Snoopy & Charlie Brown
2015
Duración 93 min.- País Estados Unidos
El legado de Charles M. Schulz
El 2 de octubre de 1950, Charles M. Schulz presentó a los personajes de Carlitos, Shermy y Pecas únicamente en siete periódicos, emprendiendo así este gran historietista un viaje que duraría 50 años y que cambió para siempre el panorama de la cultura popular y el humor. La tira cómica de Schulz fue aclamada como una de las mejores del siglo XX, y sus personajes dieron lugar a una auténtica industria, al mismo tiempo que proporcionaron una voz muy necesaria a los seres desvalidos, a través del personaje de Carlitos.
Carlitos ocupa un lugar singular dentro de la cultura popular. Tiene el honor de ser el único personaje de la tira cómica PEANUTS que ha aparecido tanto en la primera historieta, publicada el 2 de octubre de 1950, como en la última, publicada el 13 de febrero de 2000. (Snoopy no hizo acto de presencia hasta el 4 de octubre de 1950).
A pesar de todas las vicisitudes y dificultades de la vida —lo que incluye un árbol comedor de cometas, una racha de mala suerte en el béisbol o las bruscas reprimendas de Lucy Van Pelt—, Carlitos perseveraba. Su eterno optimismo nos proporcionó esperanza, lo que hizo que lectores de todo el mundo se identificaran con él.
"Todo el tiempo se califica a Carlitos como un perdedor", se lamenta Craig Schulz, hijo de Charles M. Schulz y uno de los guionistas y productores del filme CARLITOS Y SNOOPY, LA PELÍCULA DE PEANUTS. "Sin embargo, en realidad, Carlitos es un ganador porque nunca se rinde. Todos perdemos mucho más de lo que ganamos, ¿y quién mejor que Carlitos para enseñarnos esa lección?"
Con una habilidad especial para reflejar temas de índole social, Charles M. Schulz creó personajes y argumentos pródigos en ingenio, sarcasmo, humor y corazón. A mediados de los años sesenta, Charles M. Schulz introdujo al personaje de Pecas Patty. Algo chicazo en el fondo, Pecas destaca en el terreno de los deportes. En el siglo XXI, eso puede parecer algo normal, pero en los años sesenta, el hecho de introducir chicas que practican deporte en el mismo equipo que los chicos, se adelantaba en casi una década a su tiempo. Unos pocos años después, en 1968, Schulz introdujo en su tira cómica al primer personaje de raza negra, Franklin, compañero de clase y de equipo de Pecas Patty y Marcie.
Schulz metía el mundo que veía a su alrededor en tan sólo cuatro viñetas. "Siempre consideré a mi padre como un gran observador", recuerda Craig Schulz."Independientemente de dónde estuviera o lo que estuviera haciendo, al momento encontraba la inspiración para hacer una tira cómica. Nunca perdió una oportunidad de contar una historia".
Sin ser consciente de ello, Charles Schulz tenía la asombrosa habilidad de deslizar fluidamente, como si fuera algo obvio, temas muy importantes dentro de las viñetas de su tira cómica. "Durante todo ese tiempo, mi padre nunca se aprovechó de su posición. A lo largo de cincuenta años, no se volvió una persona cínica respecto al mundo que le rodeaba, y eso valió la pena. A la gente le importan de verdad los personajes que creó", dice Craig Schulz.
El atractivo que universalmente tienen todos los personajes de la tira PEANUTS —abarcando desde la eterna condición de perdedor de Carlitos, el gran corazón de Linus, la filosofía de Franklin, la introspección de Marcie, el malhumor de Lucy, el afecto no correspondido de Sally por su Sweet Babboo, Linus, así como los muchos personajes de Snoopy— es la razón por la cual esta tira cómica y sus personajes siguen siendo relevantes aún hoy, este año, cuando la tira cómica PEANUTS celebra su 65º aniversario.
Cuando PEANUTS dejó de publicarse en el año 2000, la tira cómica contaba con un número de lectores estimado en más de 350 millones y había aparecido en 2.600 publicaciones, correspondientes a veintiún países del mundo. Tras haberse publicado un total de 17.897 tiras, todas y cada una de ellas dibujadas e ilustradas por Schulz (15.391 publicadas diariamente y 2.506 durante los domingos), siguen reeditándose nuevas ediciones de la tira cómica, logrando cada día nuevos lectores.
Este año, dicho legado se perpetúa con el regreso de la banda Peanuts, esta vez, a la gran pantalla, en el filme CARLITOS Y SNOOPY, LA PELÍCULA DE PEANUTS.
Vas a ir a la gran pantalla, Carlitos
A lo largo de los años, muchos estudios cinematográficos habían pretendido hacer una versión para la gran pantalla de la tira cómica PEANUTS, pero la familia Schulz se resistía. La opinión de la familia empezó a cambiar cuando el director Steve Martino expresó su pasión y sus ideas en relación al proyecto. Además, Craig Schulz era un gran admirador del trabajo de Martino, lo que incluye su película Horton, en la que el realizador fue escrupulosamente fiel al estilo de los libros infantiles ‘Dr. Seuss’.
En 2012, Schulz se puso en contacto con Ralph Millero, directivo de Fox Animation Studios, para comunicarle que tenía un guión, escrito por él mismo junto con su hijo, Bryan Schulz, y Cornelius Uliano, el socio más joven en esta labor de escritura conjunta (los tres guionistas ejercen también de productores). Moviéndose a la velocidad de una de esas bolas rápidas que siempre parecen pasarle zumbando a Carlitos, Millero llevó el guión a la presidenta de Fox Animation Studios, Vanessa Morrison, quien inmediatamente puso las cosas en marcha. Blue Sky y Fox habían logrado lo que todos los grandes estudios habían intentado: obtener los derechos cinematográficos de uno de los productos más codiciados del mundo.
El enfoque y el cuidado que Martino mostró hacia el proyecto, impresionó gratamente a la familia Schulz. "Nos sentimos muy afortunados de poder contar con Steve", recuerda Craig Schulz. "A lo largo de los años, habíamos tratado con muchas personas que nos llegaban diciendo que habían crecido con los Peanuts y que tenían una gran historia. Pero no es fácil meterse en el mundo que mi padre había creado y entender su forma de dibujar. Steve Martino lo comprendió perfectamente".
El productor Michael J. Travers señala: "Trabajar con los Schulz y conseguir una historia escrupulosamente fiel al trabajo de Charles M. Schulz era algo esencial. Esta película es verdaderamente una extensión de su legado".
Decir que Martino sintió cierta presión sería un eufemismo. "Pensaba en el personaje de Schroeder y en su pequeño piano de juguete, y justo el día que nos encargaban esos iconos, sentía como si tuviera un piano enorme sobre mis hombros. ¡En mi puerta había artistas haciendo cola!" El supervisor de animación Nick Bruno añade: "¡Fue la primera vez que mi padre me llamó para darme su opinión sobre cómo no arruinar un proyecto que era nuestro!"
Completando el equipo de producción se halla uno de los más respetados realizadores de la industria cinematográfica, el polivalente (y fan de toda la vida de la tira PEANUTS) Paul Feig."Casi me desmayo cuando Ralph Millero contactó conmigo para trabajar en el filme", bromea Feig. "Era como si te llamaran para participar en el remake de 'Star Wars'".
La historia está en los trazos de línea, Carlitos
Mientras producción se preparaba para la realización de CARLITOS Y SNOOPY, LA PELÍCULA DE PEANUTS, Martino mantuvo una conversación particularmente memorable con Craig Schulz: "Charles M. Schulz tuvo un profundo impacto sobre mí como niño y como artista", dice Martino, "y en una de nuestras primeras reuniones, Craig me interrumpió para decirme, ‘Todos los amigos de mi padre se refieren a él como Sparky, así que si vamos a estar juntos en esta aventura, así es como deberías llamarle’. Eso fue un grandísimo honor para mí".
Para dar inicio a la producción, Craig Schulz llevó a Blue Sky Studios al aclamado artista Tom Everhart, para que se reuniera con realizadores y artistas. Everhart es famoso por sus particulares y míticas interpretaciones de Snoopy, Carlitos y el resto de la banda Peanuts, que se han exhibido en galerías de todo el mundo, incluyendo el Museo del Louvre de París, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, el Museo de Bellas Artes de Tokio y, por supuesto, el Museo y Centro de Investigación Charles M. Schulz de Santa Rosa, California, un museo dedicado a la obra y legado del legendario humorista gráfico.
Durante un debate sobre su concienzudo estudio del trabajo de Charles M. Schulz, Everhart nos proyectó imágenes de la tira cómica en pantalla de cine para mostrar los detalles de las líneas de tinta negra dibujadas por Schulz.
"Cuando Tom amplificó en pantalla la tira cómica, observamos tal nivel de detalle en la tinta que, literalmente, vimos la historia en las líneas. Fue algo increíble", dice Martino.
"Para nosotros, supuso realmente un cambio de paradigma", añade el director artístico Nash Dunnigan. "Supimos entonces que ahí teníamos un punto de partida para la estética y estilo de los personajes así como el diseño de producción".
Admítelo: En algún momento de tu vida, has garabateado una versión de Snoopy o de su caseta de perro en un cuaderno escolar…, o pintarrajeado el icónico zigzag del jersey de Carlitos. O quizás has calcado los personajes de la edición dominical. "Cuando yo era más joven, pensaba, puedo dibujar a Carlitos; es fácil", dice Martino. "Pero cuando lo que intentas es atrapar el espíritu de la obra de Charles M. Schulz, ¡resulta abrumador!".
¡Haz las maletas, Snoopy! ¡Te vas a Santa Rosa!
Para capturar las excepcionales características de los personajes, Martino y el productor Michael J. Travers sumergieron al equipo en el universo de los Peanuts. Y empezaron dicho viaje con una visita al Museo y Centro de Investigación Charles M. Schulz.
El museo alberga miles de originales de las tiras cómicas PEANUTS, lo que la convierte en la colección individual de humor gráfico más grande del mundo. También contiene cientos de bocetos de Schulz, ilustraciones de libros, material gráfico privado y dibujos de su etapa inicial. El centro de investigación adyacente incluye una impresionante biblioteca, además de cartas, fotografías, entrevistas, así como singulares y efímeros artículos relativos a los Peanuts.
"La gente del Museo Schulz se comportó estupendamente con nosotros", afirma Martino."Nos abrieron sus archivos y fueron extraordinariamente acogedores".
Para una mejor comprensión de las sutilezas de la obra de Schulz, los artistas, animadores y el equipo responsable del guión gráfico recurrieron a Paige Braddock, de la compañía Charles M. Schulz Creative Associates. Como directora creativa, Braddock es responsable de la imagen y desarrollo creativo de todos los productos relacionados con los Peanuts en todo el mundo, así como de la dirección editorial de las iniciativas de publicación. "Paige fue un inestimable recurso para todos nosotros", dice Martino. "Ella fue la última artista que tuvo oportunidad de trabajar y formarse con Sparky".
Braddock proporcionó al equipo de Blue Sky una perla en forma de consejo que podría resumirse en una palabra: Relajaos. "Las líneas que Schulz dibujaba eran ligeras y orgánicas. Y ni siquiera llegas a acercarte a ese estilo de línea si no eres capaz de relajarte", dice Braddock.
Braddock aseguró a los artistas que no eran los únicos en sentirse un poco abrumados por el desafío que suponía controlar el dibujo de los personajes, especialmente la cabeza de Carlitos. "Es prácticamente imposible hacerlo bien cuando empiezas a trabajar con el personaje, y si te vas lo más mínimo, es realmente muy evidente", afirma Braddock.
Karen Disher, artista encargada del guión gráfico, viajó hasta Santa Rosa en el que sería el primero de sus muchos viajes. Auténtica fan de la tira cómica PEANUTS desde su infancia, Disher, sin embargo, aprendió mucho durante esas visitas. Por ejemplo, afirma, "Las líneas del dibujo de Carlitos son aparentemente muy sencillas. Es increíble cuánta emoción podía conseguir Charles M. Schulz a partir de unos pequeños puntos, líneas y simples garabatos. Y reproducir eso era muy difícil".
Todo el equipo de Blue Sky era consciente de que necesitaba sobrepasar todos los límites para lograr dar vida al guión escrito por Craig Schulz, Bryan Schulz y Cornelius Uliano.
Inicialmente, los guionistas pensaron en centrar la historia en Snoopy, con Carlitos relegado a una trama secundaria. Pero rápidamente se decantaron en sentido contrario, pues eran conscientes de que un exceso de Snoopy podría apropiarse de la estructura narrativa del filme. "Mi padre tuvo el mismo problema con la tira cómica", recuerda Craig Schulz."¡Constantemente estaba refrenando a Snoopy!"
Para equilibrar la historia, se decidió incluir a la totalidad de personajes de la tira PEANUTS, incluyendo algunos de sus miembros menos conocidos.
"Fue Steve Martino el que sugirió que expandiéramos el universo del filme introduciendo a los personajes que todos desean ver y ampliando el ámbito de actuación y el mensaje", recuerda Craig Schulz.
En esencia, CARLITOS Y SNOOPY, LA PELÍCULA DE PEANUTS trata sobre las ansiedades cotidianas que experimentamos cuando nos hacemos mayores, vamos a la escuela y lidiamos con la percepción que la gente tiene sobre los demás. "Optamos por ese tema y cambiamos el tono general de la película, lo cual dio como resultado un mensaje más potente, un mensaje con el que pueden identificarse tanto adultos como niños", dice Schulz.
Martino y su equipo se aseguraron de proporcionar a cada personaje su pertinente introducción y punto de referencia. Afortunadamente para los realizadores, contaban con un conjunto de personajes muy consolidados y con una voz muy potente, gracias a la imaginación de Charles M. Schulz.
"Lo que Sparky hizo de forma espléndida durante 50 años fue mostrar que, sin necesidad de filtros, el mundo es perfecto para expresar tus emociones, preocupaciones, temores y deseos", dice Martino. "Vemos un poco de nosotros mismos en cada uno de los personajes, y eso es lo que hace que nos identifiquemos tanto con ellos. Más que interiorizar las emociones de los personajes, Schulz les permitía expresarse sin tapujos, y nosotros nos hemos mantenido fieles a ese esquema narrativo.
"Uno de los retos de la animación es la creación de personajes interesantes y con profundidad, de manera que, al juntarlos, sea posible crear situaciones interesantes y una estimulante historia", continúa Martino. Lo que Sparky nos ha proporcionado a lo largo de todos estos años de publicación de la tira cómica son unos personajes realmente magníficos. Sparky escribió sobre temas universales que nos afectan a todos pero que provienen de voces de niños. Realmente son adultos atrapados en cuerpos infantiles".
Martino sentía una especial curiosidad por el personaje de Carlitos. "Hay un poco de Carlitos en todos nosotros", comenta Martino. "Lo relevante del personaje es que actúa hasta un nivel tan extremo que siempre provoca que te sientas mejor respecto a esa parte de Carlitos que hay en ti. Todos nos hemos enfrentado a situaciones difíciles y todos hemos tenido fracasos. Carlitos nos enseña que, en medio de todo eso, puedes levantarte e intentarlo de nuevo. Por lo tanto, para nosotros era muy importante captar ese espíritu en la forma de expresarse del personaje".
De vuelta a la escuela
Para la abrumadora tarea de dirigir el equipo de animadores responsable de dar vida a los personajes, Martino recurrió a tres experimentados artistas de Blue Sky: los supervisores de animación Nick Bruno y Scott Carroll, y el animador principal Jeff Gabor. Los tres son fervientes admiradores de Charles M. Schulz. "Nos infiltramos en el proyecto", dice Carroll en tono de broma.
Conjuntamente, Bruno, Carroll y Gabor fueron los responsables de la formación, supervisión y, lo que es más importante, la concordancia de un mismo modelo operativo dentro de un equipo compuesto por cien animadores. Insistiendo en la claridad, la concentración y la simplicidad, Bruno, Carroll y Gabor tuvieron que introducir un estilo de animación que era nuevo para prácticamente todos los implicados en el filme. Cada animador que se incorporaba al equipo debía asistir a la "Van Pelt University", para realizar un curso intensivo sobre el estilo y la obra de Charles M. Schulz.
"No había mucha información que extraer de las tiras cómicas en relación al movimiento de los personajes", observa Gabor. "Cuando analizabas 15 o 20 expresiones de Snoopy, era imposible averiguar los gestos intermedios en movimiento, así que decidimos recurrir a los programas especiales".
Gabor se refiere a los dibujos animados que Bill Melendez y Lee Mendelson han producido para la televisión. A lo largo de los años, el dúo ha supervisado más de 40 programas especiales de los Peanuts, consiguiendo un total de tres premios Emmy y 20 nominaciones a dicho galardón. En 2015, el especial titulado "A Charlie Brown Christmas", ganador de los premios Emmy y Peabody, celebra su 50º aniversario; para muchos, la emisión de este programa especial marca el inicio oficial de las fiestas navideñas.
"Si ves lo que hizo Bill Melendez, es como si estuvieras viendo la propia tira cómica", observa Carroll. "El estilo que creó para los programas especiales se debía en buena medida al diseño de los personajes".
Martino añade: "Escuché horas y horas de entrevistas grabadas por Bill Melendez en la última época de su vida, cuando había aprendido que era imposible animar estos personajes siguiendo modas. Ése fue el factor que indujo su estilo".
El legendario animador Bill Littlejohn (trabajando conjuntamente con Melendez y Mendelson) fue el responsable de la animación de dos de las más memorables escenas animadas de los Peanuts: el infame baile de Snoopy sobre el piano de Schroeder del programa especial de Navidad, y las secuencias del "Barón Rojo" del programa especial de Halloween. La habilidad de Littlejohn para convertir en historia las travesuras y pantomimas de Snoopy ha sido alabada y estudiada por aspirantes a animadores de todo el mundo, incluyendo los de Blue Sky.
"Bill Littlejohn me proporcionó mi primer conocimiento del mundo de la animación", recuerda Bruno. "Cuando tenía cinco años, me regalaron por Navidad un Visor de Dibujos Animados Fisher Price, que traía una colección de dibujos animados de los Peanuts. Me pasé toda la noche despierto viendo una y otra vez la obra maestra de Bill titulada ‘Snoopy vs. The Red Baron’. Había algo mágico en llegar a entender que Snoopy estaba perdiendo en una pelea de perros, ¡sin ni siquiera ver a su oponente!".
Scott Carroll añade: "Si no hubiéramos estudiado el trabajo de Bill Littlejohn, no habríamos conseguido trasladar ese icónico aspecto y atmósfera de los dibujos PEANUTS a la animación".
Éste es tu barrio, Carlitos
Llevar a la gran pantalla el mundo y los personajes de la tira PEANUTS a través de animación por ordenador fue una tarea formidable, pero no sólo para los animadores. La creación y diseño del aspecto general del filme fue un reto igualmente para el departamento artístico."Siempre que veía la tira cómica quería saber un poco más sobre el mundo de Carlitos", dice Martino. "Sparky nos proporcionaba siempre una instantánea fotográfica, una imagen comprimida de todo su universo".
La labor de desarrollar dicho universo recayó en el director artístico Nash Dunnigan y su equipo.
"Nuestro diseñador de producción, en el fondo, es Sparky", señala Dunnigan. "Sus tiras cómicas originales proporcionan abundante información a la hora de enfocar la historia visualmente". Dado que se habían publicado miles de historietas, el equipo de diseño pudo descubrir el hilo conductor de toda la obra de Schulz.
Era importante para Dunnigan mantener consistencia en el diseño y evitar un exceso de estilización. "El nivel de detalle en atrezo y ambientes sólo puedes llevarlo hasta el punto en que se logra una desconexión", explica. "Nosotros no queríamos competir con la intencionada simplicidad de la estética del filme".
Dunnigan aconsejó al equipo que en todo lo que diseñaran tomaran como referencia los trazos de línea dibujados por Schulz a lo largo de toda su obra. Observaron que en las tiras dibujadas por Schulz durante los años 80 y 90 había "fondos", "decorado" y "atrezo" de estética simple, lo que permitió a los realizadores completar muchos espacios en blanco. "Al revisar las tiras, sólo veíamos una parte de una lámpara o de un sofá, o simplemente la esquina de una ventana", rememora el escenógrafo principal Jon Townley. "No obstante, lo más importante era absorber los matices que había en el estilo y manera de dibujar de Schulz".
Martino sabía que en el diseño de producción quería crear una clara distinción entre la acción que tiene lugar en las secuencias de fantasía del beagle, donde la imaginación de Snoopy le lleva a los cielos como as de la aviación de la I Guerra Mundial, y las escenas que se desarrollan en el "mundo real".
El fondo de las secuencias que se desarrollan en la casa, en la escuela y en el barrio de Carlitos tiene colores desaturados, con el fin de no apartar la atención de los principales personajes, que se identifican con colores saturados y vibrantes. "Steve quería que cuando estuviéramos en la casa o en el barrio de Carlitos, tuviéramos la sensación de estar viendo la tira cómica dominical", explica Dunnigan.
Volviendo a los fantasiosos vuelos protagonizados por Snoopy, el equipo quería llevar el color más allá de los límites establecidos. Siendo Snoopy y su homólogo en la tira cómica fundamentalmente de color blanco, un espectro de colores más oscuros enfatizaba las acciones llevadas a cabo por el personaje.
Uno de los aspectos más encantadores de la historieta es que los personajes parecen siempre jóvenes. "Intentamos conseguir un estilo atemporal para evitar situar la película cronológicamente; con unas pocas excepciones", explica Dunnigan. "Tratamos de alejarnos de conceptos que no estaban en la obra de Sparky". Por ejemplo, el equipo de diseño exploró la posibilidad de poner una televisión como fondo del salón de Carlitos, como una parte más del atrezo. Analizando las historietas, el equipo se dio cuenta de que los cómics mostraban un mueble para la televisión típico de los años 70. "Diseñamos y creamos el mueble para la televisión", recuerda Nash, "pero decidimos no usarlo ya que nos pareció que situaba en el tiempo tanto la escena como la película. La televisión dio lugar a los sistemas multimedia y determinó una ‘década’, y no era nuestra intención introducir tales conceptos".
Los realizadores efectivamente hicieron una excepción, incluyendo el icónico teléfono de disco que hemos visto en tantas historietas y cómics de Schulz.
La estética de CARLITOS Y SNOOPY, LA PELÍCULA DE PEANUTS es un claro testimonio del legado de Charles M. Schulz. "Me enamoré inmediatamente del diseño del filme", dice el productor Paul Feig. "No contradice la percepción que uno tiene de cómo debería representarse a los Peanuts, sino que más bien la complementa".
Era una noche oscura y tormentosa...
Cuando Snoopy entra en su mundo de fantasía, encontramos a nuestro adorado beagle tecleando sin parar, al igual que su alter ego, el "escritor mundialmente famoso", intentando escribir la próxima gran novela. Contando con el apoyo de su leal editor, Emilio, Snoopy comienza "La historia más grande jamás contada", empezando con la clásica frase: "Era una noche oscura y tormentosa…"
"Snoopy observa lo que sucede en la vida de Carlitos y toma de ahí sus apuntes, y en su mundo de fantasía vemos cómo va progresando la historia", explica Martino. El giro que más recientemente ha ocurrido en la vida de Carlitos ha sido su enamoramiento de la Niña de Pelo Rojo, una chica nueva en el barrio y en su clase. Snoopy, al igual que su amigo, también quiere un romance. Uliano señala: "La historia de Snoopy está llena de amor y aventura, en contraste con el telón de fondo de la I Guerra Mundial, pues este as de la aviación está dispuesto a conquistar el corazón de una hermosa piloto llamada Fifi, al mismo tiempo que se enfrenta a su archienemigo, el Barón Rojo".
Para Bryan Schulz, el desarrollo de esta parte de la historia en el filme fue particularmente satisfactorio como fan y como escritor. "Para mí, esta secuencia era una oportunidad de responder por fin a una cuestión en la que había reflexionado durante años: ¿Por qué Snoopy seguía persiguiendo al Barón Rojo?"
Prestando voz a 'Carlitos y snoopy, la película de Peanuts
Generaciones que han crecido viendo los programas especiales de PEANUTS tienen sólidamente grabado en su mente las voces de Carlitos, Lucy, Linus, Sally y el resto de la banda. Así que elegir a los actores adecuados para dar voz a los personajes era algo esencial para el éxito del filme.
El director de Casting Christian Kaplan llevó a cabo una exhaustiva búsqueda, ya que, junto a los realizadores, vio a más de 1.000 candidatos tanto en la Costa Este como en la Costa Oeste. Para evaluar su cadencia y ritmo, los actores usaron en las audiciones diálogos y textos del propio guión del filme.
Tras una extenuante búsqueda, Martino encontró a su Carlitos en un niño de diez años natural de Scarsdale y residente en Nueva York: Noah Schnapp. "Noah tiene la voz perfecta para Carlitos, pero también tiene un temperamento parecido al personaje", afirma Martino."Esa circunstancia nos permitió confiar en sus naturales tendencias, y la verdad es que parecía Carlitos".
Elegir la voz para el personaje de Linus le supuso a Martino varias noches de insomnio. "La voz de Linus era mi favorita de los programas especiales originales de PEANUTS, y también era la voz cuya elección más me preocupaba", recuerda. "Linus tenía un maravilloso y orgánico ceceo. Nunca sonaba exagerado, sino que parecía muy 'verdadero'". El niño de once años Alex Garfin, natural de Nueva York, consiguió el papel. "En nuestra historia, Linus es el amigo comprensivo y fiel de Carlitos", dice Martino, "y, al igual que le sucede a Noah con Carlitos, Alex tiene una personalidad similar a la de Linus".
Se necesitaba a una sólida actriz para interpretar a Lucy, y Martino la encontró en la niña de diez años Hadley Miller, natural de Huntington Beach, California. No obstante, podemos garantizar que Hadley no tiene la disposición de su malhumorado y autoritario personaje, Lucy. "Hadley tiene un carácter muy agradable y cortés, y yo me preguntaba si podría interpretar esa parte atrevida y descarada que tiene Lucy", dice el director. Sin embargo, su preocupación se atenuó en cuanto Hadley entró en la cabina de grabación.
"Hadley me dejó absolutamente pasmado con su atrevimiento y gran interpretación", dice Martino. "Hadley entendió perfectamente a Lucy. Al verla, exclamé, ‘¡Guau! Ha sido increíble’, y luego, volviendo a ser simplemente ella misma, Hadley me dijo con un tono extraordinariamente dulce y educado, ‘Gracias’. Hadley era perfecta".
Aunque la Niña de Pelo Rojo sólo tiene unas pocas líneas de diálogo, su relevancia dentro de la historia es innegable ya que es el gran amor de Carlitos. "Era importante que su voz tuviera atributos de sinceridad y dulzura", señala Martino. La actriz de diez años Francesca Capaldi, conocida por su trabajo en la serie de Disney Channel TV "Dog with a Blog", es la encargada de asumir este papel.
Al inicio del proceso de grabación, Craig Schulz asistió a la sesión de doblaje de Mariel Sheets, la joven actriz que interpreta a Sally Brown. Sheets no sabía que él estaba allí, y durante un receso, Schulz recuerda cómo declamó de un tirón diálogos de los programas especiales de Navidad y Halloween, palabra por palabra y con el ritmo perfecto. "Era maravillosa", la ensalza Shulz.
"Lo mejor de trabajar con niños es que tienen una extraordinaria imaginación", señala Martino. "Dado que actúan en una sala vacía, y sin disponer de un set, vestuario o atrezo, únicamente cuentan con nuestra habilidad para proyectar en su mente la escena que están interpretando".
El objeto amoroso de Snoopy, Fifi, suponía otro reto a la hora de elegir su voz. Apareciendo por primera vez en un especial de los años ochenta, Fifi nunca dijo una palabra, así que los realizadores debían deducir cómo sería su posible voz. "Queríamos que fuera algo especial pero también apropiado, y no elegir a una doble del personaje simplemente porque sí", explica Martino.
Los realizadores encontraron a su Fifi en la actriz ganadora de los premios Tony y Emmy Kristin Chenoweth. Chenoweth ganó los premios Tony y Drama Desk en 1999 por su interpretación de Sally Brown en el musical "You’re a Good Man, Charlie Brown". Este otoño, Chenoweth, fan de los Peanuts desde hace tiempo, participa en el especial de televisión que se realiza con motivo del 50º aniversario de "A Charlie Brown Christmas", e interpreta el emblemático tema "Christmas Time is Here".
Para el equipo de Blue Sky, trabajar con Chenoweth era como un regreso al hogar, ya que la actriz había prestado su voz al personaje de Gabi en la película de los estudios "Río 2". Martino señala, "La enorme ilusión que para todos los miembros de Blue Sky suponía contar con Kristin y su extraordinario talento para nuestra película, así como su asociación y colaboración como parte de la familia Peanuts a lo largo de quince años, dio como resultado una combinación perfecta".
En la mezcla
Randy Thom, ganador en dos ocasiones del Premio de la Academia y supervisor de Edición y Mezcla de Sonido en CARLITOS Y SNOOPY, LA PELÍCULA DE PEANUTS, no es ajeno en absoluto al mundo de la animación. Considerado una leyenda en el terreno del diseño y la mezcla de sonido, Thom, establecido en la compañía Skywalker Sound, ha trabajado en más de veinte películas animadas, tales como los filmes "Cómo entrenar a tu dragón" y "Río" o"Los increíbles" (película por la que ganó un Oscar).
Thom asume los infinitos desafíos que suponen el cine de animación y el diseño de un mundo de sonido empezando absolutamente desde cero. "Es maravilloso poder trabajar en una gran variedad de estilos", afirma. "Lo que me gustaba particularmente en CARLITOS Y SNOOPY, LA PELÍCULA DE PEANUTS era la directriz y el reto establecidos por Steve Martino de que debíamos mantenernos fieles al sonido original de los especiales de televisión de PEANUTS".
"Aunque utilizábamos un equipo moderno, empleábamos técnicas especiales para dar sensación de antigüedad, incorporando sonidos característicos y fácilmente reconocibles de los especiales", prosigue Thom.
En reconocimiento a los programas especiales clásicos y al legado de Charles M. Schulz, los realizadores Bill Melendez y Lee Mendelson tuvieron pleno acceso a la biblioteca de las grabaciones que Melendez había realizado de la voz de Snoopy. "Era muy importante para nosotros poder usar la voz de Bill, así que me acerqué hasta su estudio y me hice con gran parte de las grabaciones que había hecho a lo largo de los años", dice Craig Schulz.
Responsable de las grabaciones de Melendez (que prestó su voz a Snoopy y a Emilio), Thom puso un especial cuidado a la hora de incorporarlas a la película. "Analizamos la voz de Bill y las grabaciones que hizo por aquel entonces", explica Thom. "Se grababa a sí mismo simplemente tarareando, ronroneando o silbando, así como modulando su voz arriba y abajo, y después alteraba el tono subiéndolo al máximo, lo que daba lugar a la voz de una graciosa criaturita. El truco, por supuesto, radica en inventar un lenguaje emocionalmente expresivo, pero no compuesto de palabras sino de sonidos, sonidos que están a medio camino entre un animal y un ser humano. Debía sonar gracioso cuando así convenía y, por supuesto, afectuoso cuando era lo apropiado".
Deme la entrada, Maestro Schroeder
CARLITOS Y SNOOPY, LA PELÍCULA DE PEANUTS nos obsequia con la emblemática música de Vince Guaraldi, que compuso el adorable tema "Linus and Lucy" para los especiales de televisión. "Déjame que resuelva tus dudas", confirma Martino, "¡la canción ‘Linus and Lucy’ y todas las que ya conoces y adoras están en el filme!"
Martino recurrió a David Benoit, leyenda del jazz y colaborador en los especiales PEANUTS desde hace tiempo, para que interpretara los inolvidables y simbólicos temas en CARLITOS Y SNOOPY, LA PELÍCULA DE PEANUTS. Para resucitar la icónica "voz" de Miss Othmar (la profesora de los niños) y todas las demás voces de adultos del reparto, los realizadores eligieron a un legendario jazzman de Nueva Orleans: Troy "Trombone Shorty" Andrews.
A cargo de la dirección musical se halla el compositor Christophe Beck ("Frozen", "Ant Man","Dando la nota").
En una inolvidable escena, Snoopy enseña a bailar a Carlitos (para que pueda impresionar a la Niña de Pelo Rojo). Consciente de que la escena requería una canción, Martino pidió a una de las principales virtuosas de la música actual, Meghan Trainor, ganadora del Billboard Music y nominada al Grammy, que compusiera un tema original para el filme. "Meghan ha escrito una canción maravillosa que expresa la optimista disposición de Carlitos mientras ensaya con Snoopy para perfeccionarse como bailarín", dice Martino. "Meghan es una cantante y compositora extraordinaria, así como un claro ejemplo del espíritu que aborda temáticamente nuestra historia".
Trainor se reunió con el equipo en Blue Sky y, aparentemente, fue capaz de captar la esencia del filme en una canción que compuso esa misma noche. "Musicalmente, Meghan me tenía ya ganado desde la primera maqueta que nos propuso", señala Martino. "Mis pies se movían al compás y en mi cara había una enorme sonrisa, pues podía ver cómo su excepcional talento realzaba ese momento del filme".
Trainor declaró: "Como fan de toda la vida de Carlitos, Snoopy y el resto de la banda Peanuts, me emocionó mucho que me brindaran la oportunidad de ver una primera versión de CARLITOS Y SNOOPY, LA PELÍCULA DE PEANUTS; y que eso me inspirara después para escribir una canción que captaba el espíritu, la energía y la alegría que transmite el filme. Y fue un auténtico placer trabajar con el director Steve Martino, asegurándonos de que la canción hacía justicia a esos extraordinarios personajes y al mundo que Martino estaba trasladando a la gran pantalla".
El legado de Charles Schulz
Escuchemos a los protagonistas
Es tiempo ahora de Steve Martino, el director
El amor a Snoopy en palabras del equipo de trabajo
Cómo transformaron personajes bi en tridimensionales
La gran apuesta
2015
Duración 130 min.
País Estados Unidos
Reparto: Christian Bale, Ryan Gosling, Steve Carell, Brad Pitt, Karen Gillan, Marisa Tomei,Melissa Leo, Selena Gomez, Max Greenfield, Finn Wittrock, Rafe Spall, Billy Magnussen, Hamish Linklater, Byron Mann, John Magaro
Dirigida por Adam McKay ("El reportero: la leyenda de Ron Burgundy", "Hermanos por pelotas") y protagonizada por el ganador del premio Oscar® de la Academia de Hollywood Christian Bale, así como los actores nominados al Oscar® Steve Carell, Ryan Gosling y Brad Pitt. Sus productores ejecutivos son Louise Rosner-Meyer ("Los juegos del hambre", "Los juegos del hambre: En llamas") y Kevin Messick ("Los amos de la noticia"). Producida por el equipo ganador del Oscar® compuesto por Brad Pitt, Dede Gardner ("Selma", "12 años de esclavitud"), Jeremy Kleiner ("Selma", "12 años de esclavitud") y el nominado al Oscar® Arnon Milchan ("Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia)", "El club de la lucha"). Guion de Charles Randolph ("Amor y otras drogas", "La intérprete") y Adam McKay, basado en el libro La gran apuesta, de Michael Lewis (Moneyball, The Blind Side). El director de fotografía es el nominado al Oscar® Barry Ackroyd ("Capitán Phillips", "En tierra hostil (The Hurt Locker)"). El director de producción es Clayton Hartley ("Cómo acabar sin tu jefe 2","Somos los Miller"). El montaje es de Hank Corwin ("El árbol de la vida", "Asesinos natos"). El diseño de vestuario es de Susan Matheson ("Los amos de la noticia", "Hermanos por pelotas") y la música de Nicholas Britell ("A Tale of Love and Darkness", "The Seventh Fire").
El guionista y director Adam McKay es más conocido como el cerebro responsable de comedias de gran éxito de taquilla de Will Ferrell como "Hermanos por pelotas" y El reportero: la leyenda de Ron Burgundy", así como del espectáculo de Broadway nominado al premio Tony"You’re Welcome America". Sin embargo, hace cinco años, cuando leyó La gran apuesta, quedó fascinado con una farsa de otro tipo. Intrigado por la mezcla de comedia, drama y absoluta tragedia de la genial visión entre bastidores que ofrecía Michael Lewis en vísperas del hundimiento de la economía mundial, McKay ansiaba tomarse un respiro de las comedias absurdas para trasladar La gran apuesta a la gran pantalla.
"Empecé a leer el libro sobre las diez y media de la noche y pensé: ‘Me leeré 40 páginas y ya está’", recuerda McKay. "No podía dejarlo. Acabé leyéndomelo entero y me lo terminé a las seis de la mañana. Al día siguiente, le hablé a mi mujer de los personajes y de cómo el libro entrelazaba las distintas tramas y cómo es una especie de historia sobre ‘hacerse rico’ que trata en última instancia sobre la caída del sistema bancario, la corrupción y la autocomplacencia, y cómo es a la vez divertida y desgarradora. Y ella me dijo: ‘Deberías hacerla’. A lo que respondí: ‘Soy el tipo que hizo "Hermanos por pelotas"’. Ni siquiera se me ocurrió considerarlo, porque di por hecho que alguien como Scott Rudin o Plan B ya se habría hecho con los derechos del libro".
Y efectivamente, Plan B Entertainment, la productora de Brad Pitt, ya se había asociado con Paramount Pictures para trasladar La gran apuesta a la gran pantalla. El productor Jeremy Kleiner encontró sorprendentes similitudes entre la forma de ver el béisbol y Wall Street del autor Michael Lewis en su libro Money Ball. "Tanto Money Ball como La gran apuesta abordan temas familiares que la gente cree entender y formulan preguntas importantes", explica Kleiner. "La gran apuesta tiene además un elemento muy característico, en el sentido de que los protagonistas no ‘van de buenos por la vida’. Todo eso nos pareció muy interesante, así que Paramount, nuestro socio, decidió hacerse con los derechos. Y así se puso en marcha el proyecto".
Después de que McKay terminara de dirigir la secuela de éxito "Los amos de la noticia", su agente lo retó a que le dijera la película que más le interesaba hacer. "Antes siquiera de saber lo que estaba diciendo, le planteé: ‘Si pudiera hacer cualquier cosa, haría La gran apuesta’". Plan B envió a McKay una versión temprana de un guion escrito por Charles Randolph. "Vi algunas cosas buenas en el guion y también supe exactamente qué hacer para mejorarlo", recuerda McKay. "Me reuní con Jeremy y Dede Gardner, presidenta de Plan B, y les planteé mi propuesta".
El guion resultante incorporaba el característico ingenio de McKay a una historia sobre un momento decisivo en la historia reciente de Estados Unidos. "La gente me conoce por películas como ‘Pasado de vueltas’ y ‘El reportero: la leyenda de Ron Burgundy’, o los vídeos de Funny or Die, pero siempre me he implicado en distintas causas", explica McKay, que dominó la sátira política como guionista jefe de "Saturday Night Live" antes de iniciar su carrera cinematográfica. "Siento que es tu obligación como ciudadano prestar atención a lo que sucede en política y en la sociedad. Puedes ser un payaso al que rocían con botellas de soda, pero también tienes que votar y saber de qué estás hablando".
Los tipos de fuera
El libro que tenía a McKay y Plan B tan entusiasmados por adaptar al cine, que trataba sobre los acontecimientos que llevaron a la crisis bancaria, es obra del autor Michael Lewis, un auténtico maestro de la no ficción. Después de trabajar él mismo en un gran banco de Wall Street en la década de 1980, Lewis escribió el superventas El póquer del mentiroso, una divertida y reveladora mirada al lucrativo y engañoso mundo de la negociación de bonos. El autor no tenía pensado escribir nada más sobre el tema, hasta la crisis financiera de 2008."Empecé a leer sobre cómo los grandes bancos como aquel para el que trabajé habían perdido cientos de miles de millones de dólares operando en el mercado de bonos hipotecarios de alto riesgo", recuerda Lewis. "Los bancos se habían convertido en los inversores tontos del mercado y estaban perdiendo enormes cantidades, así que me pregunté: ‘¿Cómo ha podido llegarse a eso?’".
En busca de respuestas, Lewis se reunió con antiguos banqueros de inversión que habían perdido su trabajo después de la debacle financiera. "Salíamos a tomarnos una cerveza y me decían extraoficialmente: ‘La única razón por la que te explico por qué he perdido diez mil millones de dólares en una sola operación es porque tú eres la razón de que esté en este negocio. Leí El póquer del mentiroso y eso hizo que me ilusionara convertirme en corredor de Wall Street’. Después de unas cuantas conversaciones similares, pensé: ‘¡Dios mío, si esta crisis la he provocado yo!’. Era en cierto modo responsable de esos idiotas que habían perdido todo ese dinero, que se habían interesado por esa profesión gracias a un libro que escribí yo. Así que entonces intenté discernir cómo esas instituciones que constituían el núcleo central del capitalismo se habían vuelto estúpidas y habían hecho cosas tan suicidas. Los bancos como Goldman Sachs están llenos de los tipos más listos, inteligentes e instruidos de Harvard, Yale y Princeton".
Pero no fueron estos antiguos amos del universo de universidades de élite los que acabaron protagonizando el libro de Lewis. En su lugar, dirigió su atención a los inadaptados que se enfrentaron a las creencias imperantes de bancos, agencias gubernamentales de regulación y expertos de los medios y apostaron todo lo que tenían a una quiebra sin precedentes del mercado inmobiliario estadounidense. "Descubrí a esos tipos excéntricos de la periferia del sistema que se habían dado cuenta de lo corrupto que se había vuelto realmente todo", explica. "Esos fueron los tipos que convirtieron La gran apuesta en un libro y no solo en un artículo. Los tipos que apostaron contra los bancos e hicieron verdaderas fortunas, esos eran los personajes que me interesaban".
Inversión inteligente
Uno de esos individuos pintorescos era el Dr. Michael Burry, un neurólogo de San José convertido en gestor financiero, con un ojo de cristal y cierta tendencia a presentarse descalzo al trabajo. El actor ganador del Oscar® Christian Bale conectó desde el primer instante con Burry cuando se reunieron para una sesión maratoniana de nueve horas para conocerse antes del rodaje.
"Mike no se relaciona mucho con otras personas, pero es uno de los hombres más geniales, sentidos y sinceros que he conocido nunca", afirma Bale. "Mike estudió miles y miles de hipotecas para elaborar un patrón. Nadie más tenía las fuerzas para hacer algo así. Todos los demás estaban pasándolo bien, ganando mucho dinero. Nadie quería gritar: ‘Detengan el autobús, que yo me apeo’, pero Michael sí. Descubrió que todo era una completa basura".
De forma similar al visionario solitario al que interpreta, Bale no interactuó con las demás estrellas de La Gran Apuesta. Casi todas sus escenas se desarrollan delante de un ordenador o en una sala de descanso atestada, en la que su personaje se dedica a tocar la batería para desahogarse un poco. "Me pasé dos semanas yo solo en una oficina haciendo mi papel así que, cuando vi el resto de la película, fue toda una revelación", comenta el actor británico."No tenía ni idea de lo que estaba pasando, pero ahora que he podido ver lo que ha hecho Adam, resulta muy entretenido".
McKay se quedó maravillado al observar cómo Bale se metía por completo en su papel. "Burry y Bale tienen en común que los dos se centran totalmente en su trabajo", aporta el director."El nivel de concentración y detalle que aporta Christian a su personaje me deja boquiabierto. El primer día de rodaje, lo vi sumirse en el personaje y, ¡listo! Ya fue Michael Burry todo el resto de la película, captando su forma de moverse, de actuar, sus ritmos. A mitad de rodaje con Christian, le pregunté si estaba ya harto de oírme decir: ‘Estupenda toma’".
Un ejemplo de la concentración absoluta de Bale fue su capacidad para sacar adelante una secuencia en la que tiene que tocar la batería estilo heavy metal, pese a una grave lesión de rodilla que sufrió mientras saltaba en una cama elástica con sus hijos. "Christian no dejaba de repetir: ‘Estoy bien, estoy bien’, pero luego le veías la rodilla y estaba hinchadísima", recuerda McKay. "Se la desgarró entera, el ligamento cruzado anterior, el ligamento lateral interno, la rótula, el menisco, algo más que ni siquiera había oído en mi vida, así que le dije: ‘Se acabó, no vas a tocar tú la batería, nos buscaremos un doble’". Pero Bale, que había aprendido a tocar la batería en solo dos semanas para el papel, insistió en hacer él mismo la escena. "Interpreta la escena completa, la hace a la perfección y luego se marcha cojeando del set. En lo que a aguantar el dolor se refiere, es de lo más increíble que he visto en mi vida".
El paladín de Wall Street
En el centro moral de la historia se encuentra el iracundo gestor de fondos de gestión alternativa conocido en la película como Mark Baum, e interpretado por el nominado al Oscar® Steve Carell. El actor se sintió fascinado en varios aspectos por Baum, que dirige la filial de Morgan Stanley FrontPoint. "Mark tiene un sentido de la moral muy marcado, pero al mismo tiempo está inmerso en el mundo de Wall Street, así que en ese aspecto creo que se siente atormentado", opina el actor. "Mark se ve como una especie de caballero de brillante armadura, aunque esa armadura pueda tener mellas. Vender al descubierto en el mercado inmobiliario empieza como una forma de decirles a los bancos ‘que os den’, con la que piensa demostrar lo equivocados que están esos tipos. Pero, al final, ¿qué significa esa victoria en cuanto a vidas humanas arruinadas? ¿Quién sale realmente perjudicado? Mark tiene sentimientos encontrados al respecto, porque gana muchísimo dinero de los bancos que están jugándosela a gente corriente de clase media. Es una cuestión difícil, que le cuesta resolver".
La ira de Baum por la codicia de Wall Street se ve exacerbada por el dolor que siente por una terrible pérdida que su mujer Cynthia (Marisa Tomei) le insta a afrontar. "Mark siente una conexión visceral con un suceso espantoso por el que se culpa hasta cierto punto", explica Carell. "Se pregunta: ‘¿Podría haber hecho algo más para evitar esta tragedia? ¿Me ha cambiado esto para convertirme en alguien que no me gusta y que nunca quise ser para empezar?’. A Mark Baum le pasan muchas cosas por la cabeza".
Para ayudar a Baum en su cruzada, cuenta con los indispensables analistas de FrontPoint Danny Moses (Rafe Spall), Porter Collins (Hamish Linklater) y Vinnie Daniel (Jeremy Strong). Estos sarcásticos jóvenes ayudan a Baum en su causa a base de hacer números, plantear preguntas difíciles e investigar sobre el terreno. "Esos chicos son unos fieras", opina Carell."Por mucho que parezca que se diviertan, lo cierto es que no dejan de pensar nunca en su trabajo".
Al sacar a la luz las artimañas de Wall Street, Baum y sus protegidos se revelan como un insospechado grupo de paladines despiadadamente sinceros. "Si Michael Burry es el único oráculo que vio venir la gran debacle antes que nadie, los analistas de FrontPoint son los tipos a pie de calle", explica McKay. "Bromean, sueltan palabrotas, son graciosos, son buenas personas. Y en el centro de FrontPoint se encuentra Mark Baum, el tipo exaltado que no se fía del sistema".
Este trabajo no supone más que la más reciente de las colaboraciones de Carell con McKay, al que conoció cuando ambos formaban parte de la compañía teatral de improvisación Second City de Chicago, y posteriormente volvieron a colaborar en las películas de Ron Burgundy. Eso fue antes de que Carell fuera nominado al Oscar® por su papel real del filántropo multimillonario convertido en asesino John du Pont en "Foxcatcher". "Steve siempre ha sido un gran técnico con un sentido perfecto del ritmo pero, cuando lo vi en ‘Foxcatcher’, me quedé en plan ‘¡Madre mía!’", admite McKay. "Su interpretación me dejó anonadado".
Carell aportó al papel una implacable búsqueda de la excelencia, en opinión del director."Steve se esforzaba constantemente, toma tras toma tras toma. Yo decía: ‘Ha estado genial’, y él insistía: ‘No, no, no, todavía se puede sacar más’, y, en efecto, conseguía profundizar más. Acabó resultando una gran colaboración".
Parte de esa colaboración incluyó gestores financieros reales. "Me reuní con varias personas representadas por ese personaje y les hice unas cuantas preguntas", explica Carell. "No te interesa intentar hacer una imitación de alguien porque tampoco se trata de eso, la verdad. Pero sí que te interesa hacerte una idea de la actitud y la forma de ser de estos tipos".
Carell conectó instintivamente con su personaje cuando se da cuenta de que la corrupción que ha descubierto en el mundo de los negocios va mucho más allá de Wall Street. "Al final de la película, creo que Mark está un poco desconsolado, porque ve hasta qué extremo llega el fraude. Ve en la gente interacciones humanas de la más baja estofa y la moralidad y los motivos más interesados, superficiales y tristes. Esperas algo mejor de los demás".
El oportunista honrado
El astuto negociador de Deutsche Bank Jared Vennett, interpretado por el actor nominado al Oscar® Ryan Gosling, desempeña un papel clave para convencer a Mark Baum de unirse al grupo de los que se están dedicando a operar al descubierto con bonos con garantía hipotecaria. "La idea de Michael Burry confirma las sospechas de Jared de que el mercado inmobiliario es demasiado bueno para ser cierto", señala Gosling. "Jared no necesita que lo convenzan mucho para reconocer la genialidad de lo que está haciendo el Dr. Burry".
Tildado por sus compañeros de catastrofista que vive en una burbuja, Vennett convence a Baum y compañía de la inevitable quiebra de las obligaciones de deuda garantizadas ("los CDO") respaldadas por "tramos" (capas) de préstamos hipotecarios de alto riesgo a gente con malos historiales de crédito y bajas calificaciones crediticias. "Jared utiliza el Jenga, el juego de apilar bloques en forma de torre para luego retirarlos sin que se derrumbe, para mostrar a Baum y su equipo cómo las obligaciones de deuda garantizadas se erigen sobre unos cimientos muy vulnerables y es inevitable que acaben por desmoronarse. Cuando Jared quita unos cuantos bloques, se viene todo abajo".
Vennett también da pie a una secuencia fundamental cuando desafía a Baum a asistir al American Securities Forum (Foro Americano de Valores) en Las Vegas. "Jared le dice básicamente a Mark: ‘Estás apostando contra los inversores tontos y quiero enseñarte lo tontos que son realmente’", explica Gosling. "Cuando se lleva al grupo de FrontPoint a Las Vegas, entienden por fin lo ajenos y arrogantes que son esos gestores financieros".
Gosling tuvo ocasión de conocer al banquero real de Wall Street en que se basa su personaje. "Resultó muy útil para ayudarme a comprender mejor la jerga y lo que sucedió realmente", recuerda el actor.
A diferencia de los demás protagonistas de la película, Jared Vennett da la impresión de ser el típico individuo con mucha labia de Wall Street, provisto de un postizo de la estilista Adruitha Lee y el peluquero Alex Perrone, e impecablemente vestido con trajes ajustados creados por la diseñadora de vestuario Susan Matheson. Además, Jared también ejerce la labor de narrador del filme, que a veces se dirige directamente a los espectadores. A Gosling le encantó el reto de utilizar el encanto superficial de su personaje para aportar claridad a una historia comúnmente incomprendida.
"La inspiración que hizo que quisiera formar parte de esta película provino de la forma que tiene de tratar a los espectadores como si fueran gente inteligente", explica. "Buena parte de la terminología de Wall Street está diseñada para aprovecharse de los consumidores. La forma que tiene Adam de contar la historia ayuda a comprender lo que sucedió realmente".
Los advenedizos de Colorado y el guerrero zen
La tercera línea argumental de La Gran Apuesta trata sobre dos gestores financieros sin experiencia conocidos en la película como Jamie Shipley y Charlie Geller, interpretados por Finn Wittrock y John Magaro. "Charlie es un ratón de biblioteca neurótico, mientras que Jamie es más bien un atleta y a la vez increíblemente inteligente", explica Wittrock, más conocido por su papel estelar en la popular serie de antología de terror "American Horror Story". "Cuando Jamie y Charlie descubren la burbuja inmobiliaria y echan cuentas, se quedan los dos un poco como: ‘¿Estamos locos o esto va en serio?’".
Como preparación para el papel de Charlie Geller, Magaro pasó un tiempo observando a corredores de Wall Street. "Mi hermano trabaja en el mundo de las finanzas así que visité su fondo de gestión alternativa y realicé allí un cursillo intensivo", aporta Magaro. "Veo a Charlie y Jamie como un par de jóvenes que hacen un poco las veces de gente corriente en la película. No saben realmente en lo que se están metiendo, así que tienen que ir descubriendo las cosas sobre la marcha. Me imagino que buena parte de los espectadores también irá aprendiendo a medida que ve el filme".
Trabajando desde un garaje de Colorado en el que han erigido el Fondo Brownfield de 30 millones de dólares a partir de 110 000 dólares de su propio bolsillo, los jóvenes inversores reclutan al exbanquero Ben Rickert (Brad Pitt) para que les ayude a conseguir un contrato marco ISDA, que les permita eludir a los corredores de bolsa y tratar directamente con los grandes bancos. "Ben es un neurótico catastrofista que únicamente consume alimentos ecológicos y está convencido de que el fin del mundo está a la vuelta de la esquina", observa Wittrock. "Pero sigue teniendo contactos en el sector bancario que Charlie y Jamie necesitan para operar al descubierto en el mercado inmobiliario".
Para los jóvenes actores, tener ocasión de filmar escenas con Pitt, ganador del premio Oscar® de la Academia de Hollywood como productor y nominado en dos ocasiones como actor, fue uno de los puntos fuertes del rodaje. "Fue genial trabajar con Brad", afirma Wittrock. "Es una persona de trato fácil y, le eches lo que le eches, es capaz de seguir adelante. Además, tiene una gran capacidad para improvisar líneas desternillantes y divertidísimas, incluso en una escena telefónica".
Antes de filmar, Pitt se metió de lleno en el sistema de creencias antisistema de Ben Rickert."El tipo real cree que el cambio climático y las economías corruptas están destruyendo los recursos naturales", explica McKay. "Está convencido de que el mundo se va a acabar en los próximos 50 o 100 años. Brad utilizó todo eso. Tiene algunas escenas improvisadas estupendas, en las que dice cosas como ‘No utilices las semillas de Monsanto; tienes que usar semillas puras’. O lo ves en el aeropuerto, con una mascarilla puesta. Brad quería profundizar en ese modo de pensar porque Ben no es un simple obseso chiflado del fin del mundo. Es un tipo genial y todo lo que hace está respaldado por datos, aunque la suma de todo ello pueda parecer bastante disparatada. Ese era uno de los aspectos más divertidos para Brad a la hora de interpretar este personaje".
Las explicaciones de famosos
Como La Gran Apuesta se desarrolla en una industria plagada de terminología obtusa, McKay sabía que necesitaba una forma amena de aclarar a los espectadores algunos de los conceptos fundamentales. "La gente necesita saber estas cosas para poder seguir la historia, pero cuando empiezas a oír términos como ‘obligación de deuda garantizada’ o ‘seguro de impago de deuda’, consiguen que te sientas tonto y te aburras", opina McKay."Los banqueros hacen todo lo posible para hacer que estas transacciones parezcan verdaderamente complicadas, así que se nos ocurrió la idea de hacer que aparezcan famosos en la pantalla a lo largo de la película para explicar ciertas cosas directamente a los espectadores".
Estos cameos ingeniosamente orquestados incluyen a Margot Robbie, estrella de "El lobo de Wall Street" desmitificando títulos con garantía hipotecaria mientras bebe champán en un baño de burbujas, y el chef y estrella de la televisión Anthony Bourdain comparando las sobras de pescado con activos financieros tóxicos.
McKay comenta que reclutó a Bourdain para su escena después de leer sus memorias, Confesiones de un chef. "Dice a los lectores que no deberían pedir guiso de marisco porque es donde los cocineros echan toda la porquería que no han conseguido vender", prosigue el director. "Pensé: ‘Oh, Dios mío, es una metáfora perfecta para una obligación de deuda garantizada, en la que los bancos juntan en un mismo lote varias hipotecas de baja calidad y las venden como un producto financiero de primera’".
Para ilustrar el ruinoso efecto dominó desencadenado por el hundimiento de los denominados"CDO sintéticos", McKay emparejó a Selena Gomez con el economista conductual Dr. Richard Thaler en una escena ambientada en un casino. Mientras Thaler expone la idea del "sesgo de extrapolación" (la tendencia a suponer que algo que está pasando ahora seguirá pasando), Gomez se sienta en una mesa de blackjack con una enorme pila de fichas. "Tenemos como dos dinámicas distintas, por un lado está Selena jugando al blackjack y por otro están los espectadores apostando por su cuenta sobre su mano", explica McKay. "Fueron los inversores que hacían esa clase de apuestas al margen sobre valores con garantía hipotecaria a través de los CDO los que llevaron a toda la economía mundial al punto en que se encontraba lista para hundirse".
Gomez reconoce que le sorprendió recibir una llamada de McKay para trabajar en La Gran Apuesta. "Leí el guion y no entendí la mayoría, lo que me asustó un montón, porque considero importante conocer nuestro sistema económico", comenta la joven actriz y superestrella del pop. "Pero después de hablar con Adam, me pareció que tenía sentido formar parte de esta película. Me da la oportunidad de aprovechar mi posición y comunicarme con gente a la que le importo. Mi generación tendrá que tomar el relevo de la actual. Es importante que entendamos qué sucedió".
Fotografía llena de energía
Para el director de fotografía Barry Ackroyd, el drama centrado en los diálogos de McKay le ofrecía la oportunidad de cambiar de ritmo tras filmar thrillers de acción alabados como "En tierra hostil (The Hurt Locker)", "Capitán Phillips" o "United 93". "Cuando Adam me ofreció hacer La Gran Apuesta, hizo referencia a ‘United 93’ porque es una película cargada de acción pero a la vez es muy contenida", opina el director de fotografía nominado al Óscar."Hablamos de cómo dotar de más energía a las escenas de gente hablando en despachos, para que los espectadores se sintieran metidos en la conversación. Queremos que te sientas como si estuvieras en la habitación con el sujeto, de modo que prestes más atención a lo que se está diciendo".
McKay elogia la capacidad de Ackroyd de crear esa sensación valiéndose de una inteligente colocación y movimiento de la cámara. "Barry utiliza una especie de técnica neo-vérité de filmación, que crea una sensación de intimidad y urgencia en el encuadre. En contraste, si filmas con el encuadre tradicional de proscenio y luces de tres capas, hace que todo tenga un aspecto mucho más pulido y resulta más intimidatorio para los espectadores".
Ackroyd colaboró estrechamente con el director de producción Clayton Hartley y la diseñadora de vestuario Matheson, los cuales habían colaborado ambos anteriormente con McKay en "Pasado de vueltas", "Hermanos por pelotas" y "Los amos de la noticia". "Barry tiene un don para captar la humanidad de esos personajes, que se extendió al resto de nuestros jefes de departamento", opina McKay. "Uno de los mayores retos a lo largo de toda la película tenía que ver con asegurarnos de que nuestros entornos y localizaciones tuvieran cierta vida en la forma en que se filmaban y diseñaban, y lo mismo podría decirse del vestuario, peluquería y maquillaje. Todo tenía que parecer vivo, con un toque irregular en la forma de presentar las escenas".
Ackroyd y McKay propiciaron una dinámica tranquila y relajada durante el rodaje que dejó a los actores un gran margen de maniobra para explorar sus personajes. "Barry ha trabajado mucho con Ken Loach, que es tan receptivo a los actores como el que más", observa Gosling. "Situaba las cámaras en la esquina de las habitaciones, con lentes de enfoque largo, para que los actores pudieran moverse libremente por el espacio e interactuar entre ellos de una forma muy natural. Creo que un entorno de ese tipo permite a todos dar lo mejor de sí mismos".
Una experiencia cinematográfica apasionante
Con su visión irreverente y novedosa de una de las historias sobre las que más se ha escrito este siglo, La Gran Apuesta transforma un oscuro capítulo de la historia americana en una fascinante fábula aleccionadora impregnada de humor negro y personajes extravagantes.
Carell espera que la película despierte la indignación de más de uno. "Si me encontrara en un cóctel y alguien me preguntara de qué va esta película, diría: ‘¿Recuerdas cuando las hipotecas de alto riesgo se fueron a la ruina y todas esas compañías quebraron y ni una sola persona fue a la cárcel? ¿Lo recuerdas? ¿Recuerdas cómo estalló todo? ¿Y que luego llegó el gobierno y los rescató a todos y todo pareció estar bien? Pues sobre esto trata este filme. Es una película de miedo y es mucho más aterradora de lo que acabo de contar’".
McKay ve La Gran Apuesta como una llamada a la acción para los espectadores que estén hartos de las prácticas empresariales abusivas. "Esta película explora cómo toda una cultura puede verse atrapada en la obsesión de un sistema corrupto", explica. "En mi caricaturesco sueño fantástico, espero que esta película consiga disgustar y enfadar a la gente, que salga del cine y le pregunte a su congresista qué ha votado últimamente en cuestión de reformas del sistema bancario. Ese sería mi sueño, que todo el mundo le dijera a su congresista: ‘Si no estás a favor de desmantelar los grandes bancos, no me importa que seas de izquierdas o de derechas, no tendrás mi voto’".
Activismos aparte, McKay espera que La Gran Apuesta ofrezca a los espectadores una experiencia estimulante y edificante en el increíble mundo de los trapicheos financieros turbios de Wall Street. "Es extraño, dado lo serio del tema, pero, si hemos hecho bien nuestro trabajo, La Gran Apuesta debería resultar entretenida a la vez que reveladora. Michael Lewis escribe libros muy entretenidos sobre materias importantes y resultan apasionantes. Espero que La Gran Apuesta resulte igualmente amena".
Nos introducimos un poquito más en la historia
Agenda secreta
2015
Duración 105 min.
País Alemania
Reparto: Burghart Klaußner, Ronald Zehrfeld, Dani Levy, Sebastian Blomberg, Laura Tonke,Robert Atzorn, Michael Schenk, Matthias Weidenhöfer, Götz Schubert, Jörg Schüttauf, Cornelia Gröschel, Lilith Stangenberg
Camino a La Paz
2015
Duración 92 min.
País Argentina
Reparto: Rodrigo De la Serna, Ernesto Suarez, Elisa Carricajo, Marta Lubos, Maria Canale
Sebas es un joven desempleado cuyas mayores pasiones son Vox Dei y su viejo Peugeot 505. Casado desde hace poco con Jazmin, Sebas se ve obligado a trabajar de chofer con su auto. Entre los pasajeros, Jalil es uno de los más habituales, un anciano musulmán Sufi poco gentil y con problemas de salud. Una mañana, Jalil le ofrece una importante suma de dinero para que lo lleve a La Paz, Bolivia.. A pesar de sus reticencias, Sebas termina aceptando.
El recorrido se ve signado por constantes desacuerdos entre Jalil y Sebas, que son como el agua y el aceite. El camino y la débil salud del viejo les plantean contratiempos pero poco a poco se van haciendo íntimos compañeros de ruta. Jalil confiesa que viaja a La Paz para reencontrarse con su hermano Nazim y peregrinar juntos a la Meca.
Durante una parada en la ruta les roban todas las pertenencias, incluso el dinero de Jalil para pagarle a Sebas. El joven decide continuar cueste lo que cueste.
DIRECTOR: FRANCISCO VARONE
Egresado de la Universidad del Cine en el año 1999, comienza su carrera en el año 2000 en cine publicitario y en largometrajes como asistente de dirección.
En el año 2006 comienza a desempeñarse como director de cine publicitario en la productora Awards Cine y desde el 2008 en la productora Primo. Obtuvo importantes premios entre los cuales se destacan tres Leones en Cannes, el Clio y el Sol de Oro en San Sebastián. También trabajó como director para productoras en Madrid, México, Los Angeles, San Pablo y Lisboa.
Desde el año 2008 hasta el 2010 partcipa de los talleres anuales de guión de Pablo Solarz. También estudia dramaturgia con Mauricio Kartún, Igancio Apolo y Ariel Barchilón. Durante el año 2010 asiste a las clases de guión de Juan José Campanella y Aída Bortnik.
Actualmente se desempeña como guionista de cine y TV.
FICHA TÉCNICA
Director
Francisco Varone
Con
Rodrigo de la Serna
Ernesto Suárez
Producida por
Gema Juárez Allen
Dolores Llosas
Juan Taratuto
Julius Ponten
Philip Harthoon
Omar Jadur
Gunter Hanfgarn
Producción Ejecutiva
Gema Juárez Allen
Sebastián Perillo
Dirección de Fotografía
Christian Cottet
Jefe de Producción
Juan Pablo Colombo
Diseño de Sonido
Manuel de Andrés
Guido Berenblum
Premio Opera Prima INCAA
Visions Sud Est
Netherlands Film Fonds
EZEF
8 tiros
2015
Duración 88 min.
País Argentina
Reparto: Daniel Aráoz, Leticia Brédice, Luis Ziembrowski, Alberto Ajaka, María Eugenia Arboleda, Javier De Nevares, Facundo Espinosa, Alejandro Fiore, Roly Serrano,María Nela Sinisterra
Cuando despierta la bestia
2014
Duración 84 min.
País Dinamarca
Reparto: Lars Mikkelsen, Sonja Richter, Jakob Oftebro, Gustav Dyekjær Giese, Stig Hoffmeyer, Mads Riisom, Sonia Suhl, Benjamin Boe Rasmussen, Tina Gylling Mortensen, Esben Dalgaard
Para nosotros es esa sensibilidad o el tono de voz; el interés en la persona y el entorno de los que emerge el demonio interior.
Los géneros cinematográficos son carreteras, expresan los caminos de la existencia humana a través del extraordinario paisaje de la realización de películas. Todos debemos encontrar nuestros propios caminos y tomar nuestros propios atajos; de esta forma, definimos quiénes somos, puesto que el Terror es algo más que lo sobrenatural, lo extraño o lo oculto y muestra su cara perturbadora en destellos nocturnos escasamente iluminados.
Para nosotros, el Terror es sinónimo de las emociones humanas convertidas en sensaciones físicas. Es otra forma de retratar lo que realmente nos interesa: ¡tú!
Yo. Nosotros.
Todas aquellas cosas que tenemos dificultades para afrontar y tratar, como el amor, la compasión, el temor, la ira; básicamente, la VIDA.
El Terror Nórdico plasma la melancolía escandinava, la belleza de nuestra naturaleza y el vacío de nuestras almas en busca de Respuestas.
Tiene sentido, ¿no?
Una vez dicho esto, te damos la bienvenida a Cuando la bestia despierta, y a ese mundo raro y maravilloso de Jonas Arnby.
- Boe / Alphaville
Sinopsis
En una pequeña comunidad costera, Marie de 19 años vive sola con sus padres. No confía en nadie excepto en Daniel, un amigo hipnotizado por la naturaleza salvaje de la joven.
Cuando Marie descubre que su cuerpo comienza a sufrir extrañas transformaciones, busca respuestas ligadas al oculto pasado de su familia.
Su padre trata de mantenerla a salvo de las miradas atentas y temerosas de los vecinos, pero el espíritu rebelde de Marie no puede ser domesticado
Pronto su búsqueda de la verdad la llevará a enfrentarse con todo su entorno, a excepción de Daniel, que la seguirá hasta el final.
Jonas Alexander Arnby (biografía del director)
Jonas Arnby ha trabajado en la industria cinematográfica desde 1993. Se graduó como director de la escuela cinematográfica alternativa Super16. Comenzó su carrera como ayudante de producción. También es cofundador de Circus Alphaville, la filial comercial de Alphaville Pictures Copenhagen.
Jonas Arnby ha dirigido vídeos musicales, cortometrajes y anuncios publicitarios para televisión, y ha ganado numerosos premios en festivales cinematográficos internacionales.
Cuando despierta la bestia es la primera película de Jonas Arnby.
Filmografía seleccionada
Cuando despierta la bestia (Largometraje, 2014)
El hombre que fue un zapato – entre otras cosas (cortometraje, 2004)
Dynamite Surfing (Anuncio para TV de Quicksilver, 2007).
Entrevista con el director
P: ¿Por qué escogió dirigir una película de terror como primer largometraje?
R: Nunca tuve la intención de realizar una película de terror tradicional. Normalmente, el género de terror es unidimensional, se centra en la historia exterior: lo que ves es lo que hay.
El guionista Rasmus Birch y yo hemos querido hacer una película clásica del paso a la edad adulta, un retrato realista de una persona joven que vive en condiciones únicas en una comunidad aislada, en el momento en el que hace la transición a la femineidad. Su lado oscuro asume el poder y pierde su inocencia.
La premisa real de Cuando despierta la bestia es la historia interna. Nos hemos centrado en el drama personal y en la interacción psicológica entre los personajes clave de la película. Quisimos ver donde acaba nuestra protagonista, Marie, después de las presiones y las experiencias a las que se ve sometida a lo largo del camino.
Nunca pensamos en producir terror en sí mismo; la historia exigía que la trama tomase un giro inquietante, pero la película tiene más de fábula o de realismo mágico que de verdadero terror. Una vez dicho esto, también he de aclarar que poseo una debilidad personal por el género de terror y me he inspirado en algunas películas visualmente aterradoras, como Carrie, en la versión de Brian de Palma, y Winter's Bone, de Debra Granik.
P: ¿Por qué sucede la historia en una aldea en la Jutlandia más septentrional?
R: Para mí, era esencial que la película sucediera en un ambiente cerrado. Rasmus Birch y yo hicimos un viaje en busca de localizaciones a la Jutlandia septentrional, y la primera vez que vimos el paisaje que rodea a las localidades de Agger y Thyborøn, supimos que habíamos encontrado la ubicación que buscábamos. El paisaje es indescriptiblemente hermoso y el mar posee una potencia básica y natural. Por una parte, aporta los medios para la supervivencia de los habitantes de la región y, por otra parte, supone la principal amenaza para su existencia.
El Parque Nacional es ese paisaje de pradera danés que todo el mundo tiene en su cabeza, amplias y áridas extensiones que se proyectan hasta el infinito.
La Jutlandia septentrional es una región de Dinamarca donde la religión desempeña un papel importante en la identidad de los habitantes locales. Sin embargo, la piedad no es la característica predominante. Cuando hablas con los lugareños todos ellos cuentan historias reales escalofriantes… Tal persona quemó su casa para cobrar el dinero de seguro; otro mató al ciervo al que atropelló con su coche esa misma mañana en el puerto; otro hablará de sus abuelos, que más o menos han vivido vidas de piratas.
No ocultan nada, son completamente abiertos y francos acerca de las vivencias que han experimentado. Me quedé totalmente cautivado por este universo y en este viaje de localización acabé por elegir casi todas las ubicaciones.
P: ¿Qué le hizo escoger a una actriz debutante para el papel principal?
R: Una vez que nos decidimos por una remota comunidad pesquera como ubicación principal, para el papel protagonista era esencial que encontrásemos a una actriz que pudiera encajar en un ambiente cerrado, controvertido, barrido por el viento. Buscábamos una chica que fuera a la vez fuerte e independiente, pero también que encajara de forma natural con el entorno. Por lo tanto, buscamos a alguien que estuviera familiarizada con el entorno y que se sintiera cómoda en el mismo. No debía sentirse intimidada por la perspectiva de destripar pescado, por lo que no quise dar el papel a una urbanita acostumbrada al café latte.
Celebramos una sesión de casting en la isla de Mors, y en el momento en el que encontré a Sonia Suhl, supe que era extraordinaria. Sonia tiene un carisma asombroso y una presencia que ninguna de las demás chicas a las que entrevistamos podía igualar. Ella es Marie. El punto fuerte de Sonia es su capacidad de expresar emociones sin palabras: personifica el ambiente taciturno. Solo hay que mirarle a la cara para saber lo que pasa.
Hay algo místico, ambiguo y muy seductor en su forma de ser y en su apariencia. A ratos parece una adolescente danesa común y corriente y al segundo, parece femenina, frágil y de ensueño, y más tarde ofrece una apariencia casi andrógina o parecida a un animal salvaje.
Una vez que encontramos a Sonia, tuvimos que averiguar si podía asumir la carga de un papel tan importante. Marie sale en casi todas las escenas de la película, por lo que incluso una actriz con experiencia podría considerar la tarea bastante intimidatoria. Por ello, durante la preproducción, decidimos filmar una escena del guion con Sonia, y creí que era un buen momento para probar sus límites. Teníamos que saber si tenía algún tipo de reserva que pudiera apartarla del papel.
La situamos desnuda en una habitación y la cubrimos con litros de sangre falsa mientras le ordenamos que gritase a pleno pulmón. Había tanta sangre a su alrededor que acabó hiperventilando, pero le dimos un plátano, y después todo marchó bien. Suena un poco brutal, pero Sonia solo tenía 18 años y si tenía que asumir la carga de una película, debíamos asegurarnos de que podría con ello. Si hubiera optado por considerar la perspectiva de rodar una escena sangrienta y desnuda como una agresión, enseguida habríamos visto que no iba a funcionar. Estas situaciones son las que evidencian la madurez.
Sonia nunca tuvo miedo a desafiar sus propios límites. Se acercó al papel con una dedicación extraordinaria, estuvo totalmente implicada y dispuesta a aprender.
P: ¿Qué tal ha ido el trabajo con actores profesionales tan importantes como Lars Mikkelsen?
R: Lars es el mejor actor de Dinamarca; punto final. Nuestra colaboración fue totalmente extraordinaria. Nunca me trató como a un director poco experimentado o principiante. Cuando filmamos la primera escena, me quedé abrumado de lo bien que desempeñó su papel.
Tanto Lars Mikkelsen como Sonja Richter están comprometidos con su trabajo de una forma increíble. Nunca están pendientes del reloj; su objetivo es conseguir la escena perfecta. Me emocionó descubrir que estaban tan implicados como yo, una característica que sólo poseen los grandes actores. Como director, puedes ganar un aliado y un colaborador para hacer avanzar la película en la dirección correcta.
P: ¿Qué efectos utilizó para crear la atmósfera correcta?
R: Lo más importante era que el ambiente pareciera totalmente realista. Dejamos que todos los detalles, entorno, estilismo y colores, fueran exactamente los que existen en una pequeña comunidad pesquera, pero no tratamos de recrear una estampa del realismo social danés, ya que también me he esforzado en introducir imágenes estéticas y poéticas.
Desde el principio, mi intención fue restringir los diálogos de la película al mínimo. Para mí, una imagen vale más que mil palabras. Para mostrar lo que estaba pasando quise utilizar el espacio entre el diálogo, en lugar del diálogo en sí mismo. Generalmente, lo que no se dice es lo que se acentúa en los estados de ánimo y las emociones. El ambiente taciturno crea automáticamente una expectativa siniestra y furtiva. Cuando ocurren las secuencias de miedo, parecen mucho más intensas debido a un contraste tan marcado.
Utilizamos la música para crear un efecto marcado y darle prioridad sobre el diálogo. Quise que la música tuviera un toque de folclore, para vincularla con la ubicación remota. El compositor de la banda sonora, Mikkel Hess, captó perfectamente mis ideas acerca de la música nostálgica del viento. Por ejemplo, añadió un órgano de pedal, para que el espectador perciba la corriente de aire, un fenómeno perenne en estas latitudes. Para mí, era importante que la música no marcase los sentimientos de la audiencia. Lo más difícil a la hora de elegir una banda sonora es encontrar el tono correcto para sostener las imágenes, sin llegar a una manipulación excesiva. La música es una de las herramientas más importantes a nuestra disposición para la creación de atmósfera, y si no tenemos cuidado, podemos caer en la tentación de decirle a la audiencia cómo debe sentirse.
P: ¿Cuál es el significado del título Cuando despierta la bestia?
R: Me encanta este título. Tiene un sonido tan poético... Naturalmente, el título alude al hecho de que Marie y su madre sueñan con una vida diferente. Sueñan sobre ser ellas mismas y con el hecho de no estar oprimidas por la pequeña comunidad en la que residen.
También existe un elemento de riesgo en el título, puesto que los animales cuando duermen están inquietos. ¿No se dice que no debemos molestar a un animal durmiente cuando sueña...? Algo podría ir terriblemente mal…
P: ¿Qué imagen le gustaría que captase la audiencia al ver la película?
R: Mi esperanza es que la audiencia acepte el cuento de hadas y el ambiente que lo rodea, que se llegue a emocionar con la historia de esta joven que está en un momento de su vida en el que no tiene más alternativa que la de liberar a su bestia interior. A pesar de toda esta violencia, se trata de una historia hermosa y conmovedora, y espero que la audiencia más joven conecte con ella. Por supuesto, deseo que los espectadores disfruten de la película, pero lo más importante para mí es que se crean la historia, porque eso significa que habremos conseguido recrear un ambiente auténtico, algo que desde el principio fue mi objetivo personal.
Entrevista con Sonia Suhl
P: Consiguió el papel protagonista en la película, sin embargo todavía no tiene experiencia cinematográfica. ¿Cómo sucedió todo?
R: Crecí en la isla de Mors, en el norte de Jutlandia, y desde que recuerdo, siempre quise llegar a la gran pantalla. Quise avanzar en mi sueño de convertirme en actriz, y como en nuestra diminuta comunidad isleña no había muchas oportunidades para que me descubriera un cazatalentos, me fui a Copenhague, llamé a una agencia de casting y les dije que Sonia, de Mors, había llegado a la ciudad. Fueron muy amables pero firmes, explicándome que muchas chicas venían del pueblo para eso mismo; no tenían tiempo para entrevistarme, pero estarían encantados de que les enviase mis datos de contacto y una foto.
Decepcionada, volví a casa, pero unas semanas más tarde la agencia de casting Artcast, de Copenhague, llegó de pronto a nuestro teatro regional para seleccionar a una chica de mi edad para un papel en un nuevo thriller danés. El director, Jonas Arnby, buscaba a una chica criada en un entorno semejante al de su película Cuando despierta la bestia. De repente, el haber crecido en una pequeña comunidad isleña se convirtió en una clara ventaja.
P: ¿Cómo se preparó para el papel de Marie?
R: Se eliminó toda la improvisación, para que Marie pudiera parecer lo más natural y menos forzada posible. Para cada escena, me asesoró un actor experimentado, y me entrené en la disciplina de la danza japonesa Butō, la danza hacia la oscuridad, para conseguir una mayor conciencia de mi cuerpo y para abrirme a mi naturaleza más agresiva y salvaje.
Aunque las producciones en el teatro regional local eran bastante ambiciosas, siempre tenían una estructura libre y no recibíamos mucha orientación. Todo esto se quedó de lado tan pronto como aterricé en el papel. Jonas (Arnby) intervenía cada vez que me veía representando el papel, en lugar de viviendo el papel, ¡incluso aunque solo fuera moviendo una cafetera!
Cuando finalmente vi la película terminada, me quedé realmente sorprendida con Marie. Me pareció completamente surrealista que yo fuera la que la daba vida en la pantalla.
P: ¿Qué efecto tiene una sociedad represiva en una persona joven?
R: Es una vida dura. La pequeña comunidad isleña donde vive Marie es muy, muy cerrada. Todo el mundo conoce su historia familiar, pero nadie habla de ello. Es muy típico de la mentalidad de Jutlandia. Mantenemos las apariencias y seguimos adelante. Muy pocas personas se abren cuando les preguntas cómo les va... quizás esto puede afectar a un espíritu sensible.
Marie está comprometida con la justicia. Se niega a aceptar que su madre sea tratada de la forma que lo hace. Su madre es la luz que la guía y Marie combate más por ella que por sí misma cuando descubre que comparte el mismo destino que ella. Para Marie, la verdad representa una liberación, aunque la lleve por un camino difícil.
P: ¿Cómo ha sido el trabajo con actores internacionalmente reconocidos, como Lars Mikkelsen?
R: Ah, fue una experiencia asombrosa. La noche antes de la lectura con el reparto, no pude dormir. Estar en una película con actores profesionales tan importantes fue totalmente increíble. Seguí de cerca a Lars Mikkelsen y a Sonja Richter durante la filmación, y aprendí mucho simplemente observando su trabajo. Estoy realmente impresionada con su nivel de dedicación. De verdad, trabajar con ellos ha sido una gran inspiración.
Entrevista con Lars Mikkelsen
P: Es uno de los actores más populares de Dinamarca, por lo que puede escoger libremente entre diversos papeles. ¿Qué le hizo decidirse por esta película en concreto?
R: Escojo mis papeles únicamente sobre la base de si el guión me dice algo. Jonas Arnby me llamó con esta idea fantástica, y mi imaginación se puso en marcha. Le pedí que me enviara el guión y quedé inmediatamente enganchado al proyecto. Era totalmente diferente a todos los guiones que había leído en el pasado. Cuando leo un guión, presiento rápidamente si la historia funciona y si vale la pena contarla. Cuando leí Cuando despierta la bestia, no tuve ninguna duda acerca de estos dos aspectos.
La idea de una comunidad cerrada en una isla y de un pueblo con un oscuro secreto compartido me llamó la atención. Me gustaba la idea de la acción desarrollada en este universo parco en palabras y la de participar en un thriller de terror, un género poco conocido en Dinamarca. Si se hace bien, puede abrir las puertas para toda la industria. La serie de televisión The Killing, en la que estuve implicado, fue la primera serie de intriga danesa. Como ya sabrá, acabó por ser increíblemente popular en el extranjero, y hoy Escandinavia es una zona maestra en el género.
P: ¿Cómo fue para usted trabajar con el director novel Jonas Arnby?
R: Cuando conocí a Jonas, supe que quería estar en la película. Es una persona totalmente encantadora y está entusiasmado con su proyecto. Es un director con un talento extraordinario; muy apasionado, bien preparado, y sabiendo perfectamente lo que hace. Sinceramente, tiene una capacidad increíble. Es difícil de creer que este sea su primer largometraje.
Jonas se aseguró de que la comunicación fuera fácil desde el principio. Aunque siempre tuvo una visión clara de la película, mantuvo la mente abierta a sugerencias acerca de los papeles y de las escenas. Estoy muy impresionado con Jonas Arnby y espero volver a trabajar con él.
P: Ha actuado antes en películas de terror. ¿Qué es lo que le atrae en particular de este género?
R: No me atrae el género por sí mismo. Para mí, lo importante es que la película sea algo más que efectos especiales. La historia tiene que ser auténtica, independientemente del género. Cuanto más dinero se gasta en efectos especiales más tiende a desaparecerse el toque personal del director. Una de las primeras películas en las que participé fue una terriblemente gore, sin tener realmente corazón. La historia no estaba allí.
Cuando un thriller de terror se cuenta correctamente y los temas subyacentes son evidentes a pesar de las impresiones repentinas y de la sangre falsa, es un género maravilloso para trabajar. Es difícil crear una impresión duradera con una película de terror, a menos que también narre una historia con la que las personas se puedan relacionar en el ámbito personal. Tenemos que poder identificarla con algún aspecto de nuestras propias vidas.
P: ¿Cómo entendió usted el carácter de Thor?
R: Le comprendí inmediatamente. Es un hombre que lleva en su interior un secreto terrible; un hombre que ha tomado algunas decisiones horribles por amor. Su amor es un amor retorcido y enfermo, pero es la única forma que conoce de proteger a su familia. No tiene valor para hacer lo que realmente desea, pero ha llegado a un acuerdo con la comunidad que le rodea para que le dejen en paz para adorar y cuidar a su esposa. Como consecuencia, ha llevado demasiado peso sobre sus hombros durante muchísimo tiempo.
Creo que mucha gente puede sentirse relacionado en algún punto. Aceptamos ciertas condiciones en la vida que son fundamentalmente inaceptables, pero no lo hacemos de golpe; sucede gradualmente, poco a poco, hasta que de repente nos damos cuenta de que vivimos una vida impuesta. Se nos permite conformarnos con las normas que otros dictan, y al final nuestra vida se parece más a la supervivencia que a la vida real.
P: ¿Qué tal ha resultado el trabajo con una debutante en el papel principal?
R: Me encantó trabajar con Sonia Suhl. Tiene un talento extraordinario y es muy valiente. No dijo que no a nada, sino que se lanzó a la piscina y gradualmente fue haciendo pie. Estaba abierta a los consejos de todos (algo inevitable cuando acabas de empezar) pero personalmente, escogí implicarme lo menos posible. Creo que Sonia posee una maravillosa calidad en esa actriz desconocida. Su falta de experiencia se vio ampliamente compensada por su aproximación más instintiva a su papel, y esto dio un sentido más auténtico a su trabajo en la pantalla.
No hay comentarios:
Publicar un comentario