Amigos por la vida
2017
Duración 106 min.
País Italia
Dirección Francesco Bruni
Reparto Giuliano Montaldo, Andrea Carpenzano, Donatella Finocchiaro, Emanuele Propizio,Antonio Gerardi, Raffaella Lebboroni, Arturo Bruni, Andrea Lehotska,Aurora Quattrocchi
Jeannette, la infancia de Juana de Arco
2017
Duración 115 min.
País Francia
Dirección Bruno Dumont
Reparto Aline Charles, Jeanne Voisin, Lise Leplat Prudhomme, Lucile Gauthier,Victoria Lefebvre
Críticas
Dumont nos regala el que sin duda es el musical más extraño de la historia de cine, una tremenda, austera y única locura cinematográfica. - PREMIERE
Un musical delirante y embriagador. Fascinante. - OTROS CINES
Una pequeña obra maestra. - CAHIERS DU CINÉMA
Maravillosa. - LES INROCKUPTIBLES
Entrevista a Bruno Dumont
P: Tras tus incursiones en la comedia con P'tit Quinquin en televisión y La bahía en cine, has decidido embarcarte en un musical con Jeannette, la infancia de Juana de Arco, ¿por qué?
R: Muy fácil, para embarcarme en una nueva aventura fílmica que no había explorado aún: el musical. Cualquiera sabe que la música puede tener una fuerza expresiva intensa, infinita, avasalladora... y tan instantánea que pensé en convertirla en el elemento central de una película. La idea de adaptar a Charles Péguy y su versión de Juana de Arco vino a continuación, dado su impresionante empleo de prosa y verso, pero con alguna cautela: si la poesía es el culmen del arte, en nuestro momento actual es literatura imposible; es oscura, secreta, inaudible. La mantenemos escondida, por no decir arrojada al cubo de basura de la modernidad. La dificultad intrínseca del género lo ha convertido en pasado de moda, como consecuencia automática de lo contemporáneo.
P: ¿Cómo escapa uno de ese dilema? Ante esa insensibilidad, ¿cómo se puede convertir la riqueza de Péguy en algo actual y accesible, atractivo para nuestra juventud?
R: Sin la música, la poesía pasaría la mayor parte del tiempo desapercibida, como algo perdido y de culto. En esta historia, la música -misterio, canción, polifonía, vocal, opera, rock, variedades, electrónica- transporta tan bien la poesía que se podría pensar que es algo natural; sin su canción, la poesía sufre y queda inexpresiva. Casi pienso que esto es aplicable a todas las artes que, en sus distintas expresiones, encierran poesía y la transmiten más allá de sus límites, al mundo.
Nunca habría abordado Péguy, con su mareante poesía -en especial su Juana de Arco- si no hubiese encontrado el refuerzo de otro arte para transmitir su prosa y sus versos con el arma que es el poderoso teatro del cine. La música era obviamente ese otro arte, capaz de insuflar empuje y vida al texto. La música es la banda sonora, de la que Péguy es el libreto. Así nació una ópera cinematográfica.
P: Jeannette, la infancia de Juana de Arco narra los primeros años de Juana, antes de convertirse en la guerrera y mártir que todos conocemos. ¿Qué te dio la idea de revisitar esta figura histórica, que ya ha inspirado a numerosos cineastas, tan diferentes como Dreyer, Besson, Bresson y Preminger?
R: Juana de Arco, como Bernanos escribió, es "una maravilla entre las maravillas". Es una figura prominente dentro de la mitología francesa, porque ninguna mujer ha amado tanto a Francia -en las convulsiones de la Guerra de los Cien Años- y Francia nunca ha sido tan amada.
A la manera de San Agustín, puede resumirse así: si no me preguntas qué es Francia, lo sé; si me lo preguntas, ya no lo sé. Es tan difícil expresar lo que es nuestro país, y al mismo tiempo, en lo profundo, lo sabemos perfectamente, y cómo nos atormentamos cuando nuestro país está siendo atormentado. La cuestión actual sobre la identidad francesa sigue sin respuesta, por no decir del revés. Juana de Arco responde rápidamente a esta honda pregunta, sencillamente con su vida. Contarla, narrar su vida, no es más que dejar escuchar lo que Francia es. Barrès solía decir que Juana de Arco es el milagro de la reconciliación nacional. Todos los franceses, sean realistas, populistas, nacionalistas, socialistas, agnósticos, devotos... encuentran en Juana lo que buscan; hasta ese punto su figura engloba la totalidad de los ideales y sensibilidades francesas, reuniendo en una sola persona todas las diversidades y contradicciones internas.
Hija del pueblo, viviendo en la pobreza e infortunio de su casta, horrorizada por la ocupación de Francia por los ingleses y por la ausencia en el trono del Delfín, alma atormentada por la maldición divina y la injusticia de la gracia, escogida por Dios, amada y luego abandonada por el rey... Pasó por todo, por cada sentimiento, por los más bajos, por los más elevados, por todos nosotros. Juana arrastra a Francia como nadie lo había hecho, de ahí su mística y su capacidad para simbolizar en un movimiento y un personaje el total de la infinita diversidad francesa. Y aunque Juana de Arco, santa y guerrera, ha sido abordada por el cine en múltiples ocasiones, su infancia sigue siéndonos muy desconocida. ¿Y acaso los héroes no nos iluminan más en las sombras de su luz, y en los detalles y contrastes de su mito? Ya he filmado a Camille Claudel en su día a día, en su existencia de espera, y la visita de su hermano Paul cuando ya había pasado casi treinta años abandonada en un manicomio. Del mismo modo, así buscaba a Juana: pequeña, latente y en desarrollo.
Péguy en Domremy, la primer parte de su obra sobre Juana de Arco, que escribió con veintitrés años, cuenta la infancia y adolescencia de Juana, hasta que parte para salvar Orleans. En 1910, con treinta y siete años, escribió El misterio de la caridad de Juana de Arco, un trabajo más lírico y poético, que abordaba el mismo periodo de la vida de Juana. Jeannette, la infancia de Juana de Arco es la adaptación al cine de El misterio, y como tal acaba donde el resto de películas acerca de Juana arranca. El film trata sobre el despertar de la joven Juana, el inicio de su vocación guerrera y espiritual.
P: La película se divide en dos partes diferenciadas, la infancia y la adolescencia. ¿Cómo has construido la narración?
R: En la obra de Péguy, Juana comienza con trece años, y luego tiene dieciséis cuando marcha de Domremy. Buscando una actriz con aproximadamente esas edades, rápidamente encontré a una, amateur, que es quien la interpreta. Tenía trece años, pero pensé que estaba lo suficientemente crecida como para meterse en el corazón bullente de la joven Juana. También busqué a alguien más joven, y encontré a una niña de ocho años que parecía la adecuada, en cuerpo y alma, para representar la infancia de Juana. La niñez es el tema favorito de Péguy: somos niños menores de doce años. Con estas dos Juanas, la más niña y la mayor, podía abordar mejor el relato del largo germinar de su vocación -que el historiador Jules Michelet piensa que duró unos buenos cinco años-, desde la primera vez que escucha voces hasta que parte de Domremy.
P: Para Jeannette, la infancia de Juana de Arco has escogido el musical. ¿Cómo ha cambiado esto tu forma de trabajar?
R: A la hora de dirigir, los musicales tienen sus propios códigos. La continuidad lírica y musical no encaja bien con la discontinuidad que suponen las tomas. El ritmo necesario para variar los enfoques fragmentaría los bailes y canciones; sólo un storyboard muy preciso aseguraría la estructura correcta. Podíamos trabajar así por temas y por tomas, sin cronología, y luego encajar todo al montar.
Realmente me gusta este desorden, incluso a la hora de filmar películas tradicionales, lo que es fantástico para cualquiera que quiera huir de los aspectos más monótonos de cualquier aproximación cronológica, que es siempre la madre de la convención. El montaje está inspirado en todo este falso tumulto.
Charles Péguy
Nacido en Orleans en 1873, Charles Péguy fue un escritor, poeta y ensayista, un talento único en el panorama literario francés. Comprometido intelectualmente, no encaja en los modelos de su tiempo: primero un socialista y libertario, no estuvo de acuerdo con el pacifismo e internacionalismo de su partido; luego se convirtió en un ferviente católico, aunque visto con suspicacia por la Iglesia. Su obra, fuertemente influenciada por la mística medieval (El tapiz de Notre-Dame), está plena de figuras como Juana de Arco (Juana de Arco y El misterio de la caridad de Juana de Arco). Péguy devolvió nobleza a los valores cristianos y nacionalistas, sobre todo en Eva, un fresco poético a mayor gloria del soldado francés, y advirtió sobre los peligros de la modernidad en El dinero, entre otras. Largo tiempo olvidado tras su muerte en combate en 1914, Péguy ha sido hoy en día redescubierto por intelectuales franceses tanto de derechas como de izquierdas, reclamando ambos su inestimable legado.
Jeannette, la infancia de Juana de Arco está basada en Juana de Arco (1897) y en El misterio de la caridad de Juana de Arco (1910).
Gringo: Se busca vivo o muerto
2018
Duración 110 min.
País Estados Unidos
Dirección Nash Edgerton
Reparto David Oyelowo, Joel Edgerton, Charlize Theron, Amanda Seyfried, Thandie Newton,Sharlto Copley, Harry Treadaway, Michael Angarano, Alan Ruck, Paris Jackson,Kenneth Choi, Yul Vazquez, Melonie Diaz, Diego Cataño, Hector Kotsifakis,Charles E Tiedje, Carlos Corona, Rodrigo Corea
El respetable director ejecutivo de una compañía farmaceútica, Harold Soyinka (David Oyelowo), hace un viaje por trabajo de Chicago a México con sus jefes Richard (Joel Edgerton) y Elaine (Charlize Theron). En el laboratorio de la compañía en México, Richard ordena al manager Sánchez (Hernán Mendoza) parar la comercialización del Cannabax, producto sintetizado a partir de la marihuana provista por el cartel de un narcotraficante amante de los Beatles , conocido como "Pantera negra". Mientras tanto, el honesto Harold descubre que perderá su empleo tan pronto como Richard y Elaine vendan su recién saneada compañía y además, cuando regresa al confort de su hogar con su mujer Bonnie (Thandie Newton), ella le confiesa que tiene una aventura.
Harold, sin saber cómo, se combierte en el blanco del despiadado "Pantera Negra", que espera conseguir la fórmula del Cannabax. Cuando Harold desaparece misteriosamente, sus jefes reciben una llamada informando que ha sido secuestrado y demandan el pago de 5 millones de dólares. En lugar de pagar, Richard envía a su hermano Mitch (Sharlto Copley), un mercenario filántropo, a rescatar a Harold, pero incluso con la ayuda de una entrañable turista americana Sunny (Amanda Seyfried) y su novio camello Miles (Harry Treadaway), las posibilidades de supervivencia de Harold disminuyen a cada minuto que pasa.
Es una montaña rusa de acción y comedia rebosante de humor negro, trepidantes persecuciones en coche y dobles caras, Gringo. Se busca vivo o muerto lleva el concepto de aventura a un nuevo nivel.
Sobre la producción
El cineaste australiano Nash Edgerton comenzó a forjarse un nombre en Hollywood como actor, especialista y director de doblajes en más de 100 películas incluyendo The Matrix, American Ultra y Star Wars: Episodio II -El ataque de los clones. Entre actuaciones frente a las cámaras, comenzó a hacer cortometrajes entre los que se incluyen el premiado Spider, que le llevó a dirigir en 2008 el thriller australiano aclamado por la crítica, The Square, e incrementó su deseo de hacer más y mayores películas. Cuando su agente le envió un extravagante guión elaborado por Matthew Stone, Edgerton supo que había encontrado un proyecto al que podría hincar el diente.
"Me encantó el concepto pero era más cómica de lo que suelo hacer", dice el director. "Los escenarios eran absurdos, pero supe que si se hacía bien, aparecería el humor y la historia sería entretenida. Sólo había que ajustar el tono".
Con la aportación de Edgerton, el guionista Anthony Tambakis reformuló el argumento como una mezcla de acción de alto voltaje y comedia guiada por el desarrollo de los personajes. "Muchas de mis películas giran en torno al karma," dice Edgerton. "Haces cosas malas y te ocurren cosas malas. Con Gringo. Se busca vivo o muerto, pensé que sería interesante hacer una película sobre un hombre que transita por un camino, se pierde y termina averiguando quién es realmente".
Sus localizaciones internacionales y las escenas de acción y el alcance de Gringo. Se busca vivo o muerto atrajeron al director. Para financiar la ambiciosa película acudió a la veterana productora Rebecca Yeldham (The Motorcycle Diaries, The Kite Runner), a quien había conocido en el set de El regalo, dirigida y protagonizada por su hermano Joel. "Llevamos el proyecto a Amazon y una vez se involucraron, todo fue viento en popa", dice Yeldham.
Encontrando el humor
Gringo. Se busca vivo o muerto se nutre de interpretaciones cómicas de actores a quienes conocemos por sus trabajos dramáticos. En el papel del ingenuo Harold encontramos al actor británico de formación clásica David Oyelowo. Nominado al Oscar y al Globo de Oro por su papel como Martin Luther King en Selma, a Oyelowo le tentó probar suerte con una película más ligera. "He interpretado muchos papeles importantes", dice Oyelowo, que obtuvo una segunda nominación a un Globo de Oro por meterse en la piel de un asesino en la desgarradora película de HBO Nightingale. "Nunca antes de Gringo. Se busca vivo o muerto había hecho una comedia negra. Mi lado tonto siempre había estado reservado para mis hijos y para mis amigos, así que para mí, Gringo. Se busca vivo o muerto fue una gran oportunidad para poder expresar esa parte de mi personalidad".
Cuando se reunió en un almuerzo con Nash Edgerton para discutir el proyecto, Oyelowo aportó algunas ideas para el personaje. "Reté a Nash a que Harold se convirtiese en un inmigrante nigeriano", dice el actor. "Mis padres son nigerianos y viví en Nigeria durante siete años, así que ese elemento me daba algo con lo que podía jugar. Quería aportar algo nuevo al papel, porque cuando tienes un personaje que se considera un perdedor, hay una tendencia a ir de nerd, tener sobrepeso, usar gafas, etc. Sentí que si Harold era un nigeriano en México, era una forma muy interesante de convertirlo en un pez fuera del agua".
El co-protagonista Joel Edgerton, que conoció a Oyelowo durante el rodaje de la película, considera que Oyelowo era perfecto para interpretar a un empleado ejemplar y esposo devoto que se cruza con algunos personajes muy desagradables. "Harold es muy bueno en todos los aspectos, así que la mejor manera de encontrar a alguien para interpretarlo era un actor que reflejase esas cualidades en la vida real, y ese es David", dice. "Además de ser buena persona, David también es un actor extraordinario y alguien en quien puedes confiar completamente. Y eso la cámara lo ve".
La interpretación de Oyelowo de este personaje desfavorecido también emocionó al productor Yeldham. "David hace un trabajo fantástico interpretando a este hombre que cree en el sueño americano, pero que vive reprimido en Chicago", dice. "La ironía es que cuando Harold viene a México y le pasan cosas horribles, es cuando finalmente se libera y construye su propio camino".
Una femme fatale corporativa
La ganadora del Oscar, Charlize Theron, se forjó una reputación como actriz dramática multifacética en películas que van desde una asesina en serie en Monster, hasta el espectáculo de acción futurista Mad Max: Furia en la carretera. Pero aparte de algunas apariciones especiales en la serie de televisión Arrested Development, rara vez ha tenido la oportunidad de presumir de su faceta cómica. Theron descubrió el humor negro de Nash Edgerton hace casi una década gracias a su cortometraje de 2007, Spider. "Estaba tan impresionada cuando lo vi que quise conocerle, sólo como fan", dice. "Nos llevamos bien de inmediato y nos hicimos amigos. Desde hace un tiempo, hemos estado buscando algo que pudiéramos hacer juntos".
Gringo. Se busca vivo o muerto les brindó esa oportunidad. Cuando Nash Edgerton la invitó a interpretar a Elaine, la empresaria de pocos escrúpulos, Theron no dudó. Incluso firmó para producir la película a través de su compañía de Denver, Delilah Productions.
"Me gusta Elaine porque hay algo sin filtro y carente de arrepentimiento en ella", dice la actriz sudafricana, cuyos muchos créditos también incluyen el éxito Blancanieves y la leyenda del cazador y la película épica de ciencia ficción de Ridley Scott, Prometheus. "Cuando interpreté a Elaine, salieron cosas de su boca que nunca imaginé que pudieran salir de mi boca". De hecho, Theron experimentó cierta ansiedad interpretando las líneas más desagradables de Elaine. "Hubo muchísimos momentos durante el rodaje de esta película en el que estaba completamente avergonzada y diciéndole al equipo: 'Chicos, siento mucho tener que decir todo esto'. Afortunadamente, eran gente muy cálida y cariñosa".
Sin embargo, para Joel Edgerton, coprotagonista de "Gringo", ver a Theron transformarse en ese personaje fue un placer. "Charlize es muy bella y elegante, pero también muy aguda y divertida", dice. "De vez en cuando, ella decía algo polémico o sucio que nos sorprendía a todos, pero porque todos esperábamos una actitud diferente en ella".
El personaje también le ofreció a Theron la oportunidad de ahondar más allá de las bromas sarcásticas para sondear la humanidad bien escondida de Elaine. "Lo que realmente aproveché fue que debajo de toda esa valentía, Elaine es vulnerable y siente dolor", dice. "Para mí, eso es lo que la hizo real. No quería que pareciera una caricatura. Elaine es ruidosa y grande, y se salta los límites, así que me emocionaba mucho explorar todo eso como actriz".
Un lobo con traje a medida
Para Joel Edgerton, el personaje del cruel hombre de negocios Richard Rusk representó un giro radical después de su papel en Loving, nominado al Globo de Oro por el papel de un pionero defensor de los derechos civiles. "Parece que me gusta oscilar entre interpretar a buenas personas y a idiotas", dice. "Richard es todo lo que te encanta odiar de las empresas estadounidenses. Quería representar a una especie de tramposo cargado de poses y gestos mientras está ahí sentado en su elegante despacho. Pensé mucho en la falsa sensación de poder que le daba".
La lista de sus cualidades odiosas incluye una completa falta de lealtad hacia su amigo de la universidad y empleado, Harold. "La compañía de Richard está a punto de fusionarse con otra más grande, lo que puede generar un montón de ganancias, pero significa que va a haber un montón de despedidos, incluido Harold", dice Joel Edgerton. "Richard contrató a Harold sabiendo que podía confiar en él, pero es una amistad unilateral. Cuando surge la oportunidad de echar a Harold, Richard no se lo piensa dos veces".
El actor sabía que era esencial para el papel encontrar el tono cómico correcto. "Estoy acostumbrado a trabajar en películas serias donde te centras en la verdad, porque ahí es donde vive el drama", dice. "En una comedia como Gringo. Se busca vivo o muerto estás lidiando con distintas preguntas: '¿Cómo de gracioso quieres ser?' ¿Es una película de tartazo-en-la-cara? ¿Es una comedia cálida? ¿O es algo intermedio? Si ves la película Fargo de los hermanos Coen, yo diría que ahí es donde vive esta película. Las situaciones parecen plausibles y a veces muy peligrosas; sin embargo, y aún así, te ríes y disfrutas de la comedia de situación".
Mientras el Harold de Oyelowo es el corazón y el alma de la película, las reacciones de Theron y Joel Edgerton en el papel de sus jefes narcisistas son las que ofrecen muchos de los momentos más divertidos de la película. "Richard y Elaine están fabulosos, pero son muy malvados", observa Yeldham. "Son groseros, fanáticos, tratan a la gente terriblemente y se muestran totalmente ajenos a las necesidades de nadie más allá de ellos mismos". Mucho del humor de la película surge de ver a estas dos personas atractivas comportarse de una manera tan atroz".
La alegre Sunny y el Indie Punk
Amanda Seyfried (Mamma mia, Twin Peaks) dice que le entusiasmó la posibilidad de interpretar a Sunny, la turista estadounidense que es todo corazón y que se hace amiga de Harold en México. "Me encanta Sunny porque no hay nada que la deprima", explica la actriz. "Me encanta interpretar a personas más optimistas que yo. Sunny tiene muchos sueños y aspiraciones, pero simplemente no se aclara las ideas".
Seyfried recuerda con cariño la escena en la que su personaje visita un curandero de mariposas mexicano, e inocentemente se maravilla con la vida silvestre, totalmente ajena a las maquinaciones criminales de su novio. "Hay un montón de mariposas y mi personaje tiene ese halo de mariposa que también me encanta", dice. "Fue una gran elección de personaje".
La ingenuidad de Sunny contrasta con su hastiado novio, el músico Miles, al que da vida el actor inglés Harry Treadaway (Penny Dreadful, El llanero solitario), quien les ha llevado a México por dudosas razones. "Me fascinaban la historia y el personaje", dice Treadaway, que coprotagonizó junto a Nash Edgerton un cortometraje titulado Streetcar, en 2014. "Miles es un chico de Inglaterra que se mudó a Nueva York y trató de triunfar en la industria de la música. Seguramente pasó demasiado tiempo viendo documentales sobre The Doors en lugar de componer buenas canciones".
Para prepararse para el papel del aspirante a estrella de rock, Treadaway dice que no tuvo que buscar lejos la inspiración. "Me miré a los ojos y pensé: 'Llevo unos vaqueros ajustados, llevo cosas colgando del cuello, llevo anillos'", recuerda Treadaway. "En cierto modo, Miles es una especie de versión exagerada de mucha gente que conozco".
Chicago vs México
Gringo. Se busca vivo o muerto tiene lugar en dos mundos totalmente diferentes: los elegantes rascacielos del centro de Chicago, y las calles arenosas y estridentes de México. Encontrar el lugar ideal para rodar requería un largo proceso de exploración, según la productora ejecutiva Trish Hofmann. "Buscamos en Colombia. Buscamos en Cleveland. Buscamos en Puerto Rico. Buscamos en Canadá. Buscamos por todos lados, pero cuando llegamos a México, los lugares eran muy vibrantes. Existe un marcado contraste entre la arquitectura de Chicago y la arquitectura de México que hace que la película destaque. Una de las mejores cosas de trabajar con Amazon es que nos apoyaron en nuestra decisión sobre dónde rodar esta película".
El rodaje comenzó en marzo de 2016 en Chicago, y después en abril cambió a Ciudad de México y Veracruz. El director de fotografía español Eduard Grau, que había trabajado anteriormente con los hermanos Edgerton en El regalo, hizo hincapié en el contraste entre las dos localizaciones con movimientos de cámara y paletas de colores marcadamente diferentes. "En Chicago, jugamos con la nieve para nuestra paleta, y utilizamos ese aspecto apagado y gris", dice. "Grabamos las escenas dentro del encuadre de una manera más controlada. La gama de colores que encuentras en México aumenta las imágenes porque hay muchos amarillos, rojos, rosas y azules. Cuando Harold llega a México, se siente un poco liberado de su vida normal. Todo es más agitado, así que usamos muchas tomas de seguimiento, mucho trabajo de Steadicam y un poco de cámara en mano. La cámara sólo tenía que ir fluyendo para seguir el viaje de Harold".
El diseñador de producción Patrice Vermette, nominado al Oscar por su trabajo en la aclamada película de ciencia ficción La llegada, cita al arquitecto modernista Mies van der Rohe como una inspiración para el lugar de trabajo de los principales personajes de Chicago. "Quería que la oficina diera una impresión muy controlada, sin muchos colores", dice. "El diseño de producción juega con el invierno y la frialdad de los personajes de Richard y Elaine. Queríamos hacer que sus oficinas centrales parecieran oficinas de personas malvadas, así que todo es blanco y negro. Es un poco como la Estrella de la Muerte en Star Wars".
En México, Vermette y su equipo escogieron un edificio vacío para diseñar el laboratorio de medicamentos donde la compañía fabrica marihuana sintética. "Para la fábrica de hierba, vaciamos todo de la estructura existente y diseñamos un espacio del que estoy muy orgulloso", dice Vermette, quien también buscó reflejar el sentido de desplazamiento de Harold pintando de verde sórdido el motel. "Es como si hubiera algún tipo de enfermedad que influye en el color de la piel de todos los que están allí. Fue interesante jugar con eso".
A diferencia de los personajes vestidos de manera informal en México, Harold, Richard y Elaine remarcan sus raíces corporativas con ropa de trabajo a medida, cortesía de la diseñadora de vestuario Donna Zakowska, ganadora de un Emmy (John Adams). "Charlize es muy de alta costura", dice Zakowska. "Teníamos accesorios, y al final lo redujimos todo a elementos absolutamente perfectos: el zapato Dior perfecto, el bolso Fendi perfecto con los guantes Prada. Todo muy al detalle".
Para vestir a Harold de Oyelowo, Zakowska encargó telas de Londres y las cosió a medida en Los Ángeles. "Encontramos una lana muy especial en Londres. David y yo juntos construimos un traje que parecía moderno pero que no era exagerado. En su ropa hay simplicidad".
Para dar estilo a los personajes de inframundo que Harold encuentra tras abandonar a sus jefes, Zakowska investigó los mundos de los cárteles de la droga y de los carnavales. "Resultó muy importante capturar el aspecto y las máscaras del carnaval regional de Veracruz", dice ella. "Ese elemento se volvió muy específico en nuestra película, así que trabajé duro para hacer que la ropa resultara muy visual".
Bromas y ... ¡Acción!
Divertida, impredecible y sincera, Gringo. Se busca vivo o muerto" ofrece a los cinéfilos una nueva perspectiva del género de la comedia de acción. "Es muy raro encontrar algo original, pero Gringo. Se busca vivo o muerto no se parece a nada que haya visto o leído antes", observa Theron. "La película es muy divertida y es conmovedora al mismo tiempo. Ahora habla de las realidades sociales en el mundo de una manera muy entretenida, como si estuvieras comiendo espinacas sin darte ni cuenta. Los actores que se involucraron están en la cima de su carrera, y además, creo que Nash es un cineasta realmente especial".
A pesar de su humor travieso, Gringo. Se busca vivo o muerto al final cuenta una historia que reafirma la vida, dice Joel Edgerton. "Lo verdaderamente alegre de la película es que vemos que la bondad gana a la codicia, ya que hay una persona de buen corazón que lucha contra el mundo corporativo, y gana. Hay momentos de mucha acción en los que hay coches dando vueltas y tiroteos, pero creo que es el valor de la sorpresa y de los momentos de risa lo que el público realmente disfrutará cuando se sienten a ver esta película".
Treadaway cree que el humor en Gringo. Se busca vivo o muerto además de un toque de misterio, se sumará al hecho de pasar un buen momento en el cine. "Quiero estar en películas que te hagan reír histéricamente", dice el actor. "En "Gringo", hay un elemento de verdad en los personajes, pero es como si todos se hubieran bebido un chupito de tequila o dos".
Tal como lo ve el director Nash Edgerton, la forma en que la narrativa de Gringo. Se busca vivo o muerto se extiende a ambos lados de la frontera la convierte en una película adecuada para los tiempos que corren. "El mundo en el que vivimos hoy está muy conectado, y era importante para mí contar con un elenco internacional", dice el director. "Cuando salgo a ver una película, me gusta escapar de mi rutina y entretenerme". Espero que Gringo. Se busca vivo o muerto" sorprenda al público y le dé algo en lo que pensar y reírse".
Harold, sin saber cómo, se combierte en el blanco del despiadado "Pantera Negra", que espera conseguir la fórmula del Cannabax. Cuando Harold desaparece misteriosamente, sus jefes reciben una llamada informando que ha sido secuestrado y demandan el pago de 5 millones de dólares. En lugar de pagar, Richard envía a su hermano Mitch (Sharlto Copley), un mercenario filántropo, a rescatar a Harold, pero incluso con la ayuda de una entrañable turista americana Sunny (Amanda Seyfried) y su novio camello Miles (Harry Treadaway), las posibilidades de supervivencia de Harold disminuyen a cada minuto que pasa.
Es una montaña rusa de acción y comedia rebosante de humor negro, trepidantes persecuciones en coche y dobles caras, Gringo. Se busca vivo o muerto lleva el concepto de aventura a un nuevo nivel.
Sobre la producción
El cineaste australiano Nash Edgerton comenzó a forjarse un nombre en Hollywood como actor, especialista y director de doblajes en más de 100 películas incluyendo The Matrix, American Ultra y Star Wars: Episodio II -El ataque de los clones. Entre actuaciones frente a las cámaras, comenzó a hacer cortometrajes entre los que se incluyen el premiado Spider, que le llevó a dirigir en 2008 el thriller australiano aclamado por la crítica, The Square, e incrementó su deseo de hacer más y mayores películas. Cuando su agente le envió un extravagante guión elaborado por Matthew Stone, Edgerton supo que había encontrado un proyecto al que podría hincar el diente.
"Me encantó el concepto pero era más cómica de lo que suelo hacer", dice el director. "Los escenarios eran absurdos, pero supe que si se hacía bien, aparecería el humor y la historia sería entretenida. Sólo había que ajustar el tono".
Con la aportación de Edgerton, el guionista Anthony Tambakis reformuló el argumento como una mezcla de acción de alto voltaje y comedia guiada por el desarrollo de los personajes. "Muchas de mis películas giran en torno al karma," dice Edgerton. "Haces cosas malas y te ocurren cosas malas. Con Gringo. Se busca vivo o muerto, pensé que sería interesante hacer una película sobre un hombre que transita por un camino, se pierde y termina averiguando quién es realmente".
Sus localizaciones internacionales y las escenas de acción y el alcance de Gringo. Se busca vivo o muerto atrajeron al director. Para financiar la ambiciosa película acudió a la veterana productora Rebecca Yeldham (The Motorcycle Diaries, The Kite Runner), a quien había conocido en el set de El regalo, dirigida y protagonizada por su hermano Joel. "Llevamos el proyecto a Amazon y una vez se involucraron, todo fue viento en popa", dice Yeldham.
Encontrando el humor
Gringo. Se busca vivo o muerto se nutre de interpretaciones cómicas de actores a quienes conocemos por sus trabajos dramáticos. En el papel del ingenuo Harold encontramos al actor británico de formación clásica David Oyelowo. Nominado al Oscar y al Globo de Oro por su papel como Martin Luther King en Selma, a Oyelowo le tentó probar suerte con una película más ligera. "He interpretado muchos papeles importantes", dice Oyelowo, que obtuvo una segunda nominación a un Globo de Oro por meterse en la piel de un asesino en la desgarradora película de HBO Nightingale. "Nunca antes de Gringo. Se busca vivo o muerto había hecho una comedia negra. Mi lado tonto siempre había estado reservado para mis hijos y para mis amigos, así que para mí, Gringo. Se busca vivo o muerto fue una gran oportunidad para poder expresar esa parte de mi personalidad".
Cuando se reunió en un almuerzo con Nash Edgerton para discutir el proyecto, Oyelowo aportó algunas ideas para el personaje. "Reté a Nash a que Harold se convirtiese en un inmigrante nigeriano", dice el actor. "Mis padres son nigerianos y viví en Nigeria durante siete años, así que ese elemento me daba algo con lo que podía jugar. Quería aportar algo nuevo al papel, porque cuando tienes un personaje que se considera un perdedor, hay una tendencia a ir de nerd, tener sobrepeso, usar gafas, etc. Sentí que si Harold era un nigeriano en México, era una forma muy interesante de convertirlo en un pez fuera del agua".
El co-protagonista Joel Edgerton, que conoció a Oyelowo durante el rodaje de la película, considera que Oyelowo era perfecto para interpretar a un empleado ejemplar y esposo devoto que se cruza con algunos personajes muy desagradables. "Harold es muy bueno en todos los aspectos, así que la mejor manera de encontrar a alguien para interpretarlo era un actor que reflejase esas cualidades en la vida real, y ese es David", dice. "Además de ser buena persona, David también es un actor extraordinario y alguien en quien puedes confiar completamente. Y eso la cámara lo ve".
La interpretación de Oyelowo de este personaje desfavorecido también emocionó al productor Yeldham. "David hace un trabajo fantástico interpretando a este hombre que cree en el sueño americano, pero que vive reprimido en Chicago", dice. "La ironía es que cuando Harold viene a México y le pasan cosas horribles, es cuando finalmente se libera y construye su propio camino".
Una femme fatale corporativa
La ganadora del Oscar, Charlize Theron, se forjó una reputación como actriz dramática multifacética en películas que van desde una asesina en serie en Monster, hasta el espectáculo de acción futurista Mad Max: Furia en la carretera. Pero aparte de algunas apariciones especiales en la serie de televisión Arrested Development, rara vez ha tenido la oportunidad de presumir de su faceta cómica. Theron descubrió el humor negro de Nash Edgerton hace casi una década gracias a su cortometraje de 2007, Spider. "Estaba tan impresionada cuando lo vi que quise conocerle, sólo como fan", dice. "Nos llevamos bien de inmediato y nos hicimos amigos. Desde hace un tiempo, hemos estado buscando algo que pudiéramos hacer juntos".
Gringo. Se busca vivo o muerto les brindó esa oportunidad. Cuando Nash Edgerton la invitó a interpretar a Elaine, la empresaria de pocos escrúpulos, Theron no dudó. Incluso firmó para producir la película a través de su compañía de Denver, Delilah Productions.
"Me gusta Elaine porque hay algo sin filtro y carente de arrepentimiento en ella", dice la actriz sudafricana, cuyos muchos créditos también incluyen el éxito Blancanieves y la leyenda del cazador y la película épica de ciencia ficción de Ridley Scott, Prometheus. "Cuando interpreté a Elaine, salieron cosas de su boca que nunca imaginé que pudieran salir de mi boca". De hecho, Theron experimentó cierta ansiedad interpretando las líneas más desagradables de Elaine. "Hubo muchísimos momentos durante el rodaje de esta película en el que estaba completamente avergonzada y diciéndole al equipo: 'Chicos, siento mucho tener que decir todo esto'. Afortunadamente, eran gente muy cálida y cariñosa".
Sin embargo, para Joel Edgerton, coprotagonista de "Gringo", ver a Theron transformarse en ese personaje fue un placer. "Charlize es muy bella y elegante, pero también muy aguda y divertida", dice. "De vez en cuando, ella decía algo polémico o sucio que nos sorprendía a todos, pero porque todos esperábamos una actitud diferente en ella".
El personaje también le ofreció a Theron la oportunidad de ahondar más allá de las bromas sarcásticas para sondear la humanidad bien escondida de Elaine. "Lo que realmente aproveché fue que debajo de toda esa valentía, Elaine es vulnerable y siente dolor", dice. "Para mí, eso es lo que la hizo real. No quería que pareciera una caricatura. Elaine es ruidosa y grande, y se salta los límites, así que me emocionaba mucho explorar todo eso como actriz".
Un lobo con traje a medida
Para Joel Edgerton, el personaje del cruel hombre de negocios Richard Rusk representó un giro radical después de su papel en Loving, nominado al Globo de Oro por el papel de un pionero defensor de los derechos civiles. "Parece que me gusta oscilar entre interpretar a buenas personas y a idiotas", dice. "Richard es todo lo que te encanta odiar de las empresas estadounidenses. Quería representar a una especie de tramposo cargado de poses y gestos mientras está ahí sentado en su elegante despacho. Pensé mucho en la falsa sensación de poder que le daba".
La lista de sus cualidades odiosas incluye una completa falta de lealtad hacia su amigo de la universidad y empleado, Harold. "La compañía de Richard está a punto de fusionarse con otra más grande, lo que puede generar un montón de ganancias, pero significa que va a haber un montón de despedidos, incluido Harold", dice Joel Edgerton. "Richard contrató a Harold sabiendo que podía confiar en él, pero es una amistad unilateral. Cuando surge la oportunidad de echar a Harold, Richard no se lo piensa dos veces".
El actor sabía que era esencial para el papel encontrar el tono cómico correcto. "Estoy acostumbrado a trabajar en películas serias donde te centras en la verdad, porque ahí es donde vive el drama", dice. "En una comedia como Gringo. Se busca vivo o muerto estás lidiando con distintas preguntas: '¿Cómo de gracioso quieres ser?' ¿Es una película de tartazo-en-la-cara? ¿Es una comedia cálida? ¿O es algo intermedio? Si ves la película Fargo de los hermanos Coen, yo diría que ahí es donde vive esta película. Las situaciones parecen plausibles y a veces muy peligrosas; sin embargo, y aún así, te ríes y disfrutas de la comedia de situación".
Mientras el Harold de Oyelowo es el corazón y el alma de la película, las reacciones de Theron y Joel Edgerton en el papel de sus jefes narcisistas son las que ofrecen muchos de los momentos más divertidos de la película. "Richard y Elaine están fabulosos, pero son muy malvados", observa Yeldham. "Son groseros, fanáticos, tratan a la gente terriblemente y se muestran totalmente ajenos a las necesidades de nadie más allá de ellos mismos". Mucho del humor de la película surge de ver a estas dos personas atractivas comportarse de una manera tan atroz".
La alegre Sunny y el Indie Punk
Amanda Seyfried (Mamma mia, Twin Peaks) dice que le entusiasmó la posibilidad de interpretar a Sunny, la turista estadounidense que es todo corazón y que se hace amiga de Harold en México. "Me encanta Sunny porque no hay nada que la deprima", explica la actriz. "Me encanta interpretar a personas más optimistas que yo. Sunny tiene muchos sueños y aspiraciones, pero simplemente no se aclara las ideas".
Seyfried recuerda con cariño la escena en la que su personaje visita un curandero de mariposas mexicano, e inocentemente se maravilla con la vida silvestre, totalmente ajena a las maquinaciones criminales de su novio. "Hay un montón de mariposas y mi personaje tiene ese halo de mariposa que también me encanta", dice. "Fue una gran elección de personaje".
La ingenuidad de Sunny contrasta con su hastiado novio, el músico Miles, al que da vida el actor inglés Harry Treadaway (Penny Dreadful, El llanero solitario), quien les ha llevado a México por dudosas razones. "Me fascinaban la historia y el personaje", dice Treadaway, que coprotagonizó junto a Nash Edgerton un cortometraje titulado Streetcar, en 2014. "Miles es un chico de Inglaterra que se mudó a Nueva York y trató de triunfar en la industria de la música. Seguramente pasó demasiado tiempo viendo documentales sobre The Doors en lugar de componer buenas canciones".
Para prepararse para el papel del aspirante a estrella de rock, Treadaway dice que no tuvo que buscar lejos la inspiración. "Me miré a los ojos y pensé: 'Llevo unos vaqueros ajustados, llevo cosas colgando del cuello, llevo anillos'", recuerda Treadaway. "En cierto modo, Miles es una especie de versión exagerada de mucha gente que conozco".
Chicago vs México
Gringo. Se busca vivo o muerto tiene lugar en dos mundos totalmente diferentes: los elegantes rascacielos del centro de Chicago, y las calles arenosas y estridentes de México. Encontrar el lugar ideal para rodar requería un largo proceso de exploración, según la productora ejecutiva Trish Hofmann. "Buscamos en Colombia. Buscamos en Cleveland. Buscamos en Puerto Rico. Buscamos en Canadá. Buscamos por todos lados, pero cuando llegamos a México, los lugares eran muy vibrantes. Existe un marcado contraste entre la arquitectura de Chicago y la arquitectura de México que hace que la película destaque. Una de las mejores cosas de trabajar con Amazon es que nos apoyaron en nuestra decisión sobre dónde rodar esta película".
El rodaje comenzó en marzo de 2016 en Chicago, y después en abril cambió a Ciudad de México y Veracruz. El director de fotografía español Eduard Grau, que había trabajado anteriormente con los hermanos Edgerton en El regalo, hizo hincapié en el contraste entre las dos localizaciones con movimientos de cámara y paletas de colores marcadamente diferentes. "En Chicago, jugamos con la nieve para nuestra paleta, y utilizamos ese aspecto apagado y gris", dice. "Grabamos las escenas dentro del encuadre de una manera más controlada. La gama de colores que encuentras en México aumenta las imágenes porque hay muchos amarillos, rojos, rosas y azules. Cuando Harold llega a México, se siente un poco liberado de su vida normal. Todo es más agitado, así que usamos muchas tomas de seguimiento, mucho trabajo de Steadicam y un poco de cámara en mano. La cámara sólo tenía que ir fluyendo para seguir el viaje de Harold".
El diseñador de producción Patrice Vermette, nominado al Oscar por su trabajo en la aclamada película de ciencia ficción La llegada, cita al arquitecto modernista Mies van der Rohe como una inspiración para el lugar de trabajo de los principales personajes de Chicago. "Quería que la oficina diera una impresión muy controlada, sin muchos colores", dice. "El diseño de producción juega con el invierno y la frialdad de los personajes de Richard y Elaine. Queríamos hacer que sus oficinas centrales parecieran oficinas de personas malvadas, así que todo es blanco y negro. Es un poco como la Estrella de la Muerte en Star Wars".
En México, Vermette y su equipo escogieron un edificio vacío para diseñar el laboratorio de medicamentos donde la compañía fabrica marihuana sintética. "Para la fábrica de hierba, vaciamos todo de la estructura existente y diseñamos un espacio del que estoy muy orgulloso", dice Vermette, quien también buscó reflejar el sentido de desplazamiento de Harold pintando de verde sórdido el motel. "Es como si hubiera algún tipo de enfermedad que influye en el color de la piel de todos los que están allí. Fue interesante jugar con eso".
A diferencia de los personajes vestidos de manera informal en México, Harold, Richard y Elaine remarcan sus raíces corporativas con ropa de trabajo a medida, cortesía de la diseñadora de vestuario Donna Zakowska, ganadora de un Emmy (John Adams). "Charlize es muy de alta costura", dice Zakowska. "Teníamos accesorios, y al final lo redujimos todo a elementos absolutamente perfectos: el zapato Dior perfecto, el bolso Fendi perfecto con los guantes Prada. Todo muy al detalle".
Para vestir a Harold de Oyelowo, Zakowska encargó telas de Londres y las cosió a medida en Los Ángeles. "Encontramos una lana muy especial en Londres. David y yo juntos construimos un traje que parecía moderno pero que no era exagerado. En su ropa hay simplicidad".
Para dar estilo a los personajes de inframundo que Harold encuentra tras abandonar a sus jefes, Zakowska investigó los mundos de los cárteles de la droga y de los carnavales. "Resultó muy importante capturar el aspecto y las máscaras del carnaval regional de Veracruz", dice ella. "Ese elemento se volvió muy específico en nuestra película, así que trabajé duro para hacer que la ropa resultara muy visual".
Bromas y ... ¡Acción!
Divertida, impredecible y sincera, Gringo. Se busca vivo o muerto" ofrece a los cinéfilos una nueva perspectiva del género de la comedia de acción. "Es muy raro encontrar algo original, pero Gringo. Se busca vivo o muerto no se parece a nada que haya visto o leído antes", observa Theron. "La película es muy divertida y es conmovedora al mismo tiempo. Ahora habla de las realidades sociales en el mundo de una manera muy entretenida, como si estuvieras comiendo espinacas sin darte ni cuenta. Los actores que se involucraron están en la cima de su carrera, y además, creo que Nash es un cineasta realmente especial".
A pesar de su humor travieso, Gringo. Se busca vivo o muerto al final cuenta una historia que reafirma la vida, dice Joel Edgerton. "Lo verdaderamente alegre de la película es que vemos que la bondad gana a la codicia, ya que hay una persona de buen corazón que lucha contra el mundo corporativo, y gana. Hay momentos de mucha acción en los que hay coches dando vueltas y tiroteos, pero creo que es el valor de la sorpresa y de los momentos de risa lo que el público realmente disfrutará cuando se sienten a ver esta película".
Treadaway cree que el humor en Gringo. Se busca vivo o muerto además de un toque de misterio, se sumará al hecho de pasar un buen momento en el cine. "Quiero estar en películas que te hagan reír histéricamente", dice el actor. "En "Gringo", hay un elemento de verdad en los personajes, pero es como si todos se hubieran bebido un chupito de tequila o dos".
Tal como lo ve el director Nash Edgerton, la forma en que la narrativa de Gringo. Se busca vivo o muerto se extiende a ambos lados de la frontera la convierte en una película adecuada para los tiempos que corren. "El mundo en el que vivimos hoy está muy conectado, y era importante para mí contar con un elenco internacional", dice el director. "Cuando salgo a ver una película, me gusta escapar de mi rutina y entretenerme". Espero que Gringo. Se busca vivo o muerto" sorprenda al público y le dé algo en lo que pensar y reírse".
De tal madre, tal hija
2017
Duración 94 min.
País Francia
Dirección Noémie Saglio
Reparto Juliette Binoche, Camille Cottin, Lambert Wilson, Stefi Celma, Catherine Jacob,Jean-Luc Bideau
Paranormal
2017
Duración 85 min.
País Irlanda
Dirección Dennis Bartok
Reparto Shauna Macdonald, Ross Noble, Steve Wall, Charlotte Bradley, Leah McNamara,Robert O'Mahoney, Dennis Bartok, Conor Scott, Richard Foster-King, Trish Groves,Muireann D'Arcy, Amelia de Buyl Pisco, Kreeta Taponen
Desmadre
2017
País Argentina
Dirección Sabrina Farji
Ficha técnica
Guión: Sabrina Farji
Dirección y Producción: Sabrina Farji
Producción Ejecutiva: Maria Vacas
Directora de Fotografia: Connie Martin
Cámara 2: Zoe Trilnick Farji
Sonido: Mariana Delgado
Edición: Ezequiel Brizuela
Música Original: Karina Camporino
Post Sonido: Aki Rosson
Elenco: Leonor Schlimovich, Zoe Trilnick Farji, Joelle Levy Farji
Palabras de la directora
El documental surgió a partir de una situación de desborde familiar en el que había muchos cambios. Una separación mía, mi hija mayor se iba a vivir con su padre, mi madre estaba atravesando episodios de ataque de pánico y problemas cardíacos. Eran como infartos pero clínicamente no era así. Se determinó que era una enfermedad que se llama Takostubo, que es el nombre de una trampa para cazar moluscos en Japón. Es la enfermedad del mal de amor. Hablando con muchas amigas sobre este desborde, me di cuenta de que todas tenían algo con el tema de la maternidad, ser madre y ser hija, el conflicto, la idealización, el tabú de poder hablar sobre sensaciones encontradas con cada uno de los miembros de la familia. Entendí que lo que me pasaba a mí les ocurría a otras mujeres, y que la maternidad no estaba explorada desde el estado crítico. La idea del documental surgió en ese momento y tardé cuatro años en hacerlo. O sea que desde el disparador y guion original pasó el tiempo y estábamos en otro momento de nuestras vidas y con otro vínculo.
Fragmento de nota en la revista Haciendo Cine
Sobre la directora
Artista multidisciplinaria, ha desarrollado su carrera en todas las ramas del audiovisual desde el año 1990. Directora, productora y guionista. En 2002 funda su empresa productora Zoelle Producciones. Miembro de DAC, APRI, ARGENTORES y La mujer y el Cine, Academia Argentina de Cine.
Profesora de Guión y Dirección, Consultora y Tutora de proyectos audiovisuales. Activista y Generadora de Políticas con Perspectiva de Género en el sector audiovisual.
2018 Los felices (documental largometraje en postproducción)
2017 Desmadre (documental largometraje)
2015 Algo azul (Shortfilm)
2014 Spots para Carburando. Campaña “Pilotos” 6 X 1`
2013 Fronteras (tv series) 13 x 48
2012 Certeza (Short film)
2012 Grandes Chicas Grandes (tv series) 8 X 26
2011 El Paraíso (TV Series) 13 x 26
2010 Eva y Lola
2010 La voz (Short)
2007 Cuando ella saltó
2004 Cielo azul, cielo negro
1997 Un espacio al olvido (videoarte)
1995 De niño (Short)
1994 Video de otoño (Short)
1994 Cómo un cuerpo ausente (Short)
1993 Las cuatro estaciones de un año (Short)
1993 Lo bueno y lo bello (Short)
1992 Algunas mujeres (Short)
1992 Farji nº 16 (Short)
1991 Nin (Short)
1990 Estúpida mas no zonza (Short)
Dijo la prensa
“A partir de su propio núcleo familiar, compuesto por una abuela, la madre y dos hijas (Leonor Schlimovich, Zoe Trilnick Farji, Joelle Levy Farji y la propia Sabrina Farji), la realizadora reflexiona sobre los vínculos que se entretejen entre ellas. Las tres generaciones viajarán juntas a Paraná (Entre Rios) a rodar el documental, por lo que el relato adquirirá elementos de road movie que agregarán belleza a un trabajo dotado de fragmentos íntimos, de amor incondicional y diferencias siempre reconciliables”.
Pablo de Vitta – La Nación
“La realizadora argentina Sabrina Farji (Eva & Lola, 2010) explora con su primera película documental en la relación entre madres e hijas a través de un retrato familiar con una honestidad brutal como pocas veces el cine mostró. Farji construye una película sensible tan personal como honesta, donde parece no existir el miedo a la exhibición de una parte de la vida que muchos tratarían de ocultar”.
Juan Pablo Russo – Escribiendo Cine
“Lo fragmentario implica siempre disolución, ruptura de algo consolidado. Una familia pasa por tantas etapas de fragmentación como de unidad y de ahí la pregunta sobre los vínculos, las relaciones de madres con hijas y el cine desde su espacio privilegiado para recortar la mirada. Motivos más que interesantes para tratar de reflexionar desde el registro documental y con el cuerpo sobre los propios vínculos y roles de hija, madre, directora de cine y mujer.
Desmadre… es un desmadre porque hace del caos de los afectos su espacio cinematográfico”.
Pablo Arahuete – Cinefreaks Argentina
Cada día
2018
Duración 95 min.
País Estados Unidos
Dirección Michael Sucsy
Reparto Angourie Rice, Owen Teague, Justice Smith, Maria Bello, Debby Ryan, Colin Ford,Lucas Jade Zumann, Jacob Batalon, Ian Alexander, Katie Douglas, Amanda Arcuri,Jake Sim, Charles Vandervaart, Michael Cram, Rohan Mead, Taveeta Szymanowicz,Karena Evans, Nicole Law, Jake Robards, Tara Nicodemo, Sean Jones,Danielle Bourgon, Robinne Fanfair, Michael Sercerchi
"Me llamo A. Cada día me despierto en un cuerpo diferente. Siempre alguien de mi edad, nunca demasiado lejos de la persona anterior, nunca la misma persona dos veces. No tengo ningún control sobre nada de esto. No sé por qué ocurre ni cómo. Pero sé qué hace diferente a cada persona y qué hace a todas iguales. He visto el mismo color azul de cincuenta maneras diferentes a través de cincuenta pares de ojos distintos. Cada día de mi vida me despierto y únicamente intento vivir ese día, por esa persona. No dejar ningúna marca, ningún rastro. Hasta ahora.."..
El libro
En 2012, el famoso escritor de literatura juvenil David Levithan (conocido por coescribir en 2006 el libro Nick y Nora, Una Noche de Música y Amor) publicó un libro que le impulsó a nuevos niveles creativos. Tuvo tal repercusión entre sus lectores que pasó meses en la lista de best sellers del New York Times y dio lugar a grupos de chat en línea, fan art y publicaciones de los admiradores.
Ese libro fue Every Day, la historia de un ente en plena adolescencia llamado A, que cada día despierta en un cuerpo diferente. Every Day cuenta los desafíos a los que se enfrenta A cuando cae locamente enamorado de Rhiannon, una chica como nunca había conocido. ¿Podrías tener una relación con un alma que habita cada día en un cuerpo diferente? A veces chico, a veces chica, a veces el quarterback del colegio, a veces el marginado. ¿Quién eres si te quitan tu cuerpo, tu raza, tu ropa o a tu familia? La historia es una actualización del dicho "amar a alguien por lo que hay en su interior", pero con más fuerza, ya que los años de adolescencia normalmente intentamos probar y experimentar con infinidad de identidades externas en un intento por averiguar quiénes somos.
El libro de Levithan explora todos estos temas, pero en esencia se trata de una historia sobre el amor verdadero, sobre crecer y sobre lo que haríamos por aquellos a los que queremos. ¿Temas que serán siempre relevantes? Por supuesto. Como el propio A dice en el libro, "...cuando cambias a diario, llegas a hacerte a la idea de lo que es el universo. "
"La idea de Every Day me vino un día en el trabajo", cuenta el autor David Levithan. "Simplemente pensé: "¿Cómo sería despertarse cada día en un cuerpo diferente?" Esta pregunta me intrigó tanto que empecé a escribir sobre ello, y mientras escribía empecé a pensar "Esto va de que tu cuerpo no defina quien eres, o de las ideas impuestas sobre quién eres externamente, sino de quién eres en realidad". Y el libro surgió básicamente como respuesta a esa pregunta. No se parecía a nada que hubiera hecho antes".
Levithan decidió utilizar este innovador concepto e introducirlo en el contexto de una historia de amor adolescente, "A nunca ha conectado con nadie, lo que no es muy diferente de la experiencia adolescente del primer amor. Me fascinó el conflicto de Rhiannon, de quién se enamora. ¿Podrías dejar atrás todo lo que te han hecho creer para querer a alguien en estas circunstancias? ¿Qué significa realmente amar a la persona interior cuando carece de la externa?"
El libro se convirtió en un fenómeno que resonó con fuerza entre la gente joven de todo el mundo, lo que llevó a Levithan a recorrer toda Norteamérica visitando colegios e institutos.
"Hay algunos aspectos clave con los que los lectores parecen haber conectado", comenta. "Con la idea de "No soy quien todo el mundo ve", ya que en ocasiones no existe conexión entre lo que el mundo ve y cómo tú te sientes. También pienso que los lectores han extraído de esta historia una sensación de que se puede, de que pueden ser quienes ellos quieran ser. El libro ofrece mucha libertad a la hora de pensar quién es A, algo muy interesante de explorar y que ha creado gran cantidad de fantásticas charlas sobre el género y la raza y sobre los binarios en los que se basa la sociedad, pero podemos elegir dar un paso al lado si queremos".
Resumen
Un consejo sencillo y muy habitual: deberías apreciar a alguien por su interior y no juzgarle por su apariencia. También es cierto que lo que a primera vista parece lo más simple, a menudo puede terminar siendo lo más complicado. Al final, la pregunta de quiénes somos en el fondo, sin cuerpo, sin género, sin ningún identificador externo, no es para nada fácil de responder.
Del mismo modo, a primera vista Every Day es una historia encantadora, divertida e inteligente sobre el paso de la infancia a la madurez, sobre los altos y bajos del amor verdadero y de crecer. Pero si profundizas un poco verás que hay mucho más.
"Creo que la gente vendrá a ver Every Day buscando una historia de amor juvenil, o tal vez para ver al increíble reparto, o para ver la interesante dinámica de todo esto, y creo que saldrán con mayor conocimiento del amor", cuenta Debby Ryan. "Esta película es una historia de amor, pero hay mucho más... es una historia sobre el camino hacia la madurez, una historia sobre el amor familiar, una historia sobre querer tanto a alguien que eliges lo más difícil, y es una historia mágica. Creo que es completamente encantadora".
"Lo que espero que la gente se lleve de esta película es la sensación de haber conectado con alguien y algo más profundo, más profundo que la piel y más profundo que las circunstancias y que la gente pueda ver la película y después girarse hacia quien esté con ellos e intentar ver lo más profundo de esa persona", dice Bregman. "Creo y espero que esta historia tenga repercusión en esta increíble época en la que una generación parece estar dando la espalda a las definiciones blancas o negras en lo que respecta a la identidad, lo que es algo muy emocionante".
Sicario: Día del soldado
2018
Duración 122 min.
País Estados Unidos
Dirección Stefano Sollima
Reparto Benicio del Toro, Josh Brolin, Matthew Modine, Catherine Keener, Isabela Moner,Jeffrey Donovan, Christopher Heyerdahl, Manuel García-Rulfo, Bruno Bichir
Un nuevo capítulo
SICARIO: DÍA DEL SOLDADO es un intenso y relevante thriller de acción movido por dos antihéroes protagonistas que se aventuran en lo más profundo del despiadado mundo fronterizo del tráfico de drogas y la política exterior estadounidense.
La película reúne al ganador del Óscar Benicio del Toro, como el misterioso abogado convertido en asesino Alejandro, con el agente de la CIA Matt Graver, interpretado una vez más por Josh Brolin, para enfrentarse a los cárteles. Alejandro recibe el encargo de secuestrar a la hija de un capo del narcotráfico para exacerbar una situación ya de por sí volátil, misión en la que acaba teniendo un interés muy personal.
"Alejandro se encuentra reviviendo hasta cierto punto lo que le sucedió a su propia hija", comenta del Toro, "y eso empieza a cambiar algo en él".
La suerte de la joven, Isabela, está en el aire, lo que obliga a Alejandro y a Matt a enfrentarse entre sí, afrontando cada uno un dilema moral en mitad de una guerra contra las drogas que ellos mismos se están encargando de avivar. En última instancia, tendrán que acabar escogiendo entre la vida de la joven o ganar la guerra.
"Provocan esa guerra, subestimando las posibles consecuencias", explica el director Stefano Sollima. Sollima, nacido y criado en Italia, se ha labrado una filmografía en torno a la a menudo delgada línea que existe entre policías y criminales, con proyectos tan populares como las series de televisión "Gomorra" y "Roma Criminal", así como los galardonados filmes "A.C.A.B.: All Cops Are Bastards" y "Suburra".
"Alejandro toma una decisión dictada por su conciencia, que le lleva a desobedecer sus órdenes de modo que, en cierto sentido, le declara la guerra a su socio", prosigue del Toro. "Al hacer eso, Alejandro e Isabela se encuentran solos".
Al principio de la película, Matt Graver ha regresado de trabajar en Oriente Medio y recibe un nuevo encargo de sus jefes de la CIA, que lo lleva de vuelta al mundo de la frontera. "En resumen, necesita provocar el caos a fin de, en última instancia, conseguir justicia. Y control", comenta Brolin.
"Matt cree firmemente que el fin justifica los medios y que la moralidad únicamente es relevante en tanto en cuanto afecte a tu bando. Para él, esto es un juego de suma cero", agrega el guionista Taylor Sheridan.
Para hacer el trabajo, Graver contacta con Alejandro, la única persona que conoce que puede ayudarle a hacerlo bien.
"Afrontan una serie de consecuencias que les llevan a cuestionarse su propia integridad y dónde encajan en los intereses políticos generales", explica Brolin.
"Creo que uno de los temas más importantes de la película es la humanidad. Alejandro, que más o menos carecía de ella en la primera entrega, redescubre su humanidad, en cierto modo. Y Matt, en una situación similar, descubre su humanidad en una serie de circunstancias sumamente insólitas", aporta el productor Edward L. McDonnell.
El guión está escrito una vez más por el nominado al Óscar Taylor Sheridan. Los productores estaban encantados de poder contar con Sheridan para crear otra historia apasionante de Sicario.
La productora Molly Smith comenta: "Se trata de personajes sumamente emblemáticos y Taylor tenía una idea estupenda para llevarlos al siguiente capítulo de su viaje".
"Taylor posee esa voz de wéstern moderno que la gente ansía", asegura el productor Trent Luckinbill, de Black Label Media. "Le preguntamos: '¿Qué te gustaría ver hacer a estos personajes y qué historia te gustaría contar?'".
Sheridan explica cómo esta idea refleja nuestro mundo actual y la volátil naturaleza del tráfico de drogas. "El panorama está cambiando en Estados Unidos en cuanto a la legalización de ciertas drogas, y la irrupción de los fármacos con receta como droga recreativa favorita, que ha dejado a los cárteles en busca de un nuevo producto que vender", aporta Sheridan. "Y yo estudio cuál es ese producto".
Ese producto, ahora, son vidas humanas: el tráfico de personas por la frontera. "En esto es en lo que se ha convertido la guerra contra las drogas, es oscuro y desgarrador, pero impactante", opina la productora Molly Smith. "Es muy real".
El director
El director Stefano Sollima conecta con el tema del tráfico de personas más allá de la frontera entre México y Estados Unidos. "Creo que se trata de un tema muy real en todo el mundo. No sólo en EE. UU. Ocurre lo mismo en Europa. Es como la gente trata de escapar de lugares muy pobres, y el sueño de encontrarse en otro lugar donde esperan tener una vida mejor. Por desgracia, rara vez se da ese caso", comenta.
Tras el éxito de crítica obtenido por su serie para la televisión italiana "Gomorra", sobre las luchas de poder internas en un sindicato del crimen, y por el thriller mafioso italiano "Suburra", que conectaba la política italiana con el crimen organizado, Sollima estaba deseando debutar en el cine americano. "Me atrae el concepto del antihéroe, y cómo los motivos que conducen a un personaje a hacer algo aparentemente malo no son nunca simples", aporta Sollima. "A menudo, hay una línea muy delgada entre la criminalidad y las fuerzas del orden. Es un tema que he examinado en mis obras anteriores con proyectos como 'Gomorra' y 'Suburra'. Me pareció que Taylor Sheridan y Denis Villeneuve ofrecieron un ejemplo fascinante de ese tema en la primera película, y estaba entusiasmado ante la oportunidad de retomar esos temas aquí con mayor profundidad. Los sólidos personajes de Taylor me daban la ocasión de crear una pieza de entretenimiento que también tratara mi fascinación con las zonas grises de la ley y el orden de una forma inteligente",
El productor Edward L. McDonnell prosigue: "Stefano mostró un respeto increíble por la primera entrega y quería mantener esa dinámica en marcha, con la posibilidad de imprimirle su sello personal a la película. Es sin duda un director con estilo propio, no copia a nadie. Desde el primer momento, entendió quiénes eran Matt y Alejandro, y cuál era la dinámica entre ellos".
El guionista Sheridan quedó igualmente impresionado. "Es muy realista y nada sentimental", opina. "No queremos glorificar la violencia, ni tampoco trivializar lo que está viviendo la gente. Así que hace falta un realizador que se muestre inquebrantable, que no tema mostrar algunas de esas cosas tan espeluznantes que suceden, pero que al mismo tiempo no vaya a exagerarlas en aras de la historia".
Estilísticamente, Sollima consideraba el estilo de la saga de Sicario muy similar al suyo propio: "Este proyecto me daba la oportunidad de utilizar acción y, en concreto, efectos físicos, en lugar de efectos visuales, para meter a los actores en el momento y ayudar a dramatizar los temas tan duros de la historia. Es una de mis formas preferidas de trabajar".
El director de fotografía de talla mundial Dariusz Wolski, conocido por su labor en las películas de Piratas del Caribe y "Misión rescate (The Martian)", fue el elegido para dar vida a la visión de Sollima y al mundo de Sicario.
"Vamos a hacer planos generales, primeros planos... Sin duda, intentamos dar una idea de escala. A Stefano le interesa mucho la escala. Estamos metiendo a los personajes en grandes conflictos en el entorno, en el desierto, en los cruces fronterizos", explica Wolski.
Tal como lo planificó Sollima, pensaba filmar "planos muy, muy largos, manteniéndonos con nuestros personajes, de modo que no los perdamos, incluso en los momentos más enormes de la película", señala el director.
Los personajes
La tensa, a veces complicada relación entre Alejandro y Matt forma parte del eje central de la saga de Sicario. "Te encanta la franqueza y el realismo y cómo se representan estos personajes", afirma Sollima. "Pueden encantarte, aunque no siempre sean heroicos. Matan gente, son brutales, son duros. Son humanos. Así que al mostrar su humanidad y sus almas, eso permite simpatizar con ellos".
Josh Brolin agrega: "Tenemos a dos protagonistas muy masculinos que son como antagonistas, pero no lo son. Y eso es para mí lo que resulta interesante de esta película. Tenemos a esos tipos que son los buenos, pero no son realmente buenos. Y están tratando con algo muy malo, pero tratan con gente que se encuentra sumida en semejante pobreza que entiendes por qué actúan así".
Benicio del Toro reflexiona sobre el arco argumental de Alejandro en SICARIO: DÍA DEL SOLDADO: "El nuevo encargo de Alejandro es empezar una guerra entre los cárteles de la droga. Eso significa que tiene que fingir que forma parte de un cártel y, con ello, en cierto modo tiene que recrear lo que le hicieron a su propia hija. A lo largo de este viaje, descubrimos que Alejandro tiene conciencia y se convierte en el protector de la víctima inocente".
"Hay una montaña rusa emocional, no tanto por temas políticos, sino por el espíritu humano", prosigue del Toro. "Se centra más en los personajes y su plan, que en las grandes cuestiones".
"Ver a Benicio sumergirse en un personaje es una experiencia increíble", opina Sollima. "Es como si se metiera tan completamente en el personaje que todo lo que hace tiene sentido, no para él, sino para el personaje".
Sheridan sugiere: "Es como si las almas de todas las víctimas de la violencia producida por las drogas se unieran para formar un hombre cuya misión es buscar venganza y justicia para ellas. Era realmente la idea del personaje de Alejandro, como si tantísima tristeza y dolor se convirtieran en una furia palpable que luego se dirige hacia afuera".
"Benicio eleva todas las películas en las que aparece", afirma Luckinbill. "Tiene un peso y una fuerza en todas las escenas en las que sale. Es capaz de decir mucho sin pronunciar palabra. Puede dirigir su mirada y llevar una escena".
Del Toro estudió detenidamente el guion de SICARIO: DÍA DEL SOLDADO, y no dejó de examinarlo cada noche durante el rodaje. El productor Basil Iwanyk apunta: "Se pasa las 24 horas del día pensando en la película, y no sólo en su personaje. Piensa en toda la película. Quiere que resulte real. Quiere que resulte emotiva. Quiere que funcione. Y lo da todo, lo que me encanta".
La productora ejecutiva Erica Lee opina: "Creo que Alejandro siempre será el alma de las películas de Sicario. Es el corazón que late en su interior. Es nuestro protagonista y antagonista, lo que es muy atípico. Benicio aporta mucho peso a la película. Creo que siempre vas a querer verlo y seguirlo".
Josh Brolin prosigue: "SICARIO: DÍA DEL SOLDADO toma situaciones muy reales y posibilidades reales, e incluso hechos reales actuales, y los convierte en una historia densa que creo que es hermosa, trágica y tiene una escala increíble. Y es respetuosa, respeta las emociones que siente la gente".
A nivel personal, "cuando ves a Matt por primera vez en esta película, algo ha cambiado, algo ha sucedido, algo se ha vuelto tal vez algo más profundo, al menos en una escala sucia. Es algo más oscuro de lo que lo era antes", describe Brolin. "Hay mucho ego y orgullo desmedido".
Al mismo tiempo, continúa: "Tiene los pies en la tierra. Es muy compasivo. Sobre todo al final de la película. Tenemos ocasión de ver una parte de él que no hemos visto nunca. Y me gusta poder ponerme un reto así. Me encanta ver a un personaje con un orgullo desmedido que de pronto tiene que mostrar vulnerabilidad, y se puede ver esa clase de fluctuación".
Matt Graver, rebosante de agudo cinismo pero implacable cuando hace falta, es quien mueve la historia de SICARIO: DÍA DEL SOLDADO. Sheridan señala: "Lo fascinante de Josh como actor es su registro y su capacidad para encontrar formas de transmitir humor y al mismo tiempo verdadera intensidad, lo que parece dar mayor profundidad al personaje. Dota sin esfuerzo a un personaje de tres dimensiones y de un verdadero registro".
En cuanto a la relación de Matt con Alejandro, "En esta película se desvela mucho más en el aspecto personal sobre nosotros dos. Lo que la hace más íntima y más personal, y creo que eso hace que te importen más esos personajes".
"Josh es un ser humano increíble, y como actor posee una habilidad muy importante: comprende toda la envergadura de la película. Sabe perfectamente dónde se encuentra su personaje en cada momento, y también dónde se encuentran todos los demás personajes. Eso le proporciona una especie de punto de vista más elevado que no es nada común", explica Sollima.
El papel de la mimada joven de 12 años Isabela Reyes, hija de un capo de un cártel, está interpretado por Isabela Moner ("Transformers: El último caballero", "100 Things to Do Before High School"). Moner comenta: "La relación de Isabela y Alejandro es muy interesante, porque ves cómo básicamente se desarrolla ante tus ojos. Al principio, él tiene sus dudas con respecto a ella. No podría importarle menos lo que le pase. Isabela siente lo mismo por él, tan solo quiere volver a casa. Y entonces, a medida que avanza la historia, ves cómo empiezan a conectar".
El casting de este personaje era crucial. McDonnell explica: "Es inocente, pero está rodeada de corrupción. Así que es cuestión de ser capaz de llevar a esa inocente a un lugar donde esté segura. Y tanto Matt como Alejandro, al principio de la película, no están muy seguros de poder rescatarla".
Pero Isabela le recuerda a Alejandro a la hija que perdió, así que, según Iwanyk: "Extrapola cómo podría haber sido si ella hubiera sobrevivido".
Del Toro, que pasa buena parte de la película protegiéndola, quedó impresionado con el talento de Moner. "Posee ese don, la conexión entre el intelecto y las emociones. Es muy madura", opina.
Brolin agrega: "Tiene algo... Es muy buena. De vez en cuando, aparecen actores que pueden acceder de forma inmediata a sus emociones, y pueden canalizarlas en su interpretación con facilidad, y ella es de esos".
Para Catherine Keener ("Truman Capote", "Cómo ser John Malkovich"), fue una reunión con el director Stefano Sollima lo que la convenció para aceptar interpretar a la subdirectora de la CIA Cynthia Foard. Recuerda: "Habló sobre su alma [de Cynthia] y que no se trataba de una persona especialmente empática, porque es subdirectora de la CIA y tiene un trabajo que hacer". Al mismo tiempo, "es una mujer y está segura de su inteligencia. No necesita comportarse como un hombre para compensar nada".
"El personaje de Josh es un patriota. Creo que Cynthia también lo es", continúa Keener.
Iwanyk aporta: "Catherine es dura, pero también es ligeramente blanda, lo que resulta muy interesante de ver interpretar, porque toma algunas decisiones muy difíciles en la película, que no creo que se vayan a ver venir".
Jeffrey Donovan ("Sicario", "Burn Notice") también regresa en el papel del asesor Steve Forsing. "Cuando me reuní con Stefano, habló de cómo el personaje de Steve Forsing aportaba una adecuada dosis de levedad a escenas muy oscuras", recuerda Donovan. Lo que a Donovan le pareció muy cierto: "Muchos de estos tipos a los que he conocido, los de verdad, los auténticos Steve Forsings, siempre estaban bromeando durante las misiones peligrosos. Y así es como afrontan lo difíciles que son esas experiencias. Durante el rodaje, sobre todo con Trent Luckinbill, de Black Label Media, me animó mucho a hacer lo que hice en la primera película, que fue aportar sarcasmo y humor al papel".
Elijah Rodriguez ("El libro de la vida") interpreta al chico de 14 años Miguel Hernandez, al que su primo Héctor (David Castañeda) introduce en la vida en el cártel. El resuelto Miguel vive en McAllen, Texas, que también es donde se crió Rodriguez. "Miguel es ambicioso. Le importa la gente, pero también quiere más. Y está dispuesto a hacer lo que sea para conseguirlo. Tomará las decisiones duras que otros no están dispuesto a tomar. Así que creo que es muy ambicioso y tenaz", medita Rodriguez. "Ve la vida de su primo Héctor y la compara con la de su padre, y quiere lo que tiene Héctor. Esa aventura. Esos viajes. Todo eso".
Se encarga de interpretar a Gallo, el brutal responsable del cártel, el actor mexicano Manuel Garcia-Rulfo ("Los siete magníficos"), que se crió en Guadalajara. Garcia-Rulfo observa: "Por lo que he aprendido a lo largo de toda mi vida, al criarme en México, y por la gente que conozco que está en ese tipo de negocio, creo que 'Sicario' era muy realista. Estaba muy próxima a la realidad. Y este guión también. Desde mi punto de vista, no hay un lado malo o un lado bueno, Estados Unidos o México. Uno consume, otro vende; uno vende drogas, otro vende armas. Ambas entregas de la serie de Sicario muestran muy bien la realidad".
En el papel de Héctor, el juerguista con un toque de vanidad que guía a su primo pequeño Miguel al mundo del cártel, encontramos al actor mexicanoamericano David Castañeda ("En la mira (End of Watch)", "Jane the Virgin"). Castañeda tiene en realidad doble nacionalidad de México y Estados Unidos, al igual que su personaje. El actor pasó su infancia en Sinaloa, México. "Héctor es guay, es afectuoso y adora a Miguel. Quiere verlo triunfar", expone Castañeda. "Se ve a sí mismo en Miguel, cuando era más joven. Y Héctor siempre quiso tener un hermano mayor. Siempre quiso alguien a quien admirar. No tuvo eso. Así que ve que puede hacerlo más o menos bien al introducir a Miguel en este mundo, en el que puede realmente triunfar".
En lo más alto de la jerarquía de poder de DÍA DEL SOLDADO se encuentra el Secretario de Defensa James Riley, el hombre con el plan y la influencia para poner en marcha ese plan, interpretado por Matthew Modine ("Nacido para matar", "Birdy"). "James Riley es una persona que se encuentra en una posición en la que tiene que tomar decisiones. Responde ante el presidente de los Estados Unidos y hay una cadena de mando", explica Modine. "Creo que, con este tipo de personajes, lo importante es no desvelar demasiado. Es como si estuvieras jugando al póquer".
Inicio del rodaje
SICARIO: DÍA DEL SOLDADO empezó a rodarse en una fría mañana de noviembre, en una destartalada casa de adobe, bajo la autopista cercana al centro de Albuquerque, que hacía las veces del barrio obrero en el que vive Miguel en McAllen, Texas.
El rodaje se llevaría a cabo en Nuevo México durante los tres meses siguientes, en Albuquerque, la reserva indígena de Cañoncito, el Pueblo de Laguna, Bernalillo, el Pueblo de Santa Clara, Belén y Algodones. La mayoría de las localizaciones eran exteriores rurales, y el rodaje se realizó a lo largo de muchas noches heladas. Mientras que "Sicario" se filmó en verano, SICARIO: DÍA DEL SOLDADO se grabó a finales de 2016, cuando el gélido invierno atenazaba las montañas y mesetas del Suroeste.
El equipo de filmación hizo hincapié en una sensación de duro realismo mientras la producción recorría los áridos paisajes del Suroeste de Estados Unidos por los que la frontera se extiende a lo largo de cientos de kilómetros, con Nuevo México haciendo a menudo las veces de Texas.
Para grabar una de las primeras escenas de la película, en la que el Departamento de Seguridad Nacional vigila a emigrantes que escapan atravesando la frontera de noche, el equipo de rodaje utilizó las mismas cámaras térmográficas FLIR que utiliza el gobierno en la realidad.
Abundaban los pertrechos militares, entre ellos helicópteros Black Hawk, vehículos Humvee, ametralladoras, chalecos antibalas, cámaras de vigilancia y uniformes de combate.
La secuencia de acción más larga fue la emboscada al convoy de Humvees, que sucede hacia la mitad de película. Se filmó a lo largo de una semana en la reserva indígena de Cañoncito. Se coreografiaron tomas largas de acción muy elaborada, que después se grabaron mediante travelling, con numerosos personajes, fuego de armas automáticas y explosiones, captado todo con un realismo muy crudo. El director Sollima explica: "El reto está en que, incluso en una secuencia de acción enorme, no pierdas nunca a tus personajes y tengas su punto de vista de la acción".
A mediados de enero, el reparto y el equipo acabaron en Nuevo México y al día siguiente se subieron a un vuelo chárter con destino a Ciudad de México, donde continuaron el rodaje hasta finales de enero de 2017.
Extensas localizaciones en Nuevo México
La mayor parte de SICARIO: DÍA DEL SOLDADO se filmó en localizaciones de zonas rurales alrededor de Albuquerque, Nuevo México, con el 90% de la película rodada en exteriores.
El equipo de rodaje se desplazó al norte a un poblado indígena junto al río Bravo para filmar durante dos noches unas escenas cruzando el río en total oscuridad, al oeste a reservas indias escasamente pobladas y cubiertas de plantas rodadoras, al sur a arroyos de riberas de arena, y al este a una tienda de gran superficie que hizo las veces de otra tienda similar en Kansas.
La localización más utilizada fue la reserva indígena de Cañoncito, al oeste del centro de Nuevo México, hogar del grupo navajo de Cañoncito, que se asentaron allí durante la "Larga Marcha", cuando la tribu navajo fue obligada a realojarse. En la actualidad, esta reserva abarca 314 911 kilómetros cuadrados y alberga únicamente a 1649 residentes. El terreno contiene artemisa, cactus, caminos de tierra pedregosos, mesetas desiertas y cerros rojos, un paisaje tan remoto que manadas de reses y caballos salvajes vagan libremente por los caminos. Aquí, el equipo de rodaje grabó escenas de emigrantes huyendo y buscando donde cubrirse mientras los focos de los helicópteros los descubren cruzando la frontera de noche, la larga secuencia de acción de la emboscada de los Humvees en la frontera y las escenas de la granja de Ángel. El aislamiento rural resumía a la perfección el ambiente de la película.
Orona comenta: "Ya fuera un camino, un arroyo, una casa, esta película siempre se centra en la desolación y el aislamiento. Se trataba de encontrar lugares crudos, empobrecidos u olvidados".
Las zonas modestas de Albuquerque hicieron las veces de los polvorientos alrededores de McAllen, Texas, incluido el pequeño hogar de Miguel, su destartalado colegio público y la zona de restauración del centro comercial. Orona aporta: "La parte de Texas tiene que aludir a las desventajas físicas y económicas y a la desolación que van haciendo mella en Miguel: 'Provengo de la nada y quiero las grandes cosas que tienen esos tipos de los cárteles'".
Para las escenas cruzando el río Bravo y en los márgenes del mismo, el equipo de rodaje filmó en el Pueblo de Santa Clara, cerca de Los Álamos, y en un rancho de Algodones.
Las escenas ambientadas en el pueblo fronterizo mexicano de Reynosa se filmaron en su mayor parte en el sórdido terminal ferroviario de Albuquerque y en el Pueblo de Laguna, que ocupa más de 200 mil hectáreas de terreno desértico.
Muchas de las escenas del arroyo se filmaron en arroyos de riberas de arena al sur de Albuquerque. Las escenas del aeropuerto se rodaron en dos aeropuertos privados de la zona de Albuquerque: Atlantic Aviation y Double Eagle II Airport. La casa franca de Texas estaba situada en el pueblo de Belén.
Para su último día en Nuevo México, el equipo de SICARIO: DÍA DEL SOLDADO filmó en un set de un cruce fronterizo construido ex profeso, con carriles de vehículos, cabinas y carteles de "Bienvenido a México", incluso con vendedores ambulantes vendiendo comida. Aquí, el convoy de Humvees atravesó las cabinas a 64 kilómetros por hora, dejando una estela de tierra y gravilla a su paso.
Al día siguiente, el reparto y el equipo subieron a bordo de un vuelo chárter con rumbo sur, hacia México.
Localizaciones urbanas en México
SICARIO: DÍA DEL SOLDADO pasó sus dos últimas semanas en Ciudad de México, para lograr una mayor autenticidad y un toque exótico que contribuyen a la magnitud de la misión de Matt y Alejandro. Estos escenarios metropolitanos dotan a la película de actividad comercial, color y una arquitectura más sustancial, que alude al poder y el dinero que poseen los capos más prósperos de los cárteles.
La escena más amplia filmada en Ciudad de México fue la larga secuencia de acción que muestra la extracción de Isabela, que se grabó a lo largo de dos días en la República de Perú, en el centro del distrito histórico de Ciudad de México. El equipo de rodaje cortó la calle y llenó la escena con extras mexicanos de fondo, incluidos peatones, conductores, policías, investigadores de la policía y personal sanitario. La arquitectura, con edificios coloniales españoles revestidos de estuco, junto a recargadas estructuras barrocas, neoclásicas, de estilo italiano, modernistas, Beaux-Arts y art decó, algunas de las cuales se remontan al siglo XVII, sirvió para recalcar los riesgos que conllevaba el secuestro.
El apartamento de Alejandro también se filmó en el distrito histórico del centro de Ciudad de México. "Es un edificio muy colonial, de cinco plantas, de las que utilizamos una de las más altas, desde la que se domina la ciudad", describe el diseñador de producción Kevin Kavanaugh. "El exterior está a la vuelta de la esquina, en un callejón".
El exterior del despacho del abogado se rodó en el reluciente distrito de Santa Fe, el barrio empresarial ultramoderno de Ciudad de México, situado en el lado oeste. Esta zona rica ha crecido mucho en los últimos 20 años y está llena de rascacielos geométricos de bordes afilados, con estructuras de cristal y acero que se alzan sobre las calles de cemento, donde se encuentran las sedes de muchas multinacionales y conglomerados mexicanos. Aquí aparecen numerosos extras y figurantes mexicanos, entre ellos periodistas, policías estatales, federales, personal sanitario, conductores, investigadores de paisano, militares mexicanos y ejecutivos.
Las escenas del opulento colegio de Isabela se rodaron en un colegio privado para chicas de Ciudad de México, con un campus de élite construido en forma de óvalo estilo fortaleza, con zonas de césped impecable, columnas decorativas y escaleras alicatadas. El interior del colegio fue elegido por su diseño art decó de la década de 1940 y sus extravagantes vidrieras de colores. El exterior del colegio se filmó en la magnífica calle Mesones, de la que se dice que es la más arbolada de todo el centro de Ciudad de México.
La mansión de Isabela se encuentra dentro de un recinto amurallado en el pueblo de Coyoacán, una zona bohemia con una fuente famosa, estrechas calles adoquinadas, paredes azul cobalto y muchas plazas íntimas. Apodado el "barrio mágico", es donde se encuentra el museo de Frida Kahlo.
El ático del hotel desde el que el equipo de Matt observa la salida de Isabela de su colegio se rodó en el espléndido Hotel y Spa Marquis Reforma, un hotel de cinco estrellas con influencias art decó situado en el bullicioso Paseo de la Reforma.
También se rodaron en México varias escenas de conducción.
Diseño de producción y de vestuario
El estilo de SICARIO: DÍA DEL SOLDADO hace hincapié en una gama neutral de grises y marrones, que queda establecido en toda una variedad de sets.
El diseñador de producción Kevin Kavanaugh explica: "Pinté todos los Humvees y camiones con grises oscuros y negros, para que contrastaran con los marrones de Nuevo México y resaltaran, en lugar de optar por los tradicionales Humvees de tono tostado. Cuando llegamos a México, hay toques de color, paredes pintadas de azul. Un poco de color, de forma que haga cierto contraste. Me documenté sobre pueblos fronterizos, y localicé exteriores en México. Es realista pero al mismo tiempo cinematográfico. No estamos haciendo un documental. Elegimos los ángulos adecuados, nos centramos en lo que quedaba bien".
Para las escenas de McAllen, "es una imagen realista de cómo es vivir en un pueblecito de Texas. Tiene un poco de determinación, un poco de antigüedad y un cierto aire del sur de Texas".
Al otro lado de la frontera, en la abandonada Reynosa, "Hay más antigüedad, más suciedad, más pintadas. Intento exagerar un pueblo fronterizo de Estados Unidos, en comparación con un pueblo fronterizo de México. Intento mostrar el contraste entre los dos mundos por los que tiene que moverse Miguel", explica Kavanaugh.
Durante el rodaje en el Pueblo de Laguna, que hacía las veces de Reynosa, "hay una gran hondonada con edificios y estructuras que se parecen a lo que localizamos en México. Abandonadas y de adobe. Les dimos algo de color. Pintamos las paredes e hicimos que parecieran menos antiguas".
En el almacén de Reynosa, Kavanaugh mezcló luces fluorescentes con los faros de los vehículos para darle un aire atrevido, peligroso. Dentro del almacén, todo estaba pintado de naranja oscuro, negro y azul, y luego la luz de los faros entraba en esos interiores oscuros.
En Ciudad de México, "las calles están mucho más congestionadas. Arquitectura colonial mezclada con art decó y toda esa arquitectura de Ciudad de México", describe Kavanaugh. "Más color, arquitectura más recargada, más detalles, vendedores callejeros, tiendas. La forma en que están pintados los edificios, la señalización, incluso lo que lleva la gente... todo tiene más color. Y quería mostrar la grandiosidad y el valor histórico de la metrópolis de Ciudad de México, comparado con el aspecto de Texas, que es muy de pueblo".
Los vehículos abundan en SICARIO: DÍA DEL SOLDADO, en especial el convoy de de Humvees gris oscuro con la parte trasera inclinada, así como el Camaro cupé plateado de 1978 de Héctor. Los dos helicópteros Black Hawk en los que viaja a menudo Matt se obtuvieron en el estado de Washington y los transportaron en tráileres. El departamento artístico de Kavanaugh los pintó de gris y les pusieron calcos relacionados con la historia de la película. "La idea con esos es que están comprados por subcontratistas y arrendados al personaje de Josh Brolin", aclara Kavanaugh.
La diseñadora de vestuario Deborah L. Scott recalcó igualmente una paleta apagada general para la película, basada principalmente en negros, grises, marrones, neutrales, verdes y tonos tierra para la mayor parte de la ropa.
Scott colaboró con Benicio del Toro en el concepto de que el enigmático Alejandro se viste de forma diferente para pasar desapercibido en distintos entornos. "Adopta distintos disfraces que son básicamente un camuflaje", describe Scott. Del Toro lleva pantalones Wrangler y una corbata de punto en una escena, uniforme negro de combate en otra. Durante buena parte del final de la película, se encuentra en la clandestinidad en vaqueros, una camisa roja envejecida de cuadros escoceses, mantón y un sombrero vaquero envejecido.
Las características chanclas de Matt Graver no hacen acto de presencia en DÍA DEL SOLDADO, reemplazadas en esta ocasión por otro calzado igualmente incontenible: Crocs. "Los Crocs fueron una operación conjunta de Stefano y Josh", recuerda Scott. "Josh no quería repetir las chanclas".
Acerca de la música
La banda sonora de SICARIO: DÍA DEL SOLDADO es de Hildur Guđnadóttir. Durante muchos años, Guđnadóttir fue una protegida y colaboradora del compositor Jóhann Jóhannsson, que compuso la partitura de "Sicario" antes de su prematura muerte a principios de este año.
Para Sollima, no había una elección mejor para continuar esa labor que Guđnadóttir. "Hildur tiene una capacidad única para crear un sonido electrónico a partir de un instrumento clásico como el violonchelo, y posee la habilidad para elaborar el sonido con tanta profundidad que al final difiere del propio instrumento real", aporta Sollima. "Aparte del hecho de que ya había colaborado con Jóhann y formaba parte del mismo movimiento, su manipulación orgánica del sonido era la principal razón por la que me pareció que podía componer la banda sonora perfecta para la película. Captaba la situación emocional concreta de los personajes a su manera personal".
"Colaboramos muy estrechamente en casi todos los proyectos que hicimos ambos durante unos 15 años", explica Guđnadóttir. "Falleció tan recientemente, que todavía no he acabado de hacerme a la idea de que ya no está aquí. Pero no siento como que haya recogido el testigo, sino que estoy sencillamente continuando con el trabajo que ya estábamos haciendo, lo que resulta a la vez natural y muy surrealista, a falta de una explicación mejor o de asimilarlo mejor".
Continuar ese trabajo suponía abordar la banda sonora de manera que incorporara elementos familiares pero sin resultar repetitiva. "El tema más idéntico de 'Sicario' es 'The Beast', con ligados descendentes de bajo y tambores distorsionados. Aunque no queríamos hacer una nueva versión de ese tema, hay algunas referencias a ese mundo sonoro y tonalidad", comenta Guđnadóttir.
"Jóhann recomendó a Hildur", aporta la productora Molly Smith. "Y ella creó una banda sonora original asombrosa, que en ciertos aspectos recuerda por supuesto a la estupenda banda sonora de 'Sicario' que compuso Jóhann, pero también es nueva y original, y es una partitura increíblemente impactante".
"Parecía importante mantener cierta conexión con la tonalidad anterior para permanecer en el mismo mundo, pero al mismo tiempo dejar espacio para crear algo completamente diferente. Hay bastantes temas que van en una dirección muy distinta a la de la banda sonora anterior".
Guđnadóttir opina que, si la música de SICARIO: DÍA DEL SOLDADO es más emotiva, es porque refleja la esencia emocional de la película. "Esta banda sonora es un poco más 'clásica', con temas musicales que siguen ciertos paisajes emocionales. Eso es algo que era importante para Stefano", prosigue. "También hay mucha más música en SICARIO: DÍA DEL SOLDADO; creo que esta banda sonora es el doble de larga que la anterior. Eso le da un toque un poco distinto como banda sonora, porque la función es diferente. Esa también era una dirección que resultaba importante para Stefano. También se mostró muy franco en cuanto al hecho de que no quería recrear la música de 'Sicario', así que a menudo quería ir en direcciones muy distintas a ella".
Aun así, hay parecidos. "Los parecidos son probablemente más evidentes en el propio mundo sonoro, dado que yo también tomé parte en la primera banda sonora, habrá naturalmente similitudes en lo que cree para la secuela. Al haber colaborado estrechamente con Jóhann durante la mitad de mi vida, nuestra forma de entender y de crear la música estaba muy entrelazada y nos influimos mucho mutuamente, así que supongo que el proceso mental de ambas bandas sonoras es bastante similar".
¡Te atrapé!
2018
Duración 100 min.
País Estados Unidos
Dirección Jeff Tomsic
Reparto Jeremy Renner, Annabelle Wallis, Isla Fisher, Jon Hamm, Leslie Bibb,Rashida Jones, Jake Johnson, Ed Helms, Hannibal Buress, Brian Dennehy,Braxton Alexander, Curtis Gammage, Jaren Lewison, Al Mitchell, Nora Dunn,Joey Thurmond, Elijah Marcano, Laura Distin, Patti Schellhaas, William Walker,Kyle Jackson, Braxton Bjerken, Lucie Carroll, Marisol Correa
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