implica arrasar con lo que creen saber los fans. "Hemos creado una auténtica mitología, y no me refiero solo a los personajes, sino a los mundos en que se desarrolla la saga. Nos abre un sinfín de direcciones, literal y figurativamente, para que los personajes exploren caminos que ni imaginábamos hace unos años", explica. "Nacen y desaparecen relaciones. Todo contribuye a que sea una saga especial. El problema es que tenemos muchas historias que contar, y lo difícil es decidir cuáles vamos a contar en cada película".

Con Fast & Furious 5 los productores empezaron a añadir nuevos personajes que podían desaparecer en un capítulo o desarrollarse y reaparecer en los siguientes. Regresaron actores muy queridos, como Tyrese Gibson, Chris "Ludacris" Bridges, Sung Kang y Gal Gadot, y aparecieron nuevos miembros del equipo, como Dwayne Johnson y Elsa Pataky.

Luego llegaron Ramsey, encarnada por Nathalie Emmanuel, la hacker y activista que creó el Ojo de Dios, el prototipo de seguimiento que da pie a la trama de Fast & Furious 7; el encantador Sr. Don Nadie, creado por Kurt Russell, y el poderoso personaje de Jason Statham, con una primera aparición en el último momento de Fast & Furious 6 que dejó a los seguidores boquiabiertos ante la conexión sorpresa con la muerte de Han en A todo gas: Tokyo Race, y expectantes ante los desarrollos inesperados en Fast & Furious 7.

Con la idea de la familia vuelta del revés, los productores y el realizador entraron en un territorio sin explorar: el pasado de algunos de los personajes. Los espectadores entrevieron lo que pudo ser la vida del malhablado y forzudo Hobbs cuando apareció su hija Samantha para visitarle en el hospital en Fast & Furious 7.

Chris Morgan trabajó con Dwayne Johnson para construir el pasado remoto del agente de élite de la DSS, el policía por excelencia cuyo código moral se ha flexibilizado gracias a la relación con Dom. Pocos son capaces de ir más allá del caparazón profesional que exhibe Hobbs cada día, pero a medida que el equipo se ganó su respeto y confianza, empezó a nacer cierta camaradería entre ellos.

Y por esa misma razón, Hobbs no puede perdonar la actitud de Dom en esta entrega. Dom le traiciona durante una misión encubierta en Berlín en la cual Hobbs se convierte en daño colateral y debe valerse por sí mismo. El gobierno estadounidense le da la espalda y acaba encerrado en la misma cárcel de máxima seguridad que su gran enemigo Deckard Shaw. Ahora que ya no está del lado de la ley, Hobbs empieza a desprenderse de las obligaciones que le ataban a ese mundo y que sacaban de él su mejor versión.

Dwayne Johnson se alegró de que este nuevo capítulo fuese una oportunidad para que su personaje creciera y, sobre todo, para intercambiar golpes verbales y físicos con su amigo Jason Statham. "Hobbs no se corta, me encanta que sea así en la franquicia", explica el actor. Desde Fast & Furious 5 puede decir lo que le da la gana. La trama de esta entrega nos ofrece, a Jason y a mí, una libertad enorme. Estábamos empeñados en crear la típica relación Butch-Sundance; al público le encantará. Dos tipos muy graciosos y muy brutos insultándose, pero que al mismo tiempo desarrollan un vínculo entre sí".

Siempre dispuesto a sumergirse en la acción, Dwayne Johnson estaba totalmente de acuerdo con las ideas del guionista, del cineasta y de los productores: "Hobbs se ve obligado a entregar su placa, es un momento terrible para él. Aun así, no tarda en volver a hacer lo que más le gusta, intentar pillar al malo". Poco importa si debe saltar desde un edificio, desde la pasarela de una cárcel de máxima seguridad o a un lago congelado, Hobbs siempre atrapa al que persigue. Dwayne Johnson añade: "Los submarinos enormes que nos persiguen y los coches conducidos por control remoto que salen disparados de un rascacielos, son dos ejemplos del nivel de la acción en esta entrega. Los fans tienen derecho a un postre doble, y que les pillará por sorpresa".

Deckard Shaw, el agente secreto dedicado a perseguir a Dom y a su equipo, ha estado esperando en una cárcel de máxima seguridad, por lo que la llegada de Hobbs a esta misma prisión le alegra la vida.

"Deckard siempre se guarda algo en la manga, y es genial seguir el enfrentamiento con Hobbs", explica Jason Statham. "Dwayne y yo tenemos la oportunidad de usar la tensión entre los dos personajes para hacer cosas geniales. Puede decirse que los dos son realmente como el agua y el aceite, no se mezclan".

También se revelará parte del pasado de Shaw y se descubrirá que el operario británico tiene un fuerte código moral y familiar que acaba transformándose en un respeto hacia su rival. Owen, el hermano pequeño de Deckard, interpretado por el actor galés Luke Evan, apareció por primera vez en Fast & Furious 6 como un malo tan astuto como hábil que demostró ser un adversario a la altura de Dom y su equipo. Cuando Deckard vio por última vez a su hermano pequeño, este luchaba desesperadamente por su vida en un hospital debido a la venganza perpetrada por Dom.

En cuanto a Hobbs y Shaw, el director quería que el intercambio verbal subiera de tono como anticipo de la revancha después de Fast & Furious 7. La pelea en cuestión, ideada por el Sr. Don Nadie para que Hobbs escape de la cárcel, es el comienzo de una épica trifulca en la prisión de máxima seguridad. Hobbs, que aún no ha superado su vida de agente federal, se lanza detrás de Shaw cuando este quiere huir, dando pie a otra escena en la que los dos adversarios se enfrentan de nuevo.

"Hobbs y Gray están en la misma cárcel, pero luchan por razones muy diferentes, por eso la secuencia es tan dinámica", explica el cineasta. "Además, una de las cosas que más me gusta es que usan dos estilos de artes marciales totalmente diferentes. El estilo de Jason Statham es más frío, más puro, con toques de parkour, mientras que Dwayne es pura fuerza; lo aplasta todo y aparta a todos de un puñetazo. Me encanta el contraste en sus estilos. Esta escena va a convertirse en un momento cinematográfico clásico".

Meterse en la piel del mismo personaje cada dos años es un lujo del que no disfrutan todos los actores. Por quinta vez, Chris "Ludacris" Bridges encarna a Tej, el brillante técnico y mecánico del equipo, y no tiene inconveniente en decir que le encanta recibir los guiones de Chris Morgan. El peinado afro y el mono que lucía en su primera aparición en Rápido y Furioso 2 desaparecieron hace tiempo. Ahora se compra ropa elegante y herramientas caras.

"He llegado al punto en que Tej forma parte de mí. Cuando alguien me dice lo que debería o no debería hacer, me lo tomo como algo personal", dice el actor, riendo. "Me esfuerzo en que progrese con cada entrega, que no se quede estancado. Me tomo muy en serio lo que hace y dice en la pantalla. Los espectadores no saben realmente quién es Tej. El hecho de que ahora sea el miembro que más sabe de técnica del equipo es una transición genial".

Nathalie Emmanuel regresa para encarnar a Ramsey, a la que vimos por primera vez en Fast & Furious 7 como la creadora del Ojo de Dios. La guapa y solitaria mujer se siente ahora más cómoda dentro del equipo y trabajando con Tej. Mejor aún, ahora dispone de recursos ilimitados.

La lealtad de Letty es inquebrantable, pero no ocurre lo mismo con Ramsey, la primera que pone en entredicho la actuación de Dom. "Ramsey no conoce a Dom como le conocen los demás, no lleva tanto tiempo con ellos", explica Nathalie Emmanuel, que alcanzó la fama gracias a su papel como Missandei en "Juego de tronos". "La familia le ha abierto los brazos, pero es una persona que se basa en la lógica. Para ella cuentan los ceros y los unos, el cálculo, e intentar entender lo que pasa desde la lógica. Además, Ramsey no es tan emotiva como los demás, es la única que se plantea de verdad si les ha traicionado".

La productiva asociación entre Tej y Ramsey ha dejado a Roman a un lado, intentando encontrar su lugar en la ecuación. Hasta ahora, Roman ha sido la fuente de humor que equilibra la acción explosiva y el dramatismo que sirve de base a las entregas de Fast & Furious. No importa en qué situación se encuentren, es el primero en meterse con la autoridad y decir lo que piensa, arrancando una carcajada del público.

Tyrese Gibson da vida al llamativo Roman Pearce, el amigo de infancia de Brian O'Conner que reencuentra al policía desacreditado en Rápido y Furioso 2 en Miami. Nada puede con el innato entusiasmo del actor, siempre dispuesto a reunirse con el equipo y el trepidante ritmo de los rodajes de Fast & Furious.

Cuando Vin Diesel no estaba en el plató con sus compañeros, Tyrese Gibson ideó un remedio para mantener unida a la familia de la saga. Pidió que los carpinteros montaran una zona reservada para los actores y sus invitados no lejos del plató donde podían comer algo, escuchar música, ver la televisión, celebrar un cumpleaños o incluso el final de una dura semana de rodaje".

Según el actor, las relaciones entre los miembros del reparto son muy importantes: "Nosotros, los actores de Fast & Furious, no nos limitamos a decir que somos una familia, lo somos de verdad. Para mí ha sido algo muy importante desde que me uní a la saga, y ahora les he proporcionado un lugar donde relajarse y charlar juntos".

La actriz española Elsa Pataky regresa por cuarta vez a la saga desde Fast & Furious 5 como Elena Neves, la policía de Río de Janeiro que se enamoró de Dom y se convirtió en una fugitiva por amor cuando acompañó a Dom a Las Canarias para empezar una nueva vida. Sin embargo, el idilio se derrumbó con la reaparición de Letty. A pesar de tener el corazón roto, Elena entiende que Dom quiera saber qué le ocurrió realmente a Letty.

Consigue rehacer su vida y se une a Hobbs en la DSS, pero acaba por dejar la agencia de seguridad diplomática y alejarse de todo lo que pasó.

Elsa Pataky está convencida de que la historia de amor que Elena compartió con Dom la une para siempre al hombre que le cambió la vida. "Lo único que realmente importa de Elena y de Dom es que siempre estarán dispuestos a ayudarse. El afecto que les une ya no es de índole romántica, pero se basa en el respeto. Lo que vivieron juntos es la base para una profunda amistad. A pesar de que las apariencias engañan, Elena sabe, como Letty, que la familia es lo más importante para Dom".

Elena siempre será leal a las personas que quiere, pero la lealtad del Sr. Don Nadie aún está por descubrir y esa es una de las razones por las que Kurt Russell disfruta tanto encarnando a un personaje que no revela nada.

"Cuando llegué al plató de Fast & Furious 7, quería crear algo un poco diferente. No se sabe mucho del Sr. Don Nadie, y me pareció un enfoque interesante para la serie. De momento da la impresión de ser un tipo en el que se puede confiar, pero no sé cuánto durará esto, si cambiará o seguirá siendo así", añade con una risita malévola. "Por eso disfruto tanto interpretándole. Toma las cosas como vienen sin inmutarse".


La realeza hollywoodiana: Theron, Mirren y Eastwood se unen al reparto
Los productores siempre están dispuestos a incluir personajes interesantes, historias, y giros inesperados que encajen en las historias de Chris Morgan. Esta entrega de FAST & FURIOUS 8 no dejará a nadie indiferente con sus nuevos personajes interpretados por Scott Eastwood (Escuadrón suicida, El viaje más largo), así como por las oscarizadas Charlize Theron (Mad Max: Furia en la carretera, Blancanieves y la leyenda del cazador) y Helen Mirren (Un viaje de diez metros, La reina) decididos a participar en la carrera de su vida.

Los productores eligieron a la oscarizada Charlize Theron para encarnar a Cipher, la nueva y letal amenaza que consigue que Dom traicione a los suyos en una historia que reúne lo mejor de la fórmula de Fast & Furious.

"Hacía tiempo que queríamos que el malo fuese una mujer asombrosa y pensábamos en Charlize Theron", comenta Vin Diesel. "Ya habíamos hablado con ella un par de veces acerca de unirse a la franquicia, pero cuando surgió el increíble personaje de Cipher, sabíamos que solo podía ser ella".

Charlize Theron reconoce que no le importó en absoluto que la cortejaran para ser parte de una de las franquicias más famosas del mundo, y menos aún cuando supo que le ofrecían el papel de la primera auténtica "mala" de la saga, y quizá también la más letal de todos los enemigos a los que se había enfrentado el equipo. Más aún, este capítulo ofrecería un cambio radical en la serie.

"Nadie puede pedir más", dice la actriz. "No solo me ofrecieron un papel genial en una de las grandes sagas del cine, sino que sería la primera mujer realmente malvada de la serie. Lo consideré un verdadero honor. Cipher va muy en serio y le mueve la codicia, lo que dice mucho del personaje. Como actriz me gustan los personajes que entran en escena y se apoderan de lo que les apetece como y cuando quieren, y lo hacen de forma inesperada".

Cipher sabe manejar los hilos mejor que nadie; es una legendaria hacker famosa por sus hazañas y hace tiempo que sus combinaciones binarias han tenido un papel insidioso en el mundo. Sus tácticas y estrategias son realmente explosivas y dejarán boquiabierto al espectador cuando descubra su maniquea frialdad.

"Un director necesita a un actor que memorice los diálogos del guion, pero que también inspire vida al personaje añadiéndole matices", dice F. Gary Gray. "Charlize es asombrosa. Aporta un realismo y una riqueza que jamás se ha visto en ninguno de los malos de Fast & Furious. Por algo le dieron el Oscar".

Uno de los aspectos inesperados de esta entrega es el formato de thriller para que el público nunca sepa dónde está realmente la verdad. Además, juntar a dos alfas como Dom y Cipher en la misma habitación siempre producirá electricidad, pero aún más si la química de los dos actores es palpable, como ocurre en este caso.

Hablando de la pareja interpretativa Diesel-Theron, el director dice: "Cuando Cipher y Dom están juntos, es alucinante. La química entre Vin y Charlize es electrizante, se nota desde el primer momento, pero se hace más obvia a medida que avanza la película. Nunca se había visto en esta saga. Me enorgullece ser el que lleva el timón porque puedo garantizar que el público no saldrá defraudado de FAST & FURIOUS 8. Incluso diría que se va a sorprender mucho".

Vin Diesel lleva casi dos décadas interpretando a Dom Toretto, pero le impresionó la dimensión que cobraba su alter ego al trabajar con la talentosa actriz. Y reconoce que se esforzó para estar a la altura de Charlize Theron, con la que comparte el mismo enfoque en cuanto al desarrollo del personaje.

"Cuando empecé a trabajar con Charlize, me comentó que yo debía conocer muy bien a Dom", dice Vin Diesel. "Le contesté que le conocía muy bien antes de la aparición de Cipher, pero que a partir de ahora todo cambiaba. No sabía adónde iría Dom. Y así empezó lo que creamos juntos. Me siento muy orgulloso de lo que hemos hecho. Cuando nos veo a los dos en la pantalla hay algo muy fuerte. Me enorgullece lo que hemos conseguido juntos".

Para el octavo capítulo, los productores reclutaron a la también oscarizada Helen Mirren para un papel clave que llega a una alianza inesperada con Dom. Pero ya se sabe, las alianzas en el submundo cambian con rapidez. Sin embargo, la mujer mundana que se reúne con Dom parece sentirse muy cómoda en medio de tanta intriga.

El papel de Helen Mirren en FAST & FURIOUS 8 surgió después de que la actriz británica conociera a Vin Diesel en una fiesta de los Oscar en 2016. Mientras hablaba con el divertido actor, le mencionó que le encantan los coches rápidos y que su sobrino es un fan total de la saga. Después de charlar con Vin Diesel, vio unas cuantas entregas de Fast & Furious y pensó: "¿Trabajar con Vin y conducir un coche? Me parece un papel perfecto".

Vin Diesel estaba encantado de haber conocido a la realeza de las actrices británicas y sugirió a los productores un papel para ella. Se puso manos a la obra con el equipo: "En cuestión de una semana, Gary, Chris y yo le habíamos escrito un papel. De hecho, ese personaje inesperado fue un auténtico regalo para nosotros. Nos dimos cuenta entonces de que era la pieza que faltaba en la trama, era la conexión que habíamos pasado por alto. Añadiré que uno de mis momentos favoritos en FAST & FURIOUS 8 es compartir una escena con Helen Mirren".

El personaje de la oscarizada actriz es una mujer muy segura e inteligente que, detrás de un aspecto reservado, esconde un profundo instinto protector hacia la familia. Helen Mirren reconoce que no sabía qué esperar del papel, pero que le gustaba la idea de unirse al equipo. "Lancé una llamadita al universo y me ofrecieron un papel", dice con una sonrisa descarada. "No tenía ni idea de lo que me esperaba, pero estaba encantada de que hubieran encontrado la forma de incorporarme en la historia. Y acabó siendo un papel genial. Mi personaje es inteligente y fuerte; sabe qué lugar ocupa en el mundo. Para participar en una película de tanta acción a mi edad con estos chicos, hay que esforzarse para no quedarse atrás, y es lo que he intentado hacer con la Sra. Shaw".

Desgraciadamente, el papel de Helen Mirren no le dio la oportunidad de conducir uno de los coches tan característicos de la saga, pero ya se sabe que pueden surgir nuevas oportunidades en el futuro.

Nathalie Emmanuel, de la misma nacionalidad que Helen Mirren, ya no es la última en llegar al equipo. En esta entrega pasa el testigo a Scott Eastwood, que da vida a Eric Reissner, también llamado Pequeño Don Nadie, el protegido del Sr. Don Nadie, interpretado por Kurt Russell, el agente de la CIA de nacionalidad belga y amante de la cerveza que conocimos en la última entrega.

Scott Eastwood no tardó en sentirse a gusto con sus compañeros de reparto, que le recibieron con los brazos abiertos. Su presencia fue muy emotiva para todos, ya que el actor era un gran amigo de Paul Walker desde que se conocieron en 2005 durante el rodaje de Banderas de nuestros padres, dirigida por Clint Eastwood, el padre de Scott.

Una vez más, vemos lo mucho que significa el concepto de familia para todos los miembros del reparto. "Paul era como un hermano mayor. El mero hecho de pensar en hacer este papel fue algo muy emotivo para mí", dice el joven actor. "Al final pensé que él habría querido que cualquiera de sus amigos participara en algo de lo que tanto se enorgullecía, y esto me convenció para aceptar. Una vez en el plató, enseguida me di cuenta de que había tomado una buena decisión".

El código de la familia Toretto tiende a borrar la frontera entre el bien y el mal; nada es blanco o negro. En este aspecto, la ausencia o presencia de Dom no cambia nada.

Otro representante de la ley llega a la saga convencido de estar en el lado correcto y de poder encarcelar, controlar y detener a Dom y a su equipo como a otros delincuentes, como le pasó al agente del FBI Brian o'Conner que acabó uniéndose al grupo, es el agente Hobbs de la DSS. Nadie puede decir lo contrario del escéptico agente Reissner, escogido para encabezar el equipo que debe encontrar a Dom y a Cipher.

Hablando de la paulatina conversión de Pequeño Don Nadie, Scott Eastwood tiene una actitud muy pragmática: "Algunas reglas están hechas para romperse, sobre todo cuando uno se da cuenta de que la frontera entre los buenos y los malos no es tan obvia como parece. Como actor, siempre tengo ganas de meterme más a fondo en la naturaleza humana y en temas morales".

El actor noruego KRISTOFER HIVJU, conocido por dar vida al legendario líder Tormund Matagigantes en la mega serie de fantasía "Juego de tronos", encarna a Rhodes, el brutal lugarteniente de Cipher. Por desgracia para él, ya se sabe que los lugartenientes en desacuerdo con el clan Toretto no suelen acabar bien...


Haciendo historia: Luces, cámara y acción en Cuba (entre otros)
El rodaje de FAST & FURIOUS 8 empezó a principios de la primavera de 2016 con dos unidades rodando en países muy alejados, Cuba e Islandia. Algunos decorados adicionales para la nueva entrega de la saga serían Atlanta, Nueva York y Cincinnati, todos inéditos hasta ahora, y perfectos para servir de telón de fondo a la acción desbordante y al dramatismo esperado por los seguidores.

Los productores consideraban una obligación rodar parte de la película en Nueva York; la ciudad forma parte del ADN de la saga. Todo empezó en 1998 con el artículo "Racer X", publicado por la revista Vibe, en el que se hablaba de carreras callejeras ilegales. El productor Neil H. Moritz se hizo con los derechos inmediatamente y empezó a trabajar para trasladar la idea a Los Ángeles. Así nació una de las franquicias más rentables de Universal Pictures.

Para Vin Diesel, nacido en Nueva York, filmar en la Gran Manzana significa mucho más. "Siempre soñé con llevar Fast & Furious a Nueva York y con que nuestros personajes pisaran el lugar donde empezó todo con el artículo de Vibe acerca de las carreras ilegales organizadas por dominicanos. Nueva York es el perfecto telón de fondo para la película; la secuencia de acción que se desarrolla en la ciudad será difícil de superar. Es asombrosa, nadie se lo espera".

Las localizaciones en Rusia, Cuba y Nueva York para varias escenas clave ya estaban incluidas en las primeras etapas de desarrollo del proyecto y permanecieron en el guion final gracias a la fuerza de la historia de Chris Morgan, sobre todo las localizaciones cubanas.

Los productores han querido mantener en cada entrega el toque especial que representan las carreras ilegales y la cultura underground del tuning que las acompaña. Para seguir homenajeando las raíces de la saga en FAST & FURIOUS 8, inventaron la Milla Cubana como pistoletazo de salida de la historia.

Ahora bien, ¿qué es la Milla Cubana? Dejemos que el director F. Gary Gray sea quien lo explique: "Todos los fans de Fast & Furious saben lo que es la carrera del cuarto de milla. Queríamos introducir algo nuevo y pensamos en la Milla Cubana, una carrera muy peligrosa con muchas curvas y en medio del tráfico. La carrera cruza La Habana y es una auténtica locura. Se nos ocurrió que sería un buen comienzo para esta entrega".

La cultura automovilística cubana forma parte del tejido social de la nación y hace tiempo que los productores pensaron en situar una de las historias en la isla. Pero siempre acababan diciendo que era casi imposible conseguir rodar allí... hasta que todo cambió cuando la administración de Obama restableció las relaciones diplomáticas entre las dos naciones.

Más aún, Dom siente una afinidad natural por el país, algo totalmente lógico, según explica Chris Morgan: "Cuba es conocida por su cultura automovilística, y si alguien puede sumergirse en esa cultura, es Dom Toretto. Lo sabe todo de coches antiguos y entiende lo que significa mantenerlos en buen estado. El ingenio cubano permite que esos coches sigan funcionando con piezas sacadas de un cortacésped, un barco o un tractor. Es el auténtico espíritu del tuning que Dom entiende tan bien".

El productor Michael Fottrell, que se ha ocupado de cuatro entregas de Fast & Furious (Rápido y furioso 2, Fast & Furious: Aún más rápido, Fast & Furious 5 y Fast & Furious 7) rodadas en todo el mundo, se puso en contacto con RON METZLER, un abogado de Washington DC, y con RICHARD KLEIN, asesor de política internacional, para ver qué posibilidades reales existían de filmar en Cuba, un país con muchas variables desconocidas. Richard Klein ya había sido testigo de lo que se requiere para rodar una entrega de la saga cuando se ocupó de hacer posible el rodaje de Fast & Furious 7 en Abu Dhabi.

Los dos conseguirían superar los obstáculos políticos de ambos países. Después de numerosas conversaciones telefónicas y reuniones con José Cabañas, el embajador cubano en EE UU, así como con altos funcionarios del Departamento de Estado, todo parecía empezar a encajar. Eso sí, Michael Fottrell debió cumplir con una larga lista de requisitos legales impuestos por el Departamento de Estado con el fin de conseguir los permisos y autorizaciones de traslado de actores, técnicos, equipo y coches a Cuba.

Al ser un territorio desconocido para el cine estadounidense, Michael Fottrell y su gente realizaron varios viajes de reconocimiento en busca de los decorados perfectos, la infraestructura necesaria, el equipo técnico e incluso de los actores. El productor ya había rodado en Puerto Rico, Brasil y México, por lo que sabía qué necesitaba exactamente.

Cuando los productores y los ejecutivos de Universal se reunieron con altos funcionarios del gobierno de Raúl Castro para explicarles en líneas generales cómo se desarrollaría el rodaje, descubrieron que desconocían la existencia de la saga. Sin embargo, fueron muy amables. Todos regresaron a Estados Unidos para esperar el veredicto.

Por fin llegaron buenas noticias, el gobierno autorizaba el rodaje, pero lo que más sorprendió a todos fue enterarse de lo que había inclinado la balanza a su favor. Cuando se corrió la voz de que los productores de Fast & Furious querían rodar en La Habana, el entusiasmo alcanzó un nivel tan elevado entre los jóvenes cubanos que el gobierno no pudo ignorarlo.

"Allá donde vamos solemos ser muy bien acogidos", aclara Michael Fottrell. "Fast & Furious es realmente una franquicia global. Desde México a Río de Janeiro, pasando por Abu Dhabi y ahora Cuba, los actores y la saga superan cualquier barrera. Es una franquicia unificadora que tiene el poder de abrir puertas en el mundo entero".

Richard Klein añade: "No hay muchas películas con ese poder. Cuba no forma realmente parte del mundo global cinematográfico y no estábamos seguros de si la franquicia era muy conocida. Pero por suerte, su reputación nos había precedido y la saga es famosa y muy popular entre los jóvenes. Temas como la lealtad, la amistad y los coches son universales, y el gobierno no tardó en poner a nuestra disposición todo lo que necesitábamos".

Sin embargo, fueron necesarios varios meses de preparación y conversaciones, tanto en Estados Unidos como en Cuba, para estudiar la situación de forma realista, diseñar un plan y, una vez obtenida la aprobación de ambos gobiernos, preparar in situ las dos semanas de rodaje en la isla durante el mes de abril.

La primera avanzadilla del equipo de 200 personas llegó a Cuba con tres o cuatro meses de antelación para trabajar con los Ministerios correspondientes, el equipo local, los habitantes y los comercios de las calles de la capital donde tendría lugar el rodaje.

La amplitud del acontecimiento histórico que significó el rodaje no pasó desapercibido para nadie. El director F. Gary Gray, Vin Diesel, Michelle Rodriguez y Charlize Theron fueron los primeros en rodar parte de una película de Hollywood en Cuba después del embargo impuesto por Estados Unidos en 1963.

El rodaje empezó un mes después de la histórica reunión entre el presidente Obama y el presidente Castro. Ese día, un equipo artístico compuesto por actores estadounidenses y cubanos se reunió para filmar una alegre fiesta de tuning y una carrera a todo gas aplaudida por los habitantes de La Habana. Un gran número de curiosos esperaba cada día al equipo con la esperanza de ver trabajar a Vin Diesel y a Michelle Rodriguez.

Por otra parte, el equipo estadounidense se quedó asombrado ante los magníficos automóviles clásicos que aún recorren las calles de la ciudad flanqueadas por preciosos edificios coloniales, o ante el famoso hotel Nacional y el no menos famoso malecón, que une la Vieja Habana con el Vedado.

Uno de los momentos más vibrantes del rodaje tuvo lugar con las tomas aéreas realizadas desde un helicóptero conducido por el veterano piloto FRED NORTH. El innovador trabajo de cámara aérea y los múltiples vuelos rasantes sobre La Habana para filmar la carrera en las calles marcaron otro día histórico para Cuba. Por primera vez, un helicóptero estadounidense entraba en el espacio aéreo nacional.

Richard Klein volvió a ser el artífice de las negociaciones. "La idea de rodar algunas tomas con un helicóptero cuajó rápidamente", explica el asesor. "Los primeros días de rodaje fueron increíbles, toda La Habana se paralizó. La gente salía de sus coches, a los balcones, a la calle con tal de ver el helicóptero. Fueron momentos mágicos, sabíamos que hacíamos historia".

La emoción se palpaba en las calles. Para el equipo cubano y los habitantes de La Habana era una prueba tangible de cómo iba a cambiar la relación con Estados Unidos. La emoción de los cubanos conquistó al equipo estadounidense.

El director, Vin Diesel, los productores y las productoras ejecutivas Samantha Vincent y Amanda Lewis, se alegraron enormemente de haber entregado un mensaje de cariño a un país tan bello como humilde. F. Gary Gray resume lo que fue el rodaje en la isla: "Queríamos una primera secuencia genial para la película, pero también queríamos enseñar que Cuba es un país increíble con gente asombrosa. Gran parte de La Habana es algo único en el mundo. Toda la ciudad es una obra de arte repleta de cultura e historia. Queremos que la gente del mundo entero sienta Cuba como nosotros la sentimos".


Acción planetaria y vehículos: Coches de Islandia a Manhattan
La familia Fast & Furious no se limita a los actores en la pantalla, también incluye a los técnicos, muchos de los cuales forman parte de la franquicia desde que nació en el año 2000.

Desde el coordinador de vehículos Dennis McCarthy, al director de la segunda unidad Spiro Razatos, y el equipo de diseño de trucos especiales encabezado por los hermanos JACK y ANDY GILL, que han ideado y ejecutado algunas de las escenas de acción más imposibles imaginadas por el guionista Chris Morgan.

Para las escenas de acción con coches, los productores cuentan con Spiro Razatos. El veterano de la acción con vehículos siempre intenta ir más lejos, consiguiendo realizar lo imposible.

Para FAST & FURIOUS 8, la hazaña fue una persecución con vehículos de todo y tipo en la superficie de un lago helado en el interior de Islandia, y otra a través de las calles repletas de tráfico de Nueva York.

El equipo disfrutó mucho con una agenda repleta de carreras con hasta dieciséis vehículos yendo a toda pastilla mientras se hacían detonar explosivos en la superficie helada para simular la aparición de submarinos.

El helado mar de Barents sirve de telón de fondo para el enfrentamiento final entre Cipher y Dom, que va lanzado como un loco sobre la superficie congelada hacia un submarino nuclear, mientras Hobbs y el resto del equipo le pisan los talones dispuestos a deshacerse de él a la primera de cambio.

Un equipo local se aseguró de que era factible rodar sobre la superficie helada. La planificación fue larga y minuciosa, pero al final valió la pena y los trucos se ejecutaron a la perfección.

Para Dennis McCarthy, el gurú de los vehículos de la saga desde Tokyo Race, este capítulo planteaba dos dificultades relacionadas con las localizaciones por dos razones diferentes.

La localización islandesa que sirve de decorado a la atrevida secuencia rusa del tercer acto estaba muy lejos y las bajas temperaturas afectaban a todo, desde el mantenimiento de los vehículos, pasando por el rendimiento de los mismos, hasta la aceleración que necesitaba Spiro Razatos y su equipo durante la filmación de una asombrosa y épica carrera entre coches y submarinos.

Dennis McCarthy y su equipo adecuaron una flota de vehículos para las condiciones en el Ártico durante la preproducción en el taller que el coordinador tiene en el sur de California y los enviaron a Islandia. Con Dom al volante del DODGE "ICE" CHARGER, Hobbs se lanzara tras él en un CAMIÓN DODGE "ICE RAM" modificado, seguido por Letty en un RALLY FIGHTER, por Pequeño Don Nadie en un SUBARU WRX, por Tej en un tanque militar RIPSAW y por Roman al volante de un LAMBORGHINI de color naranja.

Después de las heladas temperaturas de Islandia, Dennis McCarthy y su equipo pasaron a los coches cubanos de la primera secuencia, donde Dom conduce un CHEVY FLEETLINE de 1953 reducido al mínimo en una carrera contra un FORD FAIRLANE de 1956, el coche más rápido de la isla.

En Islandia, el coordinador de vehículos tuvo que luchar contra temperaturas y condiciones de rodaje adversas, pero en Cuba descubrió que no había piezas de recambio para los coches. Por lo tanto, no le quedó más remedio que llegar a la isla con suficientes recambios para hacer frente a cualquier adversidad.

Todos eran conscientes de que los coches sufrirían durante el rodaje en La Habana y transportaron diez Chevrolet y siete Ford para paliar la masacre automovilística que suele producirse en cualquier carrera de Fast & Furious.

"El problema en Cuba es que era imposible conseguir algo", dice el coordinador. "Pensamos en todas las posibilidades. En Islandia el rodaje fue duro, pero al menos hay piezas de recambio. Llevamos todo tipo de cosas a Cuba, desde un camión grúa, hasta una enorme cantidad de piezas y recambios, absolutamente de todo".

Dennis McCarthy visitó al famoso rey de los coches en Cuba, David Peña, conocido en los circuitos de carreras como "McQueen", que se encargó de buscar los mejores coches de la isla para dar color a la escena que nunca falta en una entrega de FAST & FURIOUS, la fiesta tuning.

Cuba asombró a un auténtico aficionado como Dennis McCarthy: "Es alucinante. Paseas por las calles y tienes la sensación de haber regresado en el tiempo. El 70 por cien de los vehículos es de los años cincuenta e incluso cuarenta. Pero lo más impresionante es lo bien cuidados que están. El entusiasmo y la simpatía de la gente me llegaron al alma".

Bastaba con mencionar la película o que escucharan una voz estadounidense para que los habitantes de La Habana se lanzaran a hacer preguntas. El entusiasmo era palpable entre los cientos de cubanos (y unos cuantos turistas) que se acercaban cada día para ver el progreso del rodaje en los barrios de la capital.

El mero hecho de cargar los coches del rodaje en los camiones era recibido con aplausos. Todos querían hacerse una foto o tocar los vehículos. En el momento en que Vin Diesel o Michelle Rodriguez aparecían, los aplausos se convertían en delirio y la multitud se multiplicaba por diez.

Sin embargo, en opinión de Dennis McCarthy, una de las mejores escenas no tiene nada que ver con carreras ni con maniobras peligrosas. Es la escena en que Hobbs, Shaw y el resto del equipo llegan a lo que parece ser una tranquila planta de enlatado de pescado que sirve de tapadera para algo muy diferente. Cuando el equipo entra en el Valhala, un inmenso almacén lleno de coches, recuerda a la memorable última escena de la ahora clásica En busca del arca perdida, cuando Indiana Jones encuentra el Arca escondida entre cientos de cajas.

Dennis McCarthy recurrió a su agenda personal, donde guarda los contactos de dueños, vendedores, aduanas y fabricantes de coches del mundo entero, para reunir lo mejor de lo mejor bajo un mismo techo.

Hace tiempo que el coordinador sabe que los amantes de los coches siempre están dispuestos a ayudar y a prestar sus más preciados tesoros por el bien de la saga. El propio Dennis McCarthy y el productor Neil H. Moritz sacaron lo más preciado de sus respectivos garajes para el acontecimiento. El equipo de McCarthy consiguió reunir vehículos por un valor aproximado de 17 millones de dólares en el aparcamiento cubierto de FAST & FURIOUS 8 durante varios días antes de rodar la escena en cuestión.

La colección comprendía auténticas joyas de Estados Unidos con coches Dodge, Ford y Chevrolet, además de maravillosas importaciones de marcas como Ferrari, Lamborghini, Jaguar, Toyota, Subaru y un modelo único de Nissan valorado en dos millones de dólares que llegó directamente de Japón, así como motos Ducati, Harley Davidson y KTM Confederate. Todo el reparto y el equipo técnico pasaron por el aparcamiento para admirar la estupenda exposición.

Después de conducir un coche menos potente en Fast & Furious 7, Tyrese Gibson se alegró mucho de que Dennis McCarthy decidiera que Roman conduciría uno de los mejores modelos de FAST & FURIOUS 8.

"Me tocó el Bentley GT Coupé", dice, con su característica sonrisa. "Tres puertas, blanco con raya burdeos. También conduzco un Lamborghini naranja. No puedo pedir más. Me encantan estos coches".

Como buen amante de todo lo que corre, Dennis McCarthy también incluyó un tanque Ripsaw, cortesía del Departamento de Defensa de Estados Unidos, una lancha motora Mystic, un buggy militar Stryker y un helicóptero MD, entre otros vehículos.


Impresionante e ilocalizable: El diseño de producción y de vestuario
Una vez más, los productores recurrieron al conocido diseñador de producción Bill Bzreski para crear los entornos visuales de la película. El diseñador, que ya trabajó en Fast & Furious 7, sabe exactamente qué estilo y diseño requiere la saga. Su misión es facilitar las necesidades del rodaje al mismo tiempo que complementa la historia y la acción.

Esta vez introdujo nuevos elementos ya que el camino que toma esta entrega le permitía entrar en temas más sombríos.

El realizador F. Gary Gray tenía una visión muy concreta en cuanto al tono y a las imágenes de la película, y el intercambio de ideas fue constante durante la preproducción. Telones de fondo con paisajes tan diferentes como Cuba, Rusia, Nueva York y Berlín exigieron un máximo esfuerzo por parte de Bill Bzreski y su equipo.

Aunque el diseñador de producción tuvo poco trabajo en La Habana debido a la belleza natural del lugar, reconoce que fue la localización donde más disfrutó. Está de acuerdo con el realizador y los productores en que Cuba, tal como se ve en FAST & FURIOUS 8, es la Cuba que vivieron durante los tres viajes de preparación previos al rodaje. Estaban empeñados en que la carrera de la Milla Cubana recorriera la parte antigua de La Habana y reflejara la belleza de los barrios coloniales, así como la generosidad y simpatía con que se les había recibido.

"La verdad es que cualquiera puede hacer fotos maravillosas de Cuba. Nunca había estado en un lugar tan fascinante en cuanto a las texturas y a los colores. Hay una maravillosa decadencia melancólica. Nuestro objetivo era mostrar detalles muy específicos para enseñar cómo se vive en La Habana".

Tratándose de decorados construidos desde cero, el preferido del diseñador es la guarida de Cipher. La tecnoterrorista es ilocalizable; no para de moverse, nunca se queda mucho en un sitio para impedir que la encuentren. Su auténtico hogar es un superreactor con una enorme autonomía de vuelo. A pesar de tratarse de un avión como hay pocos, era importante para Charlize Theron que reflejara adecuadamente a su personaje porque se pasa la mayoría del tiempo dentro. Además, Vin Diesel, Kristofer Hivju y unos cuantos actores más debían estar cómodos y tener la libertad de incorporar el entorno a su interpretación sin sentir el agobio de un espacio reducido.

"Es la primera vez en toda mi carrera profesional que he hablado tanto de un decorado con un diseñador de producción", reconoce la actriz. "Pero me pareció muy importante que todo el contenido de este reducido espacio dijera algo acerca de Cipher, sobre todo porque se sabe muy poco de ella. A medida que hablaba con Bill, el decorado encajaba cada vez más con el personaje que habíamos creado".

"El diseño es maravilloso", sigue diciendo. "Fue genial trabajar en este decorado y me dio muchas más posibilidades de las que creía tener al principio. Toda mi preocupación por trabajar en tan poco espacio se evaporó porque ofrecía mucho más de lo que esperaba".

Bill Bzreski se basó en el nuevo Boeing 787 Dreamliner para el decorado, pero diseñó un espacio totalmente moderno en grises y tonos oscuros con toques muy eclécticos con el fin de conseguir un ambiente más intelectual y estético.

El avión tiene dos decorados diferentes. En la parte superior se encuentra el lujoso espacio donde vive Cipher, la armería y la sala de operaciones. La inferior está reservada a la carga, el personal y las entrañas del reactor.

El decorado de la cárcel de máxima seguridad diseñado por Bill Bzreski está en el polo opuesto. La mayoría del rodaje se realizó en una antigua fábrica situada al norte de la ciudad de Atlanta. El diseñador transformó la parte del edificio dedicada al almacenamiento de maquinaria en un decorado de niveles múltiples con escaleras, una docena de celdas y una cafetería. El espacio era perfecto para que el coordinador de especialistas J.J. PERRY y el coordinador de peleas JONATHAN EUSEBIO diseñaran el mayor de todos los enfrentamientos entre Hobbs y Shaw durante una revuelta organizada por los presos.

"A los diseñadores de producción siempre nos gusta hacernos con un espacio dedicado a un propósito y transformarlo en algo totalmente diferente. No puedo remediarlo, siempre imagino cómo podría cambiar los espacios. En este caso, funcionó muy bien. Conseguimos toda la profundidad vertical que querían Gary y el equipo de especialistas para la pelea. Este decorado se construyó específicamente para facilitarles la tarea de desarrollar una coreografía perfecta".


El diseño de vestuario
Para la premiada diseñadora de vestuario Marlene Stewart, conocida por Noche en el museo, Vacaciones y Ali, hacerse cargo de una franquicia tan querida como esta representaba un desafío creativo importante. En primer lugar quiso rendir homenaje al pasado sin dejar de reconocer la nueva dirección tomada por los personajes en esta entrega. Artísticamente, se concentró en el giro del personaje de Dom y en la introducción de Cipher.

El gran reactor es una extensión del personaje de Charlize Theron, pero su vestuario, peinado y maquillaje forman parte íntegra de una de las villanas más implacables y complicadas a las que se enfrenta el equipo.

La primera vez que Cipher aparece en la pantalla, vemos lo que ella quiere que veamos. No descubrimos a la fría e impasible sociópata hasta que revela su auténtica motivación. Marlene Stewart y Charlize Theron exploraron diferentes posibilidades para el personaje hasta decidirse por un lujoso estilo con toques muy europeos que encaja bien con una mujer lo suficientemente inteligente, fuerte e ingeniosa como para convertirse en una leyenda entre la comunidad internacional de hackers.

Cipher dispone de fondos ilimitados y se rodea de lo más caro en arte, moda y tecnología, lo que se refleja en su estilo. Es elitista. Lleva ropa muy cara y discreta que solo reconocerán las personas con sus mismos gustos, por lo que Marlene Steward se inclinó por diseñadores como Yves Saint Laurent, Haider Ackermann, Chloe y Rick Owens.

Charlize Theron, refiriéndose a los toques finales en la construcción de su personaje, dice: "Nos esforzamos en crear un look nunca visto con Cipher. La dificultad residía en cómo traducirlo en algo elegante y peligroso a la vez. Desde las trenzas hasta el vestuario, todo está calculado. Me gusta lo que comunica de ella".

A medida que Cipher atrae a Dom a su mundo, este empieza a sufrir una transformación sutil que la diseñadora de vestuario ha sabido reflejar perfectamente. Se acabó el look callejero típico del este de Los Ángeles. Ahora aparece un peligroso mercenario vestido de negro, el color perfecto para Dom, que ha traicionado a su familia.

Incluso Hobbs, el agente de la DSS que no tarda en ocupar el lugar que ha dejado Dom como líder del grupo, ha pasado por ciertos cambios desde su explosiva entrada en Fast & Furious 5 como un impecable representante de la ley. Al pasar Don al otro lado, Hobbs no tiene más remedio que abandonar la legalidad a la que aún se aferraba. Nunca pensó que llegaría a este punto.

El cambio implica que la vestimenta de Dwayne Johnson también debe adaptarse. El estilo militar ha desaparecido. El lenguaje corporal y el código ético permanecen, pero ahora lleva un mono de presidiario y después unos vaqueros al estilo motero, camiseta blanca sin mangas y chupa de cuero.

Marlene Stewart reconoce que el esfuerzo mereció la pena: "Como diseñadora, lo que más me gusta es trabajar con alguien que tiene ideas para compartir y ha pensado en su personaje. Es la mejor forma de colaborar y esto es lo que hemos hecho aquí, sobre todo con Charlize. Se documentó a fondo y ha sabido incorporar el vestuario a su personaje. En realidad, no tiene que ver con la moda, sino con el personaje".


Todos están de acuerdo en que la familia sigue siendo la piedra angular de la familia de Fast & Furious delante y detrás de la cámara. Los 15 años que han pasado desde la primera de las películas, han significado mucho para todos ellos y esperan que los fieles fans de la saga también lo sientan en esta entrega. El director F. Gary Gray lo resume como sigue: "No cabe duda de que FAST & FURIOUS 8 es un nuevo comienzo. Este capítulo marca el principio de una nueva dirección para la saga".