Spectre
Reino Unido
148 minutos
Año: 2015
Daniel Craig, Christoph Waltz, Monica Bellucci, Léa Seydoux, Ralph Fiennes,Naomie Harris, Rory Kinnear, Ben Whishaw, Dave Bautista, Andrew Scott, Jesper Christensen, Stephanie Sigman
Un críptico mensaje del pasado lleva a James Bond a una misión clandestina en México D.F. y finalmente a Roma, donde conoce a Lucía Sciarra (Mónica Bellucci), la bellísima aunque prohibida viuda de un perverso criminal. En el extranjero, Bond se infiltra en una reunión secreta y descubre la existencia de una siniestra organización conocida como SPECTRE.
Mientras tanto en Londres, Max Denbigh (Andrew Scott), el nuevo director del Centro Nacional de Seguridad, cuestiona las acciones de Bond y pone en duda la importancia del MI6, dirigido por M (Ralph Fiennes). Bond recluta en secreto a Moneypenny (Naomie Harris) y a Q (Ben Whishaw) para ayudarlo a encontrar a Madeleine Swann (Léa Seydoux), la hija del que fuera su archienemigo el Sr. White (Jesper Christensen), de quien sospechan tiene la pista para desenmarañar la red de SPECTRE. Al ser hija de un asesino, Madeleine entiende a Bond de una manera en la que muy pocos pueden hacerlo.
Al adentrarse en SPECTRE, Bond descubre una espeluznante conexión entre sí mismo y el enemigo al que busca, interpretado por Christoph Waltz.
EON Productions de Albert R. Broccoli presenta a Daniel Craig como James Bond 007, de Ian Fleming, en SPECTRE. Coprotagonizada por Christoph Waltz, Léa Seydoux, Ben Whishaw, Naomie Harris, Dave Bautista, con Monica Bellucci y Ralph Fiennes como "M". Diridiga por Sam Mendes. Producida por Michael G. Wilson y Bárbara Broccoli. Guión de John Logan, Neal Purvis & Robert Wade y Jez Butterworth. Historia de John Logan y Neal Purvis & Robert Wade. Productor Ejecutivo, Callum McDougall. Director de Fotografía, Hoyte Van Hoytema, F.S.F. N.S.C. Director de Producción, Dennis Gassner. Montador, Lee Smith A.C.E. Diseñadora de Vestuario, Jany Temime. Música de Thomas Newman. Coproductores, Daniel Craig, Andrew Noakes y David Pope. Incluye el tema Writing's on the wall interpretado por Sam Smith.
SPECTRE ha sido clasificada como no recomendada para menores de doce años o "PG-13" por la Asociación Cinematográfica de Estados Unidos por las intensas secuencias de acción y violencia, imágenes perturbadoras, sensualidad y lenguaje soez.
Cuando EON Productions de Albert R. Broccoli, los estudios Metro-Goldwyn-Mayer y Sony Pictures Entertainment abordaron la vigésimo cuarta entrega de James Bond, los realizadores tuvieron interés en que la película siguiera la línea de su antecesora Skyfall, un éxito a nivel mundial que recaudó más de mil millones de dólares. Por supuesto, Daniel Craig vuelve a ponerse por cuarta vez en la piel del 007. Asimismo los personajes de Q (interpretado por Ben Whishaw) y Moneypenny (Naomie Harris) regresan tras su reincorporación a la saga en Skyfall, además del retorno del nuevo M (Ralph Fiennes).
La oportunidad de explorar todas las historias de estos personajes fue de suma importancia para Sam Mendes, que se sienta por segunda vez en la silla del director. El ganador del Oscar® afirma: "Para mí todo comienza con los personajes y quería explorar toda clase de aspectos diferentes de estos que dejé atrás en Skyfall. Hemos poblado el MI6 con toda una nueva generación de personas: un nuevo M, una nueva Moneypenny y un nuevo Q. Quería que esas relaciones crecieran y se desarrollaran".
Para el actor Daniel Craig, el cometido de SPECTRE era aún más simple. "Queríamos que fuese mejor que Skyfall", afirma. "Así de claro. No teníamos otra elección; teníamos que ser más grandes, mejores. Con Skyfall pusimos algo en marcha y queríamos ir más allá, experimentar un poco más".
Bond rejuveneció al final de Skyfall. "Tuvo una sensación de nuevos comienzos", continúa Mendes, y esto tuvo un gran impacto en SPECTRE. En la nueva película, el agente secreto más famoso del mundo es un personaje muy dinámico que controla su propio destino. Desde el principio tiene una misión precisa y nada ni nadie se interpondrá en su camino.
"En Skyfall la tendencia de Bond fue la de limitarse únicamente a reaccionar ante las circunstancias", explica Mendes. "En la primera secuencia estaba persiguiendo a alguien al estilo de siempre, pero recibe un disparo incluso antes de que los créditos aparezcan y durante el resto de la película va un paso por detrás de Silva, el personaje de Javier Bardem. Podría decirse que fracasó al final de Skyfall. No salvó a M y, aunque la muerte de Silva fue una victoria para Bond, hubo otros elementos que fracasaron. Es por eso que con SPECTRE quise darle una oportunidad para redimirse".
Michael G. Wilson y Bárbara Broccoli de EON Productions, productores de la franquicia durante muchos años, están de acuerdo. "Creo que esta película trata principalmente del empoderamiento de Bond", afirma Broccoli, "y Daniel interpreta al personaje con tal honestidad que realmente podemos sentir por lo que está pasando, tanto emocional como físicamente".
La naturaleza dinámica de Bond ha dado a los realizadores mucho margen en lo que respecta a ideas narrativas y a los exteriores. En la película, un enigmático mensaje del pasado lleva a James Bond a una misión misteriosa en México D.F. y finalmente a Roma, donde conoce a Lucía Sciarra (Mónica Bellucci), la bellísima aunque prohibida viuda de un perverso criminal. En el extranjero, Bond se infiltra en una reunión secreta y descubre la existencia de una siniestra organización conocida como SPECTRE.
Esta infame organización ha aparecido previamente en otras seis películas de Bond –Agente 007 contra el Dr. No, Desde Rusia con amor, Operación Trueno, Sólo se vive dos veces, Al servicio secreto de su majestad y Diamantes para la eternidad– introduciendo una larga lista de villanos. Sin embargo, el filme más reciente muestra a la organización reinventada para el siglo XXI.
"Lo que hacemos es interpretar una especie de mito de la creación", afirma Mendes. "No nos mantenemos fieles a ninguna versión previa de la historia de SPECTRE. Creamos la nuestra. Nuestro filme es una manera de redescubrir a SPECTRE y al súper villano, adaptándolo para esta generación".
Craig coincide. Según el actor, "la inclusión de SPECTRE en la película nos abre muchos caminos para explorar. Contar con esta organización nos permite ser tradicionales y a la vez incorporar algo muy nuevo".
Los realizadores también están entusiasmados con el desarrollo argumental del MI6. Mientras Bond descubre más sobre SPECTRE tiene que lidiar además con problemas en casa. En Londres, Max Denbigh (Andrew Scott), cuyo nombre en clave es C, ha sido designado director del Centro Nacional de Seguridad y cuestiona la importancia del MI6.
"Hay una corriente de pensamiento en la película que cree que, en lo referente a seguridad nacional, todo debería estar centralizado, que deberíamos depender casi enteramente de la vigilancia y dejar a los drones hacer nuestro trabajo sucio en el exterior", afirma Mendes. "Es por ello que C se pregunta si es necesario enviar personas al campo de batalla. Por eso el MI6 está en riesgo, en especial la Sección 00".
Con el MI6 bajo amenaza de desaparición, 007 se asegura la ayuda de Q y Moneypenny, y se embarca en una misión que le lleva a una multitud de localizaciones, algunas de las cuales no había visitado nunca antes. Mendes explica "ya que Bond está mucho más comprometido en su propio viaje, fuimos capaces de jugar con muchas localizaciones diferentes. Hay mucha más variedad y un mayor desplazamiento físico y geográfico en esta película que en Skyfall".
"No pudimos hacerlo así en la película anterior", añade, "porque el rodaje transcurrió principalmente en Londres. Es cierto que hubo secuencias en Shanghái y Estambul, pero la segunda mitad del filme transcurrió casi por completo en Londres y Escocia".
En SPECTRE los realizadores pudieron acercarse un poco más a los filmes clásicos de Bond."Pudimos trabajar con un estilo ligeramente distinto al de las otras películas de Bond que he hecho", afirma Craig. "Esta película es muy individual, pero también recuerda en cierta manera a lo ocurrido en las películas de Bond de los años sesenta y setenta".
Mendes cuenta que SPECTRE evoca a las películas clásicas de Bond en lo referente a los coches, el tono, la iluminación e incluso el corte del traje que lleva 007. "Además, quería recuperar algo de ese glamour de la vieja escuela con aquellos exteriores fantásticos, de otro mundo. Quería llevarlo al extremo".
Los realizadores quisieron sumergir a Bond en un majestuoso festival en una ciudad latinoamericana. "Y no hay nada más espectacular que el Día de los Muertos en México D.F.", comenta Mendes.
En efecto, los productores consideran la secuencia del Día de los Muertos como una de las más importantes de sus respectivas carreras. "Aunque llevamos más de 35 años trabajado en las películas de James Bond, ambos sentimos que la secuencia inicial de SPECTRE fue algo majestuoso de contemplar y que marca el tono de una cinta excepcional", afirma Michael G. Wilson.
"Cuando el público vea estas escenas presenciará el buen cine de la vieja escuela representada a una escala gigantesca. Las escenas mexicanas son sin duda impresionantes".
Broccoli añade, "la secuencia del Día de los Muertos sirve de recordatorio de lo que una película de Bond puede conseguir. Allí estábamos, en medio de una capital extranjera, con miles de extras caracterizados extraordinariamente y un equipo de especialistas de categoría mundial grabando escenas de vértigo. Esa es una de las razones por las que sentimos que SPECTRE supone un momento muy especial en la saga Bond".
Pero eso no es todo. Los realizadores querían cambiar el clima, de cálido a frío, y regresaron a la nieve por primera vez desde Muere otro día, en 2002. "Hemos rodado varias secuencias espectaculares en la nieve", recuerda Wilson.
Bond ha rodado seis aventuras anteriores en medio de paisajes nevados: Al servicio secreto de su majestad, La espía que me amó, Panorama para matar, Alta tensión, El mundo nunca es suficiente y Muere otro día.
"Y éramos muy conscientes de lo que habíamos hecho en todas estas películas", continúa Wilson. "Aquello supuso que quisiéramos hacer algo distinto a usar trineos de competición o cualquier otro deporte de invierno habitual. De ahí que tuviéramos una persecución diferente, con aviones y todoterrenos".
Los realizadores también quisieron enviar a Bond a una de las ciudades con mejor iluminación nocturna de Europa. Según Sam Mendes, la elegida fue Roma por "la historia y una atmósfera de oscuridad y aprensión, especialmente reflejada en la arquitectura fascista de los años veinte y treinta, donde se respira algo oscuro e intimidante".
Al desarrollar el elemento romántico de la película, los realizadores optaron porque la relación más íntima de Bond floreciera al norte de África, en Tánger y en el desierto del Sáhara. "Si buscas un increíble paisaje inmenso, esa sensación de vacío, ¿dónde mejor que en el Sáhara?", pregunta Mendes. "Con todas estas localizaciones logras tonos bastante diferentes y extremos a la vez".
Y ninguna película de Bond estaría completa sin una escena rodada en Londres. Según Mendes, "el desafío fue intentar hallar una manera de rodar en Londres que fuese fresca, novedosa y al mismo tiempo una continuación de Skyfall. Intentamos encontrar una forma de visualizar exteriores y lugares familiares en Londres desde una perspectiva diferente, y creo que dimos con formas estupendas de hacerlo".
"Estas cinco localizaciones dan una pista del motivo por el que la película fue tan difícil de lograr a nivel técnico", continúa, "y explican por qué ha sido tan largo el rodaje y tan agotadora e implacable la película en la consecución de sus objetivos. Pero en mi opinión, hemos conseguido algo muy especial".
Asimismo, ninguna película de Bond estaría completa sin un tema exclusivo. Los realizadores estuvieron encantados de contar con el artista multi-platino Sam Smith para componer el tema principal de la película, "Writing’s On The Wall", junto al ganador del Grammy, Jimmy Napes.
Es la primera vez que el tema principal de James Bond es interpretado por un solista británico masculino desde 1965. Broccoli cuenta que "Sam y Jimmy han compuesto una canción de lo más inspiradora para SPECTRE y gracias a la interpretación vocal de Sam, ‘Writing’s On The Wall’ será considerada sin duda una de las mejores canciones de Bond de toda la historia".
Smith, por su parte, tiene el honor de contribuir a una de las franquicias cinematográficas más longevas de la historia. "Este es uno de los mayores éxitos de mi carrera", afirma."Tengo el honor de interpretar el tema principal de Bond. Estoy muy emocionado de formar parte de este emblemático legado británico".
Los personajes de reparto
A medida que Skyfall se acerca a su final, los cineastas introducen al hombre que tomaría las riendas del papel del icónico personaje de M: el actor Ralph Fiennes, quien hereda el papel de la mano de la Dama Judi Dench. "Soy muy consciente del legado que heredo", dice Fiennes."Crecí con el personaje de M interpretado por Bernard Lee, y luego llegó Judi Dench y nos causó una fantástica impresión. Ha aportado una dureza real que estoy ansioso por continuar".
Fiennes creció siendo un ávido lector de Ian Fleming, John LeCarré y Graham Greene y siente que el personaje de M está perfilado según la semejanza de un espía de la guerra fría. "Y aunque sé que no es la era que nos ocupa", dice, "siento que este M es un niño salido de ese mundo cinematográfico de espías. Sam Mendes se ajusta a las exigencias de la franquicia de Bond pero también nos brinda la oportunidad de aportar más matices a nuestros personajes. En el caso de M existen dudas e incertidumbres en la literatura de esa época".
La duda e incertidumbre de M emerge temprano en SPECTRE cuando se encuentra bajo la fuerte presión de los servicios secretos. "El papel de M como jefe del MI6, al igual que la sección Doble-0 –que tiene licencia para matar- está bajo amenaza", explica Fiennes.
"Se están replanteando cómo organizar las fuerzas de seguridad. Andrew Scott interpreta el papel de C, o Max Denbigh, quién comanda el MI5. Está a punto de encabezar una fusión entre el MI5 y el MI6. Tras esta fusión, C será el nuevo responsable. Así que estamos ante la posible desaparición de la sección Doble-0, lo que representaría que tanto Bond como M se quedarían sin trabajo".
Para el actor Andrew Scott fue un placer interpretar la presión ejercida por Max Denbigh o C."Mi personaje es un hombre encantador, un tipo muy inteligente", dice. No solo dirige la fusión entre el MI5 y el MI6, también supervisa las nuevas instalaciones que están en construcción. "Es un extraordinario edificio nuevo – lo
último en vigilancia global".
"La idea es actualizar la vigilancia", continúa el actor. "Es de la opinión de que un agente de campo, incluso alguien como Bond, realmente no puede competir con los enormes avances tecnológicos del siglo XXI".
Scott apunta que las ideas que defiende su personaje son increíblemente relevantes para el mundo actual. "La idea de que las personas están perdiendo el control de su yo digital y su legado virtual es un argumento central de SPECTRE. Es algo con lo que creo que todos nos identificamos –nuestra privacidad y cuánta información sentimos que debemos guardar para nosotros mismos y cuál queremos proteger. Es una gran pregunta y está muy candente actualmente".
Las ideas ensalzadas por C no solo amenazan a Bond y a M, sino a su equipo de apoyo: Moneypenny y Q, dos personajes de larga trayectoria de la serie rescatados en Skyfall.
"Me sentí aliviado gracias al éxito de la película anterior y gracias a que el público me aceptó en el papel", dice Ben Whishaw, quien regresa en esta entrega para encarnar a Q. "Por esa parte sentí un alivio, por lo que tenía cierta seguridad, pero también es verdad que el personaje vive una etapa diferente en esta ocasión. De hecho, todos los personajes sufren cambios debido a lo que está ocurriendo con sus trabajos y su entorno".
"Esta fusión se va a producir y conllevará grandes cambios. El futuro de todos está siendo cuestionado, de manera que todos se sienten evaluados y bajo presión".
A pesar de arriesgar su puesto, Q le demuestra su amistad a Bond y se juega el pellejo por él. Ignora órdenes en una apuesta por ayudar a Bond a conseguir los objetivos de su misión.
"Creo que respeta a Bond," comenta Whishaw respecto a la relación de su personaje con 007. "Es cierto que desconfía un poco ya que percibe que Bond tiene un magnetismo extraño y ejerce poder sobre las personas y ciertamente también sobre el propio Q. Por su parte Q intenta controlar eso. Y por supuesto le demuestra una gran lealtad".
Otro personaje que también regresa de Skyfall es Moneypenny, interpretado por segunda vez por Naomie Harris. Luego de disparar accidentalmente a Bond en una de las primeras secuencias de Skyfall, renuncia a su puesto de agente de campo para trabajar para el personaje de Fiennes.
"En esta entrega Moneypenny vuelve a estar detrás del escritorio; no está en la calle con Bond," explica Harris. "Le sigue prestando su apoyo pero en esta ocasión se ocupa de algo mucho más secreto".
Uno de los temas clave de SPECTRE es el de la confianza, algo que se pone de relieve en la relación entre Bond y Moneypenny. Al principio, cuando la confianza del 007 en su organización disminuye, él sigue creyendo en Moneypenny.
"Lo bonito de SPECTRE es que la relación entre ellos ha evolucionado y se torna más cercana. Realmente confían el uno en el otro", explica Harris sobre la relación entre Moneypenny y 007.
"Y Bond es una persona que no tiene muchos amigos de verdad. El hecho de considerar a Moneypenny su amiga es un verdadero honor para ella, algo de lo cual está muy orgullosa. Él no es alguien a quien te puedas acercar con facilidad. ¡Y cómo no! Siguen coqueteando bastante".
Está claro que a Bond le llaman las mujeres y en SPECTRE confirma que aún puede conquistarlas. La primera en caer bajo su embrujo es Estrella, de cuya compañía disfruta durante su trabajo en la Ciudad de México. La actriz mejicana Stephanie Sigman interpreta el papel.
"Las primeras secuencias de la película muestran a Bond y a Estrella celebrando el Día de los Muertos en un exterior impresionante con miles de figurantes", recuerda Sigman. "Es una escena hermosa porque se ajusta bastante a la realidad de cómo celebramos ese día en México. Fue muy bonito para mí, al ser mejicana, y no fue difícil sumergirme por completo en las escenas".
Bond también se encuentra con una viuda bellísima, Lucía Sciarra, interpretada por la italiana Mónica Bellucci, a quien los productores Michael G. Wilson y Bárbara Broccoli habían intentado reclutar en el pasado sin éxito debido a conflictos de agenda. "Estamos encantados de por fin poder contar con ella", dice Wilson. "Es fantástica en el papel."
Mientras tanto Bellucci comenta lo feliz que está al poder finalmente unirse a la saga. "Dije que sí de una vez porque estaba encantada de trabajar con Sam Mendes y ser parte de este proyecto", explica. "Respeto enormemente las películas de James Bond en general porque creo que forman parte importantísima de la historia del cine. Y respeto profundamente a todas las chicas Bond; creo que son actrices hermosas y talentosas y ha sido muy importante para mí ser parte de esta historia".
El personaje que interpreta es el de una seductora mujer italiana que guarda ciertos secretos."Su marido mafioso ha sido asesinado y ella se expone a que le pase lo mismo", explica Bellucci. "Cuando conoce a Bond no confía en él ya que ella viene de un mundo donde solo los hombres corruptos tienen el poder".
"Pero la química y la atracción entre ellos es muy fuerte y ella percibe el poder femenino que ejerce sobre él. Luego confía en él. Él la salva y ella le da la información que él necesita". Se ríe. "¡Y encuentran una manera muy curiosa de firmar un contrato!"
Otra mujer que interpreta un papel esencial en SPECTRE es Madeleine Swann, representada por la actriz francesa Léa Seydoux. La actriz define a su personaje: "Es médico y una mujer fuerte. Es inteligente y no quiere tener nada que ver con Bond cuando lo conoce. No está impresionada".
A medida que progresa la historia, los acontecimientos fuerzan un cambio de dinámica y la relación entre ambos se suaviza. "Ella comprende a Bond perfectamente porque entiende el mundo en el que él vive", continúa la actriz. "Para llevar a cabo su misión él necesita entender cosas sobre su pasado y necesita a Madeleine por la información que ella posee. Con el tiempo la relación entre ellos se fortalece".
Mientras que las nuevas mujeres en la vida de Bond resultan ser buenas influencias, su relación con los hombres en la película es mucho más problemática. Durante su infiltración en una reunión de SPECTRE, se encuentra cara a cara con un enigmático y escalofriante personaje, Oberhauser, interpretado por el dos veces ganador del Oscar® Christoph Waltz.
"En esta película existe la clásica dinámica de protagonista y antagonista", dice Waltz. "La dinámica es obstaculizar el cometido existencial del héroe, y cada obstáculo debe ser preparado de manera que no solo ponga en peligro su cometido sino también la propia existencia del héroe".
"Todos eran conscientes de que esta dinámica es, como mínimo, muy deseable en este contexto. Esta dinámica es la que hace que estas historias sean realmente interesantes".
Waltz está particularmente entusiasmado al participar en una de las películas Bond protagonizadas por Daniel Craig dado que tienen un tono más escabroso y, en ocasiones, más oscuro. "Con la llegada de Daniel se evaporó parte del tono jocoso de las entregas anteriores, y en gran parte fue intencional", dice la estrella austríaca. "Durante el curso de las películas de Daniel, Bond emerge más como un alma atormentada y menos como el bromista irónico. Ya sea que continúe así, o vuelva a cambiar en esta ocasión, el público tendrá que esperar y ver qué pasa".
Como suele ser el caso en las películas Bond, el villano principal siempre viene acompañado por un esbirro muy distintivo, como es el caso de Auric Goldfinger y Oddjob, o Francisco Scaramanga y Nick Nack, por mencionar dos. En SPECTRE los cineastas no solo introducen a Oberhauser, sino también a Hinx, su musculoso agente de campo interpretado por Dave Bautista.
"Creo que esta película rescata parte del sentir de la vieja escuela, especialmente al considerar la historia de SPECTRE", comenta Bautista. "Se trata de un gran cerebro de organización que además es omnipresente. Sus integrantes son muy misteriosos y es importante que sigan siéndolo".
"Siempre pensé que era muy divertido hacer de malo", añade, "pero ser un miembro de SPECTRE, concretamente, es genial".
Apunta que Hinx le planta cara a Bond. "El personaje es fuerte y corpulento como puede apreciarse en una pelea en particular. Cuando piensas en Bond, generalmente no te lo imaginas perdiendo una pelea. Pero en esta película ocurre".
Otro hombre importante en la historia de SPECTRE es el Sr. White, interpretado por Jesper Christensen. El personaje fue el responsable de la traición de Vesper Lynd en Casino Royale y apareció brevemente en Quantum of Solace. Aparenta ser un jefe criminal pero resulta que no tiene tanta autoridad porque hay alguien por encima de él," comenta Christensen.
Ese hombre es Oberhauser. "White se ha enemistado con sus socios y se ha dado a la fuga", prosigue Christensen. "Ahora, sin embargo, lo han encontrado y lo están envenenando lentamente".
Cuando Bond encuentra a White, este último está prácticamente en el umbral de la muerte."Realmente no sabe qué hacer", dice Christensen, "pero Bond convence a White a que le ayude en sus investigaciones dentro de SPECTRE. Bond apela al amor de White por su hija. White es padre de una hija y ella es lo único que verdaderamente le interesa en la vida. Para protegerla, le revelará algunos secretos a Bond".
Las revelaciones destapadas en SPECTRE desvelan que hay un hombre detrás de toda la tragedia que Bond ha sufrido durante las últimas tres películas.
La dirección de producción
Dennis Gassner, director de producción ganador de un Oscar®, vuelve con su tercera película en torno al agente secreto Bond y su cuarta colaboración con Sam Mendes. "Trabajar con Dennis es algo mágico, él le pone mucho sentimiento a su arte", dice Mendes. "Obtienes más de un boceto de Dennis trazado en una servilleta que de 70 páginas de especificaciones técnicas; además de su percepción del color y la luz, de la arquitectura y del estilo y su buen gusto –son en conjunto impecables".
Gassner asegura que lo que los realizadores crearon en Skyfall fue la referencia de lo que soñaron para SPECTRE. "Ese fue el comienzo y SPECTRE es la continuación", dice al referirse a la dirección de producción. "En mis primeras conversaciones con Sam le dije: ‘¿A dónde quieres llegar con esta película?, ¿Cuál es tu dirección?’ y él contestó: ‘¿Puedes dar con algo caliente y luego algo frío?’"
Bond se desplaza entre climas que contrastan entre el calor y el frío; la película se inicia en México en el seno de una fervorosa celebración del Día de los Muertos. "Cuando surgió la idea del Día de los Muertos me hizo mucha ilusión porque es algo que he seguido durante mucho tiempo al ser de California, por su cercanía a la cultura mexicana", dice Gassner.
"Comenzamos a investigar y cuando dimos con el estilo apropiado y comenzamos a diseñarlo, todo fue encajando. Trabajar con los mexicanos fue estupendo y es evidente que les gusta mostrar lo que les apasiona como cultura. Una de las cosas más emocionantes que he hecho en mi carrera fue preparar las secuencias del Día de los Muertos en la película."
El desfile contó con 10 maquetas y carrozas decorativas de esqueletos, llegando a medir la más alta 11 metros. La atracción principal fue el esqueleto de ‘La Calavera Catrina’, inspirada a partir de un grabado del ilustrador y litógrafo mexicano José Guadalupe Posada, con un sombrero que medía 10 metros de ancho.
Al buscar un clima frío de contraste, Gassner y Mendes se decidieron por los Alpes en donde se desarrollan algunas escenas clave, incluido el primer encuentro de Bond con un personaje importante en la clínica Hoffler.
"La clínica fue en verdad donde comenzó la aventura para mí", explica Gassner. "Fuimos a los Alpes en Suiza, Austria e Italia; afortunadamente encontré Sölden en Austria y un restaurante, el ICE-Q, en la cima del telesilla, que se convirtió en la base de lo que buscábamos. La clínica es una especie de joya de hielo en la película".
Gassner dice que la estructura del ICE-Q contaba con atractivos particulares, una estética alpina perfecta, pulcra y fría, para la clínica Hoffler; y su ubicación en la cima de la montaña Gaislachkogl, a 3.000 metros de altitud, la hacían particularmente interesante. Sin embargo, al haber programado el rodaje de escenas clave en el interior de la clínica los realizadores decidieron construir su interior en los estudios Pinewood en Inglaterra, el tradicional hogar de las películas de James Bond.
Conocedor del gusto de Sam Mendes por la simetría, tanto en el diseño como en la composición de la escenografía, Gassner intentó replicar la arquitectura existente y reproducir su forma de mariposa. A medida que se iba desarrollando la idea, la nueva impronta se desdobló una vez más para crear un diseño final que constó de cuatro secciones en voladizo que se extienden en torno a un patio central.
Para dar equilibrio a la simetría del nuevo edificio se construyó un túnel a modo de entrada principal de hormigón, tanto en la localización Austriaca como en el plató de Pinewood, dotando así a los actores de una transición continua entre los exteriores y el plató de interiores.
A la hora de buscar una ciudad europea clave los realizadores eligieron Roma, impresionados por su sensación de poder y magnitud, lo que en general encaja a la perfección con Bond y, en particular, con SPECTRE.
"Todas las ciudades son complicadas para un rodaje", dice Gassner, "y Roma no fue la excepción, pero lo que queríamos trasladar a la pantalla era la sensación de poder que emana de la arquitectura de esa ciudad".
Una de las escenas clave transcurridas en Roma y rodadas en Pinewood es la reunión de la organización SPECTRE, donde se presenta al antagonista principal de la película, Oberhauser."Una vez más, el ambiente que se respira en esa escena gira en torno al poder; eso era lo que buscábamos", dice Gassner. "La localización original que utilizamos como modelo para nuestros interiores fue el del Palacio Real de Caserta, en Nápoles".
"Se respiraba una sensación de magnitud colosal y queríamos transmitir eso durante la reunión de la organización SPECTRE", agrega. "Pudimos recrear eso en los estudios que teníamos a nuestra disposición. Creo que logramos lo que necesitábamos y se trata de una gran entrada para Oberhauser. Es un momento clave en la película".
Otra de las localizaciones clave fue Marruecos, incluida la ciudad de Tánger. "Fue emocionante la visita", confiesa Gassner, "En general, Tánger cuenta con una imagen romántica y jugamos con ella a través de varias escenas importantes".
En el ínterin, Gassner en Londres dirigió la producción de algunas localizaciones muy específicas, incluida la oficina de M, la guarida de Q y el apartamento de Bond, entre otras."Para la oficina de M, por supuesto, volvimos a la habitación de la ‘puerta roja’ que es ya un clásico", explica en referencia al entorno arquetípico y muy tradicional donde Bernard Lee ha situado a M a través de los años, "y luego de allí nos dirigimos al laboratorio de Q y a su taller".
Según el productor Michael G. Wilson, el entorno laboral de Q en SPECTRE muestra su interés por los inventos. "Q vuelve con muchos de sus artefactos mecánicos y arreglando cosas pero además hay algo de tecnología punta tras bambalinas. ¡Se parece un poco al típico laboratorio de un profesor chiflado!"
Además de dotar a Q de un nuevo espacio, SPECTRE también pone al descubierto el apartamento de Bond en Londres. La productora Bárbara Broccoli lo explica: "Al comienzo de la preproducción le dije a Dennis que el piso de Bond sería una de las escenas más difíciles de lograr y luego de rodarla él me dijo: ‘Llevabas razón,’ porque todo el mundo tiene una idea preconcebida de cómo sería la casa donde viviría Bond".
"Cuando en realidad te sientas a pensar cómo debería ser ese lugar", agrega ella, "te das cuenta de que todos tienen expectativas distintas. Sabíamos que sería complicado, pero Dennis realizó una labor tremenda; y también Daniel se interesó mucho en esa escenografía porque nos dice mucho del propio personaje de Bond y lo que para él es su hogar".
Las localizaciones y acrobacias
En cada localización de SPECTRE figuran impresionantes acrobacias y secuencias, comenzando con las escenas del Día de los Muertos grabadas en la ciudad de México, en la que aparecen 1.520 extras, vestidos y maquillados por 107 maquilladores, de los cuales 98 eran de la ciudad. Cada jornada laboral requería de tres horas y media para tener a la multitud preparada.
Los realizadores rodaron en tres localizaciones diferentes de la ciudad, El Gran Hotel, Plaza Tolsá y el Zócalo –la plaza mayor ubicada en el centro de la ciudad. El equipo de especialistas reprodujeron una enorme explosión con hotel incluido en los estudios Pinewood en Inglaterra, aunque el propio Zócalo fue el escenario de una gran secuencia en la que participó un helicóptero fuera de control pilotado por el mundialmente famoso piloto de acrobacias aéreas de Red Bull, Chuck Aaron.
El helicóptero de Red Bull está construido especialmente para realizar maniobras de acrobacias aéreas de tipo tonel y de caída libre. Debido a la altitud en la ciudad de Méjico, Aaron tuvo ciertas limitaciones en las acrobacias aéreas que podía realizar. Aun así, fue más allá de los límites, volando sobre los extras a tan solo 9 metros de distancia con dos especialistas a bordo recreando la pelea, al tiempo que colgaban fuera del helicóptero.
El coordinador de especialistas, Gary Powell, asegura "El mundo de las acrobacias ha cambiado mucho y nos centramos más en la historia en todas nuestras escenas de acción, lo cual es estupendo porque en muchas películas se olvidan de la historia y simplemente hacen ‘¡choques, estallidos y golpetazos!’"
La escena del helicóptero en México, destaca él, es una parte esencial de la historia."Nosotros no hicimos estallar cosas porque quedaba bien", y añade: "En una película de James Bond la acción cuenta una historia".
Como suele ocurrir con cada película de Bond, el rodaje de las escenas de acción se realiza con planos de cámara reales. "Intentamos hacer el máximo posible de forma real", dice el supervisor de efectos especiales y de miniaturas Chris Corbould, "y luego aparecen los chicos de efectos especiales y hacen que nuestro trabajo quede mejor, modificándolo, eliminando y agregando cosas".
"Pero todo tiene como base la realidad. En México, D.F. podemos ver miles de personas en el Zócalo, reaccionando frente a esta sorprendente secuencia de helicóptero que se despliega sobre ellos en el firmamento".
La acción aérea continúa en Austria, donde los realizadores trabajaron en el lago Altaussee, Obertilliach y Sölden, éste último es la sede del restaurante ICE-Q y del teleférico que aparece en una tensa secuencia con Q.
Según Corbould, la principal secuencia de acción en Austria resultó muy complicada en cuanto a técnica se refiere. Explica "Teníamos aviones colgados de cables de altura descendiendo por el valle y aproximándose a uno de nuestros villanos y a sus secuaces, que conducían Range Rovers".
"Luego las alas del avión chocan contra un árbol antes de aterrizar. Va descendiendo colina abajo, usando sus motores como propulsores pero está sobre el terreno, por lo que construimos aviones con motonieves incorporadas y así pudimos pilotarlos".
Corbould y su equipo usaron ocho aviones diferentes en varias plataformas separadas. Dos de los aviones podían volar de verdad, mientras que otros dos estaban adaptados para plataformas de cables. Otros cuatro aviones eran carcasas adaptadas con motonieves ocultas que los especialistas podían usar para conducir el avión colina abajo, garantizando así un control absoluto sobre la nave.
"Se trata de elegir el vehículo apropiado para el terreno adecuado e incorporarlo y ocultarlo dentro del vehículo pertinente", dice Corbould. "En SPECTRE, en esta secuencia que nos ocupa el avión destroza un granero a su paso, lo atraviesa de extremo a extremo para estallar y caer desde una altura de seis metros".
Para grabar esta secuencia, el equipo de SPECTRE agregó diez cobertizos y un granero al área de rodaje. Ocho de los cobertizos fueron hallados en las montañas cercanas de la región y fueron adquiridos y reconstruidos en el plató. Un total de 32 kilómetros de revestimiento de madera reciclada se utilizó para crear los cobertizos restantes y el granero, que el avión destroza a su paso.
Sin embargo, el mayor desafío en Austria fue otro. "En un primer momento no había hielo ni nieve en Austria", recuerda Corbould. "Todos nuestros preparativos sufrieron retrasos y tuvimos que desplazarnos bastantes kilómetros hasta una localización diferente para probar las plataformas y motonieves de los aviones."
De hecho, el clima en Austria fue tan atípico que los realizadores tuvieron que fabricar 400 toneladas de nieve artificial para cubrir las laderas que normalmente deberían estar cubiertas de un manto blanco. "Austria fue una secuencia intensiva," destaca Corbould, "y de ahí fuimos directos a Roma".
En Roma, los realizadores rodaron durante cuatro días en el Museo de la Civilización Romana, que hace las veces de un cementerio donde Bond ve por vez primera a la viuda Lucía. A continuación, la segunda unidad estuvo 18 noches más en el curso de tres semanas rodando la deslumbrante secuencia de persecución en coche nocturna en la que Bond en su Aston Martin DB10 y Hinx en un Jaguar C-X75 circulan a gran velocidad por las calles de la ciudad.
"Nuestro afán es intentar mostrar en la pantalla cosas nunca antes vistas," dice la productora Bárbara Broccoli, "y al final resultó que en Roma rodamos una persecución en coche de lo más espectacular. Es algo de lo que nos sentimos muy orgullosos y también creo que los romanos se sentirán igualmente orgullosos".
La logística, sin embargo, fue difícil de organizar. "En Roma vimos una gran cantidad de carreteras que nos gustaron y en ocasiones contaban con alguna particularidad que las hacía especialmente atractivas para una escena con especialistas para hacer un salto por ejemplo", dice Gary Powell.
"En muchas ocasiones, cuando solicitábamos la autorización nos la concedían, pero a veces nos la denegaban, y a partir de ahí teníamos que intentar encontrar otras carreteras. Fue un proceso continuo hasta dar con las localizaciones apropiadas para las escenas con especialistas. Hubo mucho ir y venir en Roma".
Al final, los realizadores pudieron cortar sectores clave de la ciudad, incluida una parte a lo largo del Tíber, con vistas hacia la Plaza de San Pedro y el Coliseo. Pese a que el público solamente verá dos coches en la pantalla, la segunda unidad utilizó un total de ocho Aston Martins y siete Jaguars en el rodaje de la persecución.
En el ínterin, Corbould destaca que en la persecución de coches en Roma no podía existir el más mínimo margen de error. "Los pilotos especialistas conducían por Roma a 160kph, así que hasta el más mínimo detalle tenía que salir a la perfección".
"No queríamos que los pilotos sufrieran lesiones y tampoco queríamos que causaran daños a estos edificios que cuentan con miles de años de historia. Arriesgábamos mucho. Empleamos mucho tiempo probando los coches, asegurándonos de que podrían soportar la paliza que los chicos les iban a dar".
La localización que mayores dificultades causó a los realizadores fue la de Marruecos. El equipo principal de SPECTRE rodó en Tánger y Erfoud, mientras que la segunda unidad también rodó en la ciudad de Uchda en el noreste del país. Aunque en las ciudades se podía trabajar a gusto, el desierto del Sáhara a las afueras de Erfoud representó un desafío mayor.
A la hora de trabajar en el desierto los realizadores tuvieron que alertar a toda la población dentro de un radio de 32 kilómetros de que se producirían explosiones ruidosas; para ello el departamento de localizaciones conducía por los alrededores para hablar con los aldeanos y las tribus nómadas. De hecho, se contrató a nómadas de la región como guías y personal de seguridad durante las etapas preparatorias y el rodaje.
Por si fuera poco una gran tormenta de arena asoló Erfoud el primer día del rodaje, obligando a suspender la producción durante toda una tarde ya que la visibilidad era nula. El equipo tuvo que ponerse a cubierto en el interior de sus vehículos ya que los vientos alcanzaron los 80kph. La temperatura en Erfoud era en promedio de unos 45 grados centígrados y llegó a alcanzar los 50 grados el día más cálido.
Fue en este marco en el que el equipo de efectos especiales supervisó la que podría ser con diferencia la mayor explosión en la historia del cine. El equipo utilizó más de 7.949 litros de queroseno para avivar el enorme estallido. "Es con toda seguridad la mayor explosión de mi carrera", asegura Corbould. "La planificación y su puesta en escena fueron complejas, pero mereció la pena".
De vuelta en Inglaterra, los realizadores enfrentaron una diversidad de desafíos ante la coordinación de las secuencias especiales en Londres. Entre las localizaciones externas clave figuran el Ayuntamiento de Londres, hogar del Alcalde y de la Asamblea de Londres, que hace las veces del Centro para la Seguridad Nacional, así como una serie de puentes a lo largo del río Támesis. El puente de Westminster, en particular, desempeña un papel crucial en el punto culminante y una sección de éste se recreó en Pinewood.
Emma Pill, gerente supervisora de localizaciones, explica: "Hay una secuencia del río que transcurre de noche y en la que aparece una persecución con un barco de alta velocidad y un helicóptero volando a poca altura –nos supuso muchos desafíos organizativos".
Para cada una de las seis noches del rodaje, los realizadores tuvieron que contar con el apoyo de la Autoridad Portuaria de Londres. "La programación de horarios fue muy compleja", afirma Pill, "debido a la gran cantidad de eventos que tuvieron lugar en Londres por esas fechas, incluyendo las elecciones generales, la ceremonia de apertura del Parlamento y tres fines de semana de ceremonia del desfile del estandarte".
Para poder llevar a cabo las escenas con helicópteros que volaban a poca altura, los realizadores enviaron 11.000 cartas a los residentes y a los comerciantes dentro de la zona de vuelo. "Sin embargo, el mayor desafío fue iluminar el río por la noche", dice Pill. "Esto requirió semanas de preparativos. Iluminamos cada parte inferior de los arcos de los puentes de Vauxhall, Lambeth y Westminster, 17 arcos en total".
"Estas luces permanecieron allí durante cinco semanas. También iluminamos el río desde 10 tejados a lo largo de la orilla del Támesis, desde el puente Vauxhall hasta el puente Hungerford, trabajando en conjunto con el Palacio de Lambeth, el museo Tate Britain y los Parques Reales de Londres. También trabajamos estrechamente con la Cámara de los Comunes, el Salón Condal y el London Eye para coordinar el encendido y apagado de las luces o para cambiar los colores de las mismas en función de las exigencias de cada rodaje nocturno".
En cada rodaje nocturno participó un equipo de localizaciones de unas 200 personas, incluyendo a jefes de policía, personal de seguridad, agentes de tráfico y de policía. "Eso conllevó distribuir muchas radios y coordinar a muchos equipos cada noche" dice entre risas Pill, "pero en cada ocasión todo marchó sobre ruedas".
Los últimos vehículos Bond
La vigésimo cuarta entrega de James Bond, Spectre, marca un hito en los 50 años de relación entre la serie cinematográfica y los fabricantes de automóviles Aston Martin, quienes, por primera vez, han fabricado un coche expresamente para la película. Ejemplos como el DB5, el cual debutó en 1964 en James Bond contra Goldfinger; el DBS que apareció en 1969 en 007 al servicio de su Majestad y el V8 Volante del 007 Alta Tensión en 1987 –por mencionar algunos- eran coches que estaban disponibles al público general. Sin embargo el caso del nuevo DB10 es completamente distinto.
El DB10 es un coche conceptual. Tiene un chasís basado en un V8 Vantage modificado, con mayor distancia entre ejes y presume de un motor V8 de 4,7 litros. Tiene una velocidad máxima estimada de 305,78 kph y puede ir de 0-100 kph en escasos 4,7 segundos. El elegante coche exhibe un morro inspirado en el tiburón en el que la rejilla descansa a la sombra, replegada tras su característica línea central. Esta nueva interpretación de la clásica rejilla Aston Martin alude al carácter sigiloso del coche.
Todos los paneles de la carrocería son de fibra de carbono, la cual está expuesta en los estribos y el difusor y exhibe un capó en forma de concha de almeja con un panel perforado que regula el calor, prescindiendo así de las rejillas de ventilación por todo el vehículo. En aras de evocar el DB5, los diseñadores se esforzaron por asegurar que la línea del perfil del DB10 fuera elegante de cabo a rabo.
El DB10 es el sexto Aston en aparecer en una película Bond, y únicamente se han fabricado diez de estos coches conceptuales. Ocho fueron empleados para rodar escenas clave en Spectre, mientras que otros dos fueron destinados a efectos promocionales. Uno de estos vehículos adicionales será subastado para la caridad el año que viene.
A la hora de diseñar el vehículo Aston Martin invitó al director de Skyfall y Spectre, Sam Mendes, a que ofreciera sus ideas. "Me sentí parte del proceso", asegura el director ganador del Oscar®. "No sé si ha sido el amable gesto de Aston que me ha hecho sentir así o si realmente lo fui. Pero cuando vi el prototipo inicial me interesé particularmente en la eliminación de detalles innecesarios".
"Quería un coche con líneas limpias y claras", añade, "algo clásico, tanto que resultara prácticamente imposible ubicar el año de su creación. La sensación que perseguía era que el coche podría haber nacido en cualquier momento entre principios de los 70 y ahora mismo".
El coche aparece en una apasionante persecución nocturna que transcurre en las calles de Roma, mientras Hinx (interpretado por Dave Bautista) sigue la pista en un Jaguar C-X75, otro coche conceptual de última tecnología. Jaguar tiene también una fuerte relación con las películas de James Bond y el C-X75 constituye un gran contrincante para el DB10.
"El programa DEL C-X75 representa el pináculo de la ingeniería y pericia diseñadora de Jaguar", dice Adrian Hallmark, Director Global de Marca de Jaguar. De hecho, la potencia al freno del C-X75 se sitúa por encima los 850bhp gracias a su vanguardista motopropulsor de cuatro cilindros turboalimentado de 1,6 litros inspirado en la mismísima Fórmula 1.
Con una transmisión de siete marchas, el coche puede alcanzar los 0-160,93 kph en menos de seis segundos. El primer prototipo C-X75 excedió los 321,87 kph en las pruebas; y el coche tiene en teoría una velocidad máxima de 354,06 kph. El Coordinador de Especialistas de Spectre, Gary Powell, alucinó con la potencia. Afirma "El ‘Jag’ era tan potente que tuvimos que moderar la máquina para que la respuesta del acelerador no fuera tan agresiva". En total siete Jaguares figuraron en la escena de persecución en Roma.
Como es de esperar, el Jaguar C-X75 no es el único coche pilotado por Hinx. El musculoso matón también se sube a un Land Rover en una escena que transcurre en los Alpes. Varios Land Rover protagonizaron la escena y cada uno de ellos tuvo que ser adaptado para garantizar la seguridad del conductor en las acrobacias realizadas.
El Supervisor de Efectos Especiales Chris Corbould explica "tuvimos que instalar barras de seguridad antivuelcos en todos estos vehículos en Austria. Luego hubo que devolverlos a Land Rover para que se encargaran de toda la tapicería interior para ocultar de la vista las barras antivuelcos".
Los todoterreno negros aparecen en la nieve durante una secuencia especial con una aeronave, la Britten-Norman BN Islander, una aeronave inglesa de los años 60 de la que echa mano Bond para perseguir a Hinx en una secuencia de acción crucial. Aunque se diseñaron allá por el 1960, varios cientos de BN-2 Islander siguen en servicio con operadores comerciales. Asimismo, el ejército británico y los cuerpos policiales del Reino Unido siguen usando la aeronave en la actualidad.
En total, las ocho aeronaves se utilizaron en una variedad de plataformas de acrobacias. Dos de los aviones estaban totalmente operativos. Se trata de máquinas contratadas pintadas con pintura negra lavable. Se construyeron dos fuselajes adicionales para emplearse en una plataforma cableada que guiaba el avión sobre los techos de los todoterrenos hasta impactar un granero especialmente construido para la secuencia. Cuatro aviones más fueron construidos para adaptar las motonieves en sus armazones.
"Esto significó que, cuando el avión se estrella en esa escena de la película, nuestro equipo de especialistas podría conducir los aviones colina abajo con las motonieves", explica Chris Corbould. "Da la impresión de que se ha perdido el control pero en realidad estamos maniobrando el avión, que ha perdido sus alas, desde dentro del fuselaje".
Otros vehículos notables en Spectre incluyen tres helicópteros distintos entre ellos un McDonnell Douglas MD500E que aparece en Marruecos mientras que un ligero Agusta Westland AW109 bimotor forma parte integral del clímax en el puente de Westmister en Londres.
El helicóptero más destacado, sin embargo, es probablemente el Messerschmitt-Bölkow-Blohm Bo 105 –otro bimotor ligero- que protagoniza la estremecedora secuencia que se desarrolla en la Ciudad de Méjico. El Bo 105 fue comandado por el piloto acrobático de helicópteros de Red Bull, Chuck Aaron, cuya máquina fue especialmente construida para caídas en barrena y caídas libres.
Debido a la altitud de la Ciudad de Méjico, Aaron tuvo que limitar sus extravagancias acrobacias durante una emocionante escena sobre la plaza mayor de la ciudad, el Zócalo, donde voló a 9 metros de los extras mientras dos especialistas colgaban del exterior de la máquina intercambiando puñetazos.
"La secuencia de Ciudad de Méjico culmina con una espectacular pelea dentro de un helicóptero que ha perdido el control," dice Mendes. "Lo pilota un increíble piloto de acrobacias, Chuck Aaron, que hace hazañas sorprendentes. Es un momento espectacular como ningún otro que hayamos visto en una película de Bond".
Hace hoy casi 11 meses, se presentaba el título, y el equipo artístico y técnico de la película, en los estudios Pinewood.
Cuentos de Halloween
Estados Unidos
Directores: Darren Lynn Bousman, Axelle Carolyn, Adam Gierasch, Andrew Kasch, Neil Marshall, Lucky McKee, Mike Mendez, Dave Parker, Ryan Schifrin, John Skipp, Paul Solet
Reparto: Barry Bostwick, Lin Shaye, John Savage, Pat Healy, Booboo Stewart, Grace Phipps,Alex Esso, Kristina Klebe, Greg Grunberg, Katie Silverman, Keir Gilchrist, Samuel Witwer, Sam Witwer, James Duval, Jose Pablo Cantillo, Joe Dante, John Landis,Adrienne Barbeau, Adrianne Curry
Diez historias durante la noche de Halloween interconectadas en un suburbio americano, donde demonios, extraterrestres, espectros y asesinos con hacha aparecen por una noche para aterrorizar a los residentes.
El último cazador de brujas
Acción - Aventura - Fantástica
USA
106 minutosAño: 2015
Vin Diesel, Rose Leslie, Elijah Wood, Michael Caine, Ólafur Darri Ólafsson, Joseph Gilgun, Julie Engelbrecht, Rena Owen, Lotte Verbeek, Inbar Lavi, Allegra Carpenter
El mundo moderno guarda muchos secretos, pero el más asombroso de todos es que las brujas aún viven entre nosotros, unas despiadadas criaturas sobrenaturales que se han propuesto desatar la Peste Negra sobre el mundo. Ejércitos de cazadores de brujas han combatido a este enemigo antinatural por todo el globo durante siglos, entre ellos KAULDER, un valiente guerrero que logró acabar con la todopoderosa REINA BRUJA y diezmar de paso a sus seguidores. Justo antes de morir, la reina maldice a Kaulder con la inmortalidad, lo que le impide reunirse con sus amadas esposa e hija en la otra vida por toda la eternidad. En la actualidad, Kaulder es el único que queda de los suyos, tras haber pasado siglos dando caza a brujas solitarias, sin dejar en ningún momento de anhelar a los seres queridos que perdió tiempo atrás. Sin embargo, sin que Kaulder lo sepa, la Reina Bruja resucita y busca vengarse de quien le dio muerte, lo que desencadenará una épica batalla de cuyo resultado depende la supervivencia de la raza humana.
EL ÚLTIMO CAZADOR DE BRUJAS está protagonizada por Vin Diesel (las franquicias cinematográficas de "Fast & Furious" y "Riddick"), Elijah Wood (la trilogía "El señor de los anillos", "El hobbit: Un viaje inesperado"), Rose Leslie (la serie de HBO "Juego de tronos" y la serie británica "Downton Abbey") y Michael Caine (la trilogía "El caballero oscuro","Interstellar"). Completan el reparto Ólafur Darri Ólafsson ("La vida secreta de Walter Mitty", la serie de HBO "True Detective"), Julie Engelbrecht ("The Red Baron (El barón rojo)","Rumpelstilzchen"), Isaach de Bankolé ("Casino Royale"), Joseph Gilgun ("MS1: Máxima Seguridad", la serie británica "Misfits (Inadaptados)") y Rena Owen ("Star Wars: Episodio III. La venganza de los Sith", "Star Wars: Episodio II. El ataque de los clones").
También cuenta con la intervención de Lotte Verbeek ("Bajo la misma estrella"), Michael Halsey ("Tiempo límite"), Inbar Lavi (la serie de Fox "Gang Related"), Sloane Coombs ("Los secuestros de Cleveland") y Armani Jackson ("Cooties", "Anatomía de Grey").
La película está dirigida por Breck Eisner ("The Crazies"), con guion de Cory Goodman ("El sicario de Dios (Priest)") y Matt Sazama & Burk Sharpless. Sus productores son Mark Canton, p.g.a. ("300", "300: El origen de un imperio", "Immortals"), Vin Diesel, p.g.a. ("Riddick","Fast & Furious 6") y Bernie Goldmann, p.g.a. ("300", "300: El origen de un imperio").
Los productores ejecutivos son Adam Goldworm ("The Prince"), Samantha Vincent ("Riddick","Fast & Furious 7") y Ric Kidney ("Salt", "Total Recall (Desafío total)").
El equipo creativo tras las cámaras incluye al director de fotografía nominado al Óscar Dean Semler, ASC, ACS ("Maléfica", "Mad Max, el guerrero de la carretera", "Bailando con lobos"), la diseñadora de producción Julie Berghoff ("Expediente Warren: The conjuring"), los montadores Dean Zimmerman ("Noche en el museo: El secreto del faraón", "Hora punta 3") y el nominado al Óscar Chris Lebenzon, ACE ("Maléfica", "Sombras tenebrosas (Dark Shadows)"), el diseñador de vestuario Luca Mosca ("21: Blackjack"), el compositor Steve Jablonsky ("El único superviviente", "Transformers"), el supervisor sénior de efectos visuales Nicholas Brooks ("Ahora me ves...", "La Saga Crepúsculo: Eclipse") y el director de casting John Papsidera, CSA (la trilogía "El caballero oscuro", "Jurassic World").
Acerca de la producción
EL ÚLTIMO CAZADOR DE BRUJAS es una aventura fantástica totalmente original, explosivamente física y magníficamente presentada que sumerge a los espectadores en un complejo universo mitológico lleno de una violencia tremenda, traiciones inimaginables y personajes inolvidables. La historia, ambientada en un mundo como no se había visto nunca en la gran pantalla, abarca más de 800 años de la misión de un hombre para mantener a raya a un ejército de sanguinarias criaturas sobrenaturales decididas a exterminar a la humanidad.
El héroe de acción internacional Vin Diesel produce la película y encarna a Kaulder, el guardián del mundo humano desde hace siglos, que ha perdido a su familia, sus amigos y tal vez incluso la esperanza, en su lucha contra las fuerzas del mal. Diesel se inspiró para crear a Kaulder y su historia en sus tiempos como ávido jugador, sobre todo en sus más de 20 años de fascinación con el popular juego de rol de fantasía Dragones y Mazmorras. Su dedicación al juego es tan completa que le pidieron que escribiera el prólogo del libro "30 Years of Adventure: A Celebration of Dungeons & Dragons".
El personaje que más le gustaba llevar a Diesel en el juego era Melkor, un elfo oscuro y cazador de brujas que no formaba parte del juego original. "Lo encontré en un libro de terceros llamado ‘Acheron’", explica. "Siempre me ha atraído la idea de hacer una película fantástica de acción. Hace cinco años, me reuní con el guionista Cory Goodman y nos liamos a hablar sobre Dragones y Mazmorras; antes de darme cuenta, me encontré con un guion alucinante sobre un cazador de brujas".
Goodman llevó el proyecto a Summit Entertainment y a los productores Mark Canton y Bernie Goldmann, que supieron reconocer su potencial para convertirse en una espectacular franquicia de acción y un vehículo para Diesel.
"Vin Diesel aportó al proyecto una gran pasión y entrega", asegura Canton. "Su nivel de compromiso es incomparable. No se le escapa el más mínimo detalle. Está totalmente dedicado a la película, los siete días de la semana. Es un estupendo socio en la producción, por no hablar de una superestrella, que está en plena forma como actor".
Juntos, los productores eligieron al director Breck Eisner para tomar las riendas. "Conozco a Breck desde hace tiempo", comenta Canton. "Es incansable. Tiene una ética de trabajo increíble y un talento prodigioso. Su imaginación y su detallismo hicieron que la historia cobrara vida".
A medida que se fue desarrollando el proyecto, el equipo responsable del mismo colaboró para crear un mundo sorprendente en el Kaulder pudiera sumergirse por completo. "Lo primero que me entusiasmó de la película fue la posibilidad de crear todo esto con Breck", afirma Goldmann. "Pasamos mucho tiempo dilucidando y comprendiendo la mitología. No se basa en ningún libro ni novela gráfica, así que teníamos mucho más trabajo que hacer. Inventar un mundo partiendo de cero es todo un reto".
Eisner estaba realmente entusiasmado con el proyecto. "Me encantó el personaje de Kaulder desde el primer instante", admite. "De niño, era un gran fan de ‘Los inmortales’ y esto me recordaba un poco a eso. Pero, además, tiene ese elemento alucinante de un cazador de brujas inmortal que se venga por la pérdida de su mujer y su hija. El personaje de Vin está un poco torturado y angustiado. Me atraía mucho verlo como un tipo duro moderno y también como un guerrero medieval".
Históricamente, las brujas solían servir de chivos expiatorios de supuestas herejías. Cualquier cosa que quedara fuera de los límites de la religión era susceptible de tildarse de "brujería". La rica mitología del filme presenta a las brujas de una forma completamente distinta. La raza de las brujas (o hexan) antecede a la humanidad en la Tierra y extrae energías espirituales de los cuatro elementos: aire, agua, fuego y tierra. Cuando llegaron los humanos y empezaron a someter la naturaleza en lugar de respetarla, estalló el inevitable conflicto, que desencadenó una larga y sangrienta guerra.
"Las brujas se ven como protectoras de la naturaleza y ven a la humanidad como su destructora", explica Eisner. "La película se ambienta en Nueva York por ese motivo. Manhattan solía ser una isla con biodiversidad, pero ha acabado convertida en un bastión de la humanidad, carente casi por completo de todo rastro de naturaleza".
Durante la Edad Media, surgieron los Señores Brujos, seis hermanos todopoderosos que desataron el arma definitiva contra la humanidad: la Peste Negra, una pandemia que acabó con alrededor del 60% de la población de Europa. Una hermandad secreta que se hace llamar"La Orden del Hacha y la Cruz" decidió dedicarse a dar caza y destruir a la Reina Bruja, a fin de salvar a la humanidad.
Fue Kaulder quien logró al fin acabar con la reina, pero pagó un alto precio por ello. Con su último aliento, la reina lo maldijo con la inmortalidad. Kaulder ha vivido los últimos ocho siglos como el último protector de la humanidad, controlando a las brujas restantes que se ocultan a plena vista, sometidas a las draconianas reglas del Hacha y la Cruz y de su propio Consejo de Brujas. Al comienzo de la película, sospecha que hay en marcha una trama para resucitar a la reina y destruir el mundo.
En EL ÚLTIMO CAZADOR DE BRUJAS, Eisner muestra a las brujas de una forma completamente distinta. "En la mayoría de las películas, o bien tienen nariz puntiaguda, una verruga y una escoba, o las representan como monstruos. Aquí, son más bien como seres humanos con habilidades espectaculares para jugar con tu mente. Las brujas pueden hacerte creer que has vuelto al pasado y que tus seres queridos siguen vivos. Pueden proyectar imágenes que te convencerán de que estás loco. Pueden cambiar de aspecto. Todos esos distintos planos de realidad convergen en la mente de nuestro héroe".
Aunque algunas brujas son malvadas, otras practican una magia más benigna. Diesel lo explica en los siguientes términos: "Esta película sugiere que en la actualidad hay gente entre nosotros que posee magia. Presenta la idea de que son una raza antigua que existe desde antes que nosotros, que han visto propagarse a la humanidad y destruir el mundo natural tal como lo conocían".
Para seguirle la pista a la compleja acción y la historia previa, los múltiples niveles de realidad y un período de tiempo que abarca más de 800 años, Eisner colaboró con un grupo de artistas de talento para crear exhaustivos storyboards que documentaban toda la película casi fotograma a fotograma. "He trabajado con muchos maestros del cine y gran cantidad de realizadores emergentes, pero nunca había visto storyboards tan completos y coherentes", declara Canton.
"En una película así, hace falta un director que se fije hasta en el más mínimo detalle", agrega Diesel. "Visitamos múltiples realidades y Breck tuvo que establecer además cómo funcionaba la magia. Con una mitología original como esta, el director se tiene que encargar de conseguir que la entiendan tanto los espectadores, como los actores y el equipo, y eso es algo que Breck ha logrado hacer de forma magnífica".
EL ÚLTIMO CAZADOR DE BRUJAS tiene algo para todos, en opinión de Canton. "Por un lado, tenemos el ambiente épico, casi apocalíptico de películas como la serie de ‘El señor de los anillos’. Por otra parte, tenemos un personaje moderno, estilo James Bond, en Nueva York. Kaulder es el tipo más guay del mundo. En más de 800 años, ha aprendido todo lo que se puede saber sobre arte, música, cultura, arquitectura y, lo que es más importante, sobre la gente, y la diferencia entre el bien y el mal. Es un tipo superguay y moderno, que ha aguantado a la perfección el paso del tiempo. Creo que Kaulder es un nombre al que vamos a empezar a hacer referencia, al estilo de Bond, Bourne y otros héroes de acción clásicos".
El cazador de brujas y sus presas
El reparto de EL ÚLTIMO CAZADOR DE BRUJAS tiene estrechos vínculos con el género de la fantasía y la acción, al contar con veteranos de "Juego de tronos", así como de las franquicias de "El señor de los anillos", "El caballero oscuro", "El hobbit" y "Riddick". "Nadie había reunido nunca un reparto compuesto por tantos héroes de otras aventuras mitológicas", sostiene Canton.
En primer lugar se encuentra, ante todo, Diesel, por supuesto. Su imponente carisma es crucial para Kaulder, el último miembro guerrero que le queda al Hacha y la Cruz, la hermandad dedicada a mantener controladas a las brujas. Hecho inmortal por la maldición final de la Reina Bruja, e impulsado por el dolor de su pasado, libra una lucha interminable. La idea de la inmortalidad resulta atractiva para muchos pero, aunque ofrece a Kaulder una ventaja táctica, supone llevar una existencia muy solitaria.
"Lo convierte en un soldado formidable, porque no tiene miedo a la muerte ni a herida alguna", explica Diesel. "Pero lo obliga a seguir con vida, pese a que desearía no hacerlo. Para él, después de 800 años, ya ha vivido demasiado".
"Su inmortalidad hace que le resulte imposible conectar con otras personas", prosigue Canton. "Eso supondría inevitablemente para él tener que acabar sufriendo otra pérdida. Vin creó un personaje que vive tras una fachada de perfección y finge que todo anda bien. Pero esa fachada empieza a desmoronarse y se va dando cuenta de que su dolor le está impidiendo avanzar como persona".
Kaulder ha estado acompañado en su largo viaje por una sucesión de sacerdotes asesores, conocidos todos como Dolan. Los Dolan son miembros del Hacha y la Cruz, encargados de documentar las actividades de Kaulder a lo largo de los siglos, en diarios escritos a mano, que van pasando de uno a otro, de modo que cada Dolan está íntimamente familiarizado con su historia. "Es como si la misma persona hubiera estado a su lado todos esos 800 años", señala Eisner. "Los Dolan son una forma de mantener cuerdo a Kaulder. Son como un mejor amigo artificial".
Al empezar la película, el Dolan 36 está a punto de jubilarse. "Kaulder tiene un vínculo especial con este Dolan", explica Canton. "Es su único lazo verdadero con otro ser humano. Tienen una relación de 50 años. Entre ellos hay una enorme cantidad de respeto y dignidad, y bastante afecto".
Buena parte de ese respeto y afecto procede del hecho de que el actor que lo interpreta es amigo íntimo de Diesel en la vida real: el ganador del Óscar Michael Caine. "Parte de nuestra amistad se basa en el hecho de que ambos somos chicos de la calle", aporta Caine. "Nunca fuimos a academias, nunca asistimos a escuelas de arte dramático. Tuvimos que salir adelante por nosotros mismos".
Pese a su relación personal con Diesel, Caine se sintió desconcertado cuando le ofrecieron el papel. "Cuando me llamaron, pensé: ‘vaya, pues no soy muy buen conductor’", recuerda."¿Qué diablos querría Vin que hiciera yo? La verdad es que nunca había visto a Vin en una película así. Ni yo había hecho nunca nada así. Es muy entretenido, con una acción y una imaginación tremendas".
En cuanto a su personaje, Caine apunta: "Soy más bien como una vieja figura respetable, que lo sabe todo, lo tiene todo y lo organiza todo. Se parece mucho a Alfred, el mayordomo de Batman. Tiene una relación extraordinaria con Kaulder, como de padre e hijo".
El personaje de Caine le está pasando el testigo de los Dolan a un joven sacerdote interpretado por Elijah Wood, especialmente conocido por su papel de Frodo Bolsón en la trilogía de "El señor de los anillos". "El guion me sorprendió", reconoce Wood. "Me pareció que la trama era innovadora y apasionante. Ofrece una visión original a gran escala de nuestro mundo, en la que coexistimos con brujas. No había leído nunca nada parecido. Cuando Breck me mostró todas las ilustraciones tan increíbles que se habían creado, eso no hizo más que consolidar mi interés".
Wood agrega: "Michael Caine posee un gran pedigrí, sofisticación y un estatus legendario; ayuda mucho a la historia que sirva como primera toma de contacto para el público con la larga sucesión de los Dolan".
A Kaulder le cuesta un poco acostumbrarse al nuevo Dolan. "Mi personaje tiene ciertos problemas para conectar con él", reconoce Wood. "Pero se da cuenta de que Kaulder no conecta realmente con nadie y que le han dejado el listón muy alto".
Kaulder encuentra una nueva aliada inesperada en su misión cuando conoce a Chloe, una bruja moderna que regenta un bar de recuerdos, un paraíso bohemio oculto tras una puerta mágica. "Ofrece una visión nueva de lo que sucede en un bar", comenta Rose Leslie, que interpreta a Chloe. "No vas allí a olvidar. Vas para recordar. Es un espacio maravilloso, como una especie de fumadero de opio, con pequeños rincones en los que puedes relajarte y entrar en otro mundo".
Los clientes pueden hacer uso de pociones y conjuros que les permiten sumergirse en su pasado, que es lo que lleva a Kaulder hasta Chloe. "Dolan 36º ha encargado a Kaulder que busque un modo de recordar algo importante que lleva siglos bloqueando", explica Diesel."Para conseguirlo, se ve obligado a recurrir a la magia que lleva tanto tiempo tratando de eliminar. Eso hace que se cree una relación interesante entre el cazador y su presa".
Chloe posee una habilidad formidable que ha logrado mantener en secreto, incluso de las demás brujas. "Es una caminante de sueños", aporta Leslie. "Puede entrar en los sueños de los demás, pero siempre le han dicho que es un tipo de magia negra empleada por brujas malvadas. Teme lo fuerte que puede ser".
Los caminantes de sueños han ocupado puestos clave al servicio de la reina, según explica Eisner. "No hay muchos. Son muy poderosos, porque tienen la capacidad de llevarte de vuelta a un recuerdo, así como de meterse en tu cabeza. Pueden manipularte la mente, hacerte ver y pensar cosas que no sean reales".
Es en el bar de recuerdos donde Kaulder se topa por primera vez con un letal enemigo, Belial, un brujo que se ha pasado al lado oscuro. "La mayoría de las brujas de nuestro mundo no son malvadas", explica Eisner, "pero hay unas cuantas que todavía echan de menos los tiempos en los que las brujas eran la especie dominante del planeta. Belial pertenece a este grupo".
Belial está interpretado por el actor islandés Ólafur Darri Ólafsson, a quien Eisner vio por primera vez en la serie de gran éxito de HBO "True Detective". "Interpretaba a un motero aterrador. Es una figura imponente, con una voz imponente, igual que Vin. Quería asegurarme de que el tipo con quien tuviera que vérselas Vin poseyera una presencia física pareja a la suya".
"Belial es un brujo que lleva muchos años buscando un modo de resucitar a la Reina Bruja", explica Ólafsson. "Cree que el mundo pertenece a las brujas, no a la humanidad. Está haciendo todo lo posible para llevar el mundo de vuelta a una época de la que en realidad él nunca formó parte".
El conflicto entre Belial y Kaulder ofrece una oportunidad para que los dos actores escenifiquen una demoledora escena de lucha. "Teníamos un equipo de especialistas extraordinario que nos preparó una escena de lucha estupenda", comenta Ólafsson. "Aunque he de admitir que resulta bastante surrealista estar haciendo una escena de lucha y darte cuenta de que te estás enfrentando a Vin Diesel".
Kaulder ha de vérselas con muchas brujas del lado oscuro, incluyendo a Ellic, un metamorfo que adopta la forma de un niño para atraer a otros pequeños a su sótano de los horrores. El actor británico Joe Gilgun interpreta al personaje como un fanático aterrador. "Actúa en nombre de la Reina Bruja y está realmente convencido de estar haciendo lo correcto", aporta Gilgun. "Además de cambiar su propia forma, cambia la de un árbol de su jardín para que parezca que le crecen ositos de gominola, lo que le ayuda a atrapar niños. Se convierte en el típico jardín trasero del medio oeste de EE. UU., con un toque mágico oscuro a lo Pee-wee Herman. Pero, si te fijas, puedes detectar indicios del tenebroso mundo que se oculta debajo".
El matemático convertido en actor Isaach de Bankolé interpreta al comerciante ciego de hierbas Max Schlesinger, que provee al bar de Chloe de artículos esotéricos. Eisner se lo imaginó en un primer momento como una especie de vendedor ambulante de diamantes, salvo que su maletín está lleno de bichos y gusanos.
"Tiene gracia, mi personaje estaba pensado originalmente para ser un tipo judío de 60 años", comenta de Bankolé, natural de Costa de Marfil. "Pero no dista tanto de mis propios orígenes. De donde procedo, la gente se comunicaba a menudo con los muertos. Forma parte de mi cultura".
El enemigo más temible de Kaulder es la Reina Bruja, la más antigua y poderosa de todas las brujas, interpretada por la actriz Julie Engelbrecht.
"El guion me pareció muy interesante", afirma la actriz. "Es una historia completamente original que jamás habíamos visto, una forma de presentar a las brujas que no había visto nunca. Y la verdad es que tiene bastante humor. La muerte y el humor son una buena combinación con la que contar cuando se trata de entender a la humanidad".
La Reina Bruja tiene un vínculo primordial con la naturaleza, que alimenta su furia. "Posee una cualidad muy terrenal", explica Engelbrecht. "La veo como una aborigen. Las brujas habitaban la Tierra antes que los humanos y los ven como intrusos en su mundo. Desde su punto de vista, está protegiendo a los suyos. La humanidad ha invadido su hogar, destruido su raza y está empeñada en acabar también con la propia naturaleza. Su cólera procede de la injusticia y la crueldad que han tenido que sufrir ella y su familia".
Engelbrecht tuvo que estudiar griego antiguo para poder pronunciar sus maldiciones y conjuros con autoridad. "Me entusiasman los idiomas, y este encaja perfectamente con la Reina Bruja. Lo hice encantada".
La magia y las brujas siempre han ejercido un cierto atractivo, observa la actriz. "La magia es lo que la ciencia no puede explicar y creo que la gente siempre teme aquello que no puede entender. Eso es lo fascinante de la magia: no se puede explicar".
Las raíces del mundo de las brujas
EL ÚLTIMO CAZADOR DE BRUJAS se rodó de principios de agosto a principios de diciembre de 2014 en locaciones reales de Pittsburgh, que hizo las veces de la ciudad de Nueva York. La diseñadora de producción Julie Berghoff se basó en los exhaustivos storyboards y las anotaciones de Eisner para crear los inquietantes entornos de los hexan, así como del resto del ominoso mundo de Kaulder.
"Ha sido el guion más visual que he leído nunca", asegura Berghoff. "Se basa en la naturaleza y se desarrolla en todo ese tipo de lugares tenebrosos y escalofriantes que me encantan. Me atraían todos esos mundos distintos que iba a tener ocasión de crear. No tardé en descubrir que Breck Eisner tiene muy buen ojo y una imaginación maravillosa. Su idea de las brujas modernas ofrecía una nueva forma de verlas. Es un mundo precioso de fantasía, en el que tu vecino podría ser una bruja".
El diseño del maquillaje y el vestuario de la Reina Bruja, así como su hogar, se inspiran en la obra del difunto pintor, fotógrafo y escultor polaco Zdzisław Beksiński, cuyos trabajos incorporan figuras biomórficas en un estilo conocido como surrealismo distópico. "Era un tipo retorcido, oscuro y chiflado que creó arte muy hermoso y vanguardista", aporta Berghoff.
El retorcido y espinoso Árbol de la Reina que sirve como su cubil es uno de los puntales de la mitología de la película, una fortaleza para la reina y sus seguidores, que amenaza con tragarse a cualquier humano lo bastante insensato para adentrarse en él. "Es una de las principales fuerzas impulsoras de la película", proclama Berghoff. "Es el hogar de la reina, y donde comienza la trayectoria inmortal de Kaulder. Breck tenía muy clara la energía que quería de él. Ese fue para mí el principio del proceso. Me pareció que, si entendía el árbol, podría entender el resto del filme".
Berghoff creó un matojo con un búnker en el fondo, rodeado de una maraña de raíces, musgo y enredaderas. "Hay que recorrer los distintos niveles", comenta. "Hay un enorme pozo que lleva al inframundo. Está lleno de tótems reunidos a lo largo de cientos de años. En él viven toda clase de criaturas y, en lo más alto, hay un claro lleno de altares donde las brujas realizan sus sacrificios".
El set del Árbol de la Reina se construyó en un plató cerrado y se diseñó para que pudiera aguantar tanto el fuego como el agua. "Se pensó mucho cada mínimo detalle", recuerda la diseñadora de producción. "Se hizo que parte del suelo parecieran raíces. También creamos ramas blandas para asegurarnos de que no le pudieran a sacar un ojo a alguien, además de hacerlas incombustibles e impermeables".
Berghoff creó también la siniestra cámara en la que se reúne el Consejo Internacional de Brujas para juzgar a los sospechosos de practicar la magia negra, así como la cárcel de las brujas, en la que los condenados por fechorías son enterrados mediante magia en celdas en los muros de piedra. Las escenas de la cárcel se filmaron en una mina de caliza en Wampum, Pensilvania, un enorme complejo subterráneo de 0,23 km2. "Es escalofriante, tenebroso y hermoso", opina Berghoff. "Queríamos que la cárcel fuera como las puertas del infierno, así que recurrimos a artistas como Gustave Doré en busca de inspiración".
El diseñador de vestuario Justin Raleigh, de Fractured FX, se reunió con Eisner año y medio antes del rodaje para empezar a desarrollar la imagen de las brujas. "El reto era hacer algo completamente distinto con respecto al aspecto que se supone que debería tener una bruja", aporta. "Breck nos mostró imágenes oscuras, surrealistas y espantosas de la obra de Beksiński para que nos ayudaran a diseñar un estilo único y diferente para la reina y su mundo. Me encantó el reto de cómo iban a ser estas criaturas. Seguían siendo humanas, pero muy, muy orgánicas, algo que el estilo de Beksiński capta estupendamente".
Transformar a la glamurosa Julie Engelbrecht en la aterradora Reina Bruja era un proceso que exigía mucho tiempo y esfuerzo. "Queríamos que se trasluciera su belleza", explica Raleigh."Creo que se nos ocurrió algo que quedó muy bien. Es un proceso de unas cuatro horas y media. El diseño tenía que ser muy funcional y ajustado a su cuerpo. De cuello para abajo, lleva un traje prostético con corsé incorporado. Lleva una espina dorsal exterior que le cuelga desde la parte posterior de la cabeza, aplicaciones en las piernas, brazos, manos y pies, lentes de contacto y prostéticos dentales".
El resultado, opina, es sorprendentemente orgánico. "Es casi como si la Reina Bruja llevara una especie de camuflaje", prosigue. "Sus seguidores tienen un aire algo más humano, pero son criaturas muy salvajes, de aspecto feroz, cubiertos de tierra, como si fueran parte del nido".
Aunque EL ÚLTIMO CAZADOR DE BRUJAS no escatima en dinámicos efectos especiales de última generación, Eisner hizo hincapié en querer que se filmara ante la cámara lo máximo posible, para dotar de una sensación de realismo al mundo sobrenatural. Además del supervisor sénior de efectos visuales Nicholas Brooks y su equipo de primera, el cineasta contó con el coordinador de efectos especiales Peter Chesney para crear innumerables efectos prácticos asombrosos y aterradores.
"Peter es increíble", proclama Brooks. "No había trabajado nunca con semejante cerebrito. Creó de todo, desde enormes e intrincados aparejos a efectos más sencillos, pero igualmente complicados, como paredes que se agrietan o pentáculos que arden en el suelo".
La creación del centinela, el guardián de 4,5 m de altura de la cárcel de las brujas, fue uno de los mayores retos que tuvo que afrontar Chesney. La criatura, esculpida en madera, hueso y piel, sobre un armazón metálico, se montó sobre una sección de vía de montaña rusa para que tuviera movilidad. También hubo que incorporar a esas secuencias un carro con un trozo de croma verde.
Muchos de los efectos se concibieron y crearon específicamente para la película, entre ellos un complejo sistema de cardán para simular un avión atrapado en una violenta tormenta, las exóticas pociones que sirve Chloe a sus clientes y la tormenta de nieve del bar de recuerdos."Esa es la parte divertida de los efectos especiales", sugiere Chesney. "No se suele hacer lo mismo dos veces".
Vestir a un cazador de brujas tampoco fue tarea fácil, incluso para un diseñador creativo como Luca Mosca. El Kaulder moderno es un hombre de gustos sofisticados e inmensos recursos que tenía que tener un estilo atemporal. "Viste a la moda actual, pero con un toque de otra época", explica Mosca.
El vestuario medieval de Kaulder también resultó sumamente complicado, debido a las numerosas capas que precisaba, según comenta. "Teníamos tres aspectos distintos para la época medieval, que representaban cómo vestía para estar en casa con su familia, para ir de cazador y para ir de guerrero".
La ropa de guerrero fue especialmente peliaguda de crear, confiesa Mosca. "Tenía una capa base de pantalones de cuero, una camisa holgada y un cuello tipo pechera postiza. Creamos un molde 3D del cuerpo de Vin e hicimos la armadura a base de inyectar en el molde un compuesto de poliuretano. El diseño se creó por ordenador. Busqué una textura que me gustara, le añadí puntos para que parecieran remaches y luego lo imprimimos. Entonces hubo que pintar cada pieza para darle un acabado metálico antiguo. Le añadimos una capa hecha de piel para darle un aspecto de guerrero muy imponente. Llevaba más de una hora ponérselo todo".
Según Canton, que ha producido películas tan originales y visualmente impactantes como"Immortals" y "300", hacer realidad los aspectos visuales era a la vez lo más difícil y lo más atrayente de EL ÚLTIMO CAZADOR DE BRUJAS. "Fue un desafío de locos", afirma. "Ha supuesto un trabajo tremendo y un gran esfuerzo por parte de todo el equipo para llevarlo a cabo. Crear un mundo totalmente nuevo para una historia que abarca unos 800 años exige no solo buena técnica narrativa, sino también un director con la visión necesaria para hilarlo todo. Breck lo tiene todo. Ha hecho una película que es un festín visual nunca visto".
También cuenta con la intervención de Lotte Verbeek ("Bajo la misma estrella"), Michael Halsey ("Tiempo límite"), Inbar Lavi (la serie de Fox "Gang Related"), Sloane Coombs ("Los secuestros de Cleveland") y Armani Jackson ("Cooties", "Anatomía de Grey").
La película está dirigida por Breck Eisner ("The Crazies"), con guion de Cory Goodman ("El sicario de Dios (Priest)") y Matt Sazama & Burk Sharpless. Sus productores son Mark Canton, p.g.a. ("300", "300: El origen de un imperio", "Immortals"), Vin Diesel, p.g.a. ("Riddick","Fast & Furious 6") y Bernie Goldmann, p.g.a. ("300", "300: El origen de un imperio").
Los productores ejecutivos son Adam Goldworm ("The Prince"), Samantha Vincent ("Riddick","Fast & Furious 7") y Ric Kidney ("Salt", "Total Recall (Desafío total)").
El equipo creativo tras las cámaras incluye al director de fotografía nominado al Óscar Dean Semler, ASC, ACS ("Maléfica", "Mad Max, el guerrero de la carretera", "Bailando con lobos"), la diseñadora de producción Julie Berghoff ("Expediente Warren: The conjuring"), los montadores Dean Zimmerman ("Noche en el museo: El secreto del faraón", "Hora punta 3") y el nominado al Óscar Chris Lebenzon, ACE ("Maléfica", "Sombras tenebrosas (Dark Shadows)"), el diseñador de vestuario Luca Mosca ("21: Blackjack"), el compositor Steve Jablonsky ("El único superviviente", "Transformers"), el supervisor sénior de efectos visuales Nicholas Brooks ("Ahora me ves...", "La Saga Crepúsculo: Eclipse") y el director de casting John Papsidera, CSA (la trilogía "El caballero oscuro", "Jurassic World").
Acerca de la producción
EL ÚLTIMO CAZADOR DE BRUJAS es una aventura fantástica totalmente original, explosivamente física y magníficamente presentada que sumerge a los espectadores en un complejo universo mitológico lleno de una violencia tremenda, traiciones inimaginables y personajes inolvidables. La historia, ambientada en un mundo como no se había visto nunca en la gran pantalla, abarca más de 800 años de la misión de un hombre para mantener a raya a un ejército de sanguinarias criaturas sobrenaturales decididas a exterminar a la humanidad.
El héroe de acción internacional Vin Diesel produce la película y encarna a Kaulder, el guardián del mundo humano desde hace siglos, que ha perdido a su familia, sus amigos y tal vez incluso la esperanza, en su lucha contra las fuerzas del mal. Diesel se inspiró para crear a Kaulder y su historia en sus tiempos como ávido jugador, sobre todo en sus más de 20 años de fascinación con el popular juego de rol de fantasía Dragones y Mazmorras. Su dedicación al juego es tan completa que le pidieron que escribiera el prólogo del libro "30 Years of Adventure: A Celebration of Dungeons & Dragons".
El personaje que más le gustaba llevar a Diesel en el juego era Melkor, un elfo oscuro y cazador de brujas que no formaba parte del juego original. "Lo encontré en un libro de terceros llamado ‘Acheron’", explica. "Siempre me ha atraído la idea de hacer una película fantástica de acción. Hace cinco años, me reuní con el guionista Cory Goodman y nos liamos a hablar sobre Dragones y Mazmorras; antes de darme cuenta, me encontré con un guion alucinante sobre un cazador de brujas".
Goodman llevó el proyecto a Summit Entertainment y a los productores Mark Canton y Bernie Goldmann, que supieron reconocer su potencial para convertirse en una espectacular franquicia de acción y un vehículo para Diesel.
"Vin Diesel aportó al proyecto una gran pasión y entrega", asegura Canton. "Su nivel de compromiso es incomparable. No se le escapa el más mínimo detalle. Está totalmente dedicado a la película, los siete días de la semana. Es un estupendo socio en la producción, por no hablar de una superestrella, que está en plena forma como actor".
Juntos, los productores eligieron al director Breck Eisner para tomar las riendas. "Conozco a Breck desde hace tiempo", comenta Canton. "Es incansable. Tiene una ética de trabajo increíble y un talento prodigioso. Su imaginación y su detallismo hicieron que la historia cobrara vida".
A medida que se fue desarrollando el proyecto, el equipo responsable del mismo colaboró para crear un mundo sorprendente en el Kaulder pudiera sumergirse por completo. "Lo primero que me entusiasmó de la película fue la posibilidad de crear todo esto con Breck", afirma Goldmann. "Pasamos mucho tiempo dilucidando y comprendiendo la mitología. No se basa en ningún libro ni novela gráfica, así que teníamos mucho más trabajo que hacer. Inventar un mundo partiendo de cero es todo un reto".
Eisner estaba realmente entusiasmado con el proyecto. "Me encantó el personaje de Kaulder desde el primer instante", admite. "De niño, era un gran fan de ‘Los inmortales’ y esto me recordaba un poco a eso. Pero, además, tiene ese elemento alucinante de un cazador de brujas inmortal que se venga por la pérdida de su mujer y su hija. El personaje de Vin está un poco torturado y angustiado. Me atraía mucho verlo como un tipo duro moderno y también como un guerrero medieval".
Históricamente, las brujas solían servir de chivos expiatorios de supuestas herejías. Cualquier cosa que quedara fuera de los límites de la religión era susceptible de tildarse de "brujería". La rica mitología del filme presenta a las brujas de una forma completamente distinta. La raza de las brujas (o hexan) antecede a la humanidad en la Tierra y extrae energías espirituales de los cuatro elementos: aire, agua, fuego y tierra. Cuando llegaron los humanos y empezaron a someter la naturaleza en lugar de respetarla, estalló el inevitable conflicto, que desencadenó una larga y sangrienta guerra.
"Las brujas se ven como protectoras de la naturaleza y ven a la humanidad como su destructora", explica Eisner. "La película se ambienta en Nueva York por ese motivo. Manhattan solía ser una isla con biodiversidad, pero ha acabado convertida en un bastión de la humanidad, carente casi por completo de todo rastro de naturaleza".
Durante la Edad Media, surgieron los Señores Brujos, seis hermanos todopoderosos que desataron el arma definitiva contra la humanidad: la Peste Negra, una pandemia que acabó con alrededor del 60% de la población de Europa. Una hermandad secreta que se hace llamar"La Orden del Hacha y la Cruz" decidió dedicarse a dar caza y destruir a la Reina Bruja, a fin de salvar a la humanidad.
Fue Kaulder quien logró al fin acabar con la reina, pero pagó un alto precio por ello. Con su último aliento, la reina lo maldijo con la inmortalidad. Kaulder ha vivido los últimos ocho siglos como el último protector de la humanidad, controlando a las brujas restantes que se ocultan a plena vista, sometidas a las draconianas reglas del Hacha y la Cruz y de su propio Consejo de Brujas. Al comienzo de la película, sospecha que hay en marcha una trama para resucitar a la reina y destruir el mundo.
En EL ÚLTIMO CAZADOR DE BRUJAS, Eisner muestra a las brujas de una forma completamente distinta. "En la mayoría de las películas, o bien tienen nariz puntiaguda, una verruga y una escoba, o las representan como monstruos. Aquí, son más bien como seres humanos con habilidades espectaculares para jugar con tu mente. Las brujas pueden hacerte creer que has vuelto al pasado y que tus seres queridos siguen vivos. Pueden proyectar imágenes que te convencerán de que estás loco. Pueden cambiar de aspecto. Todos esos distintos planos de realidad convergen en la mente de nuestro héroe".
Aunque algunas brujas son malvadas, otras practican una magia más benigna. Diesel lo explica en los siguientes términos: "Esta película sugiere que en la actualidad hay gente entre nosotros que posee magia. Presenta la idea de que son una raza antigua que existe desde antes que nosotros, que han visto propagarse a la humanidad y destruir el mundo natural tal como lo conocían".
Para seguirle la pista a la compleja acción y la historia previa, los múltiples niveles de realidad y un período de tiempo que abarca más de 800 años, Eisner colaboró con un grupo de artistas de talento para crear exhaustivos storyboards que documentaban toda la película casi fotograma a fotograma. "He trabajado con muchos maestros del cine y gran cantidad de realizadores emergentes, pero nunca había visto storyboards tan completos y coherentes", declara Canton.
"En una película así, hace falta un director que se fije hasta en el más mínimo detalle", agrega Diesel. "Visitamos múltiples realidades y Breck tuvo que establecer además cómo funcionaba la magia. Con una mitología original como esta, el director se tiene que encargar de conseguir que la entiendan tanto los espectadores, como los actores y el equipo, y eso es algo que Breck ha logrado hacer de forma magnífica".
EL ÚLTIMO CAZADOR DE BRUJAS tiene algo para todos, en opinión de Canton. "Por un lado, tenemos el ambiente épico, casi apocalíptico de películas como la serie de ‘El señor de los anillos’. Por otra parte, tenemos un personaje moderno, estilo James Bond, en Nueva York. Kaulder es el tipo más guay del mundo. En más de 800 años, ha aprendido todo lo que se puede saber sobre arte, música, cultura, arquitectura y, lo que es más importante, sobre la gente, y la diferencia entre el bien y el mal. Es un tipo superguay y moderno, que ha aguantado a la perfección el paso del tiempo. Creo que Kaulder es un nombre al que vamos a empezar a hacer referencia, al estilo de Bond, Bourne y otros héroes de acción clásicos".
El cazador de brujas y sus presas
El reparto de EL ÚLTIMO CAZADOR DE BRUJAS tiene estrechos vínculos con el género de la fantasía y la acción, al contar con veteranos de "Juego de tronos", así como de las franquicias de "El señor de los anillos", "El caballero oscuro", "El hobbit" y "Riddick". "Nadie había reunido nunca un reparto compuesto por tantos héroes de otras aventuras mitológicas", sostiene Canton.
En primer lugar se encuentra, ante todo, Diesel, por supuesto. Su imponente carisma es crucial para Kaulder, el último miembro guerrero que le queda al Hacha y la Cruz, la hermandad dedicada a mantener controladas a las brujas. Hecho inmortal por la maldición final de la Reina Bruja, e impulsado por el dolor de su pasado, libra una lucha interminable. La idea de la inmortalidad resulta atractiva para muchos pero, aunque ofrece a Kaulder una ventaja táctica, supone llevar una existencia muy solitaria.
"Lo convierte en un soldado formidable, porque no tiene miedo a la muerte ni a herida alguna", explica Diesel. "Pero lo obliga a seguir con vida, pese a que desearía no hacerlo. Para él, después de 800 años, ya ha vivido demasiado".
"Su inmortalidad hace que le resulte imposible conectar con otras personas", prosigue Canton. "Eso supondría inevitablemente para él tener que acabar sufriendo otra pérdida. Vin creó un personaje que vive tras una fachada de perfección y finge que todo anda bien. Pero esa fachada empieza a desmoronarse y se va dando cuenta de que su dolor le está impidiendo avanzar como persona".
Kaulder ha estado acompañado en su largo viaje por una sucesión de sacerdotes asesores, conocidos todos como Dolan. Los Dolan son miembros del Hacha y la Cruz, encargados de documentar las actividades de Kaulder a lo largo de los siglos, en diarios escritos a mano, que van pasando de uno a otro, de modo que cada Dolan está íntimamente familiarizado con su historia. "Es como si la misma persona hubiera estado a su lado todos esos 800 años", señala Eisner. "Los Dolan son una forma de mantener cuerdo a Kaulder. Son como un mejor amigo artificial".
Al empezar la película, el Dolan 36 está a punto de jubilarse. "Kaulder tiene un vínculo especial con este Dolan", explica Canton. "Es su único lazo verdadero con otro ser humano. Tienen una relación de 50 años. Entre ellos hay una enorme cantidad de respeto y dignidad, y bastante afecto".
Buena parte de ese respeto y afecto procede del hecho de que el actor que lo interpreta es amigo íntimo de Diesel en la vida real: el ganador del Óscar Michael Caine. "Parte de nuestra amistad se basa en el hecho de que ambos somos chicos de la calle", aporta Caine. "Nunca fuimos a academias, nunca asistimos a escuelas de arte dramático. Tuvimos que salir adelante por nosotros mismos".
Pese a su relación personal con Diesel, Caine se sintió desconcertado cuando le ofrecieron el papel. "Cuando me llamaron, pensé: ‘vaya, pues no soy muy buen conductor’", recuerda."¿Qué diablos querría Vin que hiciera yo? La verdad es que nunca había visto a Vin en una película así. Ni yo había hecho nunca nada así. Es muy entretenido, con una acción y una imaginación tremendas".
En cuanto a su personaje, Caine apunta: "Soy más bien como una vieja figura respetable, que lo sabe todo, lo tiene todo y lo organiza todo. Se parece mucho a Alfred, el mayordomo de Batman. Tiene una relación extraordinaria con Kaulder, como de padre e hijo".
El personaje de Caine le está pasando el testigo de los Dolan a un joven sacerdote interpretado por Elijah Wood, especialmente conocido por su papel de Frodo Bolsón en la trilogía de "El señor de los anillos". "El guion me sorprendió", reconoce Wood. "Me pareció que la trama era innovadora y apasionante. Ofrece una visión original a gran escala de nuestro mundo, en la que coexistimos con brujas. No había leído nunca nada parecido. Cuando Breck me mostró todas las ilustraciones tan increíbles que se habían creado, eso no hizo más que consolidar mi interés".
Wood agrega: "Michael Caine posee un gran pedigrí, sofisticación y un estatus legendario; ayuda mucho a la historia que sirva como primera toma de contacto para el público con la larga sucesión de los Dolan".
A Kaulder le cuesta un poco acostumbrarse al nuevo Dolan. "Mi personaje tiene ciertos problemas para conectar con él", reconoce Wood. "Pero se da cuenta de que Kaulder no conecta realmente con nadie y que le han dejado el listón muy alto".
Kaulder encuentra una nueva aliada inesperada en su misión cuando conoce a Chloe, una bruja moderna que regenta un bar de recuerdos, un paraíso bohemio oculto tras una puerta mágica. "Ofrece una visión nueva de lo que sucede en un bar", comenta Rose Leslie, que interpreta a Chloe. "No vas allí a olvidar. Vas para recordar. Es un espacio maravilloso, como una especie de fumadero de opio, con pequeños rincones en los que puedes relajarte y entrar en otro mundo".
Los clientes pueden hacer uso de pociones y conjuros que les permiten sumergirse en su pasado, que es lo que lleva a Kaulder hasta Chloe. "Dolan 36º ha encargado a Kaulder que busque un modo de recordar algo importante que lleva siglos bloqueando", explica Diesel."Para conseguirlo, se ve obligado a recurrir a la magia que lleva tanto tiempo tratando de eliminar. Eso hace que se cree una relación interesante entre el cazador y su presa".
Chloe posee una habilidad formidable que ha logrado mantener en secreto, incluso de las demás brujas. "Es una caminante de sueños", aporta Leslie. "Puede entrar en los sueños de los demás, pero siempre le han dicho que es un tipo de magia negra empleada por brujas malvadas. Teme lo fuerte que puede ser".
Los caminantes de sueños han ocupado puestos clave al servicio de la reina, según explica Eisner. "No hay muchos. Son muy poderosos, porque tienen la capacidad de llevarte de vuelta a un recuerdo, así como de meterse en tu cabeza. Pueden manipularte la mente, hacerte ver y pensar cosas que no sean reales".
Es en el bar de recuerdos donde Kaulder se topa por primera vez con un letal enemigo, Belial, un brujo que se ha pasado al lado oscuro. "La mayoría de las brujas de nuestro mundo no son malvadas", explica Eisner, "pero hay unas cuantas que todavía echan de menos los tiempos en los que las brujas eran la especie dominante del planeta. Belial pertenece a este grupo".
Belial está interpretado por el actor islandés Ólafur Darri Ólafsson, a quien Eisner vio por primera vez en la serie de gran éxito de HBO "True Detective". "Interpretaba a un motero aterrador. Es una figura imponente, con una voz imponente, igual que Vin. Quería asegurarme de que el tipo con quien tuviera que vérselas Vin poseyera una presencia física pareja a la suya".
"Belial es un brujo que lleva muchos años buscando un modo de resucitar a la Reina Bruja", explica Ólafsson. "Cree que el mundo pertenece a las brujas, no a la humanidad. Está haciendo todo lo posible para llevar el mundo de vuelta a una época de la que en realidad él nunca formó parte".
El conflicto entre Belial y Kaulder ofrece una oportunidad para que los dos actores escenifiquen una demoledora escena de lucha. "Teníamos un equipo de especialistas extraordinario que nos preparó una escena de lucha estupenda", comenta Ólafsson. "Aunque he de admitir que resulta bastante surrealista estar haciendo una escena de lucha y darte cuenta de que te estás enfrentando a Vin Diesel".
Kaulder ha de vérselas con muchas brujas del lado oscuro, incluyendo a Ellic, un metamorfo que adopta la forma de un niño para atraer a otros pequeños a su sótano de los horrores. El actor británico Joe Gilgun interpreta al personaje como un fanático aterrador. "Actúa en nombre de la Reina Bruja y está realmente convencido de estar haciendo lo correcto", aporta Gilgun. "Además de cambiar su propia forma, cambia la de un árbol de su jardín para que parezca que le crecen ositos de gominola, lo que le ayuda a atrapar niños. Se convierte en el típico jardín trasero del medio oeste de EE. UU., con un toque mágico oscuro a lo Pee-wee Herman. Pero, si te fijas, puedes detectar indicios del tenebroso mundo que se oculta debajo".
El matemático convertido en actor Isaach de Bankolé interpreta al comerciante ciego de hierbas Max Schlesinger, que provee al bar de Chloe de artículos esotéricos. Eisner se lo imaginó en un primer momento como una especie de vendedor ambulante de diamantes, salvo que su maletín está lleno de bichos y gusanos.
"Tiene gracia, mi personaje estaba pensado originalmente para ser un tipo judío de 60 años", comenta de Bankolé, natural de Costa de Marfil. "Pero no dista tanto de mis propios orígenes. De donde procedo, la gente se comunicaba a menudo con los muertos. Forma parte de mi cultura".
El enemigo más temible de Kaulder es la Reina Bruja, la más antigua y poderosa de todas las brujas, interpretada por la actriz Julie Engelbrecht.
"El guion me pareció muy interesante", afirma la actriz. "Es una historia completamente original que jamás habíamos visto, una forma de presentar a las brujas que no había visto nunca. Y la verdad es que tiene bastante humor. La muerte y el humor son una buena combinación con la que contar cuando se trata de entender a la humanidad".
La Reina Bruja tiene un vínculo primordial con la naturaleza, que alimenta su furia. "Posee una cualidad muy terrenal", explica Engelbrecht. "La veo como una aborigen. Las brujas habitaban la Tierra antes que los humanos y los ven como intrusos en su mundo. Desde su punto de vista, está protegiendo a los suyos. La humanidad ha invadido su hogar, destruido su raza y está empeñada en acabar también con la propia naturaleza. Su cólera procede de la injusticia y la crueldad que han tenido que sufrir ella y su familia".
Engelbrecht tuvo que estudiar griego antiguo para poder pronunciar sus maldiciones y conjuros con autoridad. "Me entusiasman los idiomas, y este encaja perfectamente con la Reina Bruja. Lo hice encantada".
La magia y las brujas siempre han ejercido un cierto atractivo, observa la actriz. "La magia es lo que la ciencia no puede explicar y creo que la gente siempre teme aquello que no puede entender. Eso es lo fascinante de la magia: no se puede explicar".
Las raíces del mundo de las brujas
EL ÚLTIMO CAZADOR DE BRUJAS se rodó de principios de agosto a principios de diciembre de 2014 en locaciones reales de Pittsburgh, que hizo las veces de la ciudad de Nueva York. La diseñadora de producción Julie Berghoff se basó en los exhaustivos storyboards y las anotaciones de Eisner para crear los inquietantes entornos de los hexan, así como del resto del ominoso mundo de Kaulder.
"Ha sido el guion más visual que he leído nunca", asegura Berghoff. "Se basa en la naturaleza y se desarrolla en todo ese tipo de lugares tenebrosos y escalofriantes que me encantan. Me atraían todos esos mundos distintos que iba a tener ocasión de crear. No tardé en descubrir que Breck Eisner tiene muy buen ojo y una imaginación maravillosa. Su idea de las brujas modernas ofrecía una nueva forma de verlas. Es un mundo precioso de fantasía, en el que tu vecino podría ser una bruja".
El diseño del maquillaje y el vestuario de la Reina Bruja, así como su hogar, se inspiran en la obra del difunto pintor, fotógrafo y escultor polaco Zdzisław Beksiński, cuyos trabajos incorporan figuras biomórficas en un estilo conocido como surrealismo distópico. "Era un tipo retorcido, oscuro y chiflado que creó arte muy hermoso y vanguardista", aporta Berghoff.
El retorcido y espinoso Árbol de la Reina que sirve como su cubil es uno de los puntales de la mitología de la película, una fortaleza para la reina y sus seguidores, que amenaza con tragarse a cualquier humano lo bastante insensato para adentrarse en él. "Es una de las principales fuerzas impulsoras de la película", proclama Berghoff. "Es el hogar de la reina, y donde comienza la trayectoria inmortal de Kaulder. Breck tenía muy clara la energía que quería de él. Ese fue para mí el principio del proceso. Me pareció que, si entendía el árbol, podría entender el resto del filme".
Berghoff creó un matojo con un búnker en el fondo, rodeado de una maraña de raíces, musgo y enredaderas. "Hay que recorrer los distintos niveles", comenta. "Hay un enorme pozo que lleva al inframundo. Está lleno de tótems reunidos a lo largo de cientos de años. En él viven toda clase de criaturas y, en lo más alto, hay un claro lleno de altares donde las brujas realizan sus sacrificios".
El set del Árbol de la Reina se construyó en un plató cerrado y se diseñó para que pudiera aguantar tanto el fuego como el agua. "Se pensó mucho cada mínimo detalle", recuerda la diseñadora de producción. "Se hizo que parte del suelo parecieran raíces. También creamos ramas blandas para asegurarnos de que no le pudieran a sacar un ojo a alguien, además de hacerlas incombustibles e impermeables".
Berghoff creó también la siniestra cámara en la que se reúne el Consejo Internacional de Brujas para juzgar a los sospechosos de practicar la magia negra, así como la cárcel de las brujas, en la que los condenados por fechorías son enterrados mediante magia en celdas en los muros de piedra. Las escenas de la cárcel se filmaron en una mina de caliza en Wampum, Pensilvania, un enorme complejo subterráneo de 0,23 km2. "Es escalofriante, tenebroso y hermoso", opina Berghoff. "Queríamos que la cárcel fuera como las puertas del infierno, así que recurrimos a artistas como Gustave Doré en busca de inspiración".
El diseñador de vestuario Justin Raleigh, de Fractured FX, se reunió con Eisner año y medio antes del rodaje para empezar a desarrollar la imagen de las brujas. "El reto era hacer algo completamente distinto con respecto al aspecto que se supone que debería tener una bruja", aporta. "Breck nos mostró imágenes oscuras, surrealistas y espantosas de la obra de Beksiński para que nos ayudaran a diseñar un estilo único y diferente para la reina y su mundo. Me encantó el reto de cómo iban a ser estas criaturas. Seguían siendo humanas, pero muy, muy orgánicas, algo que el estilo de Beksiński capta estupendamente".
Transformar a la glamurosa Julie Engelbrecht en la aterradora Reina Bruja era un proceso que exigía mucho tiempo y esfuerzo. "Queríamos que se trasluciera su belleza", explica Raleigh."Creo que se nos ocurrió algo que quedó muy bien. Es un proceso de unas cuatro horas y media. El diseño tenía que ser muy funcional y ajustado a su cuerpo. De cuello para abajo, lleva un traje prostético con corsé incorporado. Lleva una espina dorsal exterior que le cuelga desde la parte posterior de la cabeza, aplicaciones en las piernas, brazos, manos y pies, lentes de contacto y prostéticos dentales".
El resultado, opina, es sorprendentemente orgánico. "Es casi como si la Reina Bruja llevara una especie de camuflaje", prosigue. "Sus seguidores tienen un aire algo más humano, pero son criaturas muy salvajes, de aspecto feroz, cubiertos de tierra, como si fueran parte del nido".
Aunque EL ÚLTIMO CAZADOR DE BRUJAS no escatima en dinámicos efectos especiales de última generación, Eisner hizo hincapié en querer que se filmara ante la cámara lo máximo posible, para dotar de una sensación de realismo al mundo sobrenatural. Además del supervisor sénior de efectos visuales Nicholas Brooks y su equipo de primera, el cineasta contó con el coordinador de efectos especiales Peter Chesney para crear innumerables efectos prácticos asombrosos y aterradores.
"Peter es increíble", proclama Brooks. "No había trabajado nunca con semejante cerebrito. Creó de todo, desde enormes e intrincados aparejos a efectos más sencillos, pero igualmente complicados, como paredes que se agrietan o pentáculos que arden en el suelo".
La creación del centinela, el guardián de 4,5 m de altura de la cárcel de las brujas, fue uno de los mayores retos que tuvo que afrontar Chesney. La criatura, esculpida en madera, hueso y piel, sobre un armazón metálico, se montó sobre una sección de vía de montaña rusa para que tuviera movilidad. También hubo que incorporar a esas secuencias un carro con un trozo de croma verde.
Muchos de los efectos se concibieron y crearon específicamente para la película, entre ellos un complejo sistema de cardán para simular un avión atrapado en una violenta tormenta, las exóticas pociones que sirve Chloe a sus clientes y la tormenta de nieve del bar de recuerdos."Esa es la parte divertida de los efectos especiales", sugiere Chesney. "No se suele hacer lo mismo dos veces".
Vestir a un cazador de brujas tampoco fue tarea fácil, incluso para un diseñador creativo como Luca Mosca. El Kaulder moderno es un hombre de gustos sofisticados e inmensos recursos que tenía que tener un estilo atemporal. "Viste a la moda actual, pero con un toque de otra época", explica Mosca.
El vestuario medieval de Kaulder también resultó sumamente complicado, debido a las numerosas capas que precisaba, según comenta. "Teníamos tres aspectos distintos para la época medieval, que representaban cómo vestía para estar en casa con su familia, para ir de cazador y para ir de guerrero".
La ropa de guerrero fue especialmente peliaguda de crear, confiesa Mosca. "Tenía una capa base de pantalones de cuero, una camisa holgada y un cuello tipo pechera postiza. Creamos un molde 3D del cuerpo de Vin e hicimos la armadura a base de inyectar en el molde un compuesto de poliuretano. El diseño se creó por ordenador. Busqué una textura que me gustara, le añadí puntos para que parecieran remaches y luego lo imprimimos. Entonces hubo que pintar cada pieza para darle un acabado metálico antiguo. Le añadimos una capa hecha de piel para darle un aspecto de guerrero muy imponente. Llevaba más de una hora ponérselo todo".
Según Canton, que ha producido películas tan originales y visualmente impactantes como"Immortals" y "300", hacer realidad los aspectos visuales era a la vez lo más difícil y lo más atrayente de EL ÚLTIMO CAZADOR DE BRUJAS. "Fue un desafío de locos", afirma. "Ha supuesto un trabajo tremendo y un gran esfuerzo por parte de todo el equipo para llevarlo a cabo. Crear un mundo totalmente nuevo para una historia que abarca unos 800 años exige no solo buena técnica narrativa, sino también un director con la visión necesaria para hilarlo todo. Breck lo tiene todo. Ha hecho una película que es un festín visual nunca visto".
Compartimos el videoclip con la canción central del filme, interpretado por Ciara.
Vamos ahora a escuchar la voz de los intérpretes. En primer lugar tenemos a Vin Diesel.
En la nota, él menciona a Rose Leslie; veamos qué es lo que ella tiene para decirnos.
Breck Eisner es el director de esta cinta, y también tiene algo para contarnos.
Y en tren de cholulos, tenemos a Vin Diesel intentando promocionar la película hablando castellano.
Letras explícitas
Drama - Musical - BiopicUSA
147 minutosAño: 2015
Keith Stanfield, Aldis Hodge, Jason Mitchell, Paul Giamatti, Alexandra Shipp, Keith Powers, Orlando Brown, Corey Hawkins, O'Shea Jackson Jr.
En 1987, cinco jóvenes de una zona marginal de Los Ángeles llamados Ice Cube (O'SHEA JACKSON JR), Dr. Dre (COREY HAWKINS, Non-Stop/Sin escalas), Eazy-E (JASON MITCHELL, Contraband), DJ Yella (NEIL BROWN JR, Fast & Furious) y MC Ren (ALDIS HODGE, Duro de matar: Un buen día para morir) canalizaron su frustración y su ira a través de letras llenas de sentimiento y con un ritmo muy potente, haciendo de la música su arma más poderosa.
A finales de los años ochenta, las calles de Compton, un municipio al sur de Los Ángeles, eran las más peligrosas del país. El consumo de crack crecía a la misma velocidad que se multiplicaban las bandas que lo fabricaban y distribuían. Una unidad de la policía de Los Ángeles (LAPD) especializada en bandas había declarado una guerra sin cuartel contra la droga sin preocuparse por las consecuencias, creando una atmósfera amarga y de total desconfianza hacia cualquier uniforme por parte de los vecinos de la zona.
Eazy-E, un carismático camello, no tardó en darse cuenta de que la entonces naciente escena rapera de Los Ángeles podía tener mucho futuro y se le ocurrió una idea. Decidido a cambiar de vida, habló con su amigo Dr. Dre, un DJ local que trabajaba en las discotecas de Compton con DJ Yella. Ellos también estaban cansados de vivir huyendo y buscaban una salida. Eazy-E tenía recursos y los contactos necesarios para que hubiera un cambio. Otros dos jóvenes raperos del barrio se unieron a ellos, MC Ren y Ice Cube, un chico de 16 años cuyas explosivas letras llamaron la atención de Dr. Dre. Había llegado la hora de usar su frustración para alimentar su música y ofrecer al barrio lo que más necesitaba, una voz.
STRAIGHT OUTTA COMPTON nos lleva a los orígenes donde empezó todo y cuenta cómo estos rebeldes culturales, armados con sus letras, coraje, chulería y talento, se enfrentaron a las autoridades, empeñadas en hacerlos callar, y consiguieron formar el grupo más peligroso del mundo, N.W.A. Nadie antes se había atrevido a decir la verdad de lo que pasaba en el barrio y su voz dio pie a una revolución social cuyos ecos siguen sonando hoy en día.
STRAIGHT OUTTA COMPTON es un proyecto dirigido por F. GARY GRAY (Friday, Hasta el final, The Italian Job, Un ciudadano ejemplar) basado en una historia de los coproductores ejecutivos S. LEIGH SAVIDGE (el documental "Welcome to Death Row") y ALAN WENKUS (Punto de recreo), así como ANDREA BERLOFF (World Trade Center). El guión es del debutante JONATHAN HERMAN y ANDREA BERLOFF.
Coprotagonizado por PAUL GIAMATTI, ganador de un Globo de Oro (la miniserie "John Adams"), el drama está producido por dos miembros originales de N.W.A., ICE CUBE y DR. DRE, a los que se unen TOMICA WOODS-WRIGHT, MATT ALVAREZ (Vaya patrulla), F. Gary Gray y SCOTT BERNSTEIN (el próximo estreno Infiltrados en Miami, la secuela de Vaya patrulla).
El equipo técnico de STRAIGHT OUTTA COMPTON está compuesto por el director de fotografía MATTHEW LIBATIQUE (Cisne negro, Iron Man 2), el diseñador de producción SHANE VALENTINO (Beginners, el telefilm "The Normal Heart"), el montador BILLY FOX (Hustle & Flow, Cuatro hermanos), la diseñadora de vestuario KELLI JONES (la serie "Hijos de la Anarquía", El protector/Homefront), el compositor JOSEPH TRAPANESE (Oblivion, The Raid 2) y el supervisor musical JOJO VILLANUEVA (Cómo acabar sin tu jefe 2, Lo mejor para ella).
La producción ejecutiva corre a cargo de WILL PACKER (En qué piensan los hombres), ADAM MERIMS (El mayordomo), DAVID ENGEL (Saint John of Las Vegas), BILL STRAUS (The Last Rites of Joe May), THOMAS TULL (Jurassic World) y JOHN JASHNI (Godzilla).
Desde las calles: Una película que tardó décadas en hacerse
La película que cuenta la historia de N.W.A. es realmente multifacética; habla de las historias personales de sus miembros y retrata el tejido social del que emergió la revolucionaria música del grupo durante sus diez años de vida.
Narrar el ascenso de N.W.A. era una idea que siempre había perseguido a O'Shea Jackson, conocido sobre todo por su nombre artístico, Ice Cube, durante su larga y exitosa carrera como músico, actor, guionista, productor y director.
Pero hasta el año 2009 no tuvo entre sus manos un guión lo suficientemente bueno. Por primera vez pensó seriamente en la posibilidad de hacer una película basada en las experiencias que vivió el grupo hacía casi tres décadas.
Nunca dudó que la versión filmada de la historia de N.W.A. debía estar dedicada a Eric "Eazy-E" Wright, el fundador del grupo, fallecido en 1995. Ice Cube dice: "Demos las gracias a Eazy, que tuvo una visión de futuro y comprendió que este tipo de música era lo que el mundo iba a querer escuchar. Ante todo, quería que Compton se tuviera en cuenta. Siempre decía: 'Venga, todos vivís en Brooklyn, siempre estáis con Queens, el Bronx, el centro. Y no hay ni Dios en Compton'. Estaba decidido a poner a Compton en el mapa y lo consiguió".
Con la participación de personas clave, como Dr. Dre, otro miembro de N.W.A., y la viuda de Eazy-E, Tomica Woods-Wright, que se unieron al equipo como productores, además de otros dos miembros del grupo, MC Ren y DC Yella en calidad de consultores, Ice Cube estaba seguro de que todo iría bien y que sería un digno homenaje.
El guión de STRAIGHT OUTTA COMPTON se basa en entrevistas realizadas durante años y en material recopilado por el documentalista musical S. Leigh Savidge ("Welcome to Death Row") y el guionista Alan Wenkus. El primer borrador sirvió para desarrollar la versión final, escrita por Jonathan Herman y Andrea Berloff .
El trabajo de los guionistas se centró en incorporar una enorme cantidad de información procedente de personas muy diferentes para plasmar los tiempos en que nació y vivió el grupo N.W.A. Todos, guionistas, director y productores, estaban de acuerdo en que contar la historia del grupo serviría para honrar la memoria del visionario Eazy-E. Él fue el corazón del grupo, y su historia debía tratarse con respeto.
Desde el principio, el objetivo de Eazy-E fue retratar la vida en el barrio mediante letras sinceras escritas por Ice Cube, apoyadas por el contagioso ritmo de Dr. Dre, para crear un movimiento que expresara la vida en Compton con una honradez inexistente hasta entonces. Sabía que tenían algo especial, y junto a DJ Yella y MC Ren crearon una música icónica que superó rápidamente las fronteras de las zonas marginales de Estados Unidos y que les dio a conocer en todo el mundo.
Tomica Woods-Wright ayudó enormemente a la película por haber conocido y vivido con Eazy-E. La productora espera que esta película ayude a los seguidores de N.W.A. y a aquellos que aún no conocen su música a saber algo más de Eazy-E: "Eric era muy realista y perseverante. Su legado demuestra que el proverbio no se equivoca: 'No juzgues un libro por la portada'. Si leen todas las páginas, aprenderán cosas que les marcarán para siempre".
Andre Young, más conocido como Dr. Dre, fue el que más dudó cuando se le propuso llevar la historia del grupo a la gran pantalla. Para el músico y productor, cuyos discos "The Chronic" y "2001" siguen siendo una fuerte influencia en el rap y el hip-hop de la Costa Oeste, esos primeros años representan algo totalmente personal e incluyen momentos clave de su vida. No creía posible que dichos momentos pudieran captarse correctamente con la integridad suficiente.
Después de leer el guión y hablar en varias ocasiones con Ice Cube en primer lugar y, posteriormente, con su familia, Dr. Dre aceptó producir la película de la montaña rusa que fue N.W.A.
Scott Bernstein, exvicepresidente ejecutivo de producción de Universal Pictures, defendió el guión desde el principio y ha sido fundamental en el desarrollo del estudio antes de dejarlo y fundar su propia empresa para producir STRAIGHT OUTTA COMPTON. Explica qué le atrajo del proyecto: "La historia de N.W.A. no solo trata de temas universales, como la amistad, la hermandad y el éxito, también muestra elementos más oscuros, como la traición y la tragedia. Me fascinó la idea de que estos chicos, al mismo tiempo que vivían el sueño americano, estuvieran sumidos en una tragedia griega. A este respecto, Eazy es el personaje más trágico de la historia. Todo empieza gracias a su astucia y energía, pero se deja traicionar por su ego cuando Jerry Heller le convence de que Ruthless Records y Eazy-E son más importantes que el grupo. Al darse cuenta de su error, intenta retroceder, pero ya es demasiado tarde. Cube y Dre quisieron hacer esta película para honrar la memoria y la capacidad de lucha de un hermano desaparecido".
El socio productor de Ice Cube, Matt Alvarez, que está en la empresa desde Next Friday, está totalmente de acuerdo: "Ice Cube y yo llevamos mucho tiempo trabajando juntos, pero nunca habíamos participado en un proyecto que fuera tan importante y tan personal. Es emocionante ver cómo se ha cerrado el círculo, no solo para él, sino también para los otros miembros de N.W.A. Me enorgullezco de haber servido para contar su historia".
El hombre que encabeza el equipo para hacer posible que esta complicada historia llegue a las salas de cine es F. Gary Gray, que ha dirigido títulos de géneros tan diversos como la película de acción The Italian Job, el thriller dramático Negociador o la comedia Be Cool. Involucrado de lleno en el proyecto desde 2011, considera STRAIGHT OUTTA COMPTON como la obra más importante de su carrera y la culminación de su experiencia y de su obra.
La relación del director con el material también es muy personal porque se asemeja a la suya propia. Creció en una zona muy similar a la de los cinco jóvenes de la historia; en los años ochenta vio cómo entraba en su barrio cada vez más crack y armas automáticas, con la consiguiente destrucción de las familias. Vivió las mismas experiencias que ellos; también memorizaba los detalles, marcas y modelos de los coches de los agentes de paisano que entraban en Compton, fue testigo de cómo la policía se abría paso, derribando puertas y todo lo que se interponía, y acabó por descubrir que el cine, como la música o cualquier arte, puede ser el medio ideal para expresar la frustración y la ira.
F. Gary Gray, que también es uno de los productores, debutó en la industria cinematográfica a los 23 años con un corto titulado "Legacy" donde exploraba las nefastas consecuencias sociales de la violencia.
Hace años que conoce a Ice Cube y a Dr. Dre, y los tres sienten un profundo respeto mutuo. Al empezar como director, F. Gary Gray dirigió numerosos clips para artistas de hip-hop y R&B, entre los que estaban Ice Cube y Dr. Dre, una experiencia que le resultó de gran utilidad poco después cuando empezó a dirigir cine. Se ocupó de los exitosos vídeos musicales "It Was a Good Day", de Ice Cube, y "Natural Born Killaz", una colaboración entre Ice Cube y Dr. Dre. De hecho, su primer largometraje como director fue la comedia Friday (1995), escrita y protagonizada por Ice Cube.
Teniendo en cuenta la larga relación que le une con los dos músicos, su objetivo principal siempre fue crear una película muy auténtica en la que se viera la profunda amistad que unía a los miembros de N.W.A. y que contara cómo el dinero, la fama, el ego y la tragedia no solo pondrían a prueba a los miembros del revolucionario grupo, sino que acabaría con su compañerismo. También estaba empeñado en demostrar el impacto de N.W.A. en la cultura pop actual, además de utilizar su propia experiencia y la de sus amigos artistas que salieron de barrios marginales.
"Cuando leí el guión por primera vez, me pareció una historia sorprendente, no me lo esperaba para nada", explica el director. "Como si cinco hermanos fueran el principio de todo. Despertó una profunda emoción en mí y quise ir más lejos. La música de N.W.A. es fantástica, pero quería tocar la parte humana. ¿Quién no conoce a Dr. Dre, Ice Cube y Eazy-E? Son auténticos iconos, pero también son personas. En una de las primeras conversaciones que tuve con Ice Cube, fui muy directo y le dije: 'Si me dais acceso a O'Shea Jackson, Andre Young y Eric Wright, me interesa contar la historia".
El realizador añade que esta película es mucho más que eso para él: "STRAIGHT OUTTA COMPTON es la historia que llevo dentro desde que soy niño, nací para hacer esta película. Me basta con observar las caras de los actores para ver a los chicos en las calles del barrio hace 30 años. Es nuestra historia; se nota la pasión de todos los que han participado, lo mucho que se han entregado al proyecto. Siempre supimos que debía ser perfecta para que el público que no fuera de la zona descubriera por lo que pasamos y para que los del barrio vieran que hemos hecho justicia a su historia. Empecé dirigiendo un corto y ahora siento que he cerrado el círculo; es un honor haber contado la verdad".
Las duras letras de N.W.A. reflejaban la vida en los barrios negros situados al sur de Los Ángeles y fueron la tierra donde germinó una nueva generación de artistas callejeros que lanzaron mensajes con una conciencia social cuyo significado y fuerza siguen vigentes décadas después.
STRAIGHT OUTTA COMPTON recorre más de diez años de la vida del rapero adolescente que se convirtió en la voz de los marginados, del DJ que tuvo la inteligencia y la energía para convertirse en un superproductor musical, del camello y timador que los unió, sin olvidar a los otros dos talentos que formaban el grupo. Juntos crearon un género musical que conquistó al mundo y que sigue vivo.
"Queríamos que todos se fijaran en nosotros. Describo a nuestro género como 'shock-hop'", explica Dr. Dre. De ahí el nombre, N.W.A. (Niggas Wiz Attitudes/Negros con actitud), que encajaba con el mensaje de sus letras. "Queríamos dejar las cosas muy claras con el nombre del grupo y la música", sigue diciendo, "para que todo el mundo nos viera y escuchara lo que decíamos".
Los miembros de N.W.A. supieron desde el primer momento que había química entre ellos; no les costó encontrar su papel, creando una sinergia entre todos. Ice Cube y MC Ren eran las voces; Dr. Dre y DJ Yella, que habían empezado juntos como DJ en el grupo World Class Wreckin' Cru, se ocupaban del sonido y de la producción, y Eazy-E era el líder que comercializaba la música y la imagen del grupo, no solo en el barrio, sino en todo el planeta.
Lorenzo Patterson, el alter ego de MC Ren, era otro rapero adolescente del barrio cuando conoció a Eazy-E, que ya era famoso en la zona. Hablando de esta primera etapa, cuando tocaban en pequeños locales de la zona, dice: "Quería tocar, quería ser rapero. E me proporcionó la plataforma para hacerlo de otro modo".
Antoine "DJ Yella" Carraby llevaba un par de años pinchando discos con Dr. Dre, y ambos tenían ganas de cambiar de horizontes. Las chicas bonitas y las fiestas no compensaban la falta de dinero y el deseo de mejorar musicalmente. "En los ochenta solo existía el rap de la Costa Este, no había nada en la Costa Oeste", recuerda DJ Yella. "Dre y yo habíamos visto a Run-DMC un par de veces y empezamos a pensar que nos gustaría hacer algo fuera del Wreckin' Cru. Podíamos quedarnos donde estábamos y no salir del hoyo, o podíamos hacer algo diferente. Y en ese momento apareció Eazy".
N.W.A. nació con sumo optimismo, pero su tumultuosa desintegración, marcada por la desconfianza, pudo con su profunda amistad. La complicada relación entre Eazy E y Jerry Heller, el representante del grupo, fue el motivo de la ruptura.
Todo empezó cuando Ice Cube quiso saber más acerca del contrato de Jerry Heller con Ruthless Records, la discográfica que Heller fundó con Eazy E para comercializar la música de N.W.A. No tardó en dejar el grupo, concretamente en 1989, seguido al poco tiempo por Dr. Dre, que empezó su brillante carrera en solitario con Death Row Records antes de fundar su propia discográfica, Aftermath Records.
Debieron pasar varios años de grabaciones en solitario y distanciamiento antes de que Ice Cube, Dr. Dre y Eazy-E enterraran el hacha de guerra. La reconciliación tuvo lugar poco tiempo antes de que Eazy-E cayera enfermo, probando que el afecto que unía a los miembros fundadores era más poderoso que la rivalidad que los separó.
"Creo que puede resumirse sencillamente diciendo que maduramos", dice Dr. Dre, hablando de la reconciliación. "De acuerdo, me fui a hacer lo mío, tuve éxito, pero lo pasado, pasado está. Ascendimos juntos, empezamos juntos, se acabaron los rencores, vamos a hacer lo que nos gusta y a pasarlo bien haciéndolo".
Aunque el grupo no pudo volver a tocar antes de que falleciera Eazy-E, la música siguió viviendo e inspirando a nuevas generaciones de jóvenes marginados, canalizando sus frustraciones y su ira hacia la autoridad, y también sus ganas de vivir.
La industria musical es capaz de tragarse vivo al mejor talento si no tiene experiencia, y los miembros de N.W.A. no tenían mucha. Cuando reflexionan acerca de ese periodo, llegan a la conclusión de que solo se preocuparon de disfrutar tocando delante del público y del dinero que ganaban, pero se olvidaron del negocio en sí.
Para Dr. Dre, todo se resumía en ser creativo. Hasta entonces nunca había pisado un estudio de grabación de última generación y descubrió posibilidades infinitas. Él mismo recuerda que "estaba muy metido en la música. No me preocupaba el negocio. Solo quería estar en el estudio y que nunca se acabara mi energía creativa. Ahora sé que debía haberme ocupado del negocio, pero éramos jóvenes, no sabíamos. Solo me interesaba grabar, pasarlo bien con el hip-hop que tanto nos gusta. Para mí no existía otra cosa".
DJ Yella recuerda lo mismo que Dr. Dre: "Éramos jóvenes y tontos, se aprovecharon de nosotros. Unos se dieron cuenta antes y el grupo acabó por separarse. Es una pena, pero creo que, desde el principio, N.W.A. se formó para romperse. Si no, ninguno estaríamos donde estamos ahora".
El grupo más peligroso del mundo: El casting de los compañeros de armas
Encontrar a los actores para los papeles clave de una drama tan complejo, emotivo y auténtico como STRAIGHT OUTTA COMPTON era una tarea que requirió un enorme esfuerzo personal por parte del director F. Gary Gray, Ice Cube, Dr. Dre, Tomica Woods-Wright y los otros productores. Los intérpretes que encarnaran a los cinco protagonistas no solo debían ser buenos actores, también debían tener un parecido físico con el personaje real y ser capaces de tocar y cantar con la misma intensidad que los miembros originales de N.W.A. en un escenario.
F. Gary Gray habla del proceso: "El aspecto más importante del casting era el realismo. El hip-hop se basa en la realidad, y tratándose de Eazy-E, Dr. Dre, Ice Cube, Mc Ren y DJ Yella - todos ellos salen de un lugar muy concreto -, el reto es aún mayor". Tanto el director como los productores tenían muy claro cuál era la prioridad para escoger a los actores. "Ante todo estaba la interpretación. Luego, que fueran creíbles y que tuvieran un parecido con el miembro de N.W.A. al que encarnaban", dice el realizador. "La historia debía ser realista, y eso dependía totalmente de la interpretación".
El casting empezó en Los Ángeles y Nueva York, pero no tardó en extenderse a ciudades como Detroit, Chicago y Atlanta, entre otras.
Eazy-E y Ice Cube fueron los papeles que más rápidamente encontraron actores. A medida que el proyecto empezó a cobrar forma, Ice Cube pensó en su hijo, que entonces tenía 20 años, para encarnarle cuando él tenía treinta años menos. Basta con ver a O'Shea Jackson Jr para saber de quién es hijo. No solo se parecen mucho físicamente, también comparten gestos y expresiones producto de la genética, como por ejemplo, la forma de andar, que demuestra una gran seguridad en sí mismos.
Puede que se deba a su intuición de padre, pero Ice Cube estaba seguro de que su carismático hijo tenía talento; solo necesitaba que se le tomara en serio. Al carecer de experiencia interpretativa, O'Shea Jackson reconoce que no estaba nada cómodo con la idea de actuar delante de una cámara, y más aún en el papel de su padre en la esperada película biográfica acerca del influyente grupo de rap.
Ice Cube fue muy claro con su hijo en cuanto a lo que se esperaba de él para preparar el papel, pero también le aseguró que le guiaría durante el proceso. Al igual que su padre, O'Shea Jackson cree que "o apuntas a lo grande o te vas a casa", y cuando decidió aceptar el papel, se entregó del todo.
"Empezó a ser una obsesión", recuerda el joven actor. "Sabía que no podría ver STRAIGHT OUTTA COMPTON con otro haciendo el papel. Me habría vuelto loco porque creo que nadie puede hacerlo tan bien como yo. Si te paras a pensar, llevo 20 años estudiándolo", añade, riendo. "No hay un solo actor de método que pueda superar mi aproximación al personaje".
Pero O'Shea Jackson tuvo que pasar primero por numerosas pruebas y demostrar que era capaz de hacer el papel. Para conseguir sacar a la luz la pasión que lleva dentro, tomó clases de interpretación durante dos años en Los Ángeles y en Nueva York, además de trabajar con el realizador F. Gary Gray. Al igual que casi todos sus compañeros de reparto, el joven actor recurrió al personaje real para saber más. Durante el rodaje, el intercambio entre padre e hijo fue vital para que O'Shea Jackson pudiera meterse en los zapatos de Ice Cube de joven.
"Desde que soy pequeño, papá siempre me ha contado historias del grupo, e interpretarlas para la pantalla ha sido realmente genial", comenta O'Shea Jackson. "Siempre está disponible. Me llamaba y me explicaba cómo era, lo que hacía, y yo podía usar la información para que la escena fuera lo más realista posible".
En cuanto al aspecto musical del papel, el ADN de O'Shea Jackson hizo que se sintiera perfectamente cómodo rodando escenas de conciertos delante de miles de espectadores o grabando pistas en el estudio. El intérprete, cuyas escenas de rap no están dobladas en la película y que tiene una voz muy parecida a la de su padre, recuerda que lleva años acompañándole en las giras e incluso subiéndose a los escenarios, lo que le ayudó mucho a estar a gusto durante la grabación de algunas escenas.
Para el papel de Eazy-E, el actor Jason Mitchell, que entonces residía en Nueva Orleans, mandó un vídeo de prueba que conquistó de inmediato al director y a los productores. Su presencia física y su tremenda intensidad hicieron que todos se fijaran en él. A pesar de haber trabajado en muy pocas ocasiones y de no haber estudiado interpretación, el actor de 28 años impactó a los que vieron su cinta. Era la encarnación del hombre merecedor del apodo "Padrino del rap gangsta".
"Por un lado es una bendición y por otro, una maldición que no estuviera EBay para ayudarme con el papel", dice Jasón Mitchell. "Espero haber encarnado su lado humano y haber sido tal como le recuerdan. El auténtico reto para un actor es recrear a la persona. Si he conseguido plasmar algunos de los recuerdos de su familia y amigos, me doy por satisfecho".
El actor Carey Hawkins, que estudió en la prestigiosa escuela Juilliard, es conocido sobre todo por sus papeles en los escenarios, entre los que mencionaremos el de Tibaldo en la producción en Broadway de "Romeo y Julieta", con Orlando Bloom y Condola Rashad. También tuvo un pequeño papel en Non-Stop/Sin escalas, con Liam Neeson. Fue seleccionado para encarnar al pionero del rap Dr. Dre.
Corey Hawkins casi no se lo creyó cuando le llamaron. El actor, un fan total de N.W.A., estaba convencido de que no tenía la voz ni el físico para interpretar a Dr. Dre, y no quería competir con otros candidatos sin una fuerte posibilidad de ser seleccionado. Acabó por mandar una cinta que bastó para que se le ofreciera uno de los papeles protagonistas.
"El proceso de casting fue muy intenso", recuerda Corey Hawkins, "pero Dre me contó muchas cosas y se convirtió en el mejor de los mentores. Recuerdo que me dijo: 'No debes imitarme, no debes mimarme. No quiero que hagas nada de eso. Quiero que representes a N.W.A. y lo que éramos, lo que defendíamos. Si lo colocas en primer lugar, todo el resto seguirá automáticamente".
Uno de los momentos más definitivos para el director y los productores fue la prueba de la química entre los tres actores que debían encarnar a Ice Cube, Dr. Dre y Eazy-E. Pero delante de la cámara, O'Shea Jackson, Corey Hawkins y Jason Mitchell funcionaban de maravilla.
Quedó claro para todos los que vieron cómo surgía un compañerismo inmediato entre los tres que esa misma energía se notaría en la pantalla. A pesar de los nervios y de la tensión, los tres actores reconocen que algo les unía. Esa misma conexión les ayudó mucho mientras empezaron el recorrido que les llevaría a transformarse en un artista poético, un productor musical de dimensiones épicas y un icono legendario.
Con actores para los papeles de Ice Cube, Dr. Dre y Eazy-E, el director y los productores aún debían encontrar a dos intérpretes para encarnar a Mc Ren y DJ Yella capaces de complementar la innegable dinámica que había nacido entre los tres primeros seleccionados.
Aldis Hodge y Neil Brown Jr no tardaron en hacerse con los dos papeles restantes. El primero, Aldis Hodge, que probablemente sea el actor más conocido del reparto después de haber coprotaganizado la serie "Las reglas del juego", encarna a Mc Ren, y Neil Brown, que ha tenido pequeños papeles en películas como Fast & Furious/A todo gas e Invasión a la tierra, es DJ Yella.
También tuvieron la oportunidad de hablar con los personajes que encarnan. No todos los jóvenes actores consiguen un papel que puede hacer despegar su carrera y, a la vez, el teléfono y el correo electrónico de estrellas del rap. Su entrada en N.W.A. fue inmediata y de inmersión total, algo que unió a los cinco actores.
"En muy pocas ocasiones trabajas con un reparto donde todos te caen bien y sientes buenas vibraciones", comenta Aldis Hodge. "Llegamos con la mentalidad que animó a N.W.A., apoyarse mutuamente para hacer realidad su sueño, y eso mismo hicimos. Fuimos un equipo desde el primer momento, formamos una piña".
Jason Mitchell también recurrió a los cuatro miembros originales de N.W.A. para construir el papel de Eazy-E, pero sobre todo tuvo el privilegio de conversar con Tomica Woods-Wright, miembros de la familia Wright y amigos de Eazy-E. A cambio, los productores invitaron a la familia a visitar el plató durante el rodaje de ciertas escenas para comprobar en directo cómo se contaba la historia.
Erica, la hija de Eazy-E, y su hijo Eric Wright (también apodado Lil' E) fueron de gran ayuda y se desplazaron en varias ocasiones hasta el plató en Los Ángeles. "Intenté encontrar todos los vídeos existentes", explica Jason Mitchell. "Tomica me ayudó porque tenía acceso a imágenes que no se habían visto y a mucho metraje privado. También construí mi personaje gracias a los pequeños detalles que surgieron durante las conversaciones".
F. Gary Gray, un quisquilloso con los detalles, se documentó a fondo sobre N.W.A. con el fin de recrear su mundo con la mayor exactitud posible. En el plató disfrutó de la gran ventaja de contar con la presencia de Ice Cube y de Dr. Dre, además de sus esposas Kim y Nicole, para pedirles su opinión acerca de una escena, una ambientación o incluso un peinado. También usó su experiencia con actores, adquirida en películas anteriores, para que cada miembro se metiera sin dificultad en la piel de su personaje.
Además de Ice Cube, Dr. Dre y Tomica Woods-Wright, también DJ Yella y MC Ren compartieron sus recuerdos y asesoraron durante el rodaje y el diseño de producción, desde el primer espectáculo de N.W.A. en Skateland, hasta el periodo mucho más emotivo en que le diagnostican sida a Eazy-E y su temprana muerte. Cualquier elemento se tomaba en cuenta, como la forma de manejar la mesa de mezclas o el peculiar estilo de Dr. Dre haciendo girar los platos. Los actores debieron repetir los movimientos hasta que se convirtieron en espontáneos.
El productor Scott Bernstein habla de lo mucho que se involucraron en el proyecto los miembros originales del grupo: "Tenerlos en el plató aportó una profunda autenticidad y un gran realismo a la película. Contar con Dre y Cube desde el principio, y con Ren y Yella durante el rodaje, nos permitió captar muchos matices que habrían desaparecido. Los actores hablaron con ellos directamente y entendieron la esencia de N.W.A."
Una vez escogidos los cinco papeles protagonistas, era hora de pensar en el resto del reparto. Un golpe maestro por parte de los productores fue conseguir que el premiado actor Paul Giamatti aceptase el papel de Jerry Heller, el representante del grupo. El intérprete, que ya había trabajado con el director F. Gary Gray en 1998 en el thriller Negociador, estudiaba en la Universidad de Yale cuando oyó a N.W.A. por primera vez y conocía su innovadora música así como su profundo impacto social.
"Nadie había hecho nada parecido a N.W.A. Me parece notable que alcanzaran semejante éxito comercial y se convirtieran literalmente en un momento cultural histórico", dice Paul Giamatti. "Son fascinantes, y el guión no me decepcionó en absoluto. Es una historia emocionante, incluso me atrevería a llamarla épica".
Tal como había hecho en ocasiones anteriores cuando interpretó a personajes reales en vida, se documentó con todo el material disponible y se fió de su instinto. Intentó conscientemente huir de la controversia que rodea al representante que se ocupó de artistas de la talla de Elton John, Van Morrison, Marvin Gaye, Ike & Tina Turner y The Who.
"El guión es bastante imparcial con el personaje de Heller", dice el actor. "Me interesaba el papel porque era un hombre al que realmente le gustaba la música y que vio lo únicos e importantes que eran N.W.A. Realmente creyó en ellos".
La compenetración entre Paul Giamatti, un actor con décadas de experiencia que ha trabajado en un sinfín de aclamadas películas, y el casi debutante Jason Mitchell, cuyas escenas juntos desvelan la relación entre Eazy-E y Jerry Heller, era de gran importancia para el director y los productores, que deseaban explorarla a fondo. A pesar de la intensidad de sus escenas, los dos actores no tardaron en encontrarse cómodos trabajando juntos.
Paul Giamatti reconoce que Jason Mitchell le impresionó desde el primer momento. "Cuando nos dimos la mano el primer día que llegué a Los Ángeles, pensé que era un hombre con algo muy especial", dice. "Es extraordinario, pero no sé si se da cuenta de que es tan bueno. Es un actor nato y me interesó mucho ver cómo trabajaba".
Los componentes de N.W.A. contaron con el apoyo de varias mujeres durante su recorrido. El papel de Kim Jackson, la esposa de Ice Cube y madre O'Shea Jackson Jr, recayó en ALEXANDRA SHIPP (Aaliyah: The Princess of R&B, el próximo estreno X-Men: Apocalipsis). Kim Jackson siempre estaba presente en el plató, viendo a su hijo recrear momentos del pasado, como su noviazgo y el nacimiento de sus hijos. CARRA PATTERSON (Why Did I Get Married Too?) encarna a Tomica Woods-Wright, viuda de Eazy-E y heredera de la discográfica, y ELENA GOODE (la telenovela "As the World Turns") es Nicole Young, la mujer con la que Dr. Dre se casó hace 19 años.
Otros papeles están encarnados por nuevos y experimentados talentos, entre ellos KEITH POWERS (la serie "Sin City Saints") en el papel de Tyree, el hermano pequeño de Dr. Dre; LAKEITH LEE STANFIELD (Selma) como Snoop Dogg; TATE ELLINGTON (la serie "Mentes criminales") como Bryan Turner, el antiguo representante de Ice Cube; COREY REYNOLDS como Lonzo Williams, el dueño de la discoteca y miembro de World Class Wreckin' Cru, y R. MARCUS TAYLOR (Life of Crime) como Suge Knight.
Boyz-N-the-Hood, la música de la película
A finales de los ochenta solo existía el rap de la Costa Este con artistas como Run-DMC, LL Cool J, Boogie Down Productions, Eric B. & Rakin y Beastie Boys recorriendo el país y promocionados por todas las emisoras de radio.
El entonces desconocido estilo realista del rap gangsta era típico de la Costa Oeste y había nacido en los barrios marginales del sur de Los Ángeles. Las letras de N.W.A., apoyadas por ritmos estilizados, fueron rechazadas por unos y aceptadas con entusiasmo por otros. N.W.A. se diferenciaba de los raperos de la Costa Este por sus comentarios sociales directos y sinceros en los que se mezclaban el candor más absoluto y el humor más crudo para describir la vida urbana en los barrios negros.
Ice Cube reconoce que era una mezcla explosiva: "En aquella época, y para mí, la música que hacíamos era nuestra arma y la única manera de que se fijaran en el barrio. Aparte de algunas noticias de segundos, a nadie parecía importarle lo que nos pasaba con la policía de Los Ángeles ni el problema del crack. La vertiente política de los discos me gustaba tanto como el aspecto 'gangsta', el ritmo y las rimas. Pero siempre nos preocupamos por añadir una dosis cómica a los temas porque éramos capaces de reírnos de cosas que harían llorar a la mayoría. Todo lo que hacíamos me entusiasmaba".
Era música para los habitantes de la zona, de los barrios marginales del sur de Los Ángeles, y ellos fueron los primeros en sorprenderse cuando las emisoras de radio empezaron a pinchar temas suyos. "Boyz-N-the-Hood" y la canción principal de su primer álbum, lanzado en 1988, "Straight Outta Compton", fueron los dos temas que dieron a conocer a N.W.A. a nivel nacional, produciendo reacciones muy diversas, desde la identificación más total, pasando por la curiosidad, hasta la indignación y el miedo.
Grabaron este primer álbum en poco más de un mes en Torrance, otra ciudad perteneciente al condado de Los Ángeles. Han transcurrido casi tres décadas desde la grabación, pero el disco no ha perdido su relevancia musical - sigue encabezando las listas del Mejor Álbum de Rap - ni social, especialmente ahora que un creciente número de afroamericanos muere a manos de agentes de policía estadounidenses.
El álbum fue un auténtico trampolín para N.W.A.; sin embargo, uno de los temas, "F*ck tha Police", levantó ampollas y el FBI tachó las letras de "incendiarias". La canción es una protesta contra la brutalidad policial que los miembros del grupo veían en su comunidad. Otro tema, "Gangsta Gangsta", describe la perspectiva de los jóvenes que están en el punto de mira de los pandilleros.
"No pensé que 'F*ck tha Police' tuviera un impacto mundial", explica Ice Cube. "Sabía que todos los que vivían en un barrio marginal, en un gueto, en una zona empobrecida sentían esa misma frustración y entenderían la canción. Pero ¿en todo el mundo? Creía que se limitaría a Estados Unidos".
Las represalias empezaron a llover. Fueron atacados por numerosos líderes religiosos, la policía y el PMRC (Parents Music Resource Center/Centro parental de recursos musicales). Los discos del grupo llevaban la etiqueta "Parental Advisory" (Advertencia parental), conocida como la etiqueta "Tipper", en referencia a Tipper Gore, cofundadora del PMRC y esposa del entonces senador Al Gore, que presionó para que se retiraran ciertas canciones. Condenados por el FBI, N.W.A. no tuvo más remedio que defender su derecho a la libertad de expresión y creatividad.
Hablando de aquella época, MC Ren dice: "'F*ck tha Police' era como cualquier otro tema del álbum, pero al despertar una controversia de semejante calibre, nos elevó a otro nivel. Todo el mundo estaba furioso, el FBI, los predicadores, los políticos, todos. A nosotros nos daba igual, solo queríamos hacer música. No me di cuenta del impacto que tuvo esa canción hasta bastante después".
Al igual que en otras películas enraizadas en la música, el director y los productores debieron enfrentarse a un dilema a la hora de seleccionar los temas que se incluirían en la banda sonora. Incluso es posible que en este caso, tratándose del repertorio de N.W.A., la elección fuera aún más complicada.
Todos deseaban homenajear la música radical de N.W.A., por lo que los temas originales debían reproducirse con la mayor exactitud posible. Pero ¿podrían los actores que encajaban a la perfección en los papeles imitar el sonido del grupo? En caso contrario, el supervisor musical JOJO VILLANUEVA (American Pie: El reencuentro, Lo mejor para ella) y el productor musical HARVEY MASON JR (Criadas y señoras, Dreamgirls) deberían mejorar digitalmente las voces del reparto. En caso afirmativo, se grabarían las voces de los actores y se incorporarían a las pistas originales.
Las voces de N.W.A. son únicas y nadie estaba dispuesto a disminuir su esencia. Jojo Villanueva y Harvey Mason se aseguraron con mucho tiempo de antelación de que la mayoría del reparto, después de unas cuantas clases, sería capaz de recrear la mayoría de los temas del álbum "Straight Outta Compton", así como grabaciones en solitario de Eazy-E, Ice Cube y Dr. Dre. En algunos casos se fundiría la voz del actor con la del cantante para crear una hibridación equilibrada.
El reparto era muy consciente del impacto musical y social que el grupo había tenido e incluso sigue teniendo, y gracias a las conversaciones con los personajes reales consiguieron una mayor fidelidad en sus interpretaciones. "La música de N.W.A. es la voz del pueblo", dice O'Shea Jackson Jr. "Hablan de realidades de las que nadie se enteraría a través de los medios. Revelan el problema y quitan la venda de los ojos de la gente".
Los actores se tomaron muy en serio su trabajo en el estudio de grabación. Corey Hawkins y Neil Brown Jr. aprendieron a manejar las mesas de mezclas y los platos con ROBERT "DJ ROBSHOT" JOHNSON, que se unió al equipo como asesor.
"Corey y yo debimos aprender a actuar como auténticos DJ", dice Neil Brown. "Quería saber cómo hacer scratch, mover discos, mezclar. Le pedí a Robshot que me lo enseñara todo y lo hizo. Desde instalar el equipo hasta desmontarlo y todo lo que ocurre entremedias. Practiqué hasta que se convirtió en algo mío, natural, hasta que me convertí en un DJ".
Ice Cube sugirió que la producción recurriera a otro rapero, WILLIAM "WC" (pronunciado "Dub-C") CALHOUN, de Westside Connection, otra colaboración musical de Ice Cube, para enseñar al reparto a rapear y a comportarse en un escenario. WC trabajó con todos los actores individualmente, enseñándoles un método para captar el ritmo correcto en cada tema, además de proporcionar un estilo diferente a cada uno.
Las clases de rap surtieron efecto. "Soy actor, no soy rapero, pero puedo fingir que sé rapear", explica Corey Hawkins. "Dub ha sido una genial ayuda para todos nosotros. Fuimos al estudio y escuchamos lo que cada uno había grabado. Luego vinieron Cube y Dre y nos dijeron que lo habíamos hecho bien, que Eazy estaría orgulloso de nosotros. Fue una sensación muy fuerte".
La preparación previa ayudó a los actores a sentir que iban mejorando y que formaban parte de un grupo. En la primera escena de la película, Ice Cube sube al escenario con Dr. Dre y DJ Yella, que están tocando con World Class Wreckin' Cru en la discoteca Doo To, en Compton. Allí canta una versión sin pulir de "Gangsta Gangsta" que llama la atención de Eazy-E. Era la primera vez que O'Shea Jackson Jr, Corey Hawkins y Neil Brown Jr, que empezaban a sentirse cómodos con los platos, subían juntos a un escenario. Y para hacerlo un poco más difícil, el auténtico Dr. Dre decidió pasarse por el rodaje aquel día.
Uno de los momentos más memorables fue el rodaje del primer espectáculo oficial de N.W.A. en el famoso recinto Skateland USA, en Compton, una pista de patinaje sobre ruedas donde actuaban cantantes de hip-hop de fama local y nacional. "Para Compton, Skateland es como el Apollo para Harlem", explica MC Ren.
Aquel día aparecieron Dr. Dre, DJ Yella, MC Ren y The D.O.C., que escribió y salió de gira en varias ocasiones con el grupo. Los nativos de Compton se quedaron atónitos al descubrir el absoluto parecido del decorado con el verdadero Skateland (se rodó en una pista de Glendale) y por el comportamiento de los actores.
"El día que debíamos rodar la escena del espectáculo en Skateland, nos dimos cuenta de que había muchos espectadores y que todos bailaban escuchando 'Dopeman'", recuerda Corey Hawkins. "Ahí estaba, sampleando, y empezamos a sentir que éramos N.W.A., éramos un grupo, había feeling. Nuestros personajes se jugaban mucho, pero también nosotros, debíamos demostrar de lo que éramos capaces".
Cuando llegó el momento de rodar las escenas de la gira, los cinco intérpretes estaban perfectamente sincronizados. Las escenas son un montaje de varias de las 40 ciudades incluidas en la gira de 1988 de N.W.A., entre las que están Houston, Texas; Louisville, Kentucky, y sobre todo Detroit, Michigan, donde hubo un desagradable incidente cuando la policía tomó el escenario después del tema "F*ck tha Police".
Estas escenas quizá fueron los momentos de mayor nostalgia para Ice Cube y Dr. Dre, que no dudó en felicitar a O'Shea Jackson Jr y en decirle que su forma de moverse, sus gestos y sus inflexiones le recordaban a su padre. "Si Dre tiene un flashback viéndome en un escenario, debe ser porque lo hago bien", dice el joven actor.
El rodaje de estas secuencias se desarrolló durante dos días en el Los Angeles Sports Arena y un día en el Santa Monica Civic Auditorium. En ambos casos, miles de seguidores de N.W.A. y figurantes cantaron, gritaron y aplaudieron mientras los cinco actores tocaban "F*ck tha Police", "Straight Outta Compton" y "Compton's N the House". Se oía a los fans dirigiéndose a Jason Mitchell con gritos de "Te queremos, Eazy", mientras los técnicos preparaban la siguiente toma.
Ice Cube, Dr. Dre, Dj Yella y MC Ren no quisieron perderse esta parte del rodaje y su presencia dio aún más energía al reparto y a los figurantes. Fueron días muy largos, incluso para los extras más experimentados, pero cada noche, al acabar el rodaje, Ice Cube y WC saltaban al escenario para cantar un par de temas. Ice Cube incluso invitó a su hijo a unirse a él, lo que desató un auténtico delirio entre el público.
A pesar del cansancio, para todos había sido genial.
Compton, USA: Localizaciones y decorados
Documentarse y conversar con los miembros de N.W.A. no solo fue una parte esencial del trabajo de preparación de los actores, sino también de la visión de F. Gary Gray, el director de STRAIGHT OUTTA COMPTON. Pero tampoco habría sido posible contar la historia correctamente sin conocer el telón de fondo ante el que transcurrió su turbulenta historia.
La municipalidad de Compton, plagada por la violencia y poblada por orgullosos vecinos, fue parte íntegra del ascenso de N.W.A. a mediados de los ochenta. El desafiante significado de las siglas N.W.A. y las duras letras del grupo reflejaban sin tapujos lo que significaba vivir en un enorme barrio predominantemente negro y de clase trabajadora, invadido por las bandas, la droga y las armas. Cuando N.W.A. dio voz a la compleja historia de Compton, millones de personas se identificaron con ella.
Los temas del grupo se convirtieron en himnos para los jóvenes negros de la época, permitiéndoles a ellos, sus amigos y sus familias canalizar la rabia producida por la brutalidad e injusticia de las fuerzas del orden. Fue el nacimiento del rap realismo.
F. Gary Gray también es un producto de la época y habla de lo que vivió: "Crecí en South Central Los Ángeles, un barrio duro en los ochenta. Era la época Reagan, la economía iba fatal y se produjo un enorme cambio en la cultura de la calle. N.W.A. lo plasmó sin censura ni filtros. La vida tenía buenos momentos, pero también momentos peligrosos, y captaron en sus canciones lo que pasaba. N.W.A. y Compton son una auténtica referencia histórica".
Antes de empezar el rodaje, Jason Mitchell visitó Compton para entender su relevancia. "Al llegar a California, cuando me dieron el papel, decidí documentarme al máximo", explica el actor. "Me pareció importante ver con mis propios ojos dónde había crecido Eazy. Si sabía más acerca de Compton, probablemente supiera más acerca de él".
Compton forma parte de N.W.A., como indica la conocida frase "Compton es el sexto miembro de N.W.A.", a menudo en boca de los que crecieron en el barrio. Gracias a N.W.A., raperos de la Costa Oeste como Snoop Dogg y Tupac Shakur, o exitosos raperos de Compton como The Game y Kendrick Lamar, premiado por los Grammy, ambos lanzados por Dr. Dre, el barrio es famoso en todo el mundo.
En los ochenta, los raperos de la Costa Este hablaban de sus comunidades, Compton no existía, y Eazy-E se empeñó en cambiarlo. Ice Cube habla de la importancia que tuvo Compton para todos ellos: "Era uno de los principales objetivos de Eazy. Quería hacer buenos discos, ganar mucho dinero y que Compton existiera. Siempre tenía presente a Compton, era parte de su vida; para él era muy importante".
Cuando en el barrio se enteraron de que iban a rodar en el sur de Los Ángeles, muchos vecinos se presentaron con la esperanza de ver a Ice Cube, Dr. Dre, DJ Yella y Mc Ren. Los "Reyes de Compton" habían vuelto para contar su historia y se les recibió con los brazos abiertos. Neil Brown Jr, hablando del rodaje en el barrio, dice: "Pasa lo mismo con la música de N.W.A., si Compton es feliz, el resto del mundo también".
Siempre que se iba a rodar en una zona, la noticia corría como la pólvora. Llegaban muchas personas para saludar y hablar con Ice Cube y Dr. Dre, que escuchaban atónitos cuando les recordaban lo bien que se lo habían pasado juntos en una fiesta.
Era absolutamente necesario captar el sabor de barrios como South Central y municipalidades como Compton a finales de los ochenta y a principios de los noventa para visualizar STRAIGHT OUTTA COMPTON. F. Gary Gray, el diseñador de producción Shane Valentino y la diseñadora de vestuario Kelli Jones usaron todo el material que encontraron. Ice Cube, Dr. Dre, Tomica Woods-Wright y sus familias pusieron a su disposición fotos, vídeos y recuerdos de un barrio sumido en la guerra que libró la policía del condado de Los Ángeles contra las drogas y en la que todo hombre negro era sospechoso. Las auténticas víctimas de la brutal campaña que montó el entonces jefe del departamento de policía Daryl Gates contra las drogas y los pandilleros fueron las familias honradas de clase trabajadora que vivían en la zona y que quedaron atrapadas en el fuego cruzado.
Aparte del esfuerzo que hicieron los actores para ser fieles a sus personajes, contaron con la ayuda del departamento de peluquería, maquillaje y vestuario. Los decorados, que incluyen desde las duras calles de Compton hasta las elegantes casas de los barrios más ricos de Los Ángeles, también les permitieron fundirse en sus papeles.
ANDREA JACKSON (Dreamgirls, Alexander y el día terrible, horrible, espantoso, horroroso) encabezó el departamento de peluquería. Supervisó personalmente las pelucas de O'Shea Jackson Jr, Jason Mitchell y Paul Giamatti. Los dos primeros lucían un rizado "Jheri", tan de moda en los ochenta entre los afroamericanos, y Paul Giamatti llevaba una peluca estilo pompadour de color grisáceo.
La diseñadora de vestuario Kelli Jones, que se ocupó de la famosa serie "Hijos de la Anarquía", tiende a favorecer un estilo basado en la cultura urbana que acunó a N.W.A. Aun así, se documentó profusamente estudiando un sinfín de fotos y de vídeos, hablando con amigos y metiéndose en blogs de admiradores de N.W.A. Era consciente de que sigue habiendo muchos fans del grupo y quiso asegurarse de que sus diseños serían absolutamente realistas mientras acompañasen al grupo más peligroso del mundo en su recorrido de pobres a millonarios.
Su enfoque fue ser fiel a los diseños de la época, a los que añadió un toque moderno. Por suerte, le bastaba con observar a Ice Cube y a Dr. Dre, cuyo estilo sigue reflejando su conexión con las calles, para saber si había acertado. "Las letras directas de N.W.A. demostraban que eran tipos duros, como lo hacía su ropa", dice la diseñadora. "La sencillez lo era todo para ellos. No necesitaban llamar la atención. El estilo de los raperos de la Costa Este se basaba más en las marcas y tendía a ser ostentoso. Quise dejar clara la diferencia".
Pero los miembros de N.W.A. no eran inmunes a la fama y no tardaron en llevar cadenas y pulseras de oro. Obviamente, la diseñadora incluyó este tipo de complementos al vestuario de los actores.
Aparte de eso, no cambiaron de ropa ni de calzado, que puede resumirse en zapatillas Air Force One y Corteze de Nike, las Chuck Taylor All Stars de Converse, así como pantalones y camisas de Dickie. La diseñadora añadió algún que otro vaquero Levi's, camisetas ProClub, bermudas Pendleton y chaquetas de chándal, así como bastantes camisetas y gorras de Los Angeles Raiders. También se encargó de vestir a los actores de reparto y a los actores con pequeños papeles sin caer en la cursilería típica de los ochenta.
Un camión de vestuario llegó con ropa para los cientos de actores que se ven en segundo plano. "Es una suerte que los ochenta y los noventa vuelven a estar de moda", dice Kelli Jones. "Entré en una tienda y me encontré con toda una pared de vaqueros prelavados de cintura alta, y lo único que había en el mostrador de bisutería era aretes de bambú. Estaba asombrada. Pero fue una gran ayuda para vestir a las chicas que aparecen en segundo plano. Algunas llegaron por la mañana y parecían sacadas de un videoclip de los ochenta, me bastó con hacer ligeros cambios. Y para el resto disponíamos de un camión lleno de maravillas de aquella época".
El diseñador de producción Shane Valentino se encargó de buscar los decorados idóneos para contar el fulgurante ascenso de los cinco músicos. No fue tarea fácil recrear la municipalidad de Compton en los años ochenta, desde las modestas casas unifamiliares, pasando por los fumaderos de crack, hasta la discoteca Doo To y la pista de patinaje Skateland, así como las excesivas mansiones de famosos en los barrios más lujosos de Los Ángeles.
Solo se filmaron unas cuantas escenas en platós cerrados ya que el director y los productores querían aprovechar la posibilidad de rodar en el centro de Los Ángeles, el valle de San Fernando y otras áreas. Tal vez lo más complicado para Shane Valentino fue el diseño de los decorados donde transcurren los disturbios de 1992. El rodaje de las escenas se realizó en un día, pero los decorados se prepararon durante dos semanas.
El diseñador explica lo que significó recrear la ciudad de Los Ángeles de hace treinta años: "La mayor dificultad fue crear una ambientación que funcionara para la historia sin dejar de ser fiel a los documentos históricos de la época. Los Ángeles y algunas de las municipalidades colindantes son auténticos personajes dentro de la película. Por eso, algunos decorados debían trasladar el sentimiento de rabia e impotencia de la comunidad. Debíamos centrarnos en el material, no podíamos permitirnos el más mínimo error".
Las escenas de los disturbios se rodaron en cuatro manzanas del Laurel Canyon Boulevard, en la parte norte del valle de San Fernando, donde los edificios seguían teniendo el aspecto de la época. Los miembros del departamento de decoración levantaron fachadas quemadas de tiendas con lunas rotas y colocaron numerosos vehículos quemados y volcados. Cientos de figurantes tomaron la calle gritando: "¡Sin justicia no hay paz!", mientras otros se dedicaban a saquear tiendas, y algunos dueños de tiendas armados con fusiles les apuntaban desde los tejados. Coches de bomberos, conducidos por auténticos bomberos del departamento de Los Ángeles, cruzaron la escena a toda velocidad hacia un incendio controlado por el departamento de efectos especiales. Los transeúntes que pasaban por allí se detenían y miraban la escena, incrédulos.
Tanto el equipo como el reparto no podían dejar de pensar en el dramático paralelismo entre los violentos enfrentamientos, las detenciones aleatorias y el hostigamiento racial de mediados de los ochenta con las recientes muertes de jóvenes afroamericanos a manos de policías en Estados Unidos.
En cuanto empezó el rodaje en South Central y Compton, concretamente en el parque Leimert y en Crenshaw Boulevard, rostros del pasado acudieron para ver como resurgía su juventud. Una de las grandes dificultades a las que se enfrentaron el director y los productores era contar una historia basada en la vida de personajes reales que probablemente recuerdan el pasado de otro modo.
Pero no tenían motivo para preocuparse. Un gran número de viejos amigos, entre los que estaban Jimmy Iovine, Lonzo Williams, The D.O.C., L.A. Law y DJ Speed, y que aparecen brevemente en la película, pasaron por el rodaje y se quedaron atónitos al encontrarse con sus dobles. Muchos reconocieron que fue como volver atrás en el tiempo, no solo gracias a los decorados, sino al sentir la energía de los actores.
Hace ya unos cuantos años que Compton espera renacer bajo un nuevo liderazgo, tanto política como socialmente. Por muy difícil que sea borrar el estigma de violencia y drogas que planea sobre la ciudad, también está el poderoso legado que dejaron grupos como N.W.A.
La amistad, el talento y la ambición unieron a los cinco componentes de N.W.A. Y de igual modo, la codicia que acompaña al dinero fácil los separó. Casi veinte años después de esta separación, N.W.A. ha vuelto a juntarse y es más fuerte que nunca, lo que quedó patente durante el rodaje. Los logros y el legado del grupo se homenajearon a diario, y Cube, Dre, Yella y Ren pudieron recordar los años pasados con Eazy-E.
Una vez acabada la película, Dr. Dre tiene la última palabra: "N.W.A. fue el perfecto punto de partida para todos, nos permitió conocernos y trabajar juntos. Es la raíz de un increíble árbol. Para mí, todo gira en torno a la inspiración. Hace poco hablaba con Cube acerca de que me siento inspirado por este rodaje y quiero volver a grabar. Deseo regresar a lo que más me gusta hacer. Todo se basa en la música para mí, incluso los auriculares. Mirando hacia atrás, no cambiaría nada de lo que pasó, ni lo bueno ni lo malo".
La abeja maya
Animación
Alemania
79 minutos
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Una conversación con Alexs Stadermann, director de la película
P: ¿En qué punto se encontraba la producción cuando se unió usted a ella?
R: He estado presente en ella desde el principio, y es estupendo empezar así, ya que de ese modo pude reflejar de manera concreta en la producción mis ideas en lo tocante a cómo debía ser Maya.
P: ¿En qué medida se benefició usted de su amplia experiencia en películas de animación cuando asumió la dirección?
R: Está claro que 25 años de experiencia ayudan mucho. Llega un momento en el que uno acaba intuyendo qué es lo que divierte a los niños de las distintas generaciones y cómo plasmar debidamente la visión de uno en la película.
P: A ese respecto, ¿qué vivencias le resultaron especialmente útiles?
R: Uno intuye qué es lo que funciona bien y menos bien. Con la experiencia se aprende a calibrar que, ante todo, es preciso invertir mucha energía en la historia y la creación de los personajes. No es necesario que todos y cada uno de los píxeles estén en el sitio adecuado, eso es algo que se puede corregir posteriormente.
P: ¿Conocía bien La abeja Maya?
R: Crecí en Alemania. Me gustaba mucho jugar en la calle y, como era un niño curioso, explorar mi entorno. Si hubo una serie de televisión que me hizo entrar en casa, sin duda fue La abeja Maya. Sencillamente porque me identificaba mucho con ella.
P: ¿Cómo describiría usted a la protagonista?
R: Maya es un torbellino, un personaje alegre y vital que no siempre se atiene a las normas de su colmena. Esto se debe, en ocasiones, a su curiosidad insaciable y a las tremendas ganas que tiene de descubrir el mundo que la rodea.
P: ¿Hasta qué punto se implicó en el desarrollo del guión?
R: Participé en él desde el principio, y desarrollé la historia con nuestros guionistas. También tuve absolutamente claro desde siempre que Maya necesitaba un contrapunto, y aquí es donde entra en escena el avispón Sting, que pasa de ser supuesto enemigo a amigo y desempeña un papel muy importante en nuestra historia. Sólo entonces se desvela la identidad del verdadero adversario, que no es otro que Zumbina, la consejera de la reina. Con ella he dado vida a una abeja verdaderamente antipática y estrecha de miras, que no conoce ni quiere otra cosa que no sean las normas.
P: ¿Estuvo claro desde el principio que la máxima consejera de la abeja reina sería el personaje malvado o fue objeto de muchos cambios este papel en el transcurso del tiempo?
R: Estuvo claro desde el principio que Zumbina encarnaría al personaje malvado. La película gira en torno a acercarse a los demás sin prejuicios y con franqueza; aceptar a los demás tal y como son. Estaba claro que Zumbina sería la antítesis de esto. Y, para colmo, es una auténtica aguafiestas, lo cual hace que resulte todavía más antipática.
P: ¿Cuál fue la dificultad de, por un lado, ser fiel al espíritu de los libros y la serie de televisión y, por otro, idear una historia completamente nueva, con algunos personajes nuevos?
R: No hubo tal dificultad. En todas las fases de nuestra película Maya es un personaje con el que se pueden identificar perfectamente mayores y niños. El hecho de que lleve más de cien años evolucionando y pese a ello sigua siendo querida constituye una base excelente sobre la que trabajar.
P: ¿Cómo logró encontrar el equilibrio entre no hacer la historia demasiado “peligrosa”, para no asustar a los más pequeños, y al mismo tiempo dotarla de interés para los mayores?
R: Como soy padre, sé de sobra que hay muy pocas películas que se pueden ver con niños pequeños. Por ello era muy importante para mí filmar una película que también fuese indicada para los pequeños. Supone un gran desafío que además nos resulte entretenida a nosotros, los mayores. Con LA ABEJA MAYA, LA PELÍCULA hemos hallado ese equilibrio incorporando dos hilos argumentales. Por una parte ofrecemos a los pequeños una aventura clásica, en la que Maya busca al ladrón de la jalea real; por otra, contamos a los adultos una historia que narra la búsqueda de un sitio/lugar en la sociedad. Y por último, pero no por ello menos importante, está nuestra pareja de extravagantes y ocurrentes hormigas, que contribuye mucho a este objetivo. Estos dos personajes son una verdadera bomba, para los más pequeños y para los que no lo son tanto.
P: En su opinión, ¿qué mensaje transmite la película?
R: En la película se hace mucho hincapié en aceptar y respetar a los demás; en dejar a un lado los prejuicios y ser sinceros.
P: En total ¿cuánto tiempo invirtió en la producción?
R: Desde su concepción hasta la imagen final he trabajado alrededor de tres años en la producción. Una velocidad asombrosa, casi un récord. Trabajar de manera tan provechosa y dura sólo es posible si la visión y la orientación están claras desde el principio y se pueden llevar a la práctica de manera creativa con el equipo.
Eva no duerme
DramaArgentina - España - Francia
85 minutosAño: 2015
Pepi Monia, Gael García Bernal, Denis Lavant, Imanol Arias, Daniel Fanego, Nahuel Pérez Biscayart
1952, Eva Perón, la mujer más amada y odiada de la Argentina, muere a los 33 años de edad. Un anatomista experto la embalsama sin quitarle la más mínima partícula de piel, como si apenas durmiera. Pero las Fuerzas Armadas toman el poder, y se proponen borrar completamente a Evita de la memoria popular. Su cuerpo desaparece durante 25 años. Durante ese cuarto de siglo, Evita, aun muerta y desaparecida, es la figura política más poderosa del país.
Notas del director
Este guión está basado en la historia real del cadáver de Eva Perón. Su cuerpo desapareció durante diecisiete años y recién fue enterrado un cuarto de siglo después de su muerte.
Investigué el tema durante cuatro años y me atreví a formular mi propia versión, mi interpretación personal de hechos históricos reales.
'Eva no duerme' es la peregrinación de esa bella durmiente que resistió a su propia desaparición durante casi treinta años. Muestra la represión desmesurada que se ejerció para borrar la herencia de Evita.
¿Qué clase incendio provocó Evita, que tanta violencia no logró apagar?.
Esa pregunta, ese incendio, es el corazón de esta película.
Pablo Agüero
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