El renacido
2015
Duración 156 min.
País Estados Unidos
Director: Alejandro González Iñárritu
Reparto: Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson, Will Poulter, Forrest Goodluck,Paul Anderson, Kristoffer Joner, Joshua Burge, Duane Howard, Melaw Nakehk'o,Fabrice Adde, Arthur RedCloud, Christopher Rosamond, Robert Moloney, Lukas Haas, Brendan Fletcher, Tyson Wood, McCaleb Burnett
La película 'El renacido' está dirigida, producida y coescrita por Alejandro González Iñárritu. El oscarizado cineasta traslada a la gran pantalla la leyenda de Hugh Glass en el filme, una épica aventura que se desarrolla en el ignoto y salvaje Oeste del siglo XIX. Sumergiendo al espectador en la incomparable belleza, misterio y peligros de la vida en la Norteamérica de 1823, la película indaga en la transformación de un hombre mientras intenta salvar su vida. Mitad thriller y mitad aventura por terreno desconocido, El Renacido (The Revenant) explora los instintos primarios de búsqueda no sólo de la propia supervivencia sino de la dignidad, la justicia, la fe, la familia y el hogar.
Conocido por filmes como 21 gramos, Babel y Birdman, que ganó el Premio de la Academia a la mejor película, El Renacido (The Revenant) es la primera película de Iñárritu que alude a un hecho histórico. Iñárritu aporta su característica combinación de inmediatez visual e intimidad emocional a una historia que transporta al público hasta una época y un lugar que raramente ha aparecido en la visceral cinematografía actual.
La producción del filme, que gira en torno a la crudeza de los entornos salvajes, reflejó las duras condiciones que Glass y compañía efectivamente soportaron durante el siglo XIX. Iñárritu y la totalidad de su equipo técnico y artístico estaban preparados para todo lo que les echaran, aceptando los desafíos que suponía rodar en Canadá y Argentina, regiones famosas por su imprevisible clima y territorios vírgenes, con el fin de llegar a comprender plenamente la experiencia de los tramperos a principios del siglo XIX.
Iñárritu colaboró estrechamente con el actor ganador del Globo de Oro y nominado al Premio de la Academia Leonardo DiCaprio, que interpreta un personaje único, tan intenso físicamente como emocionalmente sincero. Junto con el actor ganador del BAFTA Tom Hardy y los célebres actores Domhnall Gleeson y Will Poulter, Iñárritu dirigió a un heterogéneo reparto, compuesto por artistas internacionales y nativos americanos, hasta un pasado oculto. Iñárritu volvió a unirse al director de fotografía Emmanuel Lubekzi, conocido como "El Chivo", ganador del Premio de la Academia, para aportar su conjunto y característico estilo de rodaje en exteriores, con la cámara flotando por el paisaje; y que a veces se acerca tanto que hasta el propio aliento de los personajes se hace presente visualmente. Iñárritu también contó con el meticuloso asesoramiento de asesores históricos con el fin de estudiar fielmente las guerras territoriales con las tribus nativas que posteriormente se convertirían en material básico del mito del salvaje Oeste.
La leyenda de Glass comenzó en 1823, cuando se encontraba entre los miles de hombres que se apuntaron al el comercio de pieles, una nueva fuerza impulsora de la economía americana. Era una época en la que muchos consideraban el territorio salvaje como un gran desierto espiritual que demandaba ser domesticado y conquistado por los hombres más duros. De manera que tales hombres se esparcieron en masa por ríos desconocidos, que nunca habían sido navegados ni cartografiados, se perdieron en bosques de imponente exuberancia, buscando no sólo emoción y aventura sino también beneficios; a menudo, en feroz competición con las tribus nativas, para las que hacía tiempo que esas tierras constituían su hogar.
Muchos de esos hombres murieron de forma anónima, pero Glass entró en los anales del folclore americano al negarse rotundamente a morir. Su leyenda se desató tras enfrentarse a uno de los peligros más temidos del Lejano Oeste: un desconcertado oso pardo. Incluso para los más curtidos colonos, tal hecho habría sido supuesto su fin. Pero no para Glass. En la historia que nos cuenta Iñárritu, un malherido Glass se aferra a la vida; después sufre una traición por parte del género humano, lo cual le anima a perseverar a toda costa. A pesar de su enorme deterioro, Glass consigue salir por sí mismo de su prematura tumba; abriéndose camino dificultosamente a través de un desafiante rosario de peligros ignotos y culturas desconocidas, en un viaje que se convierte no sólo en la búsqueda de un ajuste de cuentas sino también en una redención. Mientras atraviesa el salvaje Oeste en su confuso estado, Glass llega a rechazar la necesidad de destrucción que una vez le impulsó. Se ha convertido en un "Renacido"; uno que volvió de entre los muertos.
Iñárritu señala: "La historia de Glass hace las siguientes preguntas: ¿Quiénes somos cuando nos hallamos completamente despojados de todo? ¿De qué está hecho el hombre y de qué es capaz?"
Leonardo DiCaprio añade: "El Renacido (The Revenant) es un increíble viaje por los elementos más crudos de una América inexplorada. Habla sobre el poder del espíritu humano. La historia de Hugh Glass es el material de los cuentos de campamento, pero Alejandro aprovecha su leyenda para explorar lo que realmente significa tenerlo todo en contra, lo que el espíritu humano puede llegar a soportar y qué le sucede a un hombre cuando efectivamente sobrevive".
Para Iñárritu, la película El Renacido (The Revenant) supone un giro de 180 grados en relación al mundo interior que retrató en Birdman. Tras concentrarse en las neurosis de los tiempos actuales, ahora Iñárritu cambia absolutamente de tema y aborda una épica historia del pasado norteamericano, con sus continuas tensiones entre brutalidad y civismo, serenidad y ambición.
"Para mí, este proyecto fue un sueño durante más de cinco años", dice Iñárritu. "Es una intensa y emotiva historia que contrasta con un bello y épico telón de fondo que explora las vidas de aquellos tramperos que crecían espiritualmente mientras físicamente sufrían enormemente. Aunque gran parte de la historia de Glass es apócrifa, hemos intentado mantenernos muy fieles a lo que esos hombres soportaron en esos territorios aún por desarrollar. Experimentamos condiciones físicas y técnicas muy difíciles para conseguir extraer las genuinas emociones de esta increíble aventura".
A Iñárritu le fascinaba cómo un peligro extremo nos puede llegar a desbaratar y nos permite vislumbrar qué es lo que verdaderamente nos sostiene; cómo puede sacar a la luz cosas que habrían permanecido ocultas si esa puerta a la mortalidad nunca se hubiera abierto. El montañero Reinhold Messner dijo una vez en relación con los peligros de la naturaleza: "No aprendemos lo grandes que somos. Aprendemos lo frágiles y vulnerables que somos y el miedo que sentimos. Sólo puedes llegar a comprender eso cuando te expones a un enorme peligro". La diseñadora de vestuario Jacqueline West le respalda, señalando, "Glass es un personaje que entra en contacto con su propia mortalidad, y eso es algo muy potente".
Esa confrontación con la mortalidad se entrelaza, además, con una inusual historia de amor entre padre e hijo: la de un hombre que en su momento de mayor deterioro se aferra más que nunca a la vida.
"El Renacido (The Revenant) es una historia de pura y dura supervivencia pero también de una esperanza inspiradora", afirma Iñárritu. "Para mí, la parte importante era transmitir esta aventura con un sentido de sorpresa y descubrimiento, como una exploración tanto de la naturaleza salvaje como de la propia naturaleza humana".
El productor Steve Golin observa: "Alejandro siempre aporta verdad a todo lo que hace. Hay crudeza en su trabajo, pero también hay un elemento espiritual; y en El Renacido (The Revenant) eso da lugar a una potente combinación que nunca antes habíamos visto reflejada así".
20th Century Fox y New Regency presentan El Renacido (The Revenant), película protagonizada por Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson, Will Poulter, Forrest Goodluck, Paul Anderson, Kristoffer Joner, Joshua Burge y Duane Howard. El filme está dirigido por Alejandro González Iñárritu y el guión es obra de Mark L. Smith y el propio Iñárritu, basado parcialmente en la novela escrita por Michael Punke. Los productores son Iñárritu, Arnon Milchan (12 años de esclavitud, Perdida), Steve Golin (Babel, True Detective), Mary Parent (Godzilla, Noé), Keith Redmon y James Skotchdopole (Birdman, Django desencadenado); los productores ejecutivos son James Packer (La LEGO película), Jennifer Davisson (Los idus de marzo), David Kanter (Rendition) y Brett Ratner (X-Men: La decisión final). El equipo técnico del filme está formado también por: el director de fotografía, ganador del Premio de la Academia en dos ocasiones, Emmanuel Lubezki, alias "El Chivo", ASC/AMC (Gravity, Birdman); el diseñador de producción Jack Fisk (Pozos de ambición); el montador Stephen Mirrione, A.C.E. (Los juegos del hambre); el supervisor de efectos visuales Rich McBride (Gravity); y la diseñadora de vestuario Jacqueline West (El curioso caso de Benjamin Button).
La leyenda de Hugh Glass
Durante dos siglos, la historia de Hugh Glass se ha consolidado como uno de los relatos más increíbles sobre un hombre que excede todos los límites que se esperan de cuerpo, mente y alma. Nacido en Filadelfia en 1773, poco se sabe sobre los primeros años de vida del verdadero Glass, pero se cree que pasó años en el mar ejerciendo de pirata. En la treintena, Glass viajó al Oeste, y en 1823, se enroló, fatídicamente, en la expedición del capitán Andrew Henry para explorar el río Missouri. Fue entonces, aproximándose la expedición a lo que ahora es Lemmon, Dakota del Sur, cuando Glass resultó atacado por un oso pardo y fue abandonado por los hombres que tenían órdenes de quedarse con él, que supusieron, erróneamente, que pronto moriría.
Glass no dejó nada escrito, excepto una sola carta que escribió a los padres de un compañero asesinado por la tribu india de los Arikara. Cuando Glass apareció vivo, los periodistas de la época difundieron su historia por toda la nación. Desde entonces, ha habido biografías y novelas, no obstante, en 2002, el escritor Michael Punke publicó uno de los trabajos de investigación más exhaustiva: The Revenant: A Novel of Revenge. Curiosamente, Punke tiene otra carrera completamente distinta como representante comercial en Estados Unidos, pero también ha sentido siempre una gran fascinación por los "hombres de la montaña", lo que le ha llevado a explorar todas las fuentes para proporcionar la imagen más realista de Glass hasta la fecha.
El libro fue alabado por Publisher’s Weekly, que lo calificó como "una fascinante historia de heroísmo y venganza obsesiva", y se convirtió en favorito de los lectores ávidos de grandes aventuras. Entre dichos lectores, se encontraban tres productores de la compañía Anonymous Content: Steve Golin, Keith Redmon y David Kanter.
"Siempre me han gustado las películas de supervivencia en la naturaleza, y a todos nos pareció que ésta podía ser una increíble y original aventura", recuerda Golin. "Para David, Keith y yo mismo, esto ha sido un largo viaje, pero estamos muy contentos de que funcionara de la forma en que lo hizo con el extraordinario grupo de personas que la realizaron. No fue fácil, pero ha sido un sueño hecho realidad en lo que se refiere a la creatividad que la historia inspiraba".
Anonymous Content reclutó a Mark L. Smith para escribir el guión. Smith vio en esta historia la oportunidad de brindar al público una experiencia que difícilmente podemos imaginar en nuestras tecnológicas vidas del siglo XXI.
"En la década de 1820, cuando te abandonaban en plena naturaleza, estabas abandonado en plena naturaleza. No podías sacar un iPhone de tu bolsillo", señala Smith. "Glass se ve impelido a soportar experiencias casi inimaginables: desde caer por cascadas hasta luchar contra lobos por un búfalo. Su historia es una aventura, pero también es un emotivo y fructífero viaje, y yo esperaba que también pudiera ser un sorprendente espectáculo visual".
Dicha esperanza se convirtió en realidad cuando Iñárritu se incorporó al proyecto, confiando en sumergir directamente al público en un mundo que ha fascinado y atraído durante mucho tiempo; pero que, sin embargo, permanecía inaccesible. "Esta historia es muy diferente gracias a Alejandro. Al principio me impactó el hecho de que le interesara el proyecto", admite Smith. "Pero una vez que empezó a trabajar en el guión, todo cobró vida. Alejandro se implica mucho y es muy creativo. La colaboración entre ambos fue maravillosa".
A New Regency le entusiasmaba el hecho de trabajar con Iñárritu. El director ejecutivo y presidente Brad Weston señala: "Nos comprometimos absolutamente con la visión de Alejandro; entendíamos la envergadura y la dimensión de su enfoque así como la necesidad de flexibilidad, y lo vimos como una oportunidad de volver a nuestras raíces como compañía de producción basada en el punto de vista del director. Lo vimos como un proyecto muy creativo, pero también como una historia de enorme y generalizado atractivo comercial".
Iñárritu añadió ficticios giros argumentales a las ya apócrifas historias sobre Glass, mientras profundizaba constantemente en la exploración de los temas que traslucían bajo la superficie."Me interesaba explorar no solo los procesos físicos que experimentan Glass y Fitzgerald, sino también su estado psicológico, sus sueños, sus temores y sus pérdidas", explica el director. "El argumento era una base genial, como sucede en la música, pero lo que pasa por sus mentes y sus corazones constituye los solos, las trompetas y el piano".
Para DiCaprio, el sello de Iñárritu en el guión era algo indiscutible. "Cuando Alejandro se incorporó, el proyecto se convirtió para mí en una interesante perspectiva puesto que se trata de un cineasta muy singular", dice el actor. "Sabía que podía proporcionar al público una experiencia verdaderamente envolvente. Por un lado, el filme es una primaria historia de supervivencia existencial, pero Alejandro introduce tantos diferentes matices que se convierte en algo más".
Dado que solamente se conocen hechos históricos básicos, la historia demandaba imaginación, pero dos palabras destacaban en el enfoque de Iñárritu y Smith: autenticidad cultural. "Lo investigamos todo, desde la forma de hablar de los colonos hasta las herramientas que utilizaban. Queríamos sumergir al espectador en este mundo por completo", señala Smith.
Iñárritu se tomó muy en serio la responsabilidad de recrear un mundo perdido. En el primer día de rodaje, el director reunió al equipo de producción en las orillas del río Bow de la provincia canadiense de Alberta; en cuyas heladas aguas pronto se sumergiría el elenco para una escena repleta de acción. Cada miembro del equipo llevaba una rosa roja. Craig Falcon, asesor cultural y miembro de la tribu Pies Negros, dirigió una ceremonia ayudado por ancianos indígenas de la tribu local, los Stoney, para bendecir el filme, las criaturas y la tierra. Tras la bendición, Iñárritu pidió a las 300 personas que había que se cogieran de la mano en silencio. Después, al unísono, todas se metieron en el río, esparciendo los pétalos de sus rosas.
Leonardo DiCaprio como Hugh Glass
Leonardo DiCaprio ha interpretado una caleidoscópica variedad de personajes –desde Howard Hughes a Jay Gatsby o el libertino Jordan Belfort de El lobo de Wall Street–, pero el papel de Hugh Glass representaba un desafío completamente nuevo, llevando al actor hasta límites que pocos en nuestro mundo actual han experimentado. Es el papel más exigente físicamente de DiCaprio y, al mismo tiempo, pura interpretación sin prácticamente palabras.
"Para mí, hay temas muy potentes en el filme: la voluntad de vivir y nuestra relación con la naturaleza", explica DiCaprio sobre su inmediato interés por la historia. "Había interpretado anteriormente a muchos personajes que eran extraordinariamente elocuentes, de diferentes formas, y que tenían mucho que decir, así que este papel era un reto único para mí. Se trataba de transmitir cosas sin decir una palabra o hablando un idioma diferente. En gran parte, se trataba de adaptarse al momento, reaccionar a lo que la naturaleza nos daba y a lo que Glass experimentaba mientras estábamos filmando. Se trataba de explorar los elementos más intrínsecos del instinto de supervivencia".
DiCaprio se sintió también cautivado por el propósito de Iñárritu de retratar la historia de Glass con un realismo que sumiría al público en la vida de las prístinas tierras del Oeste mucho tiempo antes de la llegada de cowboys y forajidos. "La verdad es que nunca he visto esa época de la historia americana reflejada en el cine, de manera que me interesaba mucho", afirma. "Eran una época y un sitio únicos en la historia del Oeste americano porque éste era mucho más salvaje de lo que consideramos que es ‘el salvaje, salvaje Oeste’. Era como el Amazonas, una naturaleza absolutamente desconocida, una tierra de nadie donde la aplicación de las leyes era escasa. Esos tramperos que vinieron de Europa y de la Costa Este tuvieron que aprender a vivir su vida en medio de los elementos; sobreviviendo como cualquier otro animal en una tierra salvaje".
A Iñárritu le satisfizo mucho saber que DiCaprio estaba preparado para explorar todos los límites, al igual que Glass. "Leo es extraordinario en todos los detalles, en todos los aspectos que tienen que ver con la observación y el comportamiento humano. Es muy natural aportando matices y cadencias de movimientos y todo eso que hace sentir completamente vivo a un personaje. Es muy colaborador e inteligente, siempre interrogándose qué es lo que hace a una escena más potente. Y contribuyó con su propia y profunda conexión personal con la naturaleza. Lo que DiCaprio entregaba en pantalla no era sólo emotivo sino también sorprendente".
El director subraya que DiCaprio se enfrentó en su interpretación a pruebas para las que ningún actor podría prepararse plenamente. "Leo estuvo trabajando en las condiciones más duras, con ropa dificultosa, con maquillaje extremo, y yendo a los lugares más emocionalmente incómodos y oscuros. Sin embargo, independientemente de lo que le esté pasando, hay algo instantáneo que cobra vida cuando Leo está delante de la cámara. Hay una fuerza increíble", observa Iñárritu. "La forma en que rodábamos exigía muchísimo de él en términos de ritmo, manejo del tempo dramático, energía y silencio, sin embargo, Leo hace que todo funcione porque siempre está muy presente".
A su vez, DiCaprio dice que tenía plena confianza en Iñárritu. "Lo que verdaderamente me gusta del enfoque de Alejandro es que es un cineasta de la vieja escuela que cree en el arte de crear algo en la pantalla; y también es una especie de marginado dentro de la industria, aunque trabaja dentro de ella. Entiende perfectamente cómo es la industria actualmente, pero está influido por una vida entera de estudio de la historia del cine y ha desarrollado un estilo propio, sin concesiones, que ahora se ha convertido en sinónimo de su nombre. Hay muy pocos cineastas por ahí que puedan escapar al paradigma de Hollywood y, aun así, lograr a una escala tan épica una película como ésta".
El ataque del oso que amenaza con acabar con la vida de Glass llevaba inmediatamente a DiCaprio a mantener una lucha cuerpo a cuerpo con uno de los más hábiles depredadores de la naturaleza. "La escena del ataque del oso fue extraordinariamente complicada y dificultosa", recuerda DiCaprio, "pero también es profundamente emotiva. En el filme, Alejandro sitúa al espectador allí, como si fuera una mosca que revolotea alrededor, de modo que sientes la respiración de Glass y la del oso. Lo que Alejandro logró está mucho más allá de cualquier cosa que haya visto antes. Glass tiene que encontrar la forma de lidiar con ese inmenso animal que está encima de él. Glass se encuentra al borde de la muerte; y el espectador se halla totalmente inmerso en ese momento con él".
Iñárritu y DiCaprio mantuvieron intensas conversaciones sobre Glass profundizando en lo que es una continua actuación cinética. El actor señala que la esposa ficticia de Glass, miembro de la tribu Pawnee, y su hijo ya han convertido a Glass en alguien diferente al resto de tramperos. "Glass es alguien que ya se ha incrustado en la naturaleza y que en cierto punto ha abandonado el mundo más material de los tramperos", observa. "En ese entorno, Glass ha tenido que enfrentarse a un excepcional conjunto de desafíos como padre, y ése es un constante sentimiento de fondo de su personaje. Hay una sensación de que Hawk y él ya se encuentran aislados y solos, por lo tanto, su vínculo paterno-filial es una fuerza muy poderosa que impulsa a Glass durante todo el tiempo".
DiCaprio llevó a cabo muchas de las escenas arriesgadas en vez de dejarse doblar por especialistas: fue enterrado bajo la nieve, caminó desnudo a 40 grados bajo cero y saltó a las glaciales aguas de un río, poniéndose en cada momento más en contacto con la voluntad de Glass. Pero mientras se va abriendo camino, Glass no sólo sigue adelante; también cambia profundamente, algo que DiCaprio deja traslucir en una gama multicolor de sutiles detalles que contribuyen al emocionante clímax de la película.
"Durante todo el tiempo, está esa cuestión de si algún tipo de venganza será definitivamente lo que aplacará la sed de Glass al final del día. Pero la necesidad de continuar camino se transforma en algo más para él…, se transforma en una especie de esfuerzo espiritual", concluye el actor.
Tom Hardy como John Fitzgerald
El espejo oscuro del viaje de supervivencia de Hugh Glass es el que emprende John Fitzgeral hacia la paranoia, la recriminación y la torturante amargura. Para interpretar a Fitzgerald, que traiciona a Glass y, a su vez, se convierte en la llama que aviva sus ganas de sobrevivir, Iñárritu eligió al actor inglés Tom Hardy, que ha pasado a un primer plano por papeles tremendamente opuestos: desde el personaje soñante de Eames en la película de Christopher Nolan Origen hasta el tour de force interpretativo de un solo actor en Locke. Iñárritu afirma,"En su papel de Fitzgerald, Tom interpreta a un hombre lleno de prejuicios. Sin embargo, es un alma herida que teme a los demás porque no es capaz de abrir su mente y entender la otredad, lo diferente. En Tom hay una sutileza que es muy difícil de encontrar", prosigue Iñárritu. Es muy atractivo, muy fornido, muy potente y fuerte, pero, al mismo tiempo, puede ser extraordinariamente frágil, y eso es lo que le hace tan excepcional".
Hardy compuso un increíble antagonista. "Fitzgerald es un personaje muy interesante porque entiendes muy bien sus motivaciones. Aquí es un hombre cuyo lucrativo negocio se ha frustrado, y todos sus planes de futuro han desaparecido en un segundo. De manera que entra en una especie de modo supervivencia final, donde se trata de matar o morir; y Glass es la persona que está en vías de eso", dice DiCaprio. "Fitzgerald también es un superviviente, pero él encuentra un camino muy diferente al de Glass. Él elige ser asesino".
DiCaprio prosigue: "Con Tom he trabajado anteriormente y admiro extraordinariamente su trabajo. Creo que es uno de los actores más eficaces que hay actualmente, y ver su grado de compromiso con este personaje fue algo increíblemente emocionante. Posee una tosca ferocidad que es muy genuina; y eso era algo absoluta y fundamentalmente necesario para marcar la diferencia con mi personaje. No es el típico villano. Estos dos hombres muestran su fuerza de dos maneras completamente distintas".
Para Domhnall Gleeson, que interpreta el papel del decepcionado capitán de Fitzgerald, fue apasionante enfrentarse a Hardy en la escena en que el capitán Henry se da cuenta de que ha sido engañado. "Tom le ha aportado a Fitzgerald un matiz cortante que hace que nunca sepas qué camino va a tomar", Gleeson señala. "Mi personaje se siente humillado por Fitzgerald, pero después reacciona y no se deja comer el terreno; y fue muy emocionante actuar mano a mano con Tom".
Los tramperos - Los primeros empresarios del oeste
La historia del comercio de pieles en América es breve, sin embargo, esencial, y está repleta de relatos de temeraria pero también peligrosa devastación. Aunque el comercio de pieles fraguó la imagen romántica del hombre de montaña –idealizados eremitas supuestamente tan duros como la tierra salvaje que se habían comprometido a conquistar–, el comercio de pieles era también, en buena medida, un negocio. En cierto sentido, dio lugar a la primera manifestación del arquetípico empresario del Oeste, el visionario iconoclasta que avanza con determinación sin rendir cuentas a nadie sino a sí mismo.
"Esta época inauguró el desarrollo del industrialismo en el Oeste. Incluso antes del descubrimiento de oro y petróleo, el comercio de pieles era un enorme y lucrativo negocio", explica DiCaprio. "Había tramperos que penetraban en territorios vírgenes, ocupados por poblaciones indígenas, para extraer recursos; y la pregunta que surge es: ¿A qué coste? Glass se ve atrapado en el medio de esa polémica, y es un tema muy potente en la película".
El comercio de pieles comenzó a finales del siglo XVII, cuando las tribus indígenas empezaron a intercambiar sus pieles, extraordinariamente cálidas, por herramientas de metal europeas. A principios del siglo XIX, cuando la demanda de sombreros adornados con pieles se disparó en Europa –y los precios de la piel de castor alcanzaron los 6 dólares/500 gramos--, el comercio de pieles se convirtió en un gran impulso para la economía americana, así como en el responsable de las nuevas rutas comerciales que prepararían el terreno para el desarrollo del Oeste que estaba por venir.
En torno a la década de 1820, el comercio de pieles había llegado hasta las Montañas Rocosas y se había hecho intensamente competitivo, con comerciantes que luchaban entre sí y con las tribus nativas. Hugh Glass trabajó para la Rocky Mountain Fur Company, que por entonces entraba en escena. La compañía utilizó el llamado "rendezvous system" (sistema de lugares de encuentro), lo cual significaba que no construían cabañas o fuertes. En vez de eso, se suponía que sus tramperos debían cazar su propia comida, construir sus propios refugios y librar sus propias batallas, lo que aumentaba su reputación de personas imperturbables.
No obstante, los idealizados mitos en torno a los heroicos hombres de montaña han ocultado algunas de las realidades más oscuras de la época. Muchos tramperos se pasaron la vida sumamente endeudados, mientras que los propietarios de las compañías de pieles se hacían inmensamente ricos. Y aunque los tramperos vivían tomando el pulso a la naturaleza, su relación con el entorno era a menudo conflictiva; teniendo consecuencias tales como la caza de especies hasta el borde de la extinción y un profundo impacto tanto sobre el ecosistema como sobre las culturas nativas americanas ligadas al mismo.
Para recrear este mundo con veracidad y todos sus matices, Iñárritu reclutó a una serie de expertos, como el historiador Clay Landry, vinculado a los únicos dos museos estadounidenses dedicados a este período: el Museo del Hombre de Montaña, en Wyoming, y el Museo del Comercio de Pieles, en Nebraska. Landry señala que, entre los historiadores, la historia de Hugh Glass es de las más importantes. "Si estudias la historia del comercio de pieles en las Montañas Rocosas, una de las primeras cosas que aprendes es la historia de Glass. Tiene esa épica", observa.
Durante toda la producción, Landry proporcionó asesoramiento sobre la mentalidad, herramientas y técnicas de supervivencia de los tramperos. Landry dio al reparto una muestra personal de todo esto en un "Campo de Entrenamiento sobre el Comerciante"; donde los deberes consistían en dibujar arcos, poner trampas de castor, desollar castores [falsos] y lanzar hachas.
"En el Campo de Entrenamiento, los actores hincaron el codo de verdad", dice Landry. "Les enseñamos todo lo que un trampero necesitaba saber. Por supuesto, los actores disparaban balas de fogueo y realmente no tenían que arreglárselas por sí solos, pero aun así pudieron sentir esa sensación. Tanto el reparto como el equipo querían saber todo lo que fuera posible sobre la época".
Arthur Redcloud, que interpreta a Hikuc, el curandero indio que Glass encuentra en su viaje, añade: "El campo de entrenamiento no sólo tenía lugar a nivel físico; también nos aportó algo a nivel emocional y espiritual. Para mí, la cuestión no era únicamente reconectar con el pasado. Se trataba de tener una nueva visión".
La tierra de los Arikara
En el inicio de El Renacido (The Revenant), la expedición de tramperos del capitán Henry es atacada por un grupo de miembros de una tribu asentada a orillas del río Missouri. Se trata de los Arikara –apodados simplemente los Ree por los tramperos–, cuya histórica ofensiva contra la Rocky Mountain Fur Trading Company alteraría para siempre su destino. Parte de la historia de Glass frecuentemente ignorada todavía, Iñárritu se sintió obligado a destacar la presencia de los Arikara en su narración de la historia.
Conocidos entre su propia gente como los Sahnish, los Arikara eran llamados así por otras tribus debido a sus tocados de plumas. Habían poblado las llanuras durante más de 1.000 años como granjeros seminómadas y tenían una rica cultura antes de que los europeos llegaran. En 1804, Lewis y Clark se habían topado con los Arikara, y los habían considerado pacíficos. Sin embargo, hacia la década de 1820, tras haber sido desplazados repetidamente, las hostilidades con esta tribu habían subido de nivel. Un ataque a los tramperos provocó una respuesta de los militares norteamericanos, que diezmó la tribu en la primera de las muchas y brutales guerras que tuvieron lugar en las llanuras. El menguante número de miembros de los Arikara se redujo posteriormente, en la década de 1830, hasta un 70%, debido a una plaga de viruela y a sus sucesivos conflictos con los Sioux. No obstante, los Arikara lograron sobrevivir, instalándose en Dakota del Norte, donde los últimos hablantes han conseguido conservar el amenazado idioma arikara.
Retratar fidedignamente al pueblo Arikara era tan importante para Iñárritu que se trajo al asesor Loren Yellowbird Sr., miembro de dicha tribu, historiador, antropólogo e intérprete principal y ranger en el Fort Union Trading Post de Dakota del Norte.
Para Yellowbird, resultó estimulante ver a los Arikara convertirse por fin en parte integrante de esta historia. "Hay mucha gente que nunca ha oído hablar de los Arikara, así que ésta era una oportunidad de mostrar otra perspectiva y resucitar aquel mundo", afirma. "Lo aprecié enormemente, porque yo creo que poder afianzar en esta época el idioma arikara y sacar a la luz algo de su cultura tradicional es muy importante".
Yellowbird señala que el período reproducido en el filme representa los últimos momentos del tradicional estilo de vida de los Arikara. "El pueblo Arikara había vivido allí durante cientos de años… Tenían una fuerte cultura comercial y una intrincada cultural ceremonial que todavía no habían sufrido alteración alguna".
Eso cambió rápidamente cuando el comercio de pieles fue en aumento. "Aquellos tramperos venían y no eran respetuosos desde nuestro punto de vista. Invadían territorios de otras personas y se adueñaban de las cosas. No había negociación. Los tramperos simplemente cogían lo que querían", refiere Yellowbird
Después del ataque, los Arikara adquirieron una reputación de guerreros letales, pero Yellowbird dice que el contexto es mucho más amplio. "Los comerciantes empezaron a tener miedo de los Arikara. Sin embargo, lo gracioso es que las mujeres arikara seguían casándose con los comerciantes", señala. "De manera que si te acercabas a los Arikara con respeto, había paz. Pero yo creo que los Arikara trataban a los tramperos y a los militares del mismo modo que ellos sentían que eran tratados".
Fue el principio de la casi destrucción de la forma de vida de la tribu. "En aquel momento, nuestro modo de vida estaba siendo tan rápidamente usurpado que no sabíamos cómo parar eso", se lamenta Yellowbird. "Tuvimos la suerte de contar con jefes inteligentes; visionarios que pensaron en el futuro y se interrogaron acerca de qué podíamos hacer para garantizar la supervivencia de nuestro pueblo. Yo todavía sigo ese camino. Al hacer la película, yo pensaba en lo que puedo hacer para asegurarme de que mis tatara-tataranietos puedan tener esas cosas: nuestro idioma, nuestra cultura, nuestras canciones y nuestras costumbres".
A Yellowbird le emociona especialmente que algunos jóvenes Arikara puedan tener por primera vez la oportunidad de escuchar el idioma y ver cómo vivían sus ancestros cuando vean El Renacido (The Revenant). "Yo soy una persona que tiene un iPhone, pero todavía me mantengo fiel a nuestras tradiciones porque creo que para nosotros es bueno respetar a nuestros antepasados. Estas historias muestran todas las adversidades que tuvieron que padecer para que nosotros pudiéramos vivir hoy", concluye.
Aunque Yellowbird era el único miembro de los Arikara implicado en la producción, en el filme aparecen, aproximadamente, unos 1.500 nativos americanos y miembros de las tribus aborígenes canadienses (las llamadas Primeras Naciones). A Yellowbird le agradó mucho su disposición a aprender sobre los Arikara. "El reparto estaba muy interesado en representar ese mundo de la forma más realista posible. Ver eso me hizo sentirme profundamente humilde", afirma. "Si yo estuviera interpretando a alguien de otra tribu, haría lo mismo".
Craig Falcon, educador cultural y miembro de los Pies Negros, especializado en cultura nativa americana/indígena, también se incorporó al proyecto, interesado sobre todo en pinturas de guerra y caballos. La autenticidad cultural que Iñárritu buscaba fue un enorme aliciente. "El pueblo nativo americano queremos ver verdad", dice Falcon, "y no como en las viejas películas, ¡donde veías a Ricardo Montalbán vestido de indio! El Renacido (The Revenant) consigue verdadera autenticidad en el idioma, en las pinturas que llevan los caballos y en su forma de representar a cada tribu".
Arthur Redcloud, que creció en una reserva de Navajos e interpreta a Hikuc, señala: "La película es un regalo muy especial, y nosotros queríamos verter en ella el alma y el corazón de nuestro pueblo".
El resto del reparto
Domhnall Gleeson como el capitán Henry
Domhnall Gleeson, el actor irlandés, en rápido ascenso, al que también podemos ver este año en el filme Brooklyn, interpreta el papel del capitán Andrew Henry, una figura histórica de la vida real que fue uno de los fundadores de la Rocky Mountain Trading Company, así como el líder de la expedición por el río Missouri.
Gleeson señala que el guión proporciona un desarrollo ficticio del personaje del capitán Henry que va más allá de lo que sabemos de él por los datos históricos. "El Andrew Henry real era muy respetado, mientras que en esta historia lo vemos como un hombre inseguro que está aprendiendo a ser un líder. A lo largo del viaje que emprende, Henry se convierte en el hombre que tenía fama de ser", explica Gleeson.
Desde el inicio, Gleeson comprendió que la película iba a ser una experiencia decididamente desafiante. "Antes incluso de empezar a rodar, Alejandro dijo que quería que para los actores fuera una dura experiencia; y cumplió con su palabra. Nos sometieron a circunstancias extraordinarias y condiciones muy difíciles, pero fue emocionante porque era algo muy diferente", comenta. "Yo, desde luego, nunca había hecho antes algo parecido. Hay cierta excitación al hacer una película de una manera que la gente actualmente ya no hace".
Gleeson dice que la dureza del rodaje enriqueció las interpretaciones. "Se suponía que mi personaje debía encontrarse con unas circunstancias terriblemente difíciles, sentirse fuera de lugar, así que volqué todo lo que yo estaba experimentando en mi actuación", explica."Esperas que finalmente la dimensión de todo eso con lo que esos hombres lidiaron –la desesperación, la locura y la incertidumbre– se aprecie después en la sala de cine".
Will Poulter como Jim Bridger
El prometedor actor inglés Will Poulter (El corredor del laberinto) interpreta a Jim Bridger, quien llegó a convertirse en uno de los guías más legendarios del Oeste. En El Renacido (The Revenant), vemos a Bridger siendo un simple muchacho; pero alguien que debe enfrentarse a su conciencia tras abandonar, junto a Fitzgerald, a un Glass mortalmente herido. A Poulter le entusiasmó la riqueza interpretativa de su papel. "Es un honor interpretar a una persona de la vida real que fue famoso por sus habilidades como hombre de montaña en una época y un lugar donde la esperanza de vida de las personas era sumamente baja", señala.
Para un joven recién llegado al salvaje Oeste, tuvo que haber sido una experiencia que cambió su vida. "Yo creo que Alejandro quería obtener de Bridger esa idea de inocencia confrontada con algunas de las circunstancias más duras de la vida, así como el conflicto entre el muchacho que todavía es y el hombre en el que se está convirtiendo. Jim tiene que avanzar, tiene que aprender por fin a reprimir sus miedos, a hacer lo correcto", señala Poulter. "Jim pasa por situaciones que hombres como Glass, Fitzgerald y el capitán Henry ya han experimentado; pero él tiene que madurar rápidamente simplemente para sobrevivir".
Inicialmente, Bridger es el aprendiz de Glass. "Probablemente Glass es lo más parecido a un padre que Jim ha conocido", observa Poulter. "Yo creo que le tiene idealizado como uno de los mejores exploradores y tiradores del lugar. Por lo tanto, cuando las cosas se tuercen, para Jim, las consecuencias se acentúan".
Dichas consecuencias implican hacer un pacto con Fitzgerald. Poulter trabajó estrechamente con Tom Hardy para explorar esa mezcla de horror, furia y miedo que Bridger siente hacia ese hombre. "La dinámica entre nosotros es todo menos amable, pero, dicho esto, tampoco es algo tan simple como ser enemigos", señala "Es una relación turbia y compleja. En esencia, yo creo que hay una mutua comprensión de que nos necesitamos el uno al otro para sobrevivir".
Al igual que a sus compañeros de reparto, la forma en que Iñárritu y Lubezki rodaron el filme le pareció profundamente interesante a Poulter. "Nunca antes había tenido que actuar de una manera tan íntima con la cámara. Nunca había tenido que incrustar la presencia de la cámara en mi consciencia de esta forma. Fue algo absolutamente increíble. Casi sientes como si ya no estuvieras actuando. Tienes que creer que realmente eres tu personaje".
Forrest Goodluck como Hawk
El actor Forrest Goodluck, de dieciséis años de edad, debuta en la gran pantalla interpretando a Hawk, el hijo adoptado por Hugh Glass y una nativa americana. Miembro de las tribus Diné, Mandan, Hidatsa y Tsimshian, y actualmente residente en Nuevo México, Goodluck pasó por una larga audición y un prolongado período de ensayo para obtener el papel.
La complejidad de un personaje dividido entre dos mundos inspiró a Goodluck. "Hawk es mitad blanco y mitad indio", dice Goodluck. "A edad muy temprana, fue apartado de su pueblo, perdió a su madre y resultó gravemente quemado por un fuego. Se encerró en sí mismo y sufrió un traumas psíquico, lo que hoy llamaríamos estrés postraumático. Pero yo creo que Hawk sale fortalecido de todo lo que experimenta. Es un personaje fuerte pero frágil. Tiene una especie de mentalidad bipolar, porque, por un lado, no es aceptado completamente por la cultura del hombre blanco, y, por otro, tampoco termina de ser aceptado por su propia cultura".
Sin embargo, Hawk no puede negar el profundo vínculo afectivo que le une a su padre, Glass. Goodluck afirma, "Nuestra relación es de callado respeto. Hay una silenciosa conexión entre ambos, pero viviendo en aquella época no podías ser blando, de manera que el amor entre Hawk y Glass puede parecer seco, pero es un amor profundo".
Duane Howard como Elk Dog
El poderoso guerrero arikara Elk Dog, que busca a su hija Powaqa, que ha sido capturada, está interpretado por Duane Howard, miembro de los pueblos aborígenes de las Primeras Naciones de Canadá o First Nations, es un actor procedente de la Isla de Vancouver, Canadá. Dice de su personaje: "Elk Dog es una especie de figura de autoridad y cuando habla, su pueblo le escucha. Incluso cuando simplemente permanece de pie, incluso cuando no dice nada, su pueblo le escucha. Elk Dog consigue esa clase de respeto. Y, a su vez, es alguien que daría su vida por su pueblo".
Sin embargo, cuando los Arikara asaltan el campamento de los tramperos, Elk Dog se rompe emocionalmente al presenciar toda la muerte y destrucción que le rodea. Howard recuerda:"Tuve que abrirme mucho internamente. Tuve que convertirme en alguien muy vulnerable, y surgieron un montón de emociones durante la batalla. Fue una experiencia muy intensa".
Para Howard, El Renacido (The Revenant) fue una experiencia profundamente personal durante la cual aprendió el idioma arikara y su cultura como si fueran los suyos propios. "El idioma arikara es muy diferente a mi lengua nativa y fue realmente un desafío y muy interesante aprender más acerca de ellos", explica.
A Howard le inspiró especialmente el respeto que el filme mostraba por representar con autenticidad una cultura. "Alabo la labor de todo el equipo porque verdaderamente hicieron su tarea. Todas y cada una de las pequeñas cosas que aparecen en el filme, desde la pintura facial hasta la vestimenta, tienen un significado, como lo tenían en aquellos tiempos", resume.
Arthur Redcloud como Hikuc
Un personaje relevante dentro del complejo tapiz que conforma El Renacido (The Revenant) es Hikuc, un alma solitaria que encontramos en las llanuras y que se convierte en el inesperado salvador de Hugh Glass. Hikuc está interpretado por Arthur Redcloud, un indio navajo que describe a su personaje como "un hombre que se encuentra listo para asumir un desafío diferente y un nuevo destino".
El propio Redcloud había estudiado para ser curandero, bajo la tutela de su amado abuelo, en una reserva de los Navajos. Una vez seleccionado para el papel, Redcloud dedicó mucho tiempo a reflexionar sobre la escena donde Glass se tropieza con Hikuc, que está dándose un festín con el cadáver de un búfalo que ha abatido. "En nuestra cultura, el búfalo no es tan sólo un animal, es un símbolo de fuerza, curación y clemencia, así que cuando se ve a mi personaje comiendo el búfalo, no se trata sólo de un alimento para el cuerpo sino también para la mente y el alma", manifiesta.
El hecho de trabajar con Leonardo DiCaprio le provocaba a Redcloud más curiosidad que intimidación. "Para mí, se trataba de tener una oportunidad fantástica de aprender de él. Y también se trataba de intentar verle de verdad. Durante buena parte del tiempo, yo simplemente me quedaba quieto intentando leer el corazón de Leo y quién es, y sentí que era capaz de verlo. Fue una gran bendición compartir ideas y aprender este oficio de un maestro. Glass y mi personaje emprenden un viaje en el que comienzan siendo potenciales enemigos y terminan convirtiéndose en hermanos, y nosotros emprendimos ese viaje juntos".
Redcloud disfrutó especialmente con las idas y venidas creativas de Iñárritu. "Alejandro es mitad científico loco, mitad pintor", reflexiona. "Cada detalle es importante para él. No le interesaba simplemente capturar nuestras historias nativas; le interesaban comprender qué es lo que hace que esas historias sean tan potentes".
Los tramperos
Completando el reparto principal se halla un grupo internacional de actores, tanto consolidados como emergentes, y cada uno de ellos señala que El Renacido (The Revenant) fue una experiencia muy personal. El actor canadiense Brendan Fletcher, que interpreta al trampero Fryman, comenta: "Nunca había tenido una experiencia actoral como ésta, luchando contra los elementos al mismo tiempo que rodábamos tomas muy largas y meticulosamente detalladas. Fue increíble ver cómo Alejandro aportaba su buen ojo para infundir honestidad a todo".
El actor noruego Kristoffer Joner, que interpreta a Murphy, añade: "Esa forma de trabajar era completamente nueva para mí, moviéndote con la cámara. Alejandro nos dijo: 'La cámara es como un tren en movimiento y vosotros sólo tenéis que agarraros al tren y ver lo que ocurre. Y eso es algo que da miedo. Algunos días era muy divertido, otros días era duro, pero siempre era muy diferente a cualquier otra cosa".
Joshua Burge, que interpreta a Stubby Bill, dice que el aspecto físico del trabajo que tenían que desarrollar los actores en El Renacido (The Revenant) les condujo a una estrecha camaradería. "El reparto procedía de todas partes del mundo, pero entre nosotros se formó un vínculo increíble por el hecho de pasar penalidades juntos. Y así es como era realmente para los tramperos; esos tipos estaban ahí fuera, en medio de ningún sitio, enfrentándose a impredecibles adversidades, y únicamente se tenían los unos a los otros".
Pintando El renacido
Inmediatamente después de Birdman, el director Alejandro G. Iñárritu lleva su perfeccionista pasión por la realización cinematográfica a un nuevo mundo con la película El Renacido (The Revenant). Iñárritu y el director de fotografía Emmanuel Lubezki, alias "El Chivo", con el que colabora hace mucho tiempo, tomaron algunas decisiones clave desde el principio que fijaron las reglas para la producción. Primero, decidieron rodar la película cronológicamente, con el fin de que el viaje de Glass mantuviera un fluido ritmo natural. Segundo, se comprometieron a rodar el filme utilizando exclusivamente la luz del sol y de las hogueras, evitando la inserción de iluminación artificial de épocas posteriores, y trabajando con la luz natural de una forma creativa. Finalmente, querían explorar los largos, fluidos e ininterrumpidos planos por los que se dieron a conocer en Birdman pero con un tipo de efecto muy diferente.
Iñárritu siempre se imaginó el aspecto de la película El Renacido (The Revenant) como si una pintura en claroscuro, llena de luz y sombra, cobrara vida de manera visceral. "Al igual que en Birdman nos inspiramos en la música", dice Iñárritu, "en este filme lo hicimos en la pintura. El Chivo ha jugado un increíble papel a la hora de crear esta película como una obra de arte visual".
Trabajando con la innovadora Arri Alexa 65 –la nueva cámara de gran formato de la pionera compañía de cámaras digitales–, Lubezki utilizó una amplia gama de lentes gran angular, que abarcaban desde 12 mm a 21 mm, para producir una gran profundidad de campo. La flexibilidad del sistema se prestaba a movimientos de cámara que a menudo iban desde intensos primeros planos hasta panorámicas sincronizadas con la acción, las fantasías y las emociones del filme. El equipo mezcló tres métodos –grúas telescópicas, steadicams y cámara en mano– para permitir que, posteriormente, Iñárritu secuenciara las imágenes como un coreógrafo junto con el montador y ganador del Premio de la Academia Stephen Mirrione.
Realizar planos largos en un rodaje absolutamente impredecible en plena naturaleza era algo completamente nuevo para todos. Los retos fueron abrumadores al principio. Dado que el equipo técnico se encontraba en la invernal ciudad de Calgary, donde el tiempo de horas de luz ya es fastidiosamente corto, las ocasiones para realizar las tomas eran pocas y la presión era extraordinaria. A la hora de hacer cualquier plano, nadie podía estar seguro de si una segunda o tercera toma era posible.
"Teníamos que coreografiar los tiempos y los ritmos, encontrar la hora más adecuada del día y, después, rezar para que las condiciones climáticas se mantuvieran", dice Iñárritu."Fue un desafío y algo muy divertido, pero hacerlo correctamente requirió mucho tiempo, reflexión y ensayos. Había cierta pátina y atmósfera que nosotros queríamos conservar. Las condiciones que habíamos establecido eran muy específicas; teníamos que ser muy pacientes, o forzarlas y crearlas. Yo creo que, a nuestro modo, nosotros mismos nos convertimos en tramperos; tramperos debido a las circunstancias".
El Renacido (The Revenant) transportó a Lubezki no sólo al salvaje Oeste sino también al paisaje onírico que transmite el subconsciente de Glass. Iñárritu explica, "Durante el viaje de Glass, cuando está solo y físicamente al borde del colapso, la única forma de saber cómo es él como persona es a través de sus visiones y fantasías, que nos proporcionan información sobre su estado de ánimo y su pasado".
Todos los actores se quedaron absolutamente fascinados con el estilo fotográfico del "Chivo", que también les exigía a ellos mucho más. "La fotografía del "Chivo" es una parte intrínseca del proceso creativo de Alejandro", observa DiCaprio. "Ambos se sumergen por completo en el material del que disponen y después trabajan con los actores en la coordinación de planos y movimientos increíblemente complejos. Lo que excepcionalmente logran en este filme es una realidad virtual donde sientes que tú estás allí luchando contra los elementos junto a los personajes. Visualmente, tienes la perspectiva de Glass hasta el punto de que parece que casi formas parte de su subconsciente".
Donde lo malo es bueno: El diseño de producción
Para retratar el mundo tal y como era en 1823, Iñárritu contó con la colaboración del diseñador de producción Jack Fisk, nominado al Premio de la Academia. Fisk no es ajeno a este tipo de producciones épicas, pues trabajó en el filme de Paul Thomas Anderson Pozos de ambición y en El árbol de la vida, de Terence Malick, pero este período histórico era absolutamente nuevo para él.
A Fisk le entusiasmó la crudeza sin paliativos de la época. "Me encanta ese período", afirma el diseñador de producción. "La gente estaba limitada a aquello que tenía por ahí, de manera que prácticamente eran hachas y cuchillos y muy pocas comodidades. Hemos intentado replicar eso de la forma mejor posible con el fin de poder perderse verdaderamente en ese mundo. Alejandro quería que todo fuera descarnado, mugriento y ajado, así que ése era nuestro objetivo. Hay que tener en cuenta que esos tramperos a menudo pasaban meses sin darse un baño y que cada hombre comía alrededor de 10 libras de carne al día, por lo tanto, no sería nada agradable. La crudeza y la decrepitud nos ayudaron a entender lo difícil que era la vida por entonces".
En una etapa inicial, Iñárritu envió a Fisk una copia de la película Andrei Rublev, de Andrei Tarkovsky, para darle una idea del desabrido diseño que tenía en mente. "Comprendí inmediatamente qué tipo de película quería hacer", recuerda Fisk. Fisk también era consciente de la decisión de utilizar únicamente luz natural, lo que implicaba una interminable búsqueda de localizaciones que tuvieran la luz idónea en las horas adecuadas del día."Teníamos que lidiar constantemente con lo que la naturaleza nos quisiera proporcionar", señala Fisk, "pero eso se convirtió en una parte importante del propio proceso creativo".
Uno de los platos fuertes de Fisk es su diseño del set que representa al descontroladamente espacioso Fuerte Kiowa, fabricado artesanalmente en una vieja gravera del Parque Provincial de Spray Valley, cerca de Canmore, Alberta. Decidido a repetir la historia, el equipo de Fisk construyó el fuerte utilizando materiales y diseños reales de la década de 1820, aprovechando toda la madera que encontraron.
"Yo quería realmente que este fuerte fuera extraordinariamente fiel a la época; algo que lo convierte en un lugar en el que hoy no querríamos vivir", dice Fisk bromeando. "En lugar de hacer un sitio atractivo, lo hicimos inhóspito, porque las vidas de aquellos hombres eran muy duras. Además, no eran carpinteros, de manera que explotamos la idea de no hacer las cosas demasiado bien. Yo me enfadaba con los carpinteros siempre que hacían algo demasiado bonito. Nuestro lema para el fuerte llegó a ser: 'Lo bueno es malo, pero lo malo es bueno'".
Envejecer los sets se convirtió en una forma de arte en sí misma en El Renacido (The Revenant). "Teníamos a los encargados de avejentar decorados trabajando muy duro en el fuerte. Una estructura era demasiado cuadrada, así que los puse a trabajar con una máquina elevadora, levantando la estructura un par de veces y dejándola caer hasta darle una forma un poco más desvencijada", recuerda Fisk. "Dedicamos tanto tiempo a las tareas de envejecimiento como a la construcción".
Para ajustarse a la necesidad de luz natural, Fisk construyó incluso dos fuertes absolutamente idénticos; uno orientado al Este para los rodajes de mañana y otro orientado al Oeste para para aprovechar el sol vespertino.
Fisk recreó el poblado de la tribu Pawnee en un estudio de Los Ángeles utilizando auténticos materiales y técnicas de su cultura. "Simplificamos algunos pasos del proceso relativos al poblado en invierno, pero las pequeñas casas están todas hechas de madera, barro y paja, como habrían sido en realidad", señala.
Aunque la mayoría de los sets tienen una base histórica, Fisk diseñó también elementos oníricos, tales como la imponente montaña de calaveras de búfalo y el ruinoso cascarón de una iglesia europea. Otro evocador set es el campamento de los tramperos que es atacado por los Arikara en la batalla inicial. Cuando comienza la escena, el campamento está formado por tiendas improvisadas, cobertizos, fogatas y ocupados tramperos que despellejan pieles de castor y las agrupan en fardos. Fisk incluso construyó una barcaza de la época, un keelboat, donde tiene lugar una importante parte de la acción. "Me gusta que el barco sea absolutamente auténtico", afirma, "¡excepto por el motor de 450 caballos de potencia que oculta en su interior para que pudiéramos ir aguas arriba!"
Fisk es famoso por construir sets que pueden ser fotografiados desde cualquier ángulo y El Renacido (The Revenant) no fue ninguna excepción. Fisk afirma, "Me gusta que los sets puedan filmarse con una cobertura de 360 grados; y un director como Alejandro saca el máximo provecho de ello. Si le proporcionas eso, él siempre encontrará los ángulos más creativos para rodar una toma", observa.
Primarios y auténticos: Vestuario
La imagen del hombre de montaña se ha convertido en un perdurable icono de Norteamérica, pero para El Renacido (The Revenant), la diseñadora de vestuario Jacqueline West (Argo, The Curious Case of Benjamin Button), nominada en dos ocasiones al Premio de la Academia, quería ir más allá de los clichés.
West señala que ella misma creció con la leyenda de Glass: "Conozco la historia de Hugh Glass porque tengo un rancho en Dakota del Sur, y allí es un personaje mítico. Aquellos tramperos fueron los verdaderos pioneros", puntualiza West. "Sin embargo, el guión me pareció mucho más una novela rusa que una del Oeste. Yo estoy obsesionada con Dostoievski, Chéjov y Tolstoi, de manera que el aspecto psicológico de la historia me atrajo muchísimo".
Buceando en el tema, West extrajo influencias de un amplia variedad de artistas, incluyendo pinturas y bocetos de dos reconocidos artistas de la época: Alfred Jacob Miller, que se trasladó a las Montañas Rocosas a mediados del siglo XIX y fue uno de los pocos artistas que capturaron cómo se desarrollaba la vida allí; y Karl Bodmer, un pintor suizo conocido por sus retratos de nativos americanos, especialmente de la tribu Mandan de Dakota del Sur.
Una pintura en concreto le sirvió de inspiración para la apariencia del personaje que interpreta Leonardo DiCaprio. "Es un cuadro de un cazador nativo, absolutamente rodeado de bosque, que viste una levita con capucha extremadamente sencilla", describe West. "A Alejandro le encantó cuando se lo enseñé. A Alejandro le gustan las cosas modestas pero en absoluto incómodas. Le gusta que la persona se manifieste a través de su ropa. La capucha viene de la imagen que Alejandro tuvo siempre de Glass como personal espiritual, algo así como un monje. Su camisa es amplia y muy funcional, hecha en tela de lino, que Glass había comprado en el fuerte local. No hay nada ostentoso en el personaje. Su vestimenta le evita las incomodidades de los elementos naturales del entorno".
West prosigue: "Alejandro tuvo la muy poética idea de que Leo llevaría encima la piel de oso que sus compañeros olvidan cuando le abandonan. Es una imagen extraordinariamente lírica, y hay cierta ironía en el hecho de que el animal que casi le mató, salva su vida. La piel le mantiene caliente, le protege y le permite flotar en el río".
West contrapuso la imagen de Glass con la de su antagonista, Fitzgerald. "Yo veo a Fitzgerald como alguien cuyos impulsos obedecen al miedo casi por completo", explica. "Por tanto, incorporé montones de animales en su vestuario, con un abrigo totalmente forrado por pieles de nutria y un sombrero de castor". (West subraya que todas las pieles utilizadas en la película procedían de Pacific Fur Trade, que las adquiere en el Departamento de Parques, y fueron extraídas todas de forma humanitaria".)
La apariencia de los tramperos es particular y distintiva para cada uno de ellos. "Jim Bridger era un chico de granja, así que le hice una ropa casera pero también un increíble abrigo de piel de búfalo. El aspecto de Stubby Bill lo saqué de una pintura de un trampero que llevaba pantalones a rayas y un chaquetón azul. Murphy tenía una personalidad más europea, y yo me imaginé que habría comerciado con los franceses por el capote que lleva. A cada persona le proporcioné unos antecedentes, lo cual diferenció completamente sus atuendos".
El vestuario del capitán Henry está basado en su indumentaria real, actualmente expuesta en el Museo del Comercio de Pieles de Nebraska. "Es el único personaje sobre el que tenía más información visual. Sus mallas eran extraordinariamente inadecuadas, pero eran las polainas que él llevaba realmente. Y el corte de su abrigo es también muy famoso, así que teníamos que reproducirlo".
Al igual que Jack Fisk en su apartado, West tuvo que dedicarse a envejecer y oscurecer constantemente. "Usábamos como tema de fondo la canción 'Paint It Black'", dice entre risas. "Desgarramos, restregamos e hicimos tiras las telas. Todo se ve mugriento y castigado por el clima; no obstante, yo lo encontraba hermoso, porque, precisamente por el contraste, se aprecia el brillo de los ojos de los actores".
A West le entusiasmaba especialmente tener la oportunidad de mostrar la vestimenta de los nativos americanos de la época. "Los nativos llevaban frecuentemente lo que se denominaba una 'camisa de guerra', fabricadas con dos pieles y habitualmente decoradas por sus esposas. También nos esforzamos en ser fieles a los distintos atuendos de cada una de las tribus", explica. "Los Pawnee usan algodón y lana porque estaban más cerca del puesto comercial, mientras que los Arikara, los Mandan y los Sioux llevan cuero".
Para la 'camisa de guerra' de Elk Dog, West utilizó uno de los símbolos más potentes de los Arikara: un grano de maíz. "El maíz significa que, si mueres en la batalla, plantarán en la tierra esas semillas junto a tu cuerpo, y de ahí surgirá algo nuevo. Es una forma de tener a la madre naturaleza contigo durante la batalla", explica.
La vestimenta, sencilla pero auténtica, del curandero indio, Hikuc, con sus vínculos con el pasado, conmovió a Arthur Redcloud. "Sentí como si la ropa que llevaba fuera una parte de mí y desarrollé un empatía emocional con ella. Un traje de ceremonia se agarra a ti cuando él quiere. Yo sentí que mi vestuario me había elegido y lo llevaba con gran honor y respeto", afirma, "no sólo por mí mismo o por la película, sino por mis antepasados".
Congelación, barbas y sangre: peluquería y maquillaje
La diseñadora de maquillaje Sian Grigg ha colaborado con Leonardo DiCaprio durante veinte años, desde que trabajaron por primera vez en la película Titanic, pero El Renacido (The Revenant) exigía el proceso de maquillaje más intensivo al que DiCaprio se hubiera sometido nunca. Desde el momento en que Glass es atacado por el oso, Grigg señala que se transforma en alguien casi irreconocible. "Nadie espera que Glass sobreviva, por lo que sus heridas tenían que parecer terribles", afirma. "Tienes que creer realmente que Glass posiblemente no viva, lo cual implicaba una asombrosa cantidad de maquillaje".
El proceso comenzó analizando lo que el ataque de un oso puede hacer a un cuerpo humano. Fue un trabajo de maquillaje particularmente dinámico; dado que Glass se empieza a curar lentamente y luego sufre nuevas heridas, su cara, su pelo y su piel cambian constantemente. Los cardenales derivados de las contusiones y las heridas infectadas de DiCaprio se transforman en todo un mapa de cicatrices.
"Debía mostrarse en pantalla todo lo que Glass padece", dice Grigg. "Pero el hecho de rodar en orden cronológico supuso una enorme ventaja para nuestro trabajo. Ello implicaba que efectivamente podíamos hacer todos los días sutiles cambios de maquillaje que reflejaran el estado físico de Glass".
Incluso antes del ataque, DiCaprio tenía que aparecer como un leñador que vive sin un espejo o un baño. El actor se dejó crecer una poblada y descuidada barba; y recibió una diaria capa de suciedad sobre rostro, cuerpo y uñas. Posteriormente, el cuerpo de DiCaprio fue cubierto con prótesis post-ataque, creadas por el diseñador de maquillaje de efectos especiales Duncan Jarmon. Fue un proceso minucioso, que implicaba esculpir, pintar y cubrir de pelo cada pieza individualmente. Cada una de las heridas tenía que verse en sus diferentes fases de recuperación, y asimismo debían ser susceptibles de poder cerrarse con hilo y aguja.
"No es habitual que el maquillaje sea tan fundamental para una historia como lo es aquí", dice Grigg. "Tener la oportunidad de contar parcialmente una historia a través del maquillaje es todo un regalo".
La peluquera de DiCaprio, Kathy Blondell, trabajó conjuntamente con Grigg. A base de mucha experimentación, Blondell logró dar con una mezcla de glicerina y arena que daba al pelo del actor la extraña textura de un hombre que no tiene medios para lavarse la sangre y quitarse la suciedad.
Mientras tanto, Robert Pandini, jefe del departamento de peluquería, se ocupaba del aspecto de los tramperos. "Probablemente sólo iban a un fuerte para asesarse cada pocos meses, así que la realidad era que tenían un montón de arena encima", dice Pandini. "Alejandro me pidió que proporcionara a cada trampero unos antecedentes. Algunos tenían quemaduras de pólvora que habían mermado su cabello por los lados; otros tenían piojos, así que se arrancaban trozos de pelo".
En cuanto a los personajes nativos americanos, Pandini les dejó el pelo suelto. "Les dejé el cabello muy natural y sencillo. Puede que no fuera fiel a la época para todas las tribus, pero el aspecto de su melena establecía un vínculo entre ellos", explica.
Graham Johnston, jefe del departamento de maquillaje, asumió el mismo mandato. "La sensación que daba toda la película era de mugre; era sucia, era real", resume. "En cada fotograma, se veía a cada personaje más castigado por las condiciones climáticas".
Sobreviviendo a 'El renacido'
Al rodar exteriores en Canadá y Argentina, con nieve, viento y, frecuentemente, a elevada altura, tanto reparto como equipo técnico de El Renacido (The Revenant) tuvieron que enfrentarse a remanentes de los mismos peligros y condiciones que afrontó la gente que habitaba la región de Dakota del Sur en 1823. Eso fue algo absolutamente deliberado que se hizo con el fin de disponer de una mayor y auténtica fuente de inspiración para contar la historia y para situar al espectador en el mismo centro de una tierra salvaje, que no es un parque, sino una zona llena de peligros mortales donde la supervivencia no está garantizada.
Vamos ahora a algunos "detrás de escena".
50 sombras negras
2016País Estados Unidos
Director: Michael Tiddes
Reparto: Marlon Wayans, Jane Seymour, Fred Willard, Mike Epps, Kali Hawk, Andrew Bachelor, Affion Crockett, Tina Grimm, Kate Miner, Alice Rietveld, Brad Schmidt,Karli Karissa
Parodia de 50 sombras de Grey.
Una buena receta
2015Duración 100 min.
País Estados Unidos
Director: John Wells
Reparto: Bradley Cooper, Sienna Miller, Omar Sy, Daniel Brühl, Matthew Rhys, Lily James,Uma Thurman, Alicia Vikander, Emma Thompson, Jamie Dornan, Sarah Greene,Riccardo Scamarcio, Christopher Heskey, Bernard Bullen, Chelsea Li, Sam Keeley
El chef Adam Jones (Bradley Cooper) lo tenía todo y lo perdió.
Un chef con dos estrellas Michelin es el “enfant terrible” de la escena gastronómica de París, pero tiene también sus malos hábitos y sólo intenta diferenciarse con el objetivo de lograr explosiones de sabor.
Para lograr la tercera estrella necesitará a los mejores asistentes, incluida la hermosa Helene (Sienna Miller).
“UNA BUENA RECETA” es una graciosa y emotiva historia sobre el amor por la comida, el amor entre dos personas y el poder de las segundas oportunidades.
JOHN WELLS – DIRECTOR
John Wells es director, escritor, productor ejecutivo y realizador. Nacido en Virginia, es conocido por su trabajo en las series “ER”, “Thrid Watch”, “The West Wing”, y “Shameless” y ha dirigido films como “The Company Men” y “August: Osage County”.
En 1999 y 2000 ganó el Premio Peabody por “The West Wing” y en 2001 una vez más por “In their own words” de “Tird Watch”. Ha sido nominado para 25 premios Emmy durante su carrera y ganó 6: Mejor Serie de Drama en 1996 por “ER”, Mejor Drama en 2000, 2001, 2002 y 2003 por “The West Wing” y Mejor Programa de Clase Especial en 2002 por “The West Wing Documental Especial”. También ha sido nominado a 6 Premios del Sindicato de Productores y ganó 3 por su trabajo en “ER” y “The West Wing”. Ganó también el Premio Vision en 2000 y el Premio a la Trayectoria en Televisión en 2005. Fue nominado siete veces al Premio del Sindicato de Escritores y ganó el Premio Diversity del Sindicato de Directores en 1997.
BRADLEY COOPER ES ADAM JONES
Adam Jones está de vuelta. Luego de que la sensación de la escena gastronómica de París tuviera una espectacular caída que sorprendió a la elite culinaria de la ciudad, se retiró al Sur de Estados Unidos donde, según ciertos rumores, pasó su tiempo cocinando ostras y volviendo a sus raíces.
Ahora en Londres, el chef ganador de dos estrellas Michelin intenta reconstruir su reputación con el debut de “Adam Jones” en el lujoso hotel Langham y ganar la tercera estrella que lo ha eludido por tanto tiempo.
Bradley Cooper es un actor que ha brindado algunas de las performances más memorables del cine en la última década. Cooper logró reconocimiento mundial por su rol en la trilogía “¿Qué pasó ayer?” (The Hangover), que ganó más de $1,4 billones a nivel global, y recibió nominaciones de la Academia por sus roles en “El lado luminoso de la vida” (Silver Linings Playbook- 2012), “Escándalo Americano” (American Hustle- 2013) y “Francotirador” (American Sniper – 2014).
MARCUS WAREING – CHEF Y CONSULTOR GASTRONÓMICO
Marcus Wareing es un chef inglés nacido en Southport cuyo padre era vendedor de frutas y papas. Luego de estudiar catering, en donde se destacó por sobre sus compañeros, fue recomendado para el Savoy. Trabajó en los más prestigiosos restaurantes del mundo, entre ellos La Gavroche de Michael Roux Jr., Point en New York, Grand en Amsterdam, Guy Savoy en Paris, y Aubergine, el primer restaurante de Gordon Ramsay.
Su dedicación le valió estrellas Michelin en L’Oranger y Savoy Grill. En 1999, se convirtió en el chef principal de Pétrus en el Hotel Berkeley, donde ganó 2 estrellas Michelin en 9 años. En 2014 el restaurante fue renombrado “Marcus at the Berkeley”.
Su meta era crear un restaurante que fuera una alternativa más relajada y menos formal pero ofreciendo platos de la más alta calidad. El concepto fue sumamente exitoso y le ganó dos estrellas Michelin. Desde entonces abrió dos restaurantes más: Gilbert Scott en St. Pancras y el más accesible “Tredwell’s”. Actualmente es uno de los jueces en el programa de BBC “Masterchef: The Professionals”.
SIENNA MILLER ES HELENE SWEENEY
Como una de las mejores sous chefs de Londres, Helen Sweeney está acostumbrada a la intensidad y al drama característico de las cocinas de los mejores restaurantes del mundo. Pero quizás nada pueda prepararla para el desafío de trabajar con Adam Jones, un chef temperamental tan notorio por su comportamiento exacerbado como por sus espectaculares talentos culinarios.
Cuando Jones decide que necesita la ayuda de Helene para ganar su tercera estrella Michelin, se vuelve claro que la cocina no es suficientemente grande para los dos. O en realidad sí..?
Nacida en Nueva York, Sienna Miller fue educada en Inglaterra y estudió drama en el Instituto Lee Strasberg de Nueva York. Ganó atención de los críticos y la audiencia al representar al interés romántico de Daniel Craig en “No todo es lo que parece” (Layer Cake), ganando una nominación al Premio Empire como mejor actor emergente.
Los créditos de Miller incluyen “Foxcatcher”, “American Sniper”, “Factory Girl”,”Casanova”, y “GI Joe: The Rise of Cobra”, que fue un gran éxito de taquilla en 2009 y por el cual fue nombrada actriz de reparto del año en CinemaCon.
OMAR SY ES MICHEL DIOME
Michel Diome era el “socio para el crimen” de Adam Jones durante su bien documentado reino en la escena culinaria de París, pero una serie de traiciones causaron un corte en la amistad que parecía no tener solución.
Sin embargo, Michel y Jones van a reunirse para la apertura de “Adam Jones” en Londres.
El rol definitorio de Omar Sy fue en “Amigos Intocables” (The Untouchables), una exitosa comedia dramática francesa que le ganó el Premio César como Mejor Actor. Desde entonces, Sy apareció en innumerables películas en Francia y Estados Unidos, como por ejemplo, “X-Men: Days of Future Past” y “Jurassic World”.
DANIEL BRÜHL ES TONY BALERDI
Como manager de Langham, Toni Balerdi es uno de los responsables de la más memorable experiencia gastronómica de Londres.
Cuando su viejo amigo Adam Jones aparece de la nada y ofrece convertir Langham en un restaurante de primera clase, Balerdi no sabe si ser parte de esta revolución culinaria y su falta de confianza se debe al errático y a veces, manipulador comportamiento de Jones.
Nacido en Barcelona, Daniel Brühl se hizo conocido en 2003 por el reconocidísimo film “Goodbye Lenin!” que le valió el Premio del Cine Europeo como Mejor Actor y el Premio del Cine Alemán como Mejor Actor. En 2007 fue visto en “The Bourne Ultimatum”. Posteriormente protagonizó varios films americanos como “Bastardos sin gloria”, “Rush, Pasión y Gloria”, “The Fifth Estate”, y “A Most Wanted Man”.
UMA THURMAN ES SIMONE FORTH
Simone Forth es una de las críticas de restaurantes más poderosas de Londres, y del mundo, así que obviamente ha oído de Adam Jones, uno de los chefs más notables y notorios de Europa.
El éxito de Jones depende de demostrarle a Forth que no es sólo un hombre cambiado, sino un chef cambiado, que puede expandir los límites de la cocina para lograr su tercera estrella Michelin.
Uma Thurman nació en Boston y a los 15 años se mudó a Nueva York para convertirse en modelo y actriz. En 1998 actuó en “Las aventuras del Baron Munchausen” de Terry Gilliam y en “Relaciones peligrosas” de Stephen Frears; que le ganó atención e interés. Fue su performance en la película de Quentin Tarantino “Pulp Fiction” de 1994 lo que la catapultó a estatus de súper estrella. Desde entonces, Thurman ha participado en numerosos films reconocidos y exitosos, incluyendo “Beautiful Girls”, “Gattaca”, “Kill Bill”, entre muchos otros.
EMMA THOMPSON ES LA DRA. HILDA ROSSHILDE
La reconocida psiquiatra Hilda Rosshilde ha ayudado a estrellas de cine, íconos pop y políticos a que obtengan y mantengan su sobriedad, pero nada en su pasado puede prepararla para Adam Jones.
Con la ayuda de la Dra. Rosshilde, Jones debe concentrarse en mantenerse sobrio mientras prepara el debut de su nuevo restaurante.
Emma Thompson fue, en los comienzos de su carrera, una exitosa actriz de teatro y televisión, donde participaba regularmente del show de comedia “Alfresco” junto a Stephen Fry y Hugh Laurie y tuvo un papel protagónico en el revival del musical de 1930 “Me and my girl”. Luego de su rol en la miniserie de BBC “Fortunes of War”, Thompson comenzó a concentrarse en su carrera cinematográfica que incluye “Henry V”, “Dead Again” y “Howards End”, por el cual ganó el premio Oscar como Mejor Actriz. Desde entonces apareció en decenas de films, entre ellos “The remains of the day”, “Sensatez y Sentimientos” (por el cual ganó el Oscar al Mejor Guión Adaptado), “Saving Mr. Banks”, la saga “Harry Potter”, “Love Actually” y la serie de HBO “Angels in America”.
MATTHEW RHYS ES MONTGOMERY REECE
Montgomery Reece es uno de los más experimentales y amados chefs de Europa. Su restaurante es conocido por romper barreras constantemente y ha ganado 3 estrellas Michelin. Su rival es Adam Jones y cuando él llega a Londres, debe prepararse para batirse a duelo. El ganador será la estrella de la escena gastronómica de Londres.
Nacido y educado en el sur de Gales, Matthew Rhys se ha establecido por sus aclamadas performances en televisión, cine y teatro. Por su rol como Philip Jennings en la serie de FX “The Americans” fue nominado al Premio de la Asociación de Críticos de Televisión en dos categorías distintas. Algunos de sus créditos son: “Love and Other Disasters”, “Virgin Territory”, “The Testimony of Taliesin Jones”,”Very Annie Mary”, “Peaches”, “Tabloid”, “The Edge of Love”, y “Deathwatch”. También protagonizó el drama de ABC “Brothers and sisters” y en los programas de BBC “The Lost World” y “The Mystery of Edwin Drood”.
Mis hijos
2014
Duración 105 min.
País Israel
Director: Eran Riklis
Reparto: Tawfeek Barhom, Ali Suliman, Yaël Abecassis, Razi Gabareen, Michael Moshonov,Daniel Kitsis, Marlene Bajali, Laëtitia Eïdo, Norman Issa, Khalifa Natour
- Sección Oficial Festival de Cine de Locarno 2014
- Película Inaugural Festival de Cine de Jerusalén 2014
"La mejor película de Eran Riklis desde La Novia Siria" - Variety
Notas de producción
Vivir en Oriente Medio es una cuestión de identidad. Todos los que somos de aquí tenemos una larga historia a nuestras espaldas, luchas por la tierra, fronteras espirituales y religiosas, miedos, terror, momentos de gracia, esperanza y odio que han dividido a la gente y las naciones de aquí por mucho tiempo. Independientemente que te despiertes en Tel Aviv, Damasco, Jerusalén, El Cairo o Tira – la ciudad en la que nace nuestro protagonista – te tienes que enfrentar con quien eres, con lo que crees y con el lugar en el que quieres verte el día de mañana, preguntas que no son fáciles de responder y aún menos fáciles de vivir con ellas.
Eyad es palestino e israelí, es musulmán y judío, nació y creció en una típica ciudad árabe y su juventud la pasa en una escuela judío-israelí de Jerusalén: liberado u ocupado dependiendo de quién seas y de la identidad que tengas. Eyad está constantemente a la fuga – de quien es, de quien se supone que es, de lo que se espera de él. Un hombre, un hombre joven que huye, que se encuentra en un viaje de autodescubrimiento que nos lleva a embarcarnos en él y explorar las aspiraciones suyas y las nuestras, nuestra identidad, nuestras luchas diarias, nuestros miedos y nuestras esperanzas.
El alma de un “dancing arab”, siempre saltando de quien es a quien realmente quiere ser, conecta con mis miedos, con mi alma como israelí que forma parte de esta tierra, parte de esta gente y que aún no está seguro de cómo y dónde quiere estar. Conecta con el sentido de soledad que todos tenemos y con nuestro enorme deseo de sobrevivir cumpliendo nuestros sueños, cumpliendo los sueños de los demás, consiguiendo objetivos, o no cumpliéndolos, bailando.
Esta película es como un baile lento, quizás tradicional, un baile a través de esa vida en la que todos estamos embarcados – y en la que nos encontramos en la pista de baile solos o rodeados de nuestros seres queridos. Y como en un baile lento, se rodó acorde a ello, de una manera pedante, observadora, dinámica y llena de pasión. Contada a través de los ojos de un niño pero desde la perspectiva de un adulto.
Eran Riklis
Entrevista con Eran Riklis
P: Para explicar la película al público del Festival de Locarno dijo que en muchos aspectos DANCING ARABS es una historia muy italiana.
R: Sí, pero en el sentido de Mediterránea. España, el sur de Francia, Italia y el Medio Oriente viven de un modo similar. A pesar de todo siguen siendo optimistas. Quería que la primera parte de esta historia fuera más ligera e irónica, que el público se relajase. Luego quería pasar de la risa a la sonrisa y, a partir de ahí, a temas más serios, incluso trágicos.
P: A pesar de las claras intenciones de la cinta, a la hora de gestar el proyecto usted tomó algunas de las decisiones basándose en el instinto.
R: Tanto adaptar la novela como elegir al protagonista lo han sido. Al leer el texto autobiográfico de Sayed Kashua supuse que iba a ayudarme a contar las cosas que quería contar, como aplicar algo de comedia a la película, algo que no había hecho últimamente en mi carrera. Cuando Tawfeek Barhom se presentó al casting para ser el protagonista me dijo que me conocía desde que era niño, aunque yo no lo supiera. Yo había rodado hace años una película en su ciudad natal, un pequeño pueblo árabe, y él había visitado el set. Allí decidió que quería ser actor. Además, su biografía comparte algunas similitudes con las de Sayed y su físico también me ayudaba. Para esta historia necesitaba a alguien que fuera árabe pero que pudiera pasar por judío.
P: Cuando usted fue candidato a los Premios del Cine Europeo al mejor guion por LOS LIMONEROS dijo que una de las grandezas de esta industria era que se hacía en ella "cine que conciencia".
R: El cine europeo está más ocupado en mostrar en sus historias asuntos políticos que interesan fuera de sus fronteras. Yo adapto parte de esa tradición a mi cine, aunque también utilice los resortes narrativos propios de la industria estadounidense para acercar el relato a más gente, como ocurre en Dancing Arabs.
P: La cinta, precisamente por su argumento, estaba pensada para inaugurar la reciente edición del Festival de Cine de Jerusalén, pero no ocurrió así.
R: La guerra lo impidió. Se iba a estrenar en una proyección similar a la de la Piazza Grande de Locarno, pero el estallido del conflicto hizo que no se pudieran celebrar eventos tan multitudinarios y decidimos esperar unos días, pensando que las hostilidades pararían en unos días. Por desgracia eso no ha ocurrido, así que preferimos realizar una proyección normal y corriente antes de que acabara el certamen. He de decir que Locarno, ante miles de personas al aire libre, es un sustituto perfecto.
P: ¿Cree entonces que el cine puede aportar algo positivo a los conflictos de Oriente Medio?
R: Considero que, al margen del conflicto entre árabes e israelíes, al mundo le importa muy poco lo que ocurre en el resto de Oriente Medio. Por eso creo que, al igual que el cine europeo, esta industria cinematográfica debería convertirse en un cine de concienciación. No se trata de dictar lo que el espectador tiene que pensar, pero sí que como cineastas digamos a quien está al otro lado de la pantalla: "Esto es lo que sé. Aquí te lo muestro. Ahora toma tus propias decisiones".
Biofilmografía de Eran Riklis
Eran Riklis es uno de los cineastas israelís más aclamados con una carrera de más de treinta años como director, escritor y productor.
Su anterior película ZAYTOUN tuvo su premiere mundial en el Festival Internacional de Toronto en 2012. Protagonizada por Stephen Dorff, la película es una coproducción de Israel con Francia y el Reino Unido producida por el oscarizado Gareth Ellis-Unwin (El Discurso del Rey). La película ha pasado por festivales de cine como el de Río o Londres.
PLAYOFF, coproducción de Israel con Francia y Alemania, rodada en localizaciones de Alemania, está protagonizada por Danny Houston, en el papel del entrenador de baloncesto Ralph Klein. La película estuvo en competición en el Festival de Cine de Montreal de 2011 donde obtuvo el premio al Mejor Actor protagonista.
EL VIAJE DEL DIRECTOR DE RECURSOS HUMANOS, coproducción de Israel con Francia, Alemania y Rumanía, se rodó en Jerusalén y Rumanía, ganó cinco premios de la Academia de cine israelí (entre ellos mejor película y mejor director) y fue la candidata por su país para los Oscar. La película también ganó el Premio del Público en el Festival de Locarno.
Riklis obtuvo reconocimiento internacional con LOS LIMONEROS en 2008, premio del público tanto en el Festival de Berlín como en San Sebastián y estrenada en todo el mundo.
LA NOVIA SIRIA ganó 16 premios internacionales incluyendo el de mejor película en Montreal y el premio del público en el Festival de Cine de Locarno. Estuvo financiada por los mismos patrocinadores que LOS LIMONEROS y coproducida por Francia y Alemania.
Entre sus anteriores películas encontramos CUP FINAL (1992) presentada en el Festival de Venecia y Berlín entre muchos otros, ZOHAR (1993) el mayor éxito de taquilla en Israel en los años 90 (la trágica historia del icónico cantante Zohar Argov), TEMPTATION (2002) basada en el bestseller israelí escrito por Ram Oren, VULCAN JUNCTION (2009), una nostálgica película de rock and roll ambientada en 1973, unos días antes de la guerra de Yom Kippur, y ON A DAY YOU CAN SEE DAMASCUS (1984) un thriller político rodado al graduarse en la Escuela Nacional de Cine de Inglaterra.
Riklis ha producido películas como THREE MOTHER (2006), BURNING MUKI (2008) y los 26 episodios de la serie de televisión ROOM SERVICE (2008/2009) creada por el propio Riklis. Ha creado y dirigido también para la televisión la serie THE TRUCK (2005, 13 episodios) y muchas otras producciones para la pequeña pantalla. También ha dirigido alrededor de 300 anuncios publicitarios y varias películas promocionales tanto en Israel como en el Reino Unido.
Riklis, licenciado en la Escuela Nacional de Cine de Beaconsfield, Inglaterra (1982) estudió también en el departamento de cine de la Universidad de Tel Aviv (1975-77). Casado con la también directora de cine Dina Zvi-Riklis es padre de dos hijos: Tammy (periodista) y Yonatan (músico de jazz).
Sayed Kashua: Novelista y guionista
Sayed Kashua nació en 1975 en la ciudad árabe de Tira en Israel. Con 15 años Sayed fue admitido en la Academia de las Artes y las Ciencias de Jerusalén, uno de los pocos estudiantes palestinos que estudiaban allí en aquella época. Tras graduarse estudió Sociología y Filosofía en la Universidad Hebrea donde conoció a la que sería su esposa. Terminados sus estudios universitarios comenzó trabajando como periodista para un periódico local, y tras escribir artículos también para revistas, Sayed pasó a las críticas televisivas e incluso a tener su propia columna satírica.
En 2002 publicó su primer libro Dancing Arabs, que se convirtió en un best seller y fue traducido a varios idiomas. En 2004 llegó su segundo libro Let it be morning. En 2010 Sayed Kashua vió como su tercer libro se publicaba, Second Person Singular, por el que ganó el premio Bersntein 2011.
Kashua fue el creador de la popular sitcom televisiva Arab Labor que llegó por primera vez a la televisión en el año 2007 en el Canal 2 de la televisión israelí. La serie muestra las relaciones entre árabes y judíos en Israel y está en parte basada en las columnas semanales de Karsua en el periódico “Haaretz” a la par que en sus historias y experiencias personales.
En la mente del asesino
2015Duración 101 min.
País Estados Unidos
Director: Afonso Poyart
Reparto: Anthony Hopkins, Colin Farrell, Jeffrey Dean Morgan, Abbie Cornish, Xander Berkeley, Janine Turner, Marley Shelton, Kenny Johnson, Jose Pablo Cantillo,Angela Kerecz, Sharon Lawrence, Autumn Dial
Tomémonos un tiempo para escuchar a los protagonistas.
La casa del fin de los tiempos
2013
Duración 97 min.
País Venezuela
Director: Alejandro Hidalgo
Reparto: Ruddy Rodríguez, Gonzalo Cubero, Rosmel Bustamante, Guillermo García, Adriana Calzadilla, José León, Héctor Mercado, Yucemar Morales
Dulce es una madre de familia que tiene encuentros aterradores con apariciones
en su vieja casa, lugar donde se desata una terrible profecía. Treinta años
después, Dulce, convertida en anciana, regresa a la casa para descifrar el misterio
y la tragedia que tanto la han atormentado.
PREMIOS Y FESTIVALES
Mejor Película – Screamfest Horror Film Festival – Los Ángeles
Mejor Director– Screamfest Horror Film Festival – Los Ángeles
Calavera de Bronce Mención Honorífica – Mórbido Film Fest – Puebla México
Mejor Película Iberoamericana – Rojo Sangre Film Fest – Buenos Aires.
Mejor Actuación Iberoamericana (Ruddy Rodríguez) – Rojo Sangre Film Fest – Buenos Aires
Premio Único del Público a la Mejor Película – Venezuelan Film Festival – New York
Mejor Película – Festival Binacional de Cine Colombia – Venezuela
Mejor Director – Festival Binacional de Cine Colombia – Venezuela
Mejor Actor – Festival Binacional de Cine Colombia – Venezuela
Premio del Público – Festival de Cine Venezolano – Mérida
Mejor Fotografía – Festival de Cine Venezolano – Mérida.
Mejor sonido – Festival de Cine Venezolano – Mérida
Premio del Jurado a mejores actores infantiles – Festival de Cine Venezolano – Mérida
Mejor sonido – Festival entre largos y cortos de Oriente (ELCO) – Puerto La Cruz
Mejor Música – Festival entre largos y cortos de Oriente (ELCO) – Puerto La Cruz
SELECCIÓN EN FESTIVALES INTERNACIONALES
Selección Oficial – Oporto Internacional Film Festival “Fantasporto” – Oporto (2014)
Selección Oficial -Fantasia International Film Festival – Montreal (2014)
Selección: Discovery – Frightfest – Londres (2014)
Selección Oficial – Brussels Fantastic Film Fest – Bruselas (2015)
Selección: Fresh Blood / Wettbewerb -Fantasy Filmfest – Alemania (2014)
Seleccio´n Oficial – L’Etrange – París (2014)
Selección Oficial – Mayhem Film Festival – Reino Unido (2014)
Selección Oficial – Films From The South – Noruega (2014)
Selección Oficial – Morbido Fest – Panama´ (2014)
Selección Oficial – Abertoir Wales Intl Horror Festival – Gales (2014)
Selección Oficial – Latin Film Fest – Australia (2014)
Selección Oficial – Zinema Zombie Fest – Colombia (2014)
Selección Oficial – Puerto Rico Horror Film Fest – Puerto Rico (2014)
Selección Oficial – Festival de cine Latinoamericano y Caribeño – Margarita Venezuela
Acerca de los logros comerciales
La Casa del Fin de los Tiempos fue la sexta película más taquillera de toda
Latinoamérica del año 2013. Fecha en la que se estrenaron más de 450
largometrajes.
La película alcanzó la cifra de 623.537 espectadores en Venezuela durante 41
semanas ininterrumpidas en cartelera con una recaudación de más de 4.500.000
USD, posicionándose como el largometraje venezolano más visto en el 2013
La Casa del Fin de los Tiempos es la primera película de género Suspenso/Terror
producida en Venezuela y la más vista de todos los tiempos en el país, superando
a títulos internacionales como Sexto Sentido, Los Otros y El Conjuro.
Acerca del director :
ALEJANDRO HIDALGO – Director/Productor/Escritor
Alejandro Hidalgo (1984), egresado de la Universidad Santa María, como Comunicador Social, mención
Audiovisual (2008), se dedica a la producción y dirección de cortometrajes independientes:
El Cumpleaños de un pordiosero (2006), Luz Bella (2007) y El Milagro en la Oscuridad (2009), obras que
son exhibidas en las salas de la Cinemateca Nacional, y se muestran a través de canales
de cable en Norteamérica, Centroamérica y Sudamérica.
Alejandro Hidalgo participa en más de 20 talleres especializados (de producción,
arte, fotografía y dirección de cine) con reconocidos cineastas venezolanos. En
2011 recibió clases de guión de Robert Mckee.
Al joven director Alejandro Hidalgo, le llevó más de dos años escribir el guión de
La Casa del Fin de los Tiempos, la primera película venezolana de suspenso y
terror. El proyecto fue financiado por el Centro Nacional Autónomo de
Cinematografía (CNAC) con el aporte de Empresas privadas de producción
audiovisual. La película fue filmada en la ciudad de Caracas- Venezuela, se
produjo en cine digital con la cámara RED ONE con óptica de cine.
Nota del director
“La Casa del Fin de los Tiempos es una historia que además de estar cargada de suspenso de principio a fin,
viene acompañada de grandes giros y revelaciones medio de un drama humano y conmovedor”.
Alejandro Hidalgo
Notas de prensa
ARTÍCULO por Ultimas Noticias
“La Casa del fin de los Tiempos” fenómeno de taquilla
“La Casa del fin de los Tiempos” fenómeno de taquilla “La Casa del Fin de los Tiempos” ha recaudado más de 4.000.000 de dólares en
taquilla, convirtiéndose en la película venezolana más taquillera del 2013. Tras cinco meses de éxito rotundo, “La Casa del Fin de los Tiempos”, es la
primera película de suspenso/terror venezolana, protagonizada por Ruddy Rodríguez, Guillermo García y Gonzalo Cubero y dirigida por Alejandro Hidalgo,
que ha llevado a más de 575.000 espectadores a las salas de cine a nivel nacional superando la marca del exitoso largometraje venezolano “Azul y no tan Rosa” de
Miguel Ferrari, la cual tuvo en su momento 566.084 espectadores. Según datos oficiales del portal internacional www.boxofficemojo.com, “La Casa
del Fin de los Tiempos” ha recaudado más de 4.000.000 de dólares en taquilla, convirtiéndose no solo en la película venezolana más taquillera del 2013, sino en
la más taquillera de todos los tiempos.
Es importante resaltar que la cinta ha sido la más vista en nuestro país ante otros importantes estrenos internacionales como “El Conjuro”, “Guerra Mundial Z”, “Qué
paso ayer 3”, entre otros. La próxima meta, de esta exitosa cinta, es alcanzar los 590.000 espectadores, cifra con la que superaría a la película “Sexto Sentido” de
M. Night Shyamalan para así convertirse en la película de suspenso más taquillera estrenada en nuestro país.
Aún la película puede ser disfrutada en las siguientes salas del país: Caracas(Millenium y Metrocenter), Barquisimeto (Sambil Barquisimeto y Metropolis),
Cumaná (Marina Plaza), Coro (Costa Azul). Según palabras de su director, Alejandro Hidalgo, “La casa del fin de los tiempos: “Es una película que además
de venir cargada de suspenso de principio a fin, viene acompañada de grandes revelaciones y giros en medio de un drama humano y conmovedor. Una historia
que no solo les congelará el aliento, sino que les arrancará el corazón”.
http://www.ultimasnoticias.com.ve/noticias/chevere/espectaculos/la-casa-del-fin-de-los-tiemposfenomeno-de-taquill.aspx
ARTÍCULO por Alfonso Molina: reconocido periodista Venezolano, publicista y
crítico de cine. Miembro del Liderazgo y Visión.
Volver al Pasado, Sentir el Futuro
La ópera prima de Alejandro Hidalgo posee rasgos muy particulares que la distancian del conjunto del cine nacional. Concebida como drama de suspenso
extrasensorial, La casa del fin de los tiempos explora los paradigmas de ese género tan específico, a menudo confundido con el cine de terror. Elabora una
trama más cercana a la dimensión paralela de Sexto sentido (1991), de M. Night Shyamalan, y de Los otros (2001), de Alejandro Amenábar, que a la maldad
demoníaca de La noche de los muertos vivientes (1968), de George Romero, y de El exorcista (1973), de William Friedkin, por solo nombrar algunos clásicos
relativamente recientes. Su núcleo dramático se ubica en la tragedia de Dulce, una madre que no solo siente apariciones no convencionales en la vieja casona donde
vive con su esposo e hijos sino que sufre una pérdida íntima e intransferible que la
conduce por los laberintos del tiempo.
La vieja lucha entre lo inevitable y la necesidad de cambiar la historia se pone de manifiesto a través de una trama que
se desdobla poco a poco hasta un final revelador, en medio de atmósferas oscuras e ignotas, llenas de misterios y situaciones extremas. El debut de
Hidalgo en el largometraje marca una ruta distinta en nuestra producción y acaba de ganar el Premio del Público en el reciente Festival del Cine Venezolano, en
Mérida.
Este nuevo realizador asumió la responsabilidad del guión, la dirección y la producción general del film, con el respaldo de profesionales de larga trayectoria
como Cezary Javorski en la fotografía y de Josué Saavedra y Jacinto González en el sonido. No en balde ambas categorías resultaron triunfadoras en el FCV.
También se apoyó en la experiencia de José Ernesto Martínez y César Rivas en la producción ejecutiva, de Judilam Goncalves y Miguel Ángel García en el montaje,
de Evadne Mullings y Daniela Hinestroza en la dirección de arte y del argentino Alex Mathews en el maquillaje. Para mayor seguridad, buscó a Ruddy
Rodríguez y Gonzalo Cubero para interpretar los personajes principales y completó el elenco con los niños Rosmel Bustamante y Héctor Mercado, sin contar
a Guillermo García, otro triunfador del FCV. Tuvo la inteligencia y la sensatez de rodearse de probados colaboradores para afrontar este desafío. Esto le permitió
concentrarse en la historia y la manera de contarla.
Hidalgo definió dos momentos dramáticos separados por treinta años y los desarrolló a través de lo que podría llamarse el presente (o el futuro, según se
mire), en 2011, y lo que sucedió en el pasado (o el presente) el 11 de noviembre de 1981. La historia comienza en esta fecha, cuando Dulce se encuentra en una
situación sangrienta y desconocida, y reaparece tres décadas más adelante, con el retorno de una Dulce anciana a la misma casa para averiguar lo que sucedió.
Ambas líneas dramáticas se cruzan constantemente y van construyendo unrompecabezas de secretos en el que intervienen Juan José, su esposo, y sus dos
hijos Leopoldo y Rodrigo. Más allá de los detalles y las situaciones de la trama, que desde luego no voy a revelar, la película se arma como una investigación que
va mezclando tiempos y personajes, con la ayuda de un sacerdote, hasta arribar a una conclusión imposible de evadir. Su estructura narrativa es compleja y exige
cierta atención, pero las piezas encajan apropiadamente y definen el dilema de su historia: volver al pasado y sentir el futuro.
La casa del fin de los tiempos alcanza su cometido, en la medida en que logra sumergir al espectadores en el clima dramático de la historia a través de un
suspenso bien dosificado, de un adecuado manejo de los tiempos y de una propuesta de iluminación fundamentada en la oscuridad, los claroscuros y los
contrastes, al estilo del expresionismo alemán de Nosferatu (1922) de Friedric Wilhem Murnau o de M, el vampiro de Düsseldorf (1931) de Fritz Lang.
En este sentido, el guión de Hidalgo. la dirección de arte de Mullings e Hinestroza y la fotografía de Javorski son fundamentales pues juegan con el
espacio y el tiempo, con las atmósferas y con las ausencias. La banda sonora adquiere una importancia determinante, gracias al sonido de Saavedra y González
y la música de Yoncarlos Medina. Lo sobrenatural, lo inexplicable, lo ajeno al razonamiento científico van atrapando al público de una forma no forzada.
El espectador acepta la historia aunque al principio no la comprenda. El elenco contribuye a crear esa atmósfera de suspenso, especialmente las actuaciones de
Rodríguez y Cubero, los adultos que desencadenan la trama, quienes brindan credibilidad a sus roles. Como aspecto a resaltar, el maquillaje de Mathews
transforma el personaje de Dulce en una anciana, aunque el peso recae verdaderamente en la interpretación de Rodríguez, muy completa, asumida desde
adentro del personaje.
Es evidente que el director ha estudiado los clásicos del género pues sabe reproducir sus climas dramáticos y estéticos con visión propia. A ratos el film
recuerda Los otros, especialmente por una escena con una sábana y por la investigación que inicia el sacerdote sobre los antiguos moradores de la casa,
pero luego busca su camino particular. También me recordó Otra vuelta de tuerca, la celebre novela de Henry James, publicada en 1898, cuya trama se sitúa en una
casona donde se manifiestan apariciones y personajes del pasado.
Digamos que es imposible escapar de los paradigmas del suspenso sobrenatural. Lo fundamental de La casa del fin de los tiempos se halla en el acertado manejo de
los tiempos. Hidalgo demostró su pericia narrativa en este tipo de cine tan difícil. Lo único que echo en falta es la ausencia de vínculos con la realidad cultural,
social o policial venezolana. Su historia (hablada en español) puede suceder en Caracas, Ciudad de México, Buenos Aires o la propia Madrid.
Si Dios quiere
2015Duración 87 min.
País Italia
Director: Edoardo Maria Falcone
Reparto: Marco Giallini, Alessandro Gassman, Laura Morante, Ilaria Spada, Edoardo Pesce,Enrico Oetiker, Carlo De Ruggeri, Giuseppina Cervizzi, Alex Cendron, Fabrizio Giannini, Silvia Munguia
Tommaso, un cardiólogo de fama, es un hombre de firmes creencias ateas y liberales. Está casado y tiene dos hijos. Uno de ellos, Andrea, prometedor estudiante de medicina, revoluciona a la familia cuando les anuncia que quiere hacerse cura.
GANADORA PREMIO DAVID DI DONATELLO
MEJOR OPERA PRIMA
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