Lucha, jugando con lo imposible
2016
País Argentina
Director Ana Quiroga, Miguel Pérez
El documental dirigido por Ana Quiroga, relata un viaje interno de la mejor jugadora de hockey sobre césped de la historia. Es el proceso de maduración de una mujer que inconscientemente se convirtió en modelo de muchas otras, consagrando su vida al deporte.
Dueña de un talento innato, y del sacrificio necesario para pulirlo entrenamiento a entrenamiento, Luciana Aymar se convirtió en la figura rutilante de un equipo que cambió la historia del deporte femenino en la Argentina, Las Leonas.
“Lucha, jugando con lo imposible”, se trata de la historia de una mujer que es doble campeona mundial, cuatro veces medallista olímpica, y ocho veces elegida la mejor del mundo. El documental es un viaje por los torneos, las victorias y los fracasos, la gloria y la frustración. Pero también es un viaje interno, el proceso de maduración de una mujer que inconscientemente se convirtió en modelo de muchas otras y que lo hizo consagrando su vida al deporte. Un viaje en el que Lucha se embarca junto a la cámara, para que el espectador pueda vislumbrar quién verdaderamente es.
El documental se presentará en el BAFICI el 17 de abril, y el 21 se estrenará en los cines de todo el país.
El documental dirigido por Ana Quiroga, relata un viaje interno de la mejor jugadora de hockey sobre césped de la historia. Es el proceso de maduración de una mujer que inconscientemente se convirtió en modelo de muchas otras, consagrando su vida al deporte.
Dueña de un talento innato, y del sacrificio necesario para pulirlo entrenamiento a entrenamiento, Luciana Aymar se convirtió en la figura rutilante de un equipo que cambió la historia del deporte femenino en la Argentina, Las Leonas.
“Lucha, jugando con lo imposible”, se trata de la historia de una mujer que es doble campeona mundial, cuatro veces medallista olímpica, y ocho veces elegida la mejor del mundo. El documental es un viaje por los torneos, las victorias y los fracasos, la gloria y la frustración. Pero también es un viaje interno, el proceso de maduración de una mujer que inconscientemente se convirtió en modelo de muchas otras y que lo hizo consagrando su vida al deporte. Un viaje en el que Lucha se embarca junto a la cámara, para que el espectador pueda vislumbrar quién verdaderamente es.
El documental se presentará en el BAFICI el 17 de abril, y el 21 se estrenará en los cines de todo el país.
El bosque de Karadima
2015
Duración 98 min.
País Chile
Director Matias Lira
Reparto: Benjamín Vicuña, Luis Gnecco, Ingrid Isensee, Renato Jofré, Francisco Melo, Gloria Münchmeyer, Andrés Reyes, Osvaldo Santoro, Christian Sève, Marcial Tagle,Ricardo Alfonso Vergara, Pedro Campos
Fernando Karadima, párroco y líder de la Iglesia más poderosa de la clase alta chilena,
entre los años 80 y los 2000, es considerado un “Santo” en vida. Thomas, un adolescente
en busca de su vocación, encontrará en el sacerdote a su Director Espiritual. Durante
20 años, Thomy vivirá paulatinamente en carne propia los abusos físicos y psicológicos
por parte del cura, hasta decidir hablar y enfrentar las redes de poder que protegen al
cura y desenmascarar definitivamente al verdadero Karadima bajo la envestidura de
representante de Dios en la Tierra.
“El bosque de Karadima” es la película chilena más vista del 2015 en su país, con 320.000 espectadores. (Rentrack)
Nota del director
“Esta no es un película contra la Iglesia, al contrario, muchos sacerdotes me ayudaron de forma anónima. Fueron 4 años de lucha para sacar este proyecto adelante.
Es fundamental que estos abusos se materialicen cinematográficamente, que la sociedad no olvide, se sensibilice y ojalá que se empodere. El cine es más que entretención”.
Matias Lira
Enredadas... pero felices
2016
Duración 118 min.
País Estados Unidos
Director Garry Marshall
Reparto: Julia Roberts, Jennifer Aniston, Kate Hudson, Jason Sudeikis, Britt Robertson, Hilary Duff, Timothy Olyphant, Sarah Chalke, Shay Mitchell, Margo Martindale, Jon Lovitz,Aasif Mandvi, Jack Whitehall, Sandra Taylor, Ella Anderson
Enemigo invisible
2015
Duración 102 min.
País Reino Unido
DirectorGavin Hood
Reparto: Aaron Paul, Helen Mirren, Alan Rickman, Iain Glen, Barkhad Abdi, Phoebe Fox, Carl Beukes, Richard McCabe, Tyrone Keogh, Babou Ceesay, James Alexander, Lex King, Daniel Fox, John Heffernan, Luke Tyler
La coronel Katherine Powell, una oficial de inteligencia que opera desde Londres, dirige a distancia una operación de alto secreto con drones para capturar a un grupo de peligrosos terroristas en su piso franco de Nairobi, Kenia. Sin embargo, cuando Powell se da cuenta de que los terroristas se preparan para emprender una misión suicida, se ve obligada a cambiar la operación de "capturar" a "matar". Desde su base de Nevada, el piloto de drones estadounidense Steve Watts se dispone a destruir el piso franco, cuando una niña de nueve años se mete en la zona que quedaría arrasada por el ataque. Al entrar en la ecuación daños colaterales imprevistos, la dura decisión de cuándo atacar va pasando a niveles superiores del escalafón de políticos y abogados, mientras el tiempo para tomarla se va agotando.
ENEMIGO INVISIBLE es un thriller internacional contemporáneo ambientado en el turbio mundo de la guerra de drones pilotados a distancia.
La película está producida por Ged Doherty ("Loving", "Amá"), Colin Firth ("Loving", "Amá") y David Lancaster ("Nightcrawler", "Whiplash"). Claudia Bluemhuber ("A Hologram for the King", "Un largo viaje"), Benedict Carver ("Wolves", "Maps to the Stars") y Xavier Marchand ("Suite Francesa", "El cuarteto") son sus productores ejecutivos.
Después de su película de 2007 "Expediente Anwar", el director Gavin Hood regresa al mundo de la guerra contemporánea con el tenso thriller ENEMIGO INVISIBLE, que explora tanto la aplicación práctica como las ramificaciones éticas de la guerra de drones.
"Era consciente de todos los distintos aspectos de la guerra de drones", empieza Hood,"porque había hecho una película sobre actuaciones militares estadounidenses con 'Expediente Anwar'. Había leído artículos, había leído opiniones y había leído libros. Había intentado mantenerme siempre al tanto de lo que pasaba con las fuerzas armadas estadounidenses, pero no había profundizado en esta cuestión concreta del asesinato dirigido".
La oportunidad de explorar este aspecto tan polémico de la guerra moderna surgió cuando Hood leyó el guion de ENEMIGO INVISIBLE del guionista Guy Hibbert, que ha escrito filmes como "Cinco minutos de gloria" (2009), "Omagh" (2004) y "Disparo al corazón" (1998), además de contribuir a numerosas series muy alabadas de la televisión británica.
"Sabía que los drones y la guerra por ordenador iban a cobrar cada vez mayor prevalencia en el siglo XXI", explica Hibbert, "y pensé: 'Vaya, no hay nadie escribiendo sobre esto, así que vamos a examinarlo'".
Hibbert visitó una feria de armamento en París "y había drones por todas partes", recuerda."Todos los fabricantes de armas habían sacado algo de material nuevo. Entonces, empecé a hablar con militares y dijeron que nunca había habido un debate público sobre este tipo de guerra".
"Lo que les preocupaba era que, en la guerra tradicional, el comandante está sobre el terreno y toma una decisión sobre la marcha. Eso no es así en la guerra de drones, así que explorar esa idea me parecía un buen punto de partida para una película".
El guion se desarrolló con los productores Colin Firth y Ged Doherty. "Me encantaron las ideas del guion de Guy", explica Doherty, "y, al final, conseguimos hacérselo llegar a Gavin Hood, que es un director magnífico".
Las cuestiones que planteaba el guion despertaron el interés de Hood: "Se trataba de una obra de un guionista de gran talento que generaba algo que podía suscitar un debate entre el público en general y los medios generales", comenta el director. "Creaba una situación que no tenía respuestas sencillas".
La situación se desarrolla en Nairobi, Kenia. Jefes militares estadounidenses y británicos tienen la oportunidad de asesinar a distancia a un objetivo terrorista clave, Susan Danford (Lex King), también conocida como Ayesha al-Hady, una inglesa conversa y sospechosa de terrorismo con Al-Shabab de gran valor.
El relato se centra entonces en los hombres y mujeres sobre el terreno, que se encargan de seguirle el rastro a la terrorista, así como en el personal de Kenia, Reino Unido y EE. UU., incluidos militares de alto rango y figuras políticas, junto con el piloto del dron y su equipo. Juntos, estas figuras forman la 'cadena de muerte', una estructura de ataque que coordina la identificación de objetivos y la fuerza concreta que se envía para eliminar el correspondiente blanco. También incluye a todos aquellos que discuten y dan las órdenes para atacar el objetivo, y a aquellos finalmente responsables de ejecutar la destrucción del propio blanco.
"Mi título original para la película era 'Cadena de muerte'", señala Hibbert. "A lo largo de siglos de guerra, el general sobre el terreno siempre ha sido el responsable de la decisión de si disparar o no disparar. Con la guerra informatizada, ahora se envían imágenes a los escritorios de todo el mundo y un montón de personas distintas quieren tener algo que aportar".
"Los militares llaman a esto la cadena de muerte y plantea preguntas importantes. ¿Quién tiene el poder para tomar esa decisión, para pulsar ese botón? ¿Son los políticos, o el general de Londres, o el general de Estados Unidos, o el comandante en Kenia? La gente que está a punto de morir en nuestra historia incluye a un keniata, dos británicos y un estadounidense, así que, ¿quién toma la decisión?".
La decisión de eliminar a los objetivos se ve complicada aún más por el problema de los daños colaterales, que una vez más hay que valorar desde la distancia.
"El guion de Guy creaba un escenario muy complejo", prosigue el realizador Gavin Hood, un cineasta sudafricano que cuenta entre sus créditos como director títulos como "El juego de Ender" (2013), "X-Men Orígenes: Lobezno" (2009) y "Tsotsi" (2005). "El guion es informativo en su forma de establecer la situación, la cadena de mando y la forma en que se usa la guerra moderna de drones".
"Vemos lo profundamente que se ponen a prueba las emociones humanas en una situación difícil. Entonces, cuando los espectadores ya son conscientes del proceso, se puede empezar a debatir las ventajas de utilizar esta tecnología".
La cuestión sigue siendo: ¿cuándo se debe usar un arma de guerra? ¿Y cuáles son las consecuencias de utilizar dicha arma? Puede que el arma sea efectiva para eliminar un objetivo pero, ¿cuáles son las consecuencias imprevistas de usar esta arma?
Como indica Hood, cuando se lanza un misil Hellfire desde un dron a gran altura, no es tan preciso como un disparo de francotirador. "Causan grandes explosiones, que hacen saltar muchos escombros", explica el director. "Inevitablemente, cuando ves esa explosión en la película, se hace muy difícil discutir que no podrían producirse daños colaterales. Todo lo contrario, se ve que podría ocurrir con gran facilidad".
"Al usar esta arma, por mucho cuidado que se tenga, se pueden producir daños colaterales y hace falta preguntarse cuáles son los efectos de esos daños colaterales en la población local y en la opinión que pueda tener del mundo occidental".
"Creo que lo que el guion de Guy hace tan magníficamente es animar a mantener un diálogo sincero sobre este tema", agrega. "No es simplista. Los dilemas que afrontan los personajes en la película son reales y no son fáciles de resolver. Sus reacciones a esos dilemas son profundamente humanas y espero que los espectadores puedan encontrar algo con lo que conectar en el filme, ya sea la reacción emocional del piloto del dron o la reacción del comandante en Kenia, o de los que están en Londres o en Estados Unidos".
Los daños colaterales causados por el ataque de un dron van más allá de posibles víctimas humanas. La muerte de civiles, aunque sea accidental, tiene un profundo impacto en la guerra propagandística.
"Esa es una conversación muy importante", opina Hood. "¿Generan en realidad los ataques de drones, que inevitablemente producen víctimas civiles, tanto sentimiento antioccidental que cualquier éxito que puedan tener en la eliminación de objetivos valiosos, se compensa con la creciente animosidad hacia Occidente? Esa es una cuestión de propaganda. En la guerra, la propaganda es una herramienta sumamente importante. ¿Estamos creando propaganda negativa hacia Occidente con el uso de drones?".
"Creo que la película pregunta si realmente estamos ganando al utilizar esta forma de guerra. ¿Ganamos realmente al usar esos drones? ¿Cuándo deberíamos usar esa tecnología? ¿Qué consecuencias tiene el uso de esa tecnología? Ven a ver la película y podrás decidir por ti mismo".
Para el equipo de producción, era vital que el relato planteara esas preguntas tan difíciles a la vez que pidiera al espectador que decidiera por sí mismo las respuestas. "Lo que no quieres como director es sermonear al espectador", apunta Hood. "Te interesa crear una sensación de ritmo, una sensación de tensión, de suspense, mientras que, al mismo tiempo, haces que el espectador se plantee preguntas filosóficas difíciles".
"Para conseguir eso, tienes que hacer que la historia siga avanzando, para mantener la tensión, al mismo tiempo que encuentras momentos en los que la historia se toma un respiro, para evitar que el espectador pueda quedarse atrás. Hay que darle tiempo al público para procesar los argumentos".
"Y entonces, justo cuando el espectador cree haberse puesto de parte de un razonamiento concreto, ofreces nuevos argumentos que le dan un giro completo y haces que el espectador se pregunte: 'Un momento, ¿de verdad pienso lo que pensaba hace un minuto? No, puede que no'. Y justo cuando creen estar de acuerdo con otra postura, introduces otro punto de vista".
La cadena de muerte: Personajes y reparto
Para estimular y mantener este debate entre los espectadores, Hood necesitaba interpretaciones de su reparto que resultaran absolutamente veraces. "Lo que buscada de cada actor era una reacción intelectual y emocional sincera, dada la situación en la que se encuentra su correspondiente personaje", explica.
"Ningún personaje posee un conocimiento completo de la situación que ven en sus pantallas y cada personaje, al igual que cada ser humano, ve el mundo desde la perspectiva en la que se encuentra. Era importante que cada uno de ellos adoptara su postura concreta con sinceridad".
Hood no quería ningún estereotipo en la película. "A veces, cuando un actor interpreta a un personaje controvertido o adopta una postura moralmente cuestionable", explica, "el actor casi querrá sugerir que él mismo no cree en ello. Eso era algo que no podíamos permitir".
De ahí que las decisiones de casting fueran absolutamente cruciales. Podría decirse que el personaje más de línea dura de la película, la persona que más desea acabar con el objetivo, sea la coronel Katherine Powell, a quien da vida en la pantalla la ganadora del Óscar Helen Mirren. "Inicialmente, el personaje de Helen era un hombre, pero entonces pensamos: '¿Por qué no hacemos que este personaje sea una mujer?'", explica el productor Ged Doherty. "Y eso cambió por completo la complejidad de la pieza".
"La idea de contar con Helen fue brillante porque, por un lado, cabría pensar: 'Bueno, una mujer se lo pensaría dos veces antes de apretar el gatillo'. Al mismo tiempo, sabes que es Helen Mirren y sabes que puede interpretar a personajes duros de pelar. Nunca se sabe muy bien por dónde va a tirar. Helen dota al personaje de un equilibrio perfecto y le ofrecimos el papel enseguida".
Hood agrega: "Lo genial de una actriz como Helen Mirren es que, incluso cuando toma decisiones que podrían resultar moralmente cuestionables, te crees por completo que es sincera en la postura que adopta, dado el papel que interpreta como coronel de las fuerzas armas británicas. Así que la entendemos incluso en momentos en los que podamos no estar de acuerdo con ella, y lo mismo sucede con el personaje de Aaron Paul".
Aaron Paul, la estrella de 'Breaking Bad', encarna al piloto Steve Watts, que maneja el dron desde una base del Ejército del Aire de los Estados Unidos en pleno desierto de Nevada. Como todos los personajes del filme, actúa dentro de los parámetros de su adiestramiento, y lo que puede ver en la pantalla de su ordenador.
"El personaje de Aaron Paul le planta cara al coronel Powell", explica Hood, "pero la clave es que lo haga por motivos que resulten sinceros. Es la persona que tiene que apretar verdaderamente el gatillo. Puede que otras personas estén interviniendo en la decisión de lanzar el misil, pero, en última instancia, Steve es quien tiene que hacerlo".
"Y para imaginar cómo debe sentirse uno, hace falta un actor que te involucre en su dilema y no juzgue al personaje que interpreta. De lo que me siento orgulloso de todos los actores es que ninguno de los personajes de la película resulta ser un estereotipo de alguna clase".
"Espero que sea el caso de que te guste Helen y te guste Aaron, aunque ambos tengan posturas completamente contrapuestas", agrega. "Puede que no estés de acuerdo con ellos en ciertos puntos, pero entiendes que son personas reales que están lidiando un dilema real de una forma muy real".
Hay más personas involucradas en la cadena de muerte, más allá de Powell y Watts, que van desde la gente sobre el terreno en Kenia a aquellos que están observando sus pantallas por todo el mundo. Entre este grupo de personajes se encuentra el ministro de asuntos exteriores británico James Willett (Iain Glen), el teniente general británico Frank Benson (Alan Rickman) y el hombre clave sobre el terreno, Jama Farah (Barkhad Abdi).
Muchas de las ideas de casting, señala el productor Ged Doherty, provinieron de su socio en los negocios, la leyenda británica de la pantalla Colin Firth. "Fue Colin quien sugirió a Alan Rickman y Colin quien sugirió a Aaron Paul", aporta Doherty. "Barkhad Abdi fue sugerencia mía, porque me encantó en 'Capitán Phillips'. Estamos encantados con el reparto que hemos logrado reunir".
"Aaron estuvo genial en muchos aspectos", prosigue el productor. "Es una de las personas más encantadoras que puedes conocer y durante el rodaje creó un ambiente maravilloso con el equipo y los demás miembros del reparto. La verdad es que Helen y él estuvieron tan bien que cortamos buena parte de la historia anterior de sus personajes, porque nos dimos cuenta de que, a medida que veías la película, los personajes se iban dando a conocer a través de sus actos. El espectador no necesitaba que le contáramos de dónde habían salido".
"Se entiende que el personaje de Aaron Paul es un buen tipo y esta es la primera vez que le toca apretar el gatillo, pero tiene principios morales. En mi opinión, cuando ves todo lo que tiene que pasar en esta película, su historia es en muchos sentidos el eje central emocional del filme".
También interpreta un papel clave el icono inglés de la pantalla y los escenarios Alan Rickman, cuyo personaje, además de ser fundamental en la cadena de muerte, aporta algo de humor a la historia. Vemos por primera vez al teniente general Frank Benson en una juguetería donde, como un pez fuera del agua, pasa ciertos apuros para comprar una muñeca.
"Tiene gracia verlo preocuparse por comprar una muñeca", opina Doherty, "pero contar con ese elemento en la historia sirve para mostrar cómo un militar tiene que alternar entre dos modos de vida tan dispares".
El director se muestra de acuerdo. Esos breves momentos de humor son vitales para la historia, sostiene Hood. "Al igual que en la vida real, hay momentos en los que la tensión se relaja mediante el humor y la risa", prosigue. "A veces, la risa procede de la frustración y lo ridículo de la situación". Señala lo disparatado de la cadena de muerte que, a veces, deja a sus participantes paralizados. "Esta gente se encuentra a veces en una situación casi absurda".
"Y, a menudo, en cuanto te ríes, te das cuenta del dilema que afronta esta gente. La película provoca al espectador de formas muy reales. En un determinado momento, te sientes terriblemente irritado y frustrado con la situación, y al instante siguiente no puedes evitar reírte. Eso no es nada fácil de conseguir en una película así".
Si el filme fuera constantemente oscuro, podría hacerse difícil de aguantar. "Al intercalar algo de humor en las dosis adecuadas, ese humor permite relajar la tensión, lo que se hace muy necesario por momentos", explica Hood. "Si, por otro lado, introduces humor de forma inoportuna, lo único que conseguirás será molestar al espectador".
"Así que, una vez más, se trata de conversaciones que mantuve con los actores: cómo encontrar momentos de humor, sin excederse, pero que sigan resultando realistas".
Los momentos de humor también surgen sobre el terreno, cuando Jama Farah traba amistad con un niño, al mismo tiempo que espía al objetivo para los militares británicos y americanos. El actor de origen somalí Barkhad Abdi, que saltó mundialmente a la fama al interpretar a un pirata moderno en "Capitán Phillips", da vida a Farah en la gran pantalla.
"Me pareció que la interpretación de Barkhad en 'Capitán Phillips' fue una de las más cautivadores que había visto en los últimos cuatro o cinco años, de un actor completamente nuevo del que nadie sabía nada", observa Doherty. "Recordé que era el malo en 'Capitán Phillips', pero que aun así nos inspiraba simpatía, por la situación en la que se encontraba. Y al mismo tiempo, daba miedo".
"Me pareció que sería genial que esta vez interpretara a un héroe, a uno de los buenos, y, de nuevo, para mí, dotó al papel de la misma intensidad que en 'Capitán Phillips'. Fue maravilloso trabajar con él".
Otro personaje muy importante es una niña somalí llamada Alia, que, a lo largo de la película, se convierte en una posible víctima, cuando la cadena de muerte valora los posibles daños colaterales de su ataque con el dron. Su papel es fundamental para la historia.
Ciertamente, para el guionista Guy Hibbert, la vida de una niña africana inocente, atrapada en un conflicto global era razón más que suficiente para escribir el guion. "Es difícil hacer películas en las que las víctimas son personajes clave, puesto que son víctimas de los actos de otros", explica.
"Fue todo un reto. Pero veía la guerra y pensaba que las víctimas del mundo a menudo no ocupan un lugar apropiado en la historia. Alia fue mi forma de idear cómo convertir a la víctima en el motor de la historia".
El rodaje: realismo, localizaciones y fotografía
La trama de ENEMIGO INVISIBLE no podría haberse desarrollado en ningún otro momento más que el actual, en opinión de Chris Lincoln-Jones, el asesor militar británico del filme. Jones pasó 25 años en el ejército como oficial de la Real Artillería, antes de marcharse en el año 2000 para trabajar en la industria de defensa. "La trama encaja muy bien con lo que está sucediendo actualmente en el mundo", opina.
Hibbert contactó con Jones por los conocimientos que este posee sobre aeronaves no tripuladas, lo que suponía que podía aportar información vital sobre esta nueva tecnología de combate. La labor principal de Jones fue dotar de verosimilitud al Cuartel General Conjunto Permanente, el cuartel general británico de los tres cuerpos de las fuerzas armadas, con sede en Londres, desde el que se planifican y controlan todas las operaciones militares en el extranjero. Aquí es donde la coronel Powell planifica su compleja operación militar en una remota zona de Nairobi controlada por Al-Shabab.
Jones aportó sus conocimientos de legislación militar, uniformes y lenguaje. También proporcionó información sobre los antecedentes de los personajes, que ayudó a los actores encargados de darles vida. La coronel Powell, pensó, podría haberse alistado durante el conflicto de las Malvinas. Gracias a su aguda inteligencia, habría ido ascendiendo por el escalafón. Pero ENEMIGO INVISIBLE presenta un momento en el que estaría"despidiéndose de su carrera y con una última oportunidad de eliminar a una mujer [Susan Danford] a la que ha pasado los últimos seis años dando caza".
Por su parte, el asesor militar americano del filme, Chris Hercules, tiene experiencia práctica pilotando drones. "Un día en la vida de un piloto de drones siempre es diferente", comenta."Nunca sabes cada mañana en qué parte del mundo te tocará volar. Aunque estés en Nevada o Texas, te puedes encontrar pilotando en distintos lugares por todo el planeta. Podemos servir de apoyo a diferentes grupos por todo el mundo y, además, hacerlo dos o tres veces al día".
"Estaba entusiasmado de trabajar en esta película", agrega. "Es un tema importante y la narración está muy bien ejecutada. Muestra que la guerra es horrible, pero todos hacemos cuanto podemos —desde los aviadores a los oficiales o los suboficiales— por hacer lo correcto".
En cuanto a localizaciones, todo el rodaje se realizó en Ciudad del Cabo (Sudáfrica), aparte de la base aérea del desierto de Nevada, que se filmó a unas cinco horas al norte de la ciudad, en el desierto de Karoo. "El resto de la película se rodó en los estudios de cine de Ciudad del Cabo y alrededores", explica Doherty.
"Las escenas de Nairobi se rodaron todas en los platós exteriores de la parte posterior de los estudios. Son el equivalente a Pinewood, en el Reino Unido, y el set que se ve de Nairobi fue originalmente el set de 'Mandela: Del mito al hombre', que adaptamos gracias a nuestro diseñador de producción, Johnny Breedt, que también trabajó en esa película. Tomamos su set de Soweto de ese filme y lo convertimos en nuestra Nairobi de la actualidad".
Curiosamente, todos los sets estáticos de la película tienen en común el hecho de que cuentan con una pantalla que permite a la cadena de muerte vigilar a su objetivo y dirigir el ataque del dron. "No hay literalmente ni una sola escena o momento en el no haya pantallas que tengan parte de la narración trasladada desde o hasta esos distintos lugares", explica el supervisor de efectos visuales Simon Hansen.
"Si alguna vez ha habido una película de 'pantallas', es esta", comenta el supervisor de gráficos en movimiento Paul Kalil. "Prácticamente cada set estático cuenta con al menos una pantalla, cuando no varias. A través de las pantallas se expone mucha información. Son casi un personaje en sí mismo".
"Pretendemos conseguir cierto nivel de realismo, así que intentamos no inventarnos nada", agrega Kalil. "Nuestro asesor militar americano, Chris Hercules, nos proporcionó mucha información sobre el tipo de pantallas que tendrían y lo que haría cada una de ellas. Solo en el control de tierra ya hay 16 pantallas".
Eso suponía que los actores reaccionaban a las pantallas, en lugar de unos a otros. De hecho, los actores principales —Mirren, Paul y Rickman— no estuvieron juntos en el set durante el rodaje. "No solo no estaban presentes los actores para hablar entre sí, sino que las imágenes que veían los actores en las pantallas no estaban terminadas, ya que se iban a hacer en posproducción", aporta Hood. "El reparto tenía que reaccionar de manera sincera a una imagen en una pantalla que ellos no podían ver".
Para ayudar a los actores a aportar su oficio y su imaginación a la historia, Hood les mostraba referencias visuales similares a lo que debían estar viendo. También explicó en detalle cada escena y el ritmo que tenía a cada uno de los actores.
Sin embargo, llegado el momento del rodaje propiamente hablando, el director tuvo que afrontar otro reto. Hay multitud de escenas de acción sobre el terreno llenas de tensión pero, al mismo tiempo, buena parte de la película se centra en figuras clave encerradas en habitaciones, debatiendo sus opciones.
"El gran miedo que tenía con esta película es que podía haber demasiados bustos parlantes en distintas habitaciones", admite Hood. "Eso podía resultar muy estático, casi como un telefilme. Así que el reto desde un punto de vista de dirección era dotar de energía y ritmo a un filme en el que buena parte de los personajes se encuentran en lugares distintos".
"Hay diversas maneras de aportar energía a una secuencia y una de ellas es una puesta en escena", prosigue, "que permita a los actores moverse. Pedí 45 días para rodar la película, en lugar de 30, para que mi diseñador de producción, Johnny Breedt, pudiera construir sets que permitieran a los actores levantarse y moverse, de modo que pudiéramos sentir su tensión".
"A lo largo de la película, la puesta en escena permite dotar de cierta energía a cada secuencia en la que los actores se puedan mover, algo que se haría en la vida real. La sala en la que se encuentra el personaje de Alan Rickman y se sientan los políticos tenía que ser bastante grande, de lo contrario la mesa lo dominaría todo".
"Si te fijas en la propia sala de situación de Barack Obama, por ejemplo, está muy apretada", continúa. "Si observas la sala que creamos para la película, es bastante amplia y permite a los actores caminar de un lado a otro, sobre todo el ministro, que está muy estresado. El set le permite levantarse, alejarse, servirse un vaso de agua, volver a la mesa. Al mismo tiempo, los personajes se ven bastante pequeños en un espacio tan amplio".
Las ventanas laterales de esta sala concreta eran de listones, lo que permitía cambiar el ambiente a lo largo del día, en lugar de hacer que los personajes se sienten en una sala de un solo tono iluminada por fluorescentes.
"La verdad es que muchas de estas salas están iluminadas mediante fluorescentes en el mundo real", admite Hood, "pero al contar con esas ventanas en un lado de la sala, permites que se crucen distintas fuentes de luz, lo que es mejor para conseguir iluminación de ambiente en un actor. Y, a medida que avanza el día, nos vamos moviendo poco a poco y parece que cambia el ambiente".
El set en el que se encuentra el piloto del dron también fue interesante, comenta Hood. "En el mundo real, el tipo estaría simplemente en un módulo. Está en un contenedor en mitad del desierto. Pero, para la película, se diseñó todo un set, de modo que cada pared se pudiera quitar, para poder alejar la cámara, lo que nos permitía alargar la lente y comprimir la intensidad del plano del rostro del actor, en lugar de tener que limitarnos a usar lentes de gran angular en un espacio muy reducido".
"Construimos muchos de estos sets pensando en aumentar el interés visual y los iluminamos con mucho cuidado para realzar el ambiente de cada escena. Creo, y desde luego espero, que todo ello contribuye a mejorar la película".
Danzar con María
2014
Duración 75 min.
País Italia
DirectorIvan Gergolet
Reparto: Maria Fux, Martina Serban, Maria José Vexenat, Marcos Ruiz,Macarena Battista, Diana Martinez
Después de toda una vida dedicada a la danza, María Fux recibe a un último estudiante, puede que el más difícil: ella misma. A su avanzada edad, María mantiene la elegancia y la energía de una joven bailarina. Ahora le toca luchar contra los límites de su propio cuerpo.
Ellos vienen por ti
2015
Duración 90 min.
País Australia
Director Michael Petroni
Reparto: Adrien Brody, Sam Neill, Bruce Spence, Robin McLeavy, Jenni Baird, Anna Lise Phillips, Malcolm Kennard, Olga Miller, Chloe Bayliss
Una chica regresa a casa sola de noche
2014
Duración 100 min.
País Estados Unidos
Director Ana Lily Amirpour
Reparto: Sheila Vand, Arash Marandi, Dominic Rains, Marshall Manesh, Mozhan Marnò,Milad Eghbali
El cazador y la reina del hielo
2016
Duración 113 min.
País Estados Unidos
Director Cedric Nicolas-Troyan
Reparto: Chris Hemsworth, Charlize Theron, Jessica Chastain, Emily Blunt, Sam Claflin, Nick Frost, Alexandra Roach, Sheridan Smith, Rob Brydon, Sam Hazeldine, Jadey Duffield, Mark Haldor, Madeleine Worrall, Lynne Wilmot, Conrad Khan
Charlize Theron es la malvada reina Ravenna, que traiciona a su bondadosa hermana Freya (Emily Blunt) con un acto imperdonable, congelando su corazón para que nunca conozca el amor y desatando un frío poder que desconocía poseer. Freya se retira a un lejano reino en el norte más profundo y reúne a un ejército de cazadores para que la protejan, pero les prohíbe que se enamoren.
La guerra se recrudece entre las dos reinas, y el héroe que puede inclinar la balanza a favor de Freya es Eric (Chris Hemsworth), su mejor Cazador, apoyado por la guerrera Sara (Jessica Chastain), la mujer que ha conquistado su corazón. Pero Eric debe ayudar a Freya a vencer a su hermana... e impedir que la maldad de Ravenna domine el mundo para siempre jamás.
Completan el reparto coral de la aventura de acción NICK FROST (Arma fatal), que regresa como el impetuoso enano Nion; SAM CLAFLIN (las entregas de Los juegos del hambre), de nuevo en el papel del príncipe William, el leal servidor del Reino; ROB BRYDON (Cenicienta) como Gryff, uno de los personajes más desagradables del mundo encantado; SHERIDAN SMITH (la serie "Mrs. Biggs") como la Sra. Bromwyn, la contraparte de Gryff y uno de los miembros más duros de la raza de los enanos, y ALEXANDRA ROACH (La dama de hierro) como Doreena, la dulce joven que acompaña a la Sra. Bromwyn y cuya apariencia engaña.
El productor JOE ROTH (Maléfica, Alicia en el país de las maravillas) encabeza de nuevo el equipo de la impresionante precuela de la legendaria saga en el debut como director del mago de los efectos visuales CEDRIC NICOLAS-TROYAN (la franquicia Piratas del Caribe, Blancanieves y la leyenda del cazador).
El equipo detrás de la cámara está compuesto por jefes de departamento del calibre del director de fotografía PHEDON PAPAMICHAEL (Nebraska, Entre copas), el diseñador de producción DOMINIC WATKINS (Blancanieves y la leyenda del cazador, United 93), el montador CONRAD BUFF IV (Titanic, El origen del planeta de los simios), la tres veces oscarizada COLLEEN ATWOOD (Chicago, Alicia en el país de las maravillas), el supervisor de efectos visuales PAUL LAMBERT (Oblivion, Perdida) y el compositor JAMES NEWTON HOWARD (las entregas de Los juegos del hambre, Blancanieves y la leyenda del cazador), nominado al Oscar en ocho ocasiones.
El guión es de EVAN SPILIOTOPOULOS (el próximo estreno Beauty and the Beast) y CRAIG MAZIN (la saga Resacón en Las Vegas), basado en los personajes creados por EVAN DAUGHERTY (Divergente). Los productores ejecutivos son SARAH BRADSHAW (Maléfica) y PALAK PATEL (Blancanieves y la leyenda del cazador).
Antes de Blancanieves: El principio de la era de hielo
En 2012, Blancanieves y la leyenda del cazador revolucionó el género de los cuentos de hadas con una versión mucho más épica y sombría de la clásica historia. La película, protagonizada por Kristen Stewart, Chris Hemsworth y Charlize Theron, encantó a los espectadores recaudando casi 400 millones de dólares en la taquilla mundial.
Cuando llegó el momento de replantearse el oscuro y fantástico mundo imaginado por sus creadores, los productores se sintieron atraídos por la idea de desarrollar una historia apenas entrevista en la primera entrega, que hacía referencia al gran amor de Eric y a su trágica muerte. El cazador, gracias a Chris Hemsworth, se convirtió en un personaje muy popular, y la posibilidad de crear otra historia en torno a él atrajo a los cineastas.
Asimismo, la idea ofrecía la posibilidad de cambiar ciertas cosas de la primera entrega: "No queríamos que fuera tan sombría como la primera", explica el productor Joe Roth, que ha llevado a la gran pantalla cuentos como Maléfica y Oz, un mundo de fantasía, y cuya experiencia en el género no tiene igual. "Nos apetecía diseñar la historia de un romance".
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El guión, escrito por Evan Spiliotopoulos y Craig Martin, basado en los personajes de Evan Daugherty, cuenta la trágica historia del primer y único gran amor de Eric, de cómo se conocieron y de cómo el destino se encargó de separarlos. La recreación de un universo anterior también sirve para explicar de dónde procede el cazador, algo que no se hizo en la primera entrega.
Aparentemente, la malvada reina Ravenna ha sido derrotada y todos viven felices en el Reino bajo el mando de la reina legítima, Blancanieves. Pero de pronto se descubre que el espejo mágico, que ha sido proscrito del castillo, ha desaparecido. El príncipe William sabe que solo puede contar con una persona para encontrarlo, Eric el cazador. Este sale en busca del espejo para atrapar al ladrón e impedir que caiga en las manos equivocadas. A medida que se aleja del castillo, surgen fantasmas del pasado que le obligarán a vivir la mayor aventura de su vida.
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Chris Hemsworth explica que la idea de una precuela le atrajo sobre todo por los temas que explora: "Nadie puede sobrevivir sin algún tipo de amor. Esta película pregunta qué significa el amor para Eric y qué es capaz de hacer por amor".
El actor cree que el éxito de la primera película no solo se debió a que casi todo el mundo está familiarizado con la leyenda de Blancanieves, sino también al extraordinario diseño de producción que convirtió a la casta doncella del cuento de hadas en una guerrera decidida a luchar por sus principios. "En esta entrega, a pesar de seguir en el mismo universo, hemos aprovechado para aligerar un poco las sombras en muchos aspectos. Los colores son más claros, luminosos", añade.
Los productores querían aportar más información al espectador desvelando otra parte de la historia desconocida hasta ahora. "Esta entrega es un maravilloso intermedio. No es un universo completamente fantástico ni tampoco totalmente histórico", dice Cedric Nicolas-Troyan. "Al tratarse de un mundo seudohistórico, puede contener magia, romance y mucho más".
El cazador Eric creado por Chris Hemsworth es un gran guerrero, un hombre conocedor del bosque, un leal y sincero súbdito, pero no comparte sus sentimientos con nadie. EL CAZADOR Y LA REINA DEL HIELO explora el pasado de Eric y descubrimos que lleva toda la vida luchando. Empezó como guerrero al lado de Freya, la hermana de Ravenna.
Ravenna es una mujer malévola que devora las almas y utiliza la magia negra para hacerse con la fuerza vital de sus presas, pero su hermana pequeña Freya es todo los contrario. Es la bondadosa reina de la nieve y del hielo que ha construido su helado reino pacíficamente, observando en silencio cómo crecía el poder de Ravenna.
Cuando la malvada y ambiciosa reina Ravenna traiciona de la peor manera a su hermana Freya, esta huye y empieza a construir un reino tan frío como su corazón de hielo. Nadie volverá a hacerle daño. Se rodea de un ejército de cazadores, niños robados a sus familias a temprana edad que serán educados y entrenados para protegerla, pero que jamás conocerán el sufrimiento que puede causar el amor.
Eric es uno de esos niños, un pequeño guerrero condicionado para creer en la reina y luchar por ella, aunque demasiado joven para ver el dolor de Freya. Cuando conoce a Sara y ambos se enamoran, algo prohibido en el reino de Freya, no tarda en aprender que hay cosas más importantes que el poder y el dominio.
"Freya está convencida de que el amor mata", explica el productor Joe Roth. "A pesar de todo lo que se les ha enseñado, Eric y Sara se atraen mutuamente. Una importante parte de la película trata de la pasión que une a Sara y Eric, y de lo que Freya es capaz de hacer para impedir que estén juntos. Pero ya se sabe que en los cuentos de hadas, el amor siempre lo puede todo".
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"Cuando conocimos a Eric en Blancanieves y la leyenda del cazador, era un borracho, un hombre sin rumbo", explica Chris Hemsworth. "Haber perdido a su esposa le sumió en la desesperación y la lástima por sí mismo. Al conocer a Blancanieves, Eric renace, y ahora vive una vida tranquila en el bosque".
Pero los acontecimientos hacen que la Reina le pida ayuda y se ve obligado a volver a enfrentarse a su pasado.
Los productores no tardaron en encontrar a un realizador con el optimismo, la visión y la creatividad necesarias para contar la historia de Eric. Hacía tiempo que Cedric Nicolas-Troyan, el respetado supervisor de efectos visuales que diseñó los increíbles efectos de la primera entrega, tenía ganas de dirigir un largometraje.
"En ningún momento imaginé que tendría la oportunidad de dirigir esta película", dice, riendo. "Jamás soñé con una película de esta envergadura para mi primera dirección. Pero cuando me llamaron, todo parecía encajar. Había participado en la primera, fue como un regreso".
Chris Hemsworth es un admirador del realizador y no dudó en apoyar la opción cuando los productores se la comunicaron: "En el rodaje de la primera película, enseguida pensé que Cedric sabía contar una historia. No solo se centraba en la estética de la película, le importaba lo que pasaba".
"Siempre me preocuparon más la historia y los personajes que los efectos visuales en sí. Ahora que trabajo directamente con los actores, las emociones encabezan las prioridades", explica el director.
Joe Roth confirma que la experiencia y sabiduría que Cedric Nicolas-Troyan aportó al plató no tiene nada que ver con la idea que suele tenerse de un director novel. "He supervisado unos 400 títulos", dice el productor, "y me doy cuenta muy rápidamente de quién está capacitado y de quién no. Cedric siempre me dio la sensación de ser un realizador con muchas tablas. No se sintió intimidado por la importancia de los actores a los que debía dirigir. Es un hombre muy abierto, y el reparto sintió enseguida que podía hablar con él, hacer sugerencias, pero siempre dejó claro su punto de vista y que la película era suya".
El director piensa que la historia resulta atractiva porque se basa en los sentimientos y en la acción. "No intentamos salvar el mundo, la película no va de eso", explica Cedric Nicolas-Troyan. "Se basa en las emociones, es una historia de amor. Se puede rodar una historia con monstruos y tomas increíbles, pero si no hay identificación con los personajes en la pantalla y sus emociones no conmueven, no hay nada donde agarrarse ni nada que recordar".
Esta reflexión encaja especialmente bien con el protagonista de la historia. "Lo más importante en esta entrega era aportar un toque de 'je ne sais quoi' al personaje del cazador. Ha cambiado, no es el mismo hombre que conocimos", dice el director. "Me encantaron los enanos en la primera película, pero también quería trabajar más esta parte, aportar un poco más de humor a su mundo".
Reinas y cazadores: La expansión de un mundo encantado
Reunir a los conocidos intérpretes que estuvieron en la primera película fue un reto, pero el reparto estelar de EL CAZADOR Y LA REINA DEL HIELO lo ha sido aún más. Chris Hemsworth, Charlize Theron y Nick Frost regresan al universo que ayudaron a construir, y se les unen Jessica Chastain, Emily Blunt, Rob Brydon, Sheridan Smith y Alexandra Roach.
"Son auténticos artistas", dice Cedric Nicolas-Troyan. "Cuando se habla de un personaje con un intérprete de este calibre, no hay dudas, lo da todo. Para un director es fascinante trabajar con personas así. Prefiero no incluir las escenas emocionales en el story-board, y dejar a los actores que fluyan con la escena para ver cómo se desarrolla. Eso es pedir mucho de un intérprete, y hay pocos que sean capaces de hacerlo. Con este reparto parecía fácil".
Chris Hemsworth admite que le intrigó y atrajo explorar el pasado de Eric. "¿Por qué estaba borracho, en un estado lamentable, cuando le vemos al principio de Blancanieves y la leyenda del cazador?", pregunta. "Descubrirlo me empujó a hacer la precuela".
Desde el estreno de la primera película hasta hoy, la fama de Chris Hemsworth se ha multiplicado en gran parte gracias a las entregas de Thor y de Marvel Los vengadores. "La primera vez que vi a Chris, supe que estaba destinado a ser una estrella", dice Joe Roth. "Tiene un halo de bondad, da la sensación de que es agradable estar con él, y es verdad".
Charlize Theron no dudo en unirse a Chris Hemsworth y volver a encarnar su papel de mala. "Parece mentira, pero no es habitual reunirte con un compañero de reparto varios años después y sentir que nos hemos visto hace dos días", explica. "Es una persona consistente, es tal como parece, o sea, un hombre maravilloso que sabe hacer su trabajo y disfruta haciéndolo bien. Es genial".
Puede que el mayor reto para los productores residiera en encontrar a una intérprete que estuviera a la altura del actor para interpretar a Sara, el gran amor de Cedric, alguien con una personalidad magnética.
Sara no puede creer que Eric le haya sido fiel durante todos estos años y rehúsa perdonarle por lo que cree que hizo. No le queda más remedio que unirse a él en su búsqueda, pero por nada del mundo volverá a confiar en él. "Intenta descubrir si de verdad merece la pena ser amado", explica Jessica Chastain, que encarna a la poderosa guerrera. "Además, debe aprender a volver a confiar, y eso le cuesta".
La actriz reconoce que el personaje le gustó inmediatamente. "Me atrajo el punto de partida y hasta dónde llegaba el personaje", explica. "También me llamó la atención que tuviera secretos, que no todo estuviera a la vista. No había interpretado un personaje así antes. Además, he hecho muchas películas tenebrosas, serias, y me apetecía pasarlo bien con la parte física. Creo que jamás me había divertido tanto haciendo una película".
El primer tanteo fue durante la gala de entrega de los Premios del Círculo de la Crítica de Londres. Chris Hemsworth y Jessica Chastain tienen el mismo agente, y el actor habló del proyecto con Jessica Chastain y prometió mandarle un guión. Al parecer, según Chris Hemsworth, la primera pregunta de la intérprete fue: "¿Podré dar puñetazos y patadas?"
"Da muchos más puñetazos de los que ha dado nunca", recalca el actor. "La mayoría de mis escenas son con Jessica. Tiene un enorme sentido del humor, y nos picamos mutuamente, un poco como dos hermanos. Lo pasamos realmente bien".
"Jessica sabe adaptarse, tiene un enorme abanico de posibilidades interpretativas", explica Cedric Nicolas-Troyan. "Sara es un personaje totalmente diferente de los que había interpretado, pero Jessica se entregó totalmente. Se empeñó en entrenarse antes, quería estar preparada. Llegó al plató en perfecta forma, había aprendido a usar las armas, a pelear, y lo hizo de verdad. Mueve, gira y lanza los cuchillos. Nos lo pasamos muy bien rodando esas escenas".
Jessica Chastain dice que todo es más fácil cuando se trabaja con un director tan abierto y dispuesto a escuchar como Cedric Nicolas-Troyan: "Me preocupaba mucho que en una película de fantasía como esta se pudiera perder el realismo del personaje. Para mí, lo más importante es anclar el personaje en la realidad. Cedric me escuchó y me tranquilizó, me dio una base en la que apoyarme. Me dio pistas para lanzar a mi personaje en otra dirección. Siempre que le hacía una pregunta me escuchaba y me contestaba".
Charlize Theron aterró al mundo con su interpretación de la terrible reina Ravenna en el primer capítulo y no era fácil encontrar a una actriz que diera vida a Freya, su joven hermana, que no tarda en revelarse como la antagonista de Eric. Los productores se inclinaron por Emily Blunt, que aceptó el papel con entusiasmo.
"Freya es una mala muy interesante porque su maldad no es innata. La persona que conocemos al principio no tiene nada que ver con lo que acabará siendo", explica la actriz. "Al principio es una joven con un enorme corazón. Se ha enamorado del hombre equivocado, y cuando pierde al bebé, el dolor puede con ella, su corazón se endurece y descubre que tiene tremendos poderes. Su cabello se vuelve blanco, palidece casi hasta ser transparente y aprende a congelar lo que está a su alrededor".
Después de la traición de su hermana, Freya decide que el amor es malo e innecesario, y decide erradicarlo del mundo. Para eso, secuestra a niños pequeños, los lleva a su reino y les enseña que el amor es el mayor de los peligros. "Está convencida de que hace lo que debe", explica Emily Blunt. "Cree que salva a los niños convirtiéndolos en soldados y educándolos sin amor. Los salvaguarda del terrible dolor por el que ella tuvo que pasar".
Cedric Nicolas-Troyan está de acuerdo: "No es malvada porque quiera poder o anhele dominar. Es mucho más complejo que eso. Cree que salva a esos niños al convertirlos en espléndidos guerreros. No ve que la crueldad de sus acciones, los aleja de todo lo que conocen y aman".
Emily Blunt, añadiendo un toque de humor a la terrible reina, dice, riendo: "Freya tal vez sea la figura maternal más aterradora que exista para un niño".
No era el primer papel de acción que interpretaba Emily Blunt después de películas como Al filo del mañana, pero le apetecía meterse en la piel de un personaje tan diferente como este. "El guión era muy bueno y Freya es malvada, pero también es muy compleja emocionalmente", dice, entusiasmada. "Sabía que era un papel al que podía agarrarme y que me obligaría a esforzarme".
Chris Hemsworth cree que Freya es muy diferente de su hermana: "Toda la actitud de Ravenna es amenazante, despiadada, no perdona a nadie, no tiene ni una pizca de humanidad en su interior. Pero Emily muestra que Freya todavía posee un atisbo de corazón, a pesar de hacerlo todo para ignorarlo. Se esfuerza desesperadamente en enterrar sus sentimientos y seguir el camino que su hermana le inculcó desde pequeña".
En cierto modo, esos rastros de humanidad la hacen todavía más peligrosa. "También es amenazadora, pero en otro sentido", explica el actor. "Es una manipuladora y siempre pilla desprevenido a todo el mundo porque aparenta ser la bondad personificada un momento, y a los dos segundos es aterradora".
La reina Ravenna creada por Charlize Theron fue una malvada muy aplaudida y popular en la primera entrega. A pesar de que la creíamos muerta, todos estaban de acuerdo en que debía regresar en la precuela, y quien más lo deseaba era Charlize Theron. Reconoce que lo pasó realmente bien dando vida a la malvada reina: "Me gusta que Ravenna sea un enigma. A medida que avanzamos en la historia, vamos conociéndola mejor, pero es alguien que nació en unas circunstancias en las que este tipo de vida, esa forma de actuar es lo más normal del mundo. En realidad, ella es su peor enemiga".
La naturaleza retorcida de Ravenna atrae a la actriz, que explica su personaje: "Es alguien que funciona basándose en el miedo que habita en lo más profundo de su ser".
Traer de nuevo a Ravenna no fue tan difícil como pueda parecer, ya que esta nueva entrega transcurre antes de los acontecimientos de Blancanieves y la leyenda del cazador, aunque empiece después. "Los guionistas tuvieron la brillante idea de hacerla volver", dice Charlize Theron, "lo que me interesó inmediatamente".
"En esta película, Ravenna es en realidad dos personajes diferentes", explica el realizador. "La vemos antes de la primera película, en el pasado, y nos damos cuenta de que su maldad tiene una vertiente humana, es una Ravenna más cercana. En la segunda parte regresa del más allá y es totalmente diferente. Ha muerto, pero su oscuridad y su magia siguen vivas".
Hablando de la relación profesional con su compañero de reparto Chris Hemsworth, dice: "Nos llevamos muy bien durante el primer rodaje y no nos costó nada seguir donde lo habíamos dejado. Estaba encantada de volver a encarnar el personaje".
"Charlize es deliciosamente malvada en las dos películas", dice Joe Roth con admiración. "Al situar parte de la historia antes de la primera entrega, no solo puede ser deliciosamente malvada con desconocidos, sino también con su familia".
"Ha sido maravilloso trabajar con Charlize", dice Emily Blunt. "Es muy dinámica y cualquier actor que comparta el plató con ella debe alegrarse. Pasamos muy buenos momentos juntas y creo que el vínculo que creamos fuera del plató se refleja en la pantalla".
El reparto de tres papeles femeninos fundamentales para la película demuestra que los productores querían personajes fuertes y complejos, sobre todo para las protagonistas. "Una de las razones por las que quería hacer esta película, aparte de trabajar con Chris Hemsworth, era los tres increíbles papeles femeninos", dice Jessica Chastain. "Sabía que Charlize y Emily ya habían aceptado formar parte del reparto y, sinceramente, estaba cansada de ser la única mujer en el plató. Las historias, incluso tratándose de una fantasía como esta, deben representar el mundo en el que vivimos, y me alegré muchísimo al ver que había papeles fabulosos para varias mujeres en esta película".
"Nunca había rodado una película con dos mujeres tan positivas y fuertes como Jessica y Emily", explica Charlize Theron. "Verlas a las dos trabajar me ha obligado a sacar lo mejor de mí misma, ha sido una experiencia memorable. Es un placer encontrar guiones en los que las mujeres son retratadas con realismo. Creo que el cine actual ha perdido contacto con las películas de mujeres que podían llevar grandes historias, mujeres tan complejas y conflictivas como los hombres. Por suerte, en los últimos diez años, estas protagonistas están volviendo poco a poco y los espectadores parecen conmoverse con este tipo de historias".
Cedric Nicolas-Troyan está de acuerdo con la actriz: "Esta película se apoya en los personajes femeninos, incluso más que la primera. Lo mejor del personaje de Jessica es que no necesita que el cazador la salve. Se apoyan mutuamente y luchan juntos; los dos son igual de fuertes, pero mucho más poderosos cuando están unidos".
El toque cómico: Aparecen los enanos
Los siete enanitos están, sin duda alguna, entre los personajes más queridos de Blancanieves y la leyenda del cazador. Interpretados por actores de la talla de Ray Winstone, Ian McShane y el lamentado Bob Hoskins, entre otros, fueron muy populares, y la decisión de incluirlos de nuevo en el relato y así saber más acerca de los usos y costumbres de enanolandia fue aprobada con unanimidad.
La inclusión de los enanos en el siguiente capítulo estaba garantizada y los productores decidieron hacer regresar a Nick Frost, que interpretó al muy querido Nion en la película original. "Desde el punto de vista de un enanito, todo cambia", apunta Nick Frost. "En este capítulo aparecemos desde el principio".
Nion, un enanito extrovertido y cómico, la mano derecha de Beith en la primera película, es un ferviente defensor de la supremacía de la raza de los enanos, y jamás se ha fiado de Eric ni de sus motivos. Sin embargo, atraído por la promesa de un tesoro, decide unirse a Eric para recuperar el Espejo Mágico.
Rob Brydon encarna a un nuevo enanito llamado Gryff. Puede decirse que Nion se ha ablandado un poco con el paso de los años, pero no es el caso de su compañero de viaje. Malhumorado, maleducado, hipócrita y avaricioso, Gryff se esfuerza en dar mala fama a los enanos.
Rob Brydon y Nick Frost son conocidos cómicos británicos y no les costó mucho trabajo formar el dúo perfecto para aligerar el tono de la película. "Ha sido muy divertido trabajar con Rob y Nick", dice Chris Hemsworth con una gran sonrisa. "Tienen un enorme sentido del humor y han aportado una energía totalmente inesperada al plató. También me han obligado a sacar algo más de mi personaje. Nos damos toda una serie de réplicas geniales".
Y añade, con gran modestia: "Eso sí, siempre voy a la zaga de los dos. Tengo la impresión de que capto el chiste segundos después que ellos, siempre van lanzados como motos".
Rob Brydon, que ha trabajado en numerosas películas dentro y fuera del Reino Unido, habla de lo que supuso el rodaje para él: "Lo que más me sorprendió desde el principio fue el humor que reinaba entre Chris y Jessica. No parecían tomarse nada en serio. Nos reímos mucho fuera del plató, y es una suerte en una película como esta porque se pasa mucho tiempo esperando mientras preparan los decorados. Pasarlo bien ayuda".
Nick Frost recuerda que le encantó su papel en la primera película... cuando por fin se acostumbró a las largas horas necesarias para transformarse en enano. Volver a encarnar el personaje fue como reencontrarse con un viejo amigo. "Es un enano muy sencillo, no tiene muchos planes", explica. "Se preocupa sobre todo por los amigos y la familia, y quiere encontrar el amor. Pero no piensa mucho; quizá sea mejor así".
Los enanos no solo se encargan de aportar humor, sus flirteos y dobles juegos reflejan los de los seres humanos. "En esta película se aprende que los enanos son seres solitarios", dice Nick Frost. "Tienden a quedarse con los de su mismo sexo, pero cuando Nion conoce a Doreena, a la que encarna Alexandra Roach, se enamora perdidamente. Nunca ha sentido nada igual, está abrumado, pero no tiene miedo".
Hablando de su papel, Rob Brydon dice: "La relación entre Nion y Gryff es interesante. Gryff es el mayor de los dos y se comporta como un padre o un hermano mayor con Nion". El actor galés añade: "Es un chulo, habla mucho, pero nos damos cuenta rápidamente de que en el fondo tiene miedo de todo. Nion, al contrario, hace caso a su corazón, no a su cabeza".
Gryff también cae presa de los encantos de la Sra. Bromwyn, a la que encarna Sheridan Smith, cuando esta aparece en la historia. Se conocen y empieza a preguntarse si no habrá encontrado la horma de su zapato en cuanto a dobles juegos. "Tradicionalmente, la relación entre enanos y enanas es de desprecio y hostilidad mutua", explica el actor. "El personaje de Sheridan se siente atraído por Eric nada más verle, pero no tarda en fijarse en Gryff".
Una de las mejores rastreadoras del mundo encantado, la Sra. Bromwyn, solo se interesa por dos cosas: los tesoros y cómo encontrarlos. Ha preferido las aventuras y la búsqueda del oro a los placeres y la comodidad, pero Eric le atrae. Su flirteo con Gryff puede convertirse en el romance del año o puede ser el final del enano.
La Sra. Bromwyn no está sola, la acompaña Doreena, una joven y dulce enana de sonrisa inocente. Pero no se dejen engañar por las apariencias, es tan dura y fuerte como su compañera. Sin embargo, el amor se apodera de Doreena en cuanto ve a Nion, y la pareja está a punto de demostrar que no todos los enanos y enanas se odian.
Rob Brydon no había trabajado en la película anterior y tuvo que hacerse con la técnica precisa para convertirse en un enanito de cuento, lo mismo que Sheridan Smith y Alexandra Roach. Los tres se apuntaron a un curso especial impartido por PETER ELLIOTT para asegurarse de que se moverían correctamente. "Convertirse en un enano de cuento es un trabajo más complicado de lo que parece, desde efectos digitales de última generación, hasta simples trucos", explica el actor. "Nuestro maestro fue Peter Elliott, que ya trabajó en la primera entrega y ha aparecido en un millón de créditos por enseñar a moverse a los actores".
Los productores sabían que los papeles de los cuatro enanos debían ser interpretados por conocidos actores de la pantalla británica. "Les conté a mis amigos que iba a un curso para aprender a ser enana de cuento, y ninguno me creyó", comenta la actriz Sheridan Smith. "Peter es un auténtico maestro y nos enseñó cómo debíamos andar. Cuando una empieza a andar así, cuesta mucho dejarlo. Me di cuenta una vez que bajé del coche camino de casa y andaba contoneándome".
"Me sorprendió lo mucho que me costó conseguirlo", añade Rob Brydon, "y lo mucho que me dolía. Basta con cambiar un poco de manera de andar para te empiecen a doler las rodillas".
Sheridan Smith describe a su personaje con el adjetivo de peleona. "Lleva mucho tiempo viviendo en el bosque, solo le importa el dinero y los tesoros", explica. "Nunca había interpretado a una enana, pero lo he pasado realmente bien. Teníamos que llegar al plató a eso de las tres y media de la mañana y sentarnos en maquillaje. Aumentaban nuestra frente para que la nariz pareciera más pequeña. Colleen Atwood me diseñó un traje extraordinario, una especie de corsé de cuero con una falda muy primitiva. Me hacía sentir genial".
La actriz también disfrutó de la camaradería reinante en el plató. "Es perverso", dice, hablando de Rob Brydon. "En la película, la Sra. Bromwyn es la más fuerte y vapulea un poco a Gryff, pero en la vida real es al revés. Es imposible no reírse al oírle hablar. Nadie se aburre cuando está él, su buen humor recorría todo el plató".
Enanos y realeza, cazadores y traidores, todos los intérpretes están de acuerdo en que tuvieron a un gran capitán. Chris Hemsworth describe cariñosamente a Cedric Nicolas-Troyan como un niño grande: "Su energía es contagiosa. Siempre quiere ir más lejos, explorar un poco más allá. Nunca se pone en primer plano, y está dispuesto a oír cualquier sugerencia. Algunos directores noveles creen que deben ser capaces de contestar a todas las preguntas, pero Cedric es humilde y perspicaz. Es posible colaborar de verdad con él".
"Me gusta que el ambiente sea relajado", dice el director. "Si todo el mundo disfruta con el rodaje, si todos se alegran de encontrarse en el plató, la película saldrá ganando".
La construcción de un mundo de hielo: El diseño de la aventura fantástica
EL CAZADOR Y LA REINA DEL HIELO es mucho menos sombría que la primera película. Salimos del oscuro bosque para adentrarnos en un mundo abarrotado de color, magia, romance y aventura.
Con decorados asombrosos, tremendas secuencias de lucha basada en antiguas artes marciales, un amor tan apasionado como prohibido y una batalla épica entre el bien y el mal, la película ofrece amor y acción a raudales.
Eric y Sara se adentran en un mundo lleno de duendes ladinos, hadas caprichosas e increíbles criaturas nunca vistas en la pantalla. Y mientras las dos hermanas, Ravenna y Freya por fin se enfrentan, descubrimos un universo mágico.
EL CAZADOR Y LA REINA DEL HIELO se rodó en los Estudios Shepperton y Pinewood de Inglaterra durante 16 semanas, así como en la famosa catedral de Wells y en el palacio Bishop's, en Somerset. También sirvieron como decorados naturales algunos de los espacios verdes más bellos del Reino Unido, como el Gran Parque de Windsor, y dentro del parque más concretamente Bear's Rails, South Forest, Manor Hill, Johnson's Pond, así como la reserva de Frensham Common y los bosques mágicos de Stockwood y Puzzlewood.
Todos ellos lugares únicos donde se rodó en caminitos y formaciones rocosas naturales. Era el sitio perfecto para el bosque de los duendes, donde culmina el viaje de Eric en busca del Espejo Mágico.
Distinto, pero familiar. Eran las palabras clave usadas para definir la estética de la precuela. "Es diferente de la primera película, pero es el mismo mundo", explica Cedric Nicolas-Troyan. "Rupert Sanders y yo tenemos los mismos gustos en cuanto al estilo, pero también conté con la valiosa ayuda del director de fotografía Phedon Papamichael, que aportó nuevas ideas".
El productor Joe Roth habla de la influencia islandesa en el diseño, producto de la imaginación del realizador y del diseñador de producción Dominic Watkins, que ya se había ocupado de la primera película. Efectivamente, en vez del típico patio de estilo medieval en el castillo, encontramos una construcción totalmente nórdica. "Cedric me dijo que quería salir del bosque y estar en medio del hielo", explica el productor. "Cambiamos la gama de colores, nos alejamos de los tonos de verde que suelen dominar en este género".
El director artístico FRANK WALSH añade: "Se trataba de colocar la película en la perspectiva establecida por Blancanieves y la leyenda del cazador, y crear un nuevo mundo a la vez. El mundo de Freya ocupa gran parte de la película y los elementos de construcción más importantes pertenecían a ese universo".
El hogar de la reina Ravenna, al principio de la película, está hecho sobre todo de madera esculpida con muchos detalles que embellecen los grandes salones.
El mundo de hielo de EL CAZADOR Y LA REINA DEL HIELO no es el primero que aparece en un cuento de hadas, pero este debía ser especial. El reto residía en cómo convertir el hielo, que suele poseer una cualidad mágica en la fantasía, en algo amenazante y peligroso. "Debíamos tener cuidado para que no fuera demasiado bello", explica el director artístico. "La película, a pesar de ser una fantasía, está anclada en cierto realismo, y decidimos usar el hielo de forma agresiva en vez de optar por 'las maravillas invernales'".
Siempre se contó con la experiencia en efectos visuales de Cedric Nicolas-Troyan en el diseño de producción, pero para dar más realismo y para que los actores trabajaran en decorados reales, muchos fueron construidos desde cero. "Un decorado real, aunque no sea completo, es una magnífica referencia para los efectos visuales", dice el supervisor de efectos visuales PAUL LAMBERT. "Si solo se trabaja delante de pantallas verdes, es mucho más difícil para los actores y la posproducción".
"Construimos el patio del castillo hasta una altura de unos 10 metros", dice Frank Walsh. "El castillo es altísimo, tremendo. Diseñamos la construcción y luego decidimos qué construir realmente en el estudio. Cuando la imagen pasó al departamento de efectos visuales, ya disponían del diseño y de una referencia real".
Paul Lambert disfrutó de la experiencia de trabajar con un director que sabía tanto de efectos visuales. "Cedric sabe exactamente lo que quiere, y en esta película hay un poco de todo", dice, riendo, "criaturas animadas por ordenador, enormes espacios y efectos mágicos. No había trabajado con él antes. Su estilo visual es alucinante. Vive, respira y sueña con imágenes maravillosas".
Aunque, como ha dicho previamente, Cedric Nicolas-Troyan prefiere no realizar una previsualización de las escenas más emotivas, tratándose de secuencias de acción como la batalla con el rey de los duendes, el storyboard es absolutamente necesario. La lucha entre los duendes, Eric, Sara y los enanos se previsualizó en su integridad en animación básica para poder estudiarla en el plató, ofreciendo a los actores y a los técnicos una referencia real en la que basar la acción. "Eso nos permitió saber con total exactitud la cantidad de tomas que necesitábamos hacer", dice Paul Lambert.
Para los actores, trabajar en verdaderas construcciones, en decorados reales, hizo que la experiencia fuera aún más memorable. "Me encanta trabajar en decorados espectaculares, me han permitido sentirme en otro mundo y otro tiempo", dice Jessica Chastain con entusiasmo. "Estoy impaciente por ver qué hará Cedric con los efectos especiales, y los trajes que diseñó Colleen eran simplemente maravillosos".
El vestuario de una reina: Los diseños de Colleen Atwood
No hace falta presentar a la diseñadora de vestuario Colleen Atwood, ganadora de tres Oscar por Alicia en el país de las maravillas, Chicago y Memorias de una geisha. Sus vestuarios suelen ser altamente creativos y no lo son menos en este caso. Se superó a sí misma en el diseño de los trajes para la trágica reina del hielo, Freya, y para su siniestra hermana Ravenna.
"Si llego a pedirle a Colleen que mejorase sus diseños, habría acabado en el hospital", dice el productor Joe Roth, riendo. "Ha sido nominada a once Oscar y ha ganado tres. Bastó con decirle que la gama de colores era diferente de la primera y que había mucho hielo".
La estética de la diseñadora es incomparable fusionando lo moderno con lo clásico. "Cedric y yo hablamos primero del mundo de Freya", dice la diseñadora. "Me explicó el tema del hielo y el del búho para que los incorporara a mis ideas".
Las actrices reconocen que ponerse un traje diseñado por Collen Atwood es un placer. "Son trajes maravillosos", dice Emily Blunt. "No solo soy una reina, soy la Reina de las Nieves. Colleen presta una enorme atención a los detalles, es una auténtica artista. Incorporó materiales a mi vestuario para imitar el hielo a base de metal y plata. Creó algo que no había visto nunca".
Charlize Theron, que ya ha llevado los trajes de la diseñadora, estaba impaciente por ver cómo vestiría a Ravenna en esta ocasión. "Hay algo en la ropa que diseña Colleen", dice la actriz. "Basta con ponérsela para que algo cambie. Es imposible no sentir que controlo el mundo cuando la llevo. Sus trajes casi moldean el personaje".
La diseñadora se puso a la cabeza de un equipo de unas 120 personas, sin contar los recursos externos, para preparar los trajes. Su equipo incluía diseñadores de patrones, modistas, artesanos y todo un grupo dedicado únicamente a la armadura de cuero del cazador".
La tecnología ha avanzado en los cinco años desde el rodaje de la primera entrega, lo que fue una gran ayuda para los trajes de los enanos, ya que deben hacerse dos idénticos, uno para los actores y otro para sus dobles. "Siento mucho cariño por los enanos, sobre todo por el grupo de mi equipo que se ocupa de sus trajes", explica Colleen Atwood. "Les basta con un trozo de tela y otro de cuero, una aguja e hilo para crear los dobladillos del traje de Nion. Esos pequeños detalles aportan un realismo primitivo".
Y hablando del vestuario de los enanos, sigue diciendo: "El reto siempre está en la escala. Hay trajes a escala completa y otros, exactamente iguales, a una escala de dos tercios. Las medidas de los hombros son idénticas. Técnicamente se trata de falsear el ancho y el largo, pero ha sido mucho menos complicado en esta película que en la anterior".
La diseñadora siempre incorpora los rasgos individuales de los personajes a los trajes que crea. "Para Freya, pensé en una reina dulce escondida detrás de una capa de hielo", explica. "Se ha escondido detrás de una fachada blindada, pero a medida que la historia avanza, empezamos a descubrir su mundo interior".
Los trajes de Ravenna son sencillamente grandiosos. "Es un personaje operístico, que regresa a través del espejo", dice. "Decidí diseñarle un traje que fuera como oro fundido alrededor de su cuerpo. Nadie puede llevar un traje así como Charlize".
Sara es una guerrera y su traje refleja su actividad. "Nació en el seno de una familia unida, esa era mi sensación", sigue diciendo la diseñadora. "He querido mantener una cualidad femenina y, a la vez, reflejar su fuerza física en el traje".
El traje de Jessica Chastain debía darle la libertad de movimientos requerida por las numerosas escenas de acción. La actriz, que estudió Krav Maga cuando trabajó en La deuda, estaba encantada con la oportunidad de demostrar sus habilidades. "Disfruté mucho aprendiendo y me encantan las armas que uso. Fui bailarina, por eso me gustan tanto las escenas de lucha, son como una coreografía, como si bailara de nuevo".
Al final del túnel
2016
País Argentina
Director Rodrigo Grande
Reparto: Leonardo Sbaraglia, Pablo Echarri, Clara Lago, Federico Luppi, Javier Godino
Una noche trabajando en su sótano, donde repara ordenadores, JOAQUIN escucha un ruido casi imperceptible. Pone la oreja contra la pared y se da cuenta que un grupo de ladrones, liderado por Galereto (45) está construyendo un túnel que pasa bajo su casa para robar un Banco cercano.
JOAQUIN vigila a los ladrones, toma notas, y logra conocer al detalle el plan del robo. Así, se da cuenta de que Berta es en realidad la novia de Galereto, y que alquiló la habitación para controlarle, distraerle y que no escuche los ruidos del túnel que están haciendo. JOAQUIN comienza a ejecutar un plan contrareloj que le permitirá frustrar los propósitos de Galereto y su banda.
Al final del Túnel' está protagonizada por Leonardo Sbaraglia, Pablo Echarri, Clara Lago, Federico Luppi y Javier Godino.
La película está escrita y dirigida por Rodrigo Grande y producida por Tornasol Films (España, Mariela Besuievsky, Gerardo Herrero) / El Árbol Contenidos (Argentina, Pablo Echarri, Martín Seefeld)/ Haddock Films (Argentina, Julia Di Veroli)/; en coproducción con Telefé (Argentina, Axel Kuschevasky) y con la participación de TVE (España).
Nota del director
Quería trabajar un género diferente a mis dos películas anteriores. Lo primero fue sentarme horas y días en un bar y pensar. Tomar notas. Descartar mucho. Mezclar ideas.
Es así como nace esta película, un thriller policiaco de suspenso con una atmósfera inspirada en los relatos de Edgar Allan Poe, de casas habitadas por fantasmas del pasado y ladrones que las rodean.
El túnel en el que se meten Joaquín y sus "enemigos", y que da título a la película, funciona entonces como pasadizo entre sus dos opciones, la vida y la muerte.
La imagen enfatizará los claroscuros; la luz y la sombra que se enfrentan en la historia, potenciarán la opresión de la casa para aumentar la tensión y el peligro.
El sonido sostendrá la atmósfera de intriga, acentuando la paranoia y las amenazas que acechan al protagonista aún cuando no las ve. Quejidos de caños de agua, suelos que crujen, sonidos de puertas que chirrían y desagües.
Mi objetivo como director es que el público, tras mantenerse en suspenso durante dos horas, tenga una experiencia positiva al terminar la película.
En ningún momento me planteé hacer una historia personal, pero terminó siéndolo.
Rodrigo Grande
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