Amor y amistad
2016
Duración 94 min.
País Estados Unidos
Director Whit Stillman
Reparto: Kate Beckinsale, Chloë Sevigny, Xavier Samuel, Stephen Fry, Emma Greenwell,James Fleet, Jemma Redgrave, Jenn Murray, Tom Bennett, Morfydd Clark,Lochlann O'Mearáin, Kelly Campbell, Justin Edwards, Conor MacNeill, Ross Mac Mahon
Ambientada en 1790, Love and Friendship cuenta la historia de Lady Susan Vernon, una bella viuda de la alta sociedad inglesa que viaja hasta la casa de campo de su familia política con la intención de conseguir un nuevo marido.
Una película de Whit Stillman (Damiselas en apuros, The Last Days of Disco).
Se trata de la adaptación de un relato corto de Jane Austen (Lady Susan), que el director norteamericano lleva a su terreno. El reparto está encabezado por Kate Beckinsale y Chloë Sevigny, que ya protagonizaron otra cinta de Stillman: The Last Days of Disco.
El club de las madres rebeldes
2016
Duración 101 min.
País Estados Unidos
Director Jon Lucas, Scott Moore
Reparto: Mila Kunis, Kristen Bell, Kathryn Hahn, Christina Applegate, Annie Mumolo, Jada Pinkett Smith, Jay Hernandez, David Walton, Clark Duke, Oona Laurence, Wendell Pierce, Eugenia Kuzmina, Emjay Anthony, Christina DeRosa, Jay Jablonski, Billy Slaughter, Mike R. Moreau, Hawn Tran, Martha Stewart
En esta comedia de los guionistas de Qué pasó ayer?, Amy Mitchell (MILA KUNIS, Cisne Negro) tiene una vida perfecta: está bien casada, tiene unos hijos estudiosos, una casa preciosa y una carrera. Sin embargo, está saturada de trabajo, de tareas y exhausta, siempre a punto de explotar. Agotada, se alía con otras dos madres estresadas, Kiki (KRISTEN BELL, Frozen) y Carla (KATHRYN HAHN, Transparent), para liberarse de las responsabilidades convencionales, y se embarcan así en un atracón salvaje de libertad anti-mamás, diversión y autocomplacencia, chocando frontalmente con la Reina de la Asociación de Padres de Alumnos Bee Gwendolyn (CHRISTINA APPLEGATE, El reportero: La leyenda de Ron Burgundy) y su clan de madres devotas y perfectas, Vicky (ANNIE MUMOLO, La boda de mi mejor amiga) y Stacy (JADA PINKETT SMITH, Magic Mike XXL).
Además de Kunis, Bell, Hahn, Mumolo, Pinkett Smith y Applegate, el reparto de EL CLUB DE LAS MADRES REBELDES incluye a JAY HERNANDEZ (Escuadrón Suicida) en el papel del papá #buenorro #soltero Jessie Harkness; CLARK DUKE (Jacuzzi al pasado) como el jefe hípster de Amy; EMJAY ANTHONY (El libro de la selva) como Dylan, el hijo; la ganadora del Premio Tony® OONA LAURENCE (Pete’s Dragon) como Jane, la hija; y DAVID WALTON (About a boy) en el papel del marido, Mike. WENDELL PIERCE (The Wire) interpreta al director de la escuela, y el defensa de los Houston Texans JJ WATT se posiciona en el campo en el papel del entrenador de fútbol. WANDA SYKES (Black-ish) interpreta a la terapeuta de la familia.
Delgaducha, apegada, tigresa; siempre hay una madre que se ajusta a uno de esos perfiles. ¿Es demasiado pedir que convivamos en paz? Estamos saturados de información: apps muy modernas, blogs esclarecedores, consejos expertos, comentarios lúcidos… Pero nada de eso ha solucionado El Gran Problema al que se enfrentan todas las madres: cómo lograr que en las miserables 24 horas de un día nuestra familia sobreviva, se alimente y funcione, y todo eso sin perder la sonrisa. ¿Hay alguna app o hashtag que tengan la clave? ¿Podemos culpar a las pobres madres que se vuelven locas? #No #NoSePuede
EL CLUB DE LAS MADRES REBELDES, la comedia escrita y dirigida por JON LUCAS y SCOTT MOORE (Qué pasó ayer?), se desarrolla en un barrio exclusivo de Chicago, donde la supermadre chic Gwendolyn James (Applegate) hace de poli del comportamiento adecuado.
El resto de madres saben que no tienen que meterse con ella, y Amy Mitchell desde luego no tenía esa intención: la vida ya era suficientemente dura. Pero cuando ocurre se declara la guerra entre el bien y el mal, con el campo de batalla de la elección de presidente de la Asociación de Padres de Alumnos en la idílica Escuela William McKinley. Sí, hay bajas… Pero es el precio del progreso. Y es parte del complicado día de una mamá.
Suzanne Todd (Alicia a través del espejo) y Bill Block (Corazones de acero) producen EL CLUB DE LAS MADRES REBELDES para STX Entertainment, con Mark Kamine (La gran estafa americana) como Productor Ejecutivo. Jim Denault, ASC (Trumbo: la lista negra de Hollywood) es el Director de Fotografía; Marcia Hinds (Amigos con beneficios) la Productora Ejecutiva; James Thomas y Emma E. Hickox, ACE montadores; y Julia Caston (The Middle) Diseñadora de Vestuario.
¿Cómo demonios se les ocurrió a los guionistas de la peli de tíos, Qué pasó ayer?, ponerse a hacer un homenaje de chicas al poder, a la genialidad de las madres? Y por supuesto, no apta para todos los públicos.
"Si te lees el guión seguro que piensas que lo escribió una mujer, pero cuando hablas con Jon y con Scott te das cuenta de que es un homenaje a sus mujeres", dice la actriz Mila Kunis, madre también en la vida real. De hecho, las seis actrices principales de la película son madres, así como la productora Suzanne Todd.
"Yo les dije que me gustaría interpretar cualquiera de esos papeles", recuerda Kunis. "Quería hacer algo en lo que me viese reflejada. La idea de grupo también me atraía: no quería estar sola, y quería hacer algo gracioso".
Kunis interpreta a la protagonista, Amy Mitchell, una madre trabajadora con miles de obligaciones que no le dejan tiempo para hacer amigos, y mucho menos para divertirse. La pobre Amy está demasiado ocupada como para darse cuenta de lo que se está perdiendo.
"En cuanto te conviertes en madre se te olvida que eres una chica y que necesitas a tus amigas", dice Kristen Bell, también madre en la vida real. "Parte de la belleza de esta película es que trata de estas madres que redescubren la amistad".
Los directores de EL CLUB DE LAS MADRES REBELDES, Jon Lucas y Scott Moore, llevan colaborando juntos y siendo amigos más de 15 años. En todo ese tiempo, también se han convertido en padres, y en directores.
"Escribimos desde casa, en nuestros ordenadores, así que vemos a nuestras mujeres romperse el lomo cada día", dice Moore. "Siempre van corriendo, recogiendo a los niños, cocinando, resolviendo problemas. Ahí hay mucho drama… y a la vez es terreno fértil para la comedia".
Lucas explica: "Como padres, somos apéndices-de-mamá. Es parecido, pero en el mundo de las madres hay mucha presión que no existe en el de los padres. Queríamos sumergirnos en esas aguas turbulentas".
Jada Pinkett Smith, que interpreta a Stacy, la dura secuaz del inolvidable séquito de Gwendolyn, describe esa división entre madres y padres: "Ellos no se mojan tanto como las mujeres. Pueden sentarse y abstraerse contemplando las escenitas desde otro punto de vista. Nosotras sólo podemos ver lo que tenemos delante, mientras que ellos pueden mirar y decir: ¡qué divertido!".
Lucas y Moore se hicieron expertos en el asunto. Como parte de su investigación organizaron cenas con muchas madres, mucho vino y muchas historias desde las trincheras. "Las madres reales no hablan como sale siempre en la típica peli para madres", dice Lucas. "Es mucho más interesante y divertido, y más picante. A veces hasta X. Y sí, ¡hay conflicto!".
Y luego está esa fachada que las madres tienen que mantener. "De eso va la película", dice Lucas. "Muchas madres piensan que tienen que fingir que todo va bien, todo es sencillo y son felices. Pero es muy complicado. A veces con un vaso de Chardonnay sale todo a flote… y empezamos a escribir".
Los guionistas también se dieron cuenta de que las madres se necesitan las unas a las otras. Como Lucas observó, "Una dirá: yo pensaba que mi hijo, o mi jefe, era el único que hacía eso. Hay mucha gente que pasa por lo mismo, pero no hablan de ello. Afortunadamente esta película romperá algunos tabúes".
La productora Suzanne Todd, madre de tres hijos, está de acuerdo. "Mi propia experiencia lo confirma. Hay cinco escenas en el guión que yo he vivido tal cual. Pero tal cual, cada detalle del diálogo y cada cosa que pasa; porque es una experiencia colectiva el hecho de intentar ser una buena madre, y lo duras que somos con nosotras mismas porque pensamos que no hacemos suficiente".
Annie Mumolo interpreta a Vicky Latrobe, miembro del grupete de mamás altivas. Fue nominada a los Óscar como coguionista de la comedia de gran éxito La boda de mi mejor amiga. "Jon y Scott tocan temas profundos", dice Mumolo. "Escribir sobre madres y sobre ser madre, la línea es muy delgada. Es una de las primeras cosas que he leído con verdadera repercusión emocional y con personajes con los que te identificas. Es atrevido y divertido, y a la vez irreverente, lo que te mantiene en vilo".
La actriz ganadora del Emmy Christina Applegate aprecia especialmente la rara oportunidad que EL CLUB DE LAS MADRES REBELDES ofrece a las actrices. "El guión me atrajo porque es auténtico: una versión de la realidad más valiente y desnuda. Y respecto al personaje de Carla, creo que es uno de los mejores diálogos que he visto interpretar a una mujer en el cine".
Las mujeres de Lucas y de Moore fueron las primeras en leer el guión. "Todo lo que se nota que es auténtico es porque lo escribimos a partir de sus historias reales", dice Moore. "Nos dieron notas y nos sugirieron bromas, y a veces nos dijeron que una madre real no diría esto o aquello. Cuando tuvimos al reparto, también las escuchamos a ellas".
Kathryn Hahn interpreta a Carla, una solterona tremenda, y su primera reacción cuando leyó el guión fue sentir admiración por la mujer de Moore. "Scott es uno de los padres de la escuela de mis hijos. Cuando leí el guión, de pronto vi a su mujer Mary de otra manera. Es maravillosa. Y me encanta eso de nuestros directores: les fascinamos". Los guionistas y directores no pusieron la condición de que las actrices principales fueran madres, pero finalmente resultó ser así.
"Cuando hablamos con las actrices sobre el guión, en seguida nos dimos cuenta de que las que eran madres conectaban con el material de una manera totalmente diferente", dice Moore. "Ponían las cartas sobre la mesa. Si alguien decía: '¿Metemos esto raro que le pasó a mi hijo?', nosotros respondíamos: 'Cuanto más raro mejor'. También escuchamos: '¡Tenéis que apretar más las tuercas! ¡Nosotras nos volvemos muchísimo más locas que ésas!'".
Está claro que esa actitud de madre les daba ventaja a las actrices. "Lo primero que cualquier madre real te va a contar nunca va de darle un abrazo a su niño", dice Lucas. "Te contarán: mi hijo se ha cargado mi casa hoy. Una madre real tiene un cierto tono y mordacidad que en seguida reconoces. Las que no son madres tienen una idea más dulce de lo que es la maternidad, y hablan más tiernamente de los niños". Hahn admiró la honestidad:"Vivimos en una cultura muy niño-céntrica, así que es difícil no sentir que estás fallando todo el rato. O pensar que vas a sobrevivir a todos los libros y blogs que has leído, y al consejo de las demás madres". Bell está de acuerdo: "Decimos cosas que normalmente sólo piensas, pero nunca dices".
David Walton, que interpreta al marido de Amy que abusa de su webcam, es más empático en la vida real. "En general existe mucha confusión y falta de apoyo respecto a la lucha de las madres modernas", dice. "Esta película va de eso. Es una comedia picante sobre la familia… con algunas mujeres guapísimas".
La escuela pública ficticia de EL CLUB DE LAS MADRES REBELDES presume de un diverso cuerpo de estudiantes, así como de un diverso grupo de madres. Como los chavales, las madres de la Escuela William
McKinley se dividen en pandillas, desde el de las madres tigresas hasta el de las madres apegadas, pasando por las madres obsesionadas con la comida orgánica y las madres perfectas.
Y como a los niños, a algunas madres les hacen novatadas. Jada Pinkett Smith dibuja la típica escena de cuando las madres dejan a los niños en el cole por la mañana: "Mi personaje, Stacy, es de las pseudoperfeccionistas. En su mente son la crème de la crème del cole, de la Asociación de Padres y de cualquier cosa que tenga que ver con su estatus de madre y esposa. Nuestra pandilla simplemente está ahí metiéndose con cualquier madre que se acerque. Establece el tono de la película, y en seguida sabes quiénes son las malas".
Algunas madres no tienen pandilla. Nadie invita a un café a la solitaria y casera Kiki, con sus crocs y sus hijos conflictivos. El escote, los cigarrillos, y el apetito desenfrenado de la madre soltera Carla la convierten también en una paria. Y Amy, la exhausta madre trabajadora, es tolerable a ojos de sus pares, pero la relación es ya muy tensa con todas ellas. Kunis se compadece de Amy: "Tuvo un bebé a los 19 y otro a los 20, y desde entonces se las ha visto canutas para sacar la familia adelante", explica. "Todos nos sentimos identificados de alguna manera. Te matas para que todo sea perfecto y te olvidas de los conflictos que es lo que hacen que la vida ocurra".
En cuanto se declaran "malas madres", Amy, Kiki y Carla pierden el miedo a ser encasilladas. Por supuesto que a Carla eso nunca le importó, y eso le confiere una importancia vital en la pandilla. "Es el pegamento que nos mantiene unidas", dice Kunis. "Mi personaje no sabe bien cuál es su lugar en el mundo. Kiki es tranquila y tímida… y ver cómo Kristen Bell, que es fuerte y luchadora, interpreta a una sumisa, resulta muy cómico. ¿Pero Carla? Es ruidosa y sorprendente y coge la vida por las pelotas".
Kiki y Carla son personajes abiertamente cómicos, y los directores escogieron a actrices de mucho talento para dar vida a esos personajes. Amy es también muy cómica, pero su historia es más compleja.
"Interpretar el término medio de la película es complicado", dice Lucas. "Amy tiene que ser divertida, pero también ser la línea conductora emocionalmente hablando para el público. Nos gustaba Mila para el papel porque puede llevar ese peso emocional, como vimos en Cisne Negro, y también es genial en comedia. Es una actriz de peso, pero a la vez ligera, con una presencia muy natural y real". Moore añade: "Simplemente parece una madre normal".
Respecto al reparto, Suzanne Todd comenta: "Buscábamos a seis arquetipos diferentes que funcionasen juntas de manera cómica, y que a la vez fuesen interesantes como chicas que se están conociendo. Creo que especialmente que era importante que Mila y Kathryn Hahn y Kristen Bell se sintieran que venían de sitios distintos, pero que podían encontrarse durante la película y hacerse amigas".
Siempre mirando por encima del hombro a las malas madres está la eterna presidenta del AMPA, Gwendolyn James. Su carácter de hierro le es familiar a todo el equipo de la película."Yo he sido una Gwendolyn", bromea Mumolo.
"En cualquier escuela, en cualquier cultura y de cualquier trasfondo socioeconómico hay una Gwendolyn", dice Lucas. "Imaginamos ésta como alguien que trabajó en Wall Street o algún otro trabajo de alto rendimiento, que de pronto lo dejó y dedicó toda esa energía en la maternidad".
Moore defiende la motivación de Gwendolyn, aunque no sus métodos: "Desde su punto de vista, ella lo hace todo por los niños. Lo que ocurre es que hace un mil por ciento más de lo necesario, convirtiéndolo en una competición a ver quién es la mejor madre". A Christina Applegate, que interpreta a la madre más temida para McKinley, esta mujer la impresionó mucho. "No es que nunca haya conocido a alguien tan horrible", se estremece. "Al contrario, me he cruzado con varias Gwendolyns en mis años como madre de niños en edad escolar. Gwendolyn hará todo lo que pueda para conseguir lo que quiere. No está acostumbrada a que las ovejas le desafíen, y le mata cuando ve que las madres sólo quieren que las acepten aunque NO sean perfectas".
Las opciones no son muy buenas cuando se trata de que Amy se ponga algo sexy para salir, pero la ocasión da pie para risas y confidencias. Bell recuerda: "Como adolescentes, vamos a su casa y sacamos cosas del armario, casi nada ponible. Pero tratamos de arreglarla y finalmente logramos que se quite su sujetador horrible color carne de maternidad".
Esa escena es de las favoritas de Kunis. "Es la escena con la que más nos reímos, porque hablamos de cómo sería acostarse con un hombre no circuncidado", dice. "Mi personaje nunca ha visto a uno porque sólo ha estado con su marido".
La visita de Amy y de Mike a la Dra. Karl, su consejera matrimonial, interpretada por Wanda Sykes, vuelve a hacer estallar la risa a los actores. "Wanda es una de esas personas que todo lo que diga te hace reír", dice Walton. "Mila y yo no podíamos evitarlo. Lloraba de la risa y me sentía como un principiante".
Sykes, cómica monologuista y guionista ganadora de un Emmy, desvía el cumplido. "Eso es lo mejor, cuando nos desternillamos los unos de los otros", dice. "Ahí es cuando sabes que hay algo bueno. Mila y David son muy graciosos juntos". En cuanto a la perfección, Sykes, a modo de Dra. Karl, dice que nos olvidemos. "Te volverás loca y volverás a tu hijo aún más loco".
Tras echar de casa a Mike, a Amy le gustaría encontrar a un nuevo compañero, circuncidado o no. Entre los candidatos de su entorno está Jessie Harkness (JAY HERNÁNDEZ), un padre que lleva a sus hijos al mismo colegio y que es viudo. Las madres del McKinley le adoran.
Hernández entiende al personaje. "En las pelis de tíos siempre está esa chica a la que le gusta el fútbol, es inteligente, divertida y bebe cerveza. Yo soy la versión masculina de esa fantasía para mujeres".
Y vaya si lo es. Como afirma Kunis, "Jessie es el polo opuesto de Mike… una buena persona. La primera vez que aparece le comenta a Amy lo buena madre que es. Para mí, es el mejor cumplido que me pueden hacer".
¿Acaso una madre puede ser una madre increíble? Kunis cree que sí. "Una mala madre, según los parámetros de la película, daría a su hijo comida procesada", dice. "Su hijo no vestiría ropa orgánica y quizá no se ducharía a diario. El hijo de una mala madre vería una hora más de tele al día y no hablaría tres idiomas. Y a veces tendría que esperar en el cole a que su madre fuera a recogerle. Y les digo con mucho orgullo que mi madre hizo todo eso y sigo viva. Y además la quiero mucho. Así que, claramente, no pasa nada".
EL CLUB DE LAS MADRES REBELDES es la segunda película que Jon Lucas y de Scott Moore han dirigido juntos, y el primer papel de Kunis en el cine desde el nacimiento de su hija. "Jon y Scott son mantequilla de cacahuete y gelatina, juntos van muy bien", dice la actriz. "Scott quiere que cada escena sea muy real y Jon quiere hacerla cómica. Encajan como piezas de un puzle". Y hay algo más que le gusta: "Les gustan los niños. Todos llevábamos a nuestros hijos al set de rodaje. Me siento tan afortunada de haber podido formar parte de esta película y haber tenido la oportunidad de rodar con estas cinco mujeres brillantes y divertidas".
Hubo un gran vínculo emotivo desde el día uno. "Con seis mujeres, hay gente que quiere saber si pasó algo malo", dice Applegate. "La respuesta es no. En toda mi vida jamás había rodado con unas mujeres que tuvieran tanto los pies en la tierra. Todas somos madres, así que nos vemos reflejadas las unas en las otras. Nos apoyamos las unas en las otras".
Lilly Singh, una bloguera, cómica monologuista y actriz de reparto, también se sintió parte de la gran familia. "No voy a mentir", dice Singh. "Me sentía algo intimidada porque yo vengo del mundo virtual. Pero en cuanto entré en maquillaje y peluquería, Christina era encantadora y Mila dijo que había visto mis videos. Sentí mucho cariño femenino". Y masculino también.
Suzanne Todd añade: "Scott y Jon hicieron una película como carta de amor a sus mujeres. Cada uno tiene dos hijos, así que también han vivido el otro lado de la experiencia. Es genial trabajar con ellos, pero realmente genial. Tienen un gran talento y están locos y son muy divertidos, y a la vez son buena gente, lo cual no es tan frecuente en Hollywood. Así que realmente me gustó mucho trabajar con ellos. Todos los días tenía muchísimas ganas de ir a trabajar".
"Había mucho estrógeno en el ambiente y aun así Jon y Scott fueron muy pacientes", asegura Hahn. Jay Hernández añade: "Podrían haber sido los dos gallos del gallinero, pero en vez de eso fue una relación muy simbiótica".
"Jon y Scott empezaron algo grande con Qué pasó ayer?", continúa Hernández, "y ahora le dan la vuelta. ¿Mujeres hermosas y graciosas? ¡No hay nada mejor que eso!".
Cualquier miedo encubierto de que a los directores se les "escaparan" cosas fue disuadido por la presencia de la productora Suzanne Todd. Hahn explica: "Para mí, saber que ella estaba por ahí detrás de la cámara con Scott y con Jon me relajaba, como cuando mamá está cerca. Sabes que está cuidando de nosotras y que se dará cuenta de aquello que seguramente no sepas si no eres mujer".
Los actores que interpretan a los hijos de Amy tienen 13 años y su propia opinión sobre las madres. "Creo que una madre perfecta es la que apoya a su hijo si quiere ser médico o actor", dice Oona Laurence, que interpreta a Jane. "Y les da siempre a sus hijos la comida más sana y más rica, como hacen mi madre y también Amy".Emjay Anthony, que interpreta a Dylan, también hace hincapié en la comida: "La madre perfecta comprará toneladas de helado, dulces y chuletas para sus hijos", bromea.
También saben identificar a una mala madre en cuanto la ven: "Las malas madres dejan que sus hijos hagan todo lo que les apetezca", dice Oona. "Hasta cierto punto es bueno, pero también está bien que te guíen".
Emjay también opina que la sabiduría está en el término medio: "Si te esfuerzas demasiado como madre, necesitas relajarte. Si consientes demasiado a tus hijos, no sabrán hacer nada por sí mismos y cuando cumplan 18 años dependerán de todo el mundo".
En cuanto a los padres, a Oona le gustó la elección de David Walton: "No tenía ni idea de que iba a interpretar a nuestro padre hasta que apareció un día en el set de rodaje. Me quedé como: espera, ¿en serio? ¿El de New Girl? ¡Me mola un montón!".
Pero su personaje, no tanto. "Nunca ayuda a Amy", dice Oona. "Un padre tiene que apechugar, porque las madres tienen demasiado trabajo que hacer".
El 11 de enero comenzó el rodaje de EL CLUB DE LAS MADRES REBELDES en Nueva Orleans, con las desenfadadas escenas de Amy el primer día que se libera de sus tareas de buena madre. Durante los siguientes dos meses, el equipo de EL CLUB DE LAS MADRES REBELDES rodó su transición de madre infravalorada a madre desatada en localizaciones por Crescent City. La historia ocurre en primavera, en un barrio de Chicago de cielos azules, verdes prados y árboles floridos. "Queríamos unas localizaciones que resultasen muy americanas", dice Lucas.
Pero necesitaban buen tiempo, o al menos que existiera esa posibilidad, y ya que rodaban en invierno, así que tras Chicago trasladaron el rodaje a Nueva Orleans. El productor ejecutivo Mark Kamine describe la transformación: "Teníamos que evitar las palmeras y la arquitectura típica de Nueva Orleans, pero no fue difícil encontrar sitios con el estilo del Medio Oeste que Jon y Scott querían. Excepto por un par de tormentas, el tiempo se portó bien".
Lucas y Moore también querían que la estética de la película fuera un reflejo del reparto de la misma. "Las películas cómicas a menudo se ruedan muy planas y con lentes abiertas", explica Kamine. "Ya sabes: sin preocuparse por ángulos o fondos. Pero Scott y Jon no querían eso: querían planos interesantes".
El director de fotografía, Jim Denault, que ha participado en películas como Dando la nota: aún más alto o Boys Don’t Cry, fue el elegido. "Jim ha fotografiado a muchísimas mujeres. Eso atrajo a nuestros técnicos y al reparto", dice Kamine. Las aptitudes de Denault también gustaron a la diseñadora de producción Marcia Hinds. "Jim es el dire de foto que me enseñó que por muy pequeño que sea un espacio, siempre puede contener una imagen hermosa", comenta.
EL CLUB DE LAS MADRES REBELDES, la comedia escrita y dirigida por JON LUCAS y SCOTT MOORE (Qué pasó ayer?), se desarrolla en un barrio exclusivo de Chicago, donde la supermadre chic Gwendolyn James (Applegate) hace de poli del comportamiento adecuado.
El resto de madres saben que no tienen que meterse con ella, y Amy Mitchell desde luego no tenía esa intención: la vida ya era suficientemente dura. Pero cuando ocurre se declara la guerra entre el bien y el mal, con el campo de batalla de la elección de presidente de la Asociación de Padres de Alumnos en la idílica Escuela William McKinley. Sí, hay bajas… Pero es el precio del progreso. Y es parte del complicado día de una mamá.
Suzanne Todd (Alicia a través del espejo) y Bill Block (Corazones de acero) producen EL CLUB DE LAS MADRES REBELDES para STX Entertainment, con Mark Kamine (La gran estafa americana) como Productor Ejecutivo. Jim Denault, ASC (Trumbo: la lista negra de Hollywood) es el Director de Fotografía; Marcia Hinds (Amigos con beneficios) la Productora Ejecutiva; James Thomas y Emma E. Hickox, ACE montadores; y Julia Caston (The Middle) Diseñadora de Vestuario.
¿Cómo demonios se les ocurrió a los guionistas de la peli de tíos, Qué pasó ayer?, ponerse a hacer un homenaje de chicas al poder, a la genialidad de las madres? Y por supuesto, no apta para todos los públicos.
"Si te lees el guión seguro que piensas que lo escribió una mujer, pero cuando hablas con Jon y con Scott te das cuenta de que es un homenaje a sus mujeres", dice la actriz Mila Kunis, madre también en la vida real. De hecho, las seis actrices principales de la película son madres, así como la productora Suzanne Todd.
"Yo les dije que me gustaría interpretar cualquiera de esos papeles", recuerda Kunis. "Quería hacer algo en lo que me viese reflejada. La idea de grupo también me atraía: no quería estar sola, y quería hacer algo gracioso".
Kunis interpreta a la protagonista, Amy Mitchell, una madre trabajadora con miles de obligaciones que no le dejan tiempo para hacer amigos, y mucho menos para divertirse. La pobre Amy está demasiado ocupada como para darse cuenta de lo que se está perdiendo.
"En cuanto te conviertes en madre se te olvida que eres una chica y que necesitas a tus amigas", dice Kristen Bell, también madre en la vida real. "Parte de la belleza de esta película es que trata de estas madres que redescubren la amistad".
Los directores de EL CLUB DE LAS MADRES REBELDES, Jon Lucas y Scott Moore, llevan colaborando juntos y siendo amigos más de 15 años. En todo ese tiempo, también se han convertido en padres, y en directores.
"Escribimos desde casa, en nuestros ordenadores, así que vemos a nuestras mujeres romperse el lomo cada día", dice Moore. "Siempre van corriendo, recogiendo a los niños, cocinando, resolviendo problemas. Ahí hay mucho drama… y a la vez es terreno fértil para la comedia".
Lucas explica: "Como padres, somos apéndices-de-mamá. Es parecido, pero en el mundo de las madres hay mucha presión que no existe en el de los padres. Queríamos sumergirnos en esas aguas turbulentas".
Jada Pinkett Smith, que interpreta a Stacy, la dura secuaz del inolvidable séquito de Gwendolyn, describe esa división entre madres y padres: "Ellos no se mojan tanto como las mujeres. Pueden sentarse y abstraerse contemplando las escenitas desde otro punto de vista. Nosotras sólo podemos ver lo que tenemos delante, mientras que ellos pueden mirar y decir: ¡qué divertido!".
Lucas y Moore se hicieron expertos en el asunto. Como parte de su investigación organizaron cenas con muchas madres, mucho vino y muchas historias desde las trincheras. "Las madres reales no hablan como sale siempre en la típica peli para madres", dice Lucas. "Es mucho más interesante y divertido, y más picante. A veces hasta X. Y sí, ¡hay conflicto!".
Y luego está esa fachada que las madres tienen que mantener. "De eso va la película", dice Lucas. "Muchas madres piensan que tienen que fingir que todo va bien, todo es sencillo y son felices. Pero es muy complicado. A veces con un vaso de Chardonnay sale todo a flote… y empezamos a escribir".
Los guionistas también se dieron cuenta de que las madres se necesitan las unas a las otras. Como Lucas observó, "Una dirá: yo pensaba que mi hijo, o mi jefe, era el único que hacía eso. Hay mucha gente que pasa por lo mismo, pero no hablan de ello. Afortunadamente esta película romperá algunos tabúes".
La productora Suzanne Todd, madre de tres hijos, está de acuerdo. "Mi propia experiencia lo confirma. Hay cinco escenas en el guión que yo he vivido tal cual. Pero tal cual, cada detalle del diálogo y cada cosa que pasa; porque es una experiencia colectiva el hecho de intentar ser una buena madre, y lo duras que somos con nosotras mismas porque pensamos que no hacemos suficiente".
Annie Mumolo interpreta a Vicky Latrobe, miembro del grupete de mamás altivas. Fue nominada a los Óscar como coguionista de la comedia de gran éxito La boda de mi mejor amiga. "Jon y Scott tocan temas profundos", dice Mumolo. "Escribir sobre madres y sobre ser madre, la línea es muy delgada. Es una de las primeras cosas que he leído con verdadera repercusión emocional y con personajes con los que te identificas. Es atrevido y divertido, y a la vez irreverente, lo que te mantiene en vilo".
La actriz ganadora del Emmy Christina Applegate aprecia especialmente la rara oportunidad que EL CLUB DE LAS MADRES REBELDES ofrece a las actrices. "El guión me atrajo porque es auténtico: una versión de la realidad más valiente y desnuda. Y respecto al personaje de Carla, creo que es uno de los mejores diálogos que he visto interpretar a una mujer en el cine".
Las mujeres de Lucas y de Moore fueron las primeras en leer el guión. "Todo lo que se nota que es auténtico es porque lo escribimos a partir de sus historias reales", dice Moore. "Nos dieron notas y nos sugirieron bromas, y a veces nos dijeron que una madre real no diría esto o aquello. Cuando tuvimos al reparto, también las escuchamos a ellas".
Kathryn Hahn interpreta a Carla, una solterona tremenda, y su primera reacción cuando leyó el guión fue sentir admiración por la mujer de Moore. "Scott es uno de los padres de la escuela de mis hijos. Cuando leí el guión, de pronto vi a su mujer Mary de otra manera. Es maravillosa. Y me encanta eso de nuestros directores: les fascinamos". Los guionistas y directores no pusieron la condición de que las actrices principales fueran madres, pero finalmente resultó ser así.
"Cuando hablamos con las actrices sobre el guión, en seguida nos dimos cuenta de que las que eran madres conectaban con el material de una manera totalmente diferente", dice Moore. "Ponían las cartas sobre la mesa. Si alguien decía: '¿Metemos esto raro que le pasó a mi hijo?', nosotros respondíamos: 'Cuanto más raro mejor'. También escuchamos: '¡Tenéis que apretar más las tuercas! ¡Nosotras nos volvemos muchísimo más locas que ésas!'".
Está claro que esa actitud de madre les daba ventaja a las actrices. "Lo primero que cualquier madre real te va a contar nunca va de darle un abrazo a su niño", dice Lucas. "Te contarán: mi hijo se ha cargado mi casa hoy. Una madre real tiene un cierto tono y mordacidad que en seguida reconoces. Las que no son madres tienen una idea más dulce de lo que es la maternidad, y hablan más tiernamente de los niños". Hahn admiró la honestidad:"Vivimos en una cultura muy niño-céntrica, así que es difícil no sentir que estás fallando todo el rato. O pensar que vas a sobrevivir a todos los libros y blogs que has leído, y al consejo de las demás madres". Bell está de acuerdo: "Decimos cosas que normalmente sólo piensas, pero nunca dices".
David Walton, que interpreta al marido de Amy que abusa de su webcam, es más empático en la vida real. "En general existe mucha confusión y falta de apoyo respecto a la lucha de las madres modernas", dice. "Esta película va de eso. Es una comedia picante sobre la familia… con algunas mujeres guapísimas".
La escuela pública ficticia de EL CLUB DE LAS MADRES REBELDES presume de un diverso cuerpo de estudiantes, así como de un diverso grupo de madres. Como los chavales, las madres de la Escuela William
McKinley se dividen en pandillas, desde el de las madres tigresas hasta el de las madres apegadas, pasando por las madres obsesionadas con la comida orgánica y las madres perfectas.
Y como a los niños, a algunas madres les hacen novatadas. Jada Pinkett Smith dibuja la típica escena de cuando las madres dejan a los niños en el cole por la mañana: "Mi personaje, Stacy, es de las pseudoperfeccionistas. En su mente son la crème de la crème del cole, de la Asociación de Padres y de cualquier cosa que tenga que ver con su estatus de madre y esposa. Nuestra pandilla simplemente está ahí metiéndose con cualquier madre que se acerque. Establece el tono de la película, y en seguida sabes quiénes son las malas".
Algunas madres no tienen pandilla. Nadie invita a un café a la solitaria y casera Kiki, con sus crocs y sus hijos conflictivos. El escote, los cigarrillos, y el apetito desenfrenado de la madre soltera Carla la convierten también en una paria. Y Amy, la exhausta madre trabajadora, es tolerable a ojos de sus pares, pero la relación es ya muy tensa con todas ellas. Kunis se compadece de Amy: "Tuvo un bebé a los 19 y otro a los 20, y desde entonces se las ha visto canutas para sacar la familia adelante", explica. "Todos nos sentimos identificados de alguna manera. Te matas para que todo sea perfecto y te olvidas de los conflictos que es lo que hacen que la vida ocurra".
En cuanto se declaran "malas madres", Amy, Kiki y Carla pierden el miedo a ser encasilladas. Por supuesto que a Carla eso nunca le importó, y eso le confiere una importancia vital en la pandilla. "Es el pegamento que nos mantiene unidas", dice Kunis. "Mi personaje no sabe bien cuál es su lugar en el mundo. Kiki es tranquila y tímida… y ver cómo Kristen Bell, que es fuerte y luchadora, interpreta a una sumisa, resulta muy cómico. ¿Pero Carla? Es ruidosa y sorprendente y coge la vida por las pelotas".
Kiki y Carla son personajes abiertamente cómicos, y los directores escogieron a actrices de mucho talento para dar vida a esos personajes. Amy es también muy cómica, pero su historia es más compleja.
"Interpretar el término medio de la película es complicado", dice Lucas. "Amy tiene que ser divertida, pero también ser la línea conductora emocionalmente hablando para el público. Nos gustaba Mila para el papel porque puede llevar ese peso emocional, como vimos en Cisne Negro, y también es genial en comedia. Es una actriz de peso, pero a la vez ligera, con una presencia muy natural y real". Moore añade: "Simplemente parece una madre normal".
Respecto al reparto, Suzanne Todd comenta: "Buscábamos a seis arquetipos diferentes que funcionasen juntas de manera cómica, y que a la vez fuesen interesantes como chicas que se están conociendo. Creo que especialmente que era importante que Mila y Kathryn Hahn y Kristen Bell se sintieran que venían de sitios distintos, pero que podían encontrarse durante la película y hacerse amigas".
Siempre mirando por encima del hombro a las malas madres está la eterna presidenta del AMPA, Gwendolyn James. Su carácter de hierro le es familiar a todo el equipo de la película."Yo he sido una Gwendolyn", bromea Mumolo.
"En cualquier escuela, en cualquier cultura y de cualquier trasfondo socioeconómico hay una Gwendolyn", dice Lucas. "Imaginamos ésta como alguien que trabajó en Wall Street o algún otro trabajo de alto rendimiento, que de pronto lo dejó y dedicó toda esa energía en la maternidad".
Moore defiende la motivación de Gwendolyn, aunque no sus métodos: "Desde su punto de vista, ella lo hace todo por los niños. Lo que ocurre es que hace un mil por ciento más de lo necesario, convirtiéndolo en una competición a ver quién es la mejor madre". A Christina Applegate, que interpreta a la madre más temida para McKinley, esta mujer la impresionó mucho. "No es que nunca haya conocido a alguien tan horrible", se estremece. "Al contrario, me he cruzado con varias Gwendolyns en mis años como madre de niños en edad escolar. Gwendolyn hará todo lo que pueda para conseguir lo que quiere. No está acostumbrada a que las ovejas le desafíen, y le mata cuando ve que las madres sólo quieren que las acepten aunque NO sean perfectas".
Las opciones no son muy buenas cuando se trata de que Amy se ponga algo sexy para salir, pero la ocasión da pie para risas y confidencias. Bell recuerda: "Como adolescentes, vamos a su casa y sacamos cosas del armario, casi nada ponible. Pero tratamos de arreglarla y finalmente logramos que se quite su sujetador horrible color carne de maternidad".
Esa escena es de las favoritas de Kunis. "Es la escena con la que más nos reímos, porque hablamos de cómo sería acostarse con un hombre no circuncidado", dice. "Mi personaje nunca ha visto a uno porque sólo ha estado con su marido".
La visita de Amy y de Mike a la Dra. Karl, su consejera matrimonial, interpretada por Wanda Sykes, vuelve a hacer estallar la risa a los actores. "Wanda es una de esas personas que todo lo que diga te hace reír", dice Walton. "Mila y yo no podíamos evitarlo. Lloraba de la risa y me sentía como un principiante".
Sykes, cómica monologuista y guionista ganadora de un Emmy, desvía el cumplido. "Eso es lo mejor, cuando nos desternillamos los unos de los otros", dice. "Ahí es cuando sabes que hay algo bueno. Mila y David son muy graciosos juntos". En cuanto a la perfección, Sykes, a modo de Dra. Karl, dice que nos olvidemos. "Te volverás loca y volverás a tu hijo aún más loco".
Tras echar de casa a Mike, a Amy le gustaría encontrar a un nuevo compañero, circuncidado o no. Entre los candidatos de su entorno está Jessie Harkness (JAY HERNÁNDEZ), un padre que lleva a sus hijos al mismo colegio y que es viudo. Las madres del McKinley le adoran.
Hernández entiende al personaje. "En las pelis de tíos siempre está esa chica a la que le gusta el fútbol, es inteligente, divertida y bebe cerveza. Yo soy la versión masculina de esa fantasía para mujeres".
Y vaya si lo es. Como afirma Kunis, "Jessie es el polo opuesto de Mike… una buena persona. La primera vez que aparece le comenta a Amy lo buena madre que es. Para mí, es el mejor cumplido que me pueden hacer".
¿Acaso una madre puede ser una madre increíble? Kunis cree que sí. "Una mala madre, según los parámetros de la película, daría a su hijo comida procesada", dice. "Su hijo no vestiría ropa orgánica y quizá no se ducharía a diario. El hijo de una mala madre vería una hora más de tele al día y no hablaría tres idiomas. Y a veces tendría que esperar en el cole a que su madre fuera a recogerle. Y les digo con mucho orgullo que mi madre hizo todo eso y sigo viva. Y además la quiero mucho. Así que, claramente, no pasa nada".
EL CLUB DE LAS MADRES REBELDES es la segunda película que Jon Lucas y de Scott Moore han dirigido juntos, y el primer papel de Kunis en el cine desde el nacimiento de su hija. "Jon y Scott son mantequilla de cacahuete y gelatina, juntos van muy bien", dice la actriz. "Scott quiere que cada escena sea muy real y Jon quiere hacerla cómica. Encajan como piezas de un puzle". Y hay algo más que le gusta: "Les gustan los niños. Todos llevábamos a nuestros hijos al set de rodaje. Me siento tan afortunada de haber podido formar parte de esta película y haber tenido la oportunidad de rodar con estas cinco mujeres brillantes y divertidas".
Hubo un gran vínculo emotivo desde el día uno. "Con seis mujeres, hay gente que quiere saber si pasó algo malo", dice Applegate. "La respuesta es no. En toda mi vida jamás había rodado con unas mujeres que tuvieran tanto los pies en la tierra. Todas somos madres, así que nos vemos reflejadas las unas en las otras. Nos apoyamos las unas en las otras".
Lilly Singh, una bloguera, cómica monologuista y actriz de reparto, también se sintió parte de la gran familia. "No voy a mentir", dice Singh. "Me sentía algo intimidada porque yo vengo del mundo virtual. Pero en cuanto entré en maquillaje y peluquería, Christina era encantadora y Mila dijo que había visto mis videos. Sentí mucho cariño femenino". Y masculino también.
Suzanne Todd añade: "Scott y Jon hicieron una película como carta de amor a sus mujeres. Cada uno tiene dos hijos, así que también han vivido el otro lado de la experiencia. Es genial trabajar con ellos, pero realmente genial. Tienen un gran talento y están locos y son muy divertidos, y a la vez son buena gente, lo cual no es tan frecuente en Hollywood. Así que realmente me gustó mucho trabajar con ellos. Todos los días tenía muchísimas ganas de ir a trabajar".
"Había mucho estrógeno en el ambiente y aun así Jon y Scott fueron muy pacientes", asegura Hahn. Jay Hernández añade: "Podrían haber sido los dos gallos del gallinero, pero en vez de eso fue una relación muy simbiótica".
"Jon y Scott empezaron algo grande con Qué pasó ayer?", continúa Hernández, "y ahora le dan la vuelta. ¿Mujeres hermosas y graciosas? ¡No hay nada mejor que eso!".
Cualquier miedo encubierto de que a los directores se les "escaparan" cosas fue disuadido por la presencia de la productora Suzanne Todd. Hahn explica: "Para mí, saber que ella estaba por ahí detrás de la cámara con Scott y con Jon me relajaba, como cuando mamá está cerca. Sabes que está cuidando de nosotras y que se dará cuenta de aquello que seguramente no sepas si no eres mujer".
Los actores que interpretan a los hijos de Amy tienen 13 años y su propia opinión sobre las madres. "Creo que una madre perfecta es la que apoya a su hijo si quiere ser médico o actor", dice Oona Laurence, que interpreta a Jane. "Y les da siempre a sus hijos la comida más sana y más rica, como hacen mi madre y también Amy".Emjay Anthony, que interpreta a Dylan, también hace hincapié en la comida: "La madre perfecta comprará toneladas de helado, dulces y chuletas para sus hijos", bromea.
También saben identificar a una mala madre en cuanto la ven: "Las malas madres dejan que sus hijos hagan todo lo que les apetezca", dice Oona. "Hasta cierto punto es bueno, pero también está bien que te guíen".
Emjay también opina que la sabiduría está en el término medio: "Si te esfuerzas demasiado como madre, necesitas relajarte. Si consientes demasiado a tus hijos, no sabrán hacer nada por sí mismos y cuando cumplan 18 años dependerán de todo el mundo".
En cuanto a los padres, a Oona le gustó la elección de David Walton: "No tenía ni idea de que iba a interpretar a nuestro padre hasta que apareció un día en el set de rodaje. Me quedé como: espera, ¿en serio? ¿El de New Girl? ¡Me mola un montón!".
Pero su personaje, no tanto. "Nunca ayuda a Amy", dice Oona. "Un padre tiene que apechugar, porque las madres tienen demasiado trabajo que hacer".
El 11 de enero comenzó el rodaje de EL CLUB DE LAS MADRES REBELDES en Nueva Orleans, con las desenfadadas escenas de Amy el primer día que se libera de sus tareas de buena madre. Durante los siguientes dos meses, el equipo de EL CLUB DE LAS MADRES REBELDES rodó su transición de madre infravalorada a madre desatada en localizaciones por Crescent City. La historia ocurre en primavera, en un barrio de Chicago de cielos azules, verdes prados y árboles floridos. "Queríamos unas localizaciones que resultasen muy americanas", dice Lucas.
Pero necesitaban buen tiempo, o al menos que existiera esa posibilidad, y ya que rodaban en invierno, así que tras Chicago trasladaron el rodaje a Nueva Orleans. El productor ejecutivo Mark Kamine describe la transformación: "Teníamos que evitar las palmeras y la arquitectura típica de Nueva Orleans, pero no fue difícil encontrar sitios con el estilo del Medio Oeste que Jon y Scott querían. Excepto por un par de tormentas, el tiempo se portó bien".
Lucas y Moore también querían que la estética de la película fuera un reflejo del reparto de la misma. "Las películas cómicas a menudo se ruedan muy planas y con lentes abiertas", explica Kamine. "Ya sabes: sin preocuparse por ángulos o fondos. Pero Scott y Jon no querían eso: querían planos interesantes".
El director de fotografía, Jim Denault, que ha participado en películas como Dando la nota: aún más alto o Boys Don’t Cry, fue el elegido. "Jim ha fotografiado a muchísimas mujeres. Eso atrajo a nuestros técnicos y al reparto", dice Kamine. Las aptitudes de Denault también gustaron a la diseñadora de producción Marcia Hinds. "Jim es el dire de foto que me enseñó que por muy pequeño que sea un espacio, siempre puede contener una imagen hermosa", comenta.
Y eso era muy importante porque EL CLUB DE LAS MADRES REBELDES no se rodaba en inmensos platós, donde podemos quitar paredes o levantar techos para colocar las cámaras. Todas las escenas se rodaron en localizaciones reales, lo cual no supuso ningún problema para Hinds y para Denault. "Estoy acostumbrado a mirar un espacio e instantáneamente añadir dos metros alrededor para colocar las cámaras", dice Hinds. "Pero la flexibilidad de Jim hizo que eso no fuera necesario. Las cámaras no tenían por qué estar donde siempre: él y su equipo solucionaron el tema del espacio".
Pero el equipo tuvo un amplísimo espacio para rodar la secuencia inicial de la película, donde las seis protagonistas, junto a cientos de otras, dejan a los niños en su típica escuela de ladrillo amarillo.
"Debía ser la escuela a la que todo el mundo quiere ir, y encontramos justo lo que necesitábamos: una localización preciosa y dos días soleados", dice la productora ejecutiva, Kamine.
El resto de ambientaciones de la película incluyen la casa de Amy, su oficina y la Cooperativa de Café, la casa de Gwendolyn y el supermercado en el que las malas madres se desatan en su primera noche de liberación.
La Cooperativa de Café es la moderna zona de libre comercio donde Amy trabaja para un Directivo de 24 años. Producción escogió el moderno entorno del Centro de Arte Contemporáneo de Nueva Orleans que está en el Distrito de las Artes, para las escenas desternillantes de Amy con sus frustrantes colegas.
El desmadre del supermercado se rodó en el barrio de Gretna, en un supermercado de la cadena local Breaux Mart. La secuencia fue todo un lujo para las actrices, que dieron rienda suelta a la comedia física y a las payasadas de Carla."Ya había rodado antes en supermercados y no es nada fácil", comenta Kamine. "No les gusta cerrar el supermercado, pero nosotros necesitábamos disponer de un día entero. Nuestros personajes derraman productos y los tiran de las estanterías, y hay una escena peligrosa con un guarda de seguridad. Tuvimos que poner a trabajar en ello a productores de localización durante las vacaciones de Navidad, pero mereció la pena. Jon y Scott quedaron muy contentos con el resultado".
El diseñador de producción, Hinds, también quedó encantado. "No había una pared en el Breaux Mart que no tuviera marcas nuestras, y lo han dejado todo tal cual".
La mansión de Gwendolyn era el escenario de una sofisticada velada en pleno momento álgido de la campaña de elecciones de la AMPA. "Al buscar la casa de Gwendolyn", comenta Hinds,"lógicamente queríamos una grande y opulenta. Tenían que caber 80 personas en una habitación para la fiesta".
Suzanne Todd tenia las mismas ganas que Hinds de que todo saliera perfecto. "Yo quería que Suzanne viniera pronto para asegurarme de que le parecía bien", recuerda Hinds. "Y ella no sólo se pasó por allí. También me ayudó con las flores".
Amy ofrece una fiesta para conseguir el voto la misma noche que Gwendolyn, pero lo que ella ofrece es pizza, chupitos y musicaza.
Lo mejor de la fiesta de Amy fue que los invitados se lo pasaron en grande. Y lo mismo hicieron los actores, incluidas las 80 artistas locales que interpretaron a las madres del AMPA. La secuencia se rodó durante dos noches en un salón más bien pequeño, comedor, cocina y jardín trasero en una casa por la parte alta de la ciudad, que fue la base de operaciones del equipo de la película durante siete días.
Hahn recuerda las noches de fiesta: "Había mucha gente y llovía, y no había dónde ir entre las tomas, así que se convirtió en una fiesta real. O al menos eso parecía. El baile fue lo mejor, las chicas se lo pasaron en grande. No había jerarquías, la escena era desternillante. Hasta se ve a Kiki haciendo el robot, es fantástico".
Hahn también disfrutó del tiempo en la caravana de maquillaje: "Kristen estaba dando de mamar, el bebé de Mila correteaba por todas partes y todo el mundo estaba enseñando fotos de bebés. Era un ambiente maravilloso. Los chicos lo tienen más fácil, pero las mujeres son maravillosas".
La diseñadora de vestuario Julia Caston sabía bien lo que quería en cuanto a la indumentaria de Gwendolyn. "Cuando vas al cole de los niños y ves a la típica madre con su peinado perfecto todos los días, eso irrita", dice. "Nos pusimos a pensar en cómo podría vestir Gwendolyn de forma que al resto de las mujeres les fastidiase un poco. Yo también soy madre", continúa la diseñadora, "y sé que si me pongo algo de un color claro mi hijo lo arruinará. Así que vestimos a Gwendolyn con colores claros para que estuviese radiante y angelical, y también rica, suntuosa y glamurosa. Christina colaboró mucho, tenía muchas ganas de pasarlo bien".
Gwendolyn no es práctica, ni tampoco sus amigas Stacy y Vicky: son ricas. Por otro lado, Amy se viste como una madre trabajadora estresada que trata de dar lo mejor de sí misma. Carla, espíritu libre donde los haya, se pondrá cualquier cosa que tenga escote. "Se necesita todo un ejército para conseguir un canalillo semejante", se aventura Hahn.
Kiki, la madre casera, con cuatro hijos incluidos unos bebés gemelos, le da poca importancia a la ropa. Viste cómoda con una inofensiva indumentaria holgada color pastel, sobre todo verde menta. Su adorado collar en el que pone "Mamá" le pertenece realmente a la actriz, ya que se lo hizo su propia hija poco antes de comenzar a rodar la película. "Kiki no viste a la moda", dice Bell, "y es una de las razones por las que las madres del AMPA la juzgan y desprecian. Pero a ella no le molesta. Respecto a su sudadera bordada, no la odio. He logrado hacerme con ella".
2016
Pero el equipo tuvo un amplísimo espacio para rodar la secuencia inicial de la película, donde las seis protagonistas, junto a cientos de otras, dejan a los niños en su típica escuela de ladrillo amarillo.
"Debía ser la escuela a la que todo el mundo quiere ir, y encontramos justo lo que necesitábamos: una localización preciosa y dos días soleados", dice la productora ejecutiva, Kamine.
El resto de ambientaciones de la película incluyen la casa de Amy, su oficina y la Cooperativa de Café, la casa de Gwendolyn y el supermercado en el que las malas madres se desatan en su primera noche de liberación.
La Cooperativa de Café es la moderna zona de libre comercio donde Amy trabaja para un Directivo de 24 años. Producción escogió el moderno entorno del Centro de Arte Contemporáneo de Nueva Orleans que está en el Distrito de las Artes, para las escenas desternillantes de Amy con sus frustrantes colegas.
El desmadre del supermercado se rodó en el barrio de Gretna, en un supermercado de la cadena local Breaux Mart. La secuencia fue todo un lujo para las actrices, que dieron rienda suelta a la comedia física y a las payasadas de Carla."Ya había rodado antes en supermercados y no es nada fácil", comenta Kamine. "No les gusta cerrar el supermercado, pero nosotros necesitábamos disponer de un día entero. Nuestros personajes derraman productos y los tiran de las estanterías, y hay una escena peligrosa con un guarda de seguridad. Tuvimos que poner a trabajar en ello a productores de localización durante las vacaciones de Navidad, pero mereció la pena. Jon y Scott quedaron muy contentos con el resultado".
El diseñador de producción, Hinds, también quedó encantado. "No había una pared en el Breaux Mart que no tuviera marcas nuestras, y lo han dejado todo tal cual".
La mansión de Gwendolyn era el escenario de una sofisticada velada en pleno momento álgido de la campaña de elecciones de la AMPA. "Al buscar la casa de Gwendolyn", comenta Hinds,"lógicamente queríamos una grande y opulenta. Tenían que caber 80 personas en una habitación para la fiesta".
Suzanne Todd tenia las mismas ganas que Hinds de que todo saliera perfecto. "Yo quería que Suzanne viniera pronto para asegurarme de que le parecía bien", recuerda Hinds. "Y ella no sólo se pasó por allí. También me ayudó con las flores".
Amy ofrece una fiesta para conseguir el voto la misma noche que Gwendolyn, pero lo que ella ofrece es pizza, chupitos y musicaza.
Lo mejor de la fiesta de Amy fue que los invitados se lo pasaron en grande. Y lo mismo hicieron los actores, incluidas las 80 artistas locales que interpretaron a las madres del AMPA. La secuencia se rodó durante dos noches en un salón más bien pequeño, comedor, cocina y jardín trasero en una casa por la parte alta de la ciudad, que fue la base de operaciones del equipo de la película durante siete días.
Hahn recuerda las noches de fiesta: "Había mucha gente y llovía, y no había dónde ir entre las tomas, así que se convirtió en una fiesta real. O al menos eso parecía. El baile fue lo mejor, las chicas se lo pasaron en grande. No había jerarquías, la escena era desternillante. Hasta se ve a Kiki haciendo el robot, es fantástico".
Hahn también disfrutó del tiempo en la caravana de maquillaje: "Kristen estaba dando de mamar, el bebé de Mila correteaba por todas partes y todo el mundo estaba enseñando fotos de bebés. Era un ambiente maravilloso. Los chicos lo tienen más fácil, pero las mujeres son maravillosas".
La diseñadora de vestuario Julia Caston sabía bien lo que quería en cuanto a la indumentaria de Gwendolyn. "Cuando vas al cole de los niños y ves a la típica madre con su peinado perfecto todos los días, eso irrita", dice. "Nos pusimos a pensar en cómo podría vestir Gwendolyn de forma que al resto de las mujeres les fastidiase un poco. Yo también soy madre", continúa la diseñadora, "y sé que si me pongo algo de un color claro mi hijo lo arruinará. Así que vestimos a Gwendolyn con colores claros para que estuviese radiante y angelical, y también rica, suntuosa y glamurosa. Christina colaboró mucho, tenía muchas ganas de pasarlo bien".
Gwendolyn no es práctica, ni tampoco sus amigas Stacy y Vicky: son ricas. Por otro lado, Amy se viste como una madre trabajadora estresada que trata de dar lo mejor de sí misma. Carla, espíritu libre donde los haya, se pondrá cualquier cosa que tenga escote. "Se necesita todo un ejército para conseguir un canalillo semejante", se aventura Hahn.
Kiki, la madre casera, con cuatro hijos incluidos unos bebés gemelos, le da poca importancia a la ropa. Viste cómoda con una inofensiva indumentaria holgada color pastel, sobre todo verde menta. Su adorado collar en el que pone "Mamá" le pertenece realmente a la actriz, ya que se lo hizo su propia hija poco antes de comenzar a rodar la película. "Kiki no viste a la moda", dice Bell, "y es una de las razones por las que las madres del AMPA la juzgan y desprecian. Pero a ella no le molesta. Respecto a su sudadera bordada, no la odio. He logrado hacerme con ella".
La luz entre los océanos
2016
Duración 130 min.
País Estados Unidos
Director Derek Cianfrance
Reparto: Michael Fassbender, Alicia Vikander, Rachel Weisz, Anthony Hayes, Caren Pistorius, Leon Ford, Benedict Hardie, Florence Clery
Australia, 1926. Un bote encalla en una isla remota y a su encuentro acuden el farero Tom Sherbourne (Michael Fassbender) y su joven esposa Isabel (Alicia Vikander). En el interior del bote yacen un hombre muerto y un bebé que llora con desesperación. Tom e Isabel adoptan al niño y deciden criarlo sin informar a las autoridades. Todo se complica cuando descubren que la madre biológica del bebé (Rachel Weisz) está viva.
El premiado director Derek Cianfrance (Blue Valentine, Cruce de caminos) dirige esta historia desgarradora basada en el best seller mundial “La luz de los océanos”. Michael Fassbender, nominado al Oscar por 12 años de esclavitud, Alicia Vikander (Un asunto real, Anna Karenina) y Rachel Weisz, ganadora del Oscar por El jardinero fiel, dan vida a los personajes protagonistas de este conmovedor drama histórico de principios de siglo.
No respires
2016
Duración 88 min.
País Estados Unidos
Director Fede Álvarez
Reparto: Dylan Minnette, Jane Levy, Stephen Lang, Daniel Zovatto, Sergej Onopko, Jane May Graves, Jon Donahue, Katia Bokor, Christian Zagia, Emma Bercovici, Brak Little, Michael Haase
Tres amigos allanan la morada de un ermitaño invidente para dar lo que suponen un golpe fácil sólo para descubrir que su vida corre peligro en una aterradora pesadilla desencadenada en No Respires, el segundo largometraje del guionista y director Fede Álvarez (Posesión infernal) y el legendario realizador Sam Raimi. En su tercera cinta, Álvarez apunta a la yugular con un thriller sin complejos, brutal y retorcido, que enfrenta a tres ladrones ante un adversario inesperadamente peligroso.
Decidida a escaparse de su madre maltratadora y salvar a su hermana menor de sumirse en una existencia sin futuro como la suya, Rocky (Jane Levy) no tiene límites a la hora de preparar su huida. Junto a sus amigos Alex (Dylan Minnette) y Money (Daniel Zovatto) ha llevado a cabo un par de hurtos minuciosamente planificados para hacerse con el dinero suficiente para marcharse de casa y dejar atrás su Detroit natal. Pero estos robos de poca monta no han rendido muchos frutos y cuando se enteran de que hay un hombre ciego (Stephen Lang) poseedor de una pequeña fortuna viviendo en una casa abandonada, los tres amigos deciden dar su último –y más ambicioso– golpe.
Pero el plan se frustra cuando el que fuera la víctima resulta ser mucho más terrorífico de lo que nunca imaginaron. El hombre los persigue por toda su vivienda –que más que una casa parece una fortaleza, en la que descubren horrorizados, que oculta más que dinero. Sorprendente y fascinante, el thriller maestro y alucinante de Álvarez mantiene la tensión con un ritmo frenético hasta el último minuto espeluznante.
Notas de producción
En 2013, el guionista y director Fede Álvarez dejó huella en el cine con una versión espeluznante del clásico de Sam Raimi Posesión Infernal. En su última cinta No respires, explora un territorio diferente pero igual de aterradora en una historia sorprendente y llena de suspense. Álvarez une fuerzas nuevamente con los productores Raimi y Rob Tapert de Ghost House Pictures para crear una historia del subgénero del "home invasión" que confunde los límites entre el terror y el thriller.
"Contiene elementos de ambos" dice el director. "No es ni cien por cien terror ni tampoco thriller. Pero abundan los momentos que dan mucho miedo, eso sí".
En No respires, tres amigos, tras cometer una serie de hurtos perfectamente planeados, deciden ejecutar su golpe final al enterarse de que hay un hombre ciego que vive solo en un barrio desierto de Detroit. "Pero les falta un dato crucial", explica Álvarez. "Y es que este hombre es inventivo hasta más no poder y completamente despiadado, hasta el extremo de que casi parece sobrehumano. No les va a dejar que se lleven el dinero sin librar una dura lucha hasta el final".
Hacer Posesión Infernal, su primer largometraje, con la ayuda de Raimi y Tapert fue una experiencia inolvidable, según Álvarez. "Así que decidimos repetir. Sam ha sido un gran mentor para mí. No sólo es un gran director y productor. Realmente es un fan y entiende perfectamente a su audiencia".
Raimi dice que Álvarez no solo es un director visionario sino que además es un colaborador nato. "Posee una combinación única entre sus instintos para contar una historia y la artesanía necesaria para ejecutar sus ideas" asegura el prolífico realizador, cuyos créditos en dirección incluyen la exitosa trilogía Spider-Man ,así como Un Plan sencillo, Arrástrame al infierno, y la trilogía original de Posesión Infernal. "Cuando nos presentó este proyecto nos enganchó la oportunidad de volver a trabajar con él. Desde el principio Fede tenía una visión original de un thriller llevado al límite para un público moderno y por supuesto centrado en los personajes. Introducir un personaje invidente nos abrió las puertas para crear tensión tanto mediante las imágenes como por el sonido".
Álvarez y su coguionista Rodo Sayagues, se propusieron elaborar un guión con suspenso hasta más no poder, pero sin abusar ni de la sangre ni del gore. "Me encanta el género del terror", dice el director. "Pero esto es algo más complejo. Cada uno de los sustos están basados en la situación y en cosas que realmente podrían ocurrir. A mí eso me da mucho más miedo".
Tapert coincide, añadiendo "No respires actualiza el thriller de suspense al crear un escenario en el que se agudizan los sentidos de los personajes. Evita los clichés al hacer partícipes a los espectadores en un dilema moral. ¿Quién es el malo y quién el bueno? Y como no sabes exactamente cómo acabará la película, la incertidumbre aumenta la tensión".
Los tres protagonistas plenamente desarrollados en el guión le llamaron la atención al productor ejecutivo Mathew Hart. "Están en un callejón sin salida y desesperados por cambiar sus vidas" explica. "Eso les lleva a una casa donde creen que encontrarán el dinero necesario para cambiar su rumbo. En cierto sentido es un cuento moral sobre la toma de decisiones ambientado en el seno de un thriller".
Ninguno de los personajes es del todo admirable, y eso está hecho adrede, dice Álvarez. "No me gusta cuando los realizadores me obligan a tomar partido. Muchas de las historias que veo son muy manipulativas. No necesito que me digan quién es el bueno y quién el malo. Déjame elegir quién me gusta. Te mostramos una variedad de personajes y te dejamos decidir. Aquí no hay ningún santo. Todos tienen motivaciones turbias. Se trata de elegir a la persona con la que conectas".
Trabajar con un coguionista con habilidades que complementan las suyas era clave en el proceso creativo. El director estima que se ponen de acuerdo la mitad de las veces. "Eso significa que el otro 50 por ciento de las veces no lo estamos, y eso nos sienta estupendamente. A él se le ocurren cosas que a mí jamás se me ocurrirían y vice versa. Eso crea un material único. Yo aporto el orden y él, la anarquía. Los momentos más sangrientos, más límite, siempre provienen de Rodo".
Los colaboradores de Álvarez coinciden en que el realizador considera cada idea planteada."Al ser el guionista conoce la historia de pe a pa", dice Hart. "No le cuesta ningún esfuerzo conseguir las interpretaciones que necesita por parte de los actores, y jamás se muestra indeciso o inseguro. Pero a la vez acepta con agrado las ideas de los demás y con frecuencia las incorpora. Y es el primero en reconocer el mérito de la gente. Es genial trabajar en un ambiente así".
Triple amenaza
No respires vuelve a reunir a Fede Álvarez y a la actriz Jane Levy, cuya inolvidable transformación en Mía, una joven poseída por el demonio en Posesión infernal, ha inspirado en todo el mundo tatuajes realistas con la imagen del personaje empapado en sangre. "Este es un papel totalmente distinto en algunos niveles, pero definitivamente Rocky guarda cierto parecido con Mía", afirma Álvarez. "Es una luchadora, sin duda. Tiene el objetivo de conseguir ese dinero y nada la detendrá. Sin embargo, el Hombre Ciego está tirando de la cuerda en dirección opuesta con la misma determinación férrea".
Decidida a escapar de su abusiva madre y salvar a su hermana menor de una existencia sin futuro que parece inevitable para ambas, Rocky hará todo lo posible para huir.
Desde el principio, Levy fue la primera elección del director para el papel, sin embargo, inicialmente parecía que no estaría disponible para el rodaje. "Pasamos por un tedioso proceso para intentar encontrar la chica adecuada", comenta Álvarez. "Nadie estaba a la altura de nuestras expectativas. Y luego, de repente, Jane estaba disponible y todo volvió a su cauce".
Después de Posesión infernal, Levy asegura que decidió que había acabado con los thriller de terror. "Pero aquí estoy, y es por Fede. Es el director perfecto para dar vida a la historia y convertirla en mucho más que una película de género. Para mí, tiene un ambiente épico y mitológico. Ha sido elevada de una forma que solo Fede pudo lograr. Esta película me recuerda a una novela gráfica en muchos aspectos. La gama de colores es muy hermosa –gris con explosiones de color".
Para escapar de su madre, Rocky ha comenzado a cometer pequeños robos con sus amigos Alex y Money. "Lo hacen en parte por la emoción, pero sobre todo porque están a dos velas", dice Levy. "Comienzan robando cualquier cosa pequeña que encuentran, sin embargo, después oyen que el Hombre Ciego oculta una fortuna. Si logran hacerse con ese dinero, pueden huir de Detroit".
Según la actriz, Álvarez ha creado cuatro personajes que le dan la vuelta al concepto de los buenos contra los malos, cambiando por completo las expectativas simples. "Te pones de parte de Rocky, incluso si está haciendo algo deshonroso. Fue un desafío hacerla alguien agradable, pero Fede ha creado personajes simbólicos que son complejas representaciones de la humanidad. En esta situación, Alex es el cerebro, Money es el impulso y Rocky es el corazón, por eso puedes ponerte de su parte".
Aunque los extremos desafíos físicos a los que Levy se enfrentó en Posesión infernal –incluso ser enterrada viva– no se repitieron en esta película, aun así, Álvarez se las hizo pasar canutas a diario. "Jane fue muy buena chica y nunca dijo que no a nada", comenta el director. "De hecho, siempre pide más".
La actriz admite que le entusiasman los papeles físicos. "Para mí, el movimiento en las películas es esencial para contar la historia. Si puedo responder sólo con mis ojos, una expresión o lenguaje corporal, eso dice mucho más que las palabras".
Sin embargo, asegura que sólo hubo un reto al que no pudo hacer frente. Rocky tiene que enfrentarse a un Rottweiler enorme, el amenazante perro del Hombre Ciego. Entrenado para atacar a la mochila llena de dinero de Rocky, el perro era más intimidante de lo que ella esperaba. "De verdad parecía estar fuera de sí. El dueño, un húngaro gigante, estaba deteniendo al perro, pero yo sólo pensaba en si me iba a devorar en ese mismo instante".
Alex, el amigo de Rocky interpretado por Dylan Minnette, es la mente maestra de los pequeños hurtos del grupo, robando llaves y códigos de alarma de su padre, un guardia de seguridad, para diferentes allanamientos. Formula e impone una estricta serie de reglas para los hurtos: no coger dinero ni objetos de mucho valor para evitar ser acusados de hurto mayor; los móviles, las joyas y otros objetos asegurados están permitidos porque sus víctimas pueden ser reembolsadas por su pérdida. Sin embargo, los 300.000 dólares en efectivo que se rumorea que posee el Hombre Ciego son demasiado tentadores incluso para Alex.
"Es un personaje muy complicado y con sentimientos encontrados", afirma Álvarez. "Alex roba para conseguir dinero suficiente para sus estudios de Derecho. En cierta manera, está haciendo algo malo para poder hacer algo bueno en el futuro. También hará todo lo posible para estar más cerca de Rocky, que parece ignorar que está enamorado de ella".
Minnette fue a quien primero dieron un papel en la película. Actor desde la infancia, tiene 18 años al igual que su personaje. Cuando entró al casting, Álvarez supo de inmediato que había encontrado a su Alex. "Fue la primera vez en mi vida que sucedió algo así", afirma el director. "La forma de ser de Dylan, cómo habla y cómo se comporta, fue exactamente lo que tenía en mente para el personaje".
Un acérrimo fan de Posesión infernal y uno de los primeros cortos de Álvarez, Ataque de pánico, Minette no dejó pasar la oportunidad de trabajar con el director. "Basándome en sus trabajos anteriores, sabía que este sería muy especial", comenta. "Es un thriller intenso, sombrío y también una película elegante y con estilo. Llega a lugares muy retorcidos y oscuros, pero Fede no se decanta sólo por el gore. La película tiene mucha más sustancia que eso. Él se asegura de que te preocupes por estos personajes".
El actor Daniel Zovatto interpreta a Money, el novio de Rocky, alguien impulsivo y que conoce bien la calle. Money es la conexión entre la calle y Alex y Rocky. En palabras de Zovatto,"básicamente es el alfa, quien dirige al grupo. Sin embargo, no es unidimensional. Hay mucho más en él que un simple gánster o un chico de la calle. Tiene muchas capas".
Es el perista de Money, Raúl, interpretado por Christian Zagia, quien le da el chivatazo de que se rumorea que un veterano del ejército tiene una cantidad de seis cifras oculta en algún lugar de su casa. Money convence a sus amigos de que este es el golpe que los catapultará fuera de su ciudad en ruinas a una vida más alegre en California. "No hay mucho dinero en su barrio", dice Zovatto. "Parece que el éxito está asegurado, pero también disfruta del subidón de adrenalina que le provoca este trabajo".
Álvarez le dio un papel al actor basándose en su interpretación en la exitosa película de terror independiente It Follows. "Es un actor que puede tomar un personaje del guión y hacerlo suyo", explica el director. "Su planteamiento cuando hacíamos el casting para el papel fue completamente distinto a lo que hacían todos los demás".
El polo opuesto al detallista Alex es Money, que vive el momento. "Es pura energía y anarquía", destaca Álvarez. "Sabe lo que quiere y lo consigue. Money se conoce mejor a sí mismo que Alex, que todavía está un poco confuso sobre lo que quiere hacer".
Zovatto cuenta que el rodaje de No respires fue la experiencia más divertida que jamás ha tenido trabajando. "Como Fede dirigió y escribió la historia, conoce todos los detalles y los personajes, y eso es genial. Al mismo tiempo, nos permite descubrir nuestros propios personajes bajo su dirección. Es muy apasionado y me encantan las personas así".
El adversario del trío, conocido únicamente como el Hombre Ciego, es un militar veterano que perdió la vista cuando fue herido durante la primera guerra del Golfo. Su mujer murió poco después de su regreso a Estados Unidos y su único hijo fue atropellado por un conductor imprudente. Desde entonces, se ha convertido en un recluso, en el único residente que queda en su calle desierta.
"Todo comenzó con el Hombre Ciego", afirma Álvarez. "Es un personaje inusual. Las películas a menudo retratan a personas con discapacidad como nobles o piadosas. Tomamos a este hombre y lo llevamos en una dirección completamente distinta. Es muy hábil y un completo cabrón. Es el último hombre en pie en un barrio abandonado".
Una vez penetran en la casa protegida por un fuerte sistema de seguridad, Rocky, Alex y Money intentan orientarse en el interior de varias plantas sin hacer ruido. Sin embargo, el Hombre Ciego se asusta y se despierta en seguida, cambiando instantáneamente a modo de defensa propia. De súbito, el trío se encuentra atrapado en un espantoso juego del gato y el ratón del que parece ser imposible escapar.
"El personaje suple su ceguera con sus otros sentidos", afirma Hart. "Sus habilidades van sin duda más allá de lo que puede hacer una persona normal y aquello crea circunstancias únicas y emocionantes en la historia".
En el papel del Hombre Ciego, el veterano actor Stephen Lang hace uso de su físico intimidante y una energía incontenible, brindando una interpretación potente a la par de terrorífica. Lang ve a su personaje como una especie de leyenda urbana –mitad verdad y mitad ficción. "Mucho de lo que la gente dice sobre él está basado en la realidad, pero no es toda la historia", asegura el actor. "Es cierto que recibió una cuantiosa indemnización. La situación parece hecha a medida para estos tres jóvenes. El barrio está abandonado. Debería ser fácil entrar y robar el dinero.
Sin embargo, resulta que no es tan fácil entrar en la casa y es todavía más difícil escapar de ella".
El Hombre Ciego no es la víctima indefensa que ellos imaginaban, por no decir algo peor. Dentro de su casa ha creado un mundo en el que tiene todo a su favor. "Es terroríficamente hábil", explica Lang. "Puede más que sobrevivir –es el dueño de este universo. Te identificas con él porque quiere defender su territorio, incluso cuando se descubre un giro inesperado. Una vez empatizas con un personaje, es difícil volver atrás. La audiencia ha descubierto su humanidad antes de conocer su horrible secreto. Para mí, es una forma de crear un personaje rotundamente soberbia".
En palabras del productor ejecutivo Erin Westerman, "si la vida hubiese tratado a este personaje de una manera un poco diferente, quizá hubiese sido un hombre de familia y dueño de una ferretería en una zona residencial. Pero no es el caso, ha tenido que lidiar con devastadoras situaciones inesperadas. La audiencia conoce a Stephen por Avatar y lo reconocerá como un guerrero. Incluso si es ciego, va a intentar derrotar a cualquiera que irrumpa en su espacio. Al final, lo que Rocky y el Hombre Ciego quieren respectivamente está en conflicto directo y ambos no pueden ganar".
Lang afirma que la ambigüedad moral de la película le pareció intrigante. "El personaje es una víctima, sin duda", dice el actor. "Sin embargo, es mucho más complicado que eso. El papel me pareció una magnífica combinación de verdadera fuerza y total vulnerabilidad. Para un actor y un director ser capaces de explorar esa tensión es fascinante".
Lang, antiguo codirector de la prestigiosa organización Actors’ Studio, impresionó e inquietó al resto de coprotagonistas con su total entrega al papel. "Stephen es un actor de la vieja escuela", afirma Zovatto. "Viene haciendo esto durante muchos años. Su preparación y el modo en el que entra en escena me dejaron sin palabras. Es un apasionado de su trabajo".
Levy coincide y añade, "Stephen es un tipo muy intimidante. Lo cierto es que estaba un poco asustada cuando comenzamos a trabajar juntos".
Detroit, la ciudad del motor, en Hungría
La fotografía principal para No respires tuvo lugar durante siete semanas en Budapest (Hungría), haciendo las veces de Detroit. Después, la producción se trasladó a Michigan para rodar algunas de las escenas en exteriores. Álvarez y los principales jefes de departamento habían explorado con anterioridad los devastados barrios de la ciudad, recientemente en bancarrota, para encontrar la casa de ladrillos amarillos del Hombre Ciego.
Los solares vacíos y las casas en ruinas de Detroit añadieron un carácter único a la película."Para una historia como esta, necesitábamos un lugar en una calle particular en un barrio particular", dice Álvarez. "Normalmente se intenta encontrar una casa que dé miedo en una calle bonita, sin embargo, esto es todo lo contrario. La calle da miedo y esta es la única casa bien conservada que queda. Como todo el mundo se ha ido, una historia como esta podía ocurrir allí".
El director de producción Naaman Marshall construyó en un plató en Budapest una réplica de la casa de Detroit, sus interiores y un jardín lateral, recreando el inhóspito paisaje urbano de la ciudad. El aspecto general de No respires está pensado para reflejar la paleta de colores y otras cualidades del barrio original. "Todos intentamos permanecer en sintonía hasta cierto punto en lo que respecta al vestuario, el diseño de producción y la iluminación. Tiene un tono muy tenue con ciertos momentos de explosiones de color", señala Marshall.
La contribución de Marshall a No respires fue extraordinaria, afirma Álvarez. Desarrolló un plano poco convencional para la casa del Hombre Ciego, algo que ayudó a aumentar la confusión e intensificar el suspense del filme. "La oscuridad y la ceguera forman gran parte de lo que hace a esta película interesante", señala Westerman. "Cuando Rocky, Alex y Money entran en esta casa, se sienten inmediatamente fuera de lugar. Nada está ubicado donde una persona vidente lo pondría".
Previamente en preproducción, Álvarez, Marshall y el director de fotografía Pedro Luque planearon la acción dentro de la casa laberíntica utilizando un esquema hecho a mano y figuras que representaban a los cuatro personajes principales para supervisar la acción".
"Naaman nos ayudó mucho a crear un espacio que representa la historia del hombre que vive allí", dice el director. "Sólo con caminar por los pasillos aprendes mucho sobre él. No tenemos que decirle nada a la audiencia. Las paredes hablan por sí solas".
Luque también participó en Ataque de pánico, el distintivo corto de ciencia ficción por el que Álvarez despertó interés a nivel mundial y consiguió un acuerdo con Ghost House Pictures. La pareja ha creado una composición visual que hace que trabajar juntos sea fácil, dice el cinematógrafo. "Fede es muy inteligente y tiene muy buen ojo. Tiene muy claro lo que hace, pero también cree que trabajar con su equipo puede hacer que la película parezca más grande".
En lugar de sumergir a la audiencia junto a los intrusos en la oscuridad de la casa –una elección que Álvarez creyó que sería demasiado obvia – él y Luque crearon fuentes de luz alternativas que le dieron al filme un brillo espeluznante. "Lo cierto es que introdujimos mucha luz para que los personajes se escondieran a plena vista en todo momento", explica el director. "Es un aspecto muy diferente para un thriller y eso crea una tensión singular".
Luque diseñó una iluminación basada en el aprovechamiento de la luz arrojada por fuentes de iluminación del entorno, como las luces de la calle o las luces de seguridad del exterior."Intenté crear una gama de luz con distintos colores y texturas", afirma. "Combina luz suave y fuerte, luz cálida y fría. Así que visualmente es una manera de intentar entretener la vista".
El diseñador de vestuario Carlos Rosario recurrió a la moda urbana de Detroit como inspiración para el vestuario de Rocky, Alex y Money, dando a cada uno un look y un estilo singular."Definitivamente la película es oscura e intrépida, y eso se refleja en el estilo personal de cada uno de estos personajes", afirma. "Rocky es una chica muy segura de sí misma y también muy femenina, que da la impresión de ser muy vulnerable. Tiene un estilo un tanto ochentero, con un punto rockero. No tiene mucho dinero así que jugamos con ropa de segunda mano. Sin embargo, como ha estado robando en todas estas diferentes casas, a menudo tiene una o dos prendas que son un poco más caras".
"Alex tiene un poco más de dinero", continúa el diseñador. "Su ropa es mucho más clásica para reflejar lo introvertido que es. Es mucho más práctica y monocromática. Y Money quiere mezclarse con las pandillas callejeras. Su ropa es como su armadura, es su forma de decir ‘aquí estoy’".
Los diseñadores fueron un poco más allá, comenta Álvarez, creando un aura de misterio y una intensidad que ayuda a definir la película. "Creo que los elementos visuales en esta película hablan por sí solos", añade. "No tenemos que dar al público información mediante personajes que lo dicen todo en voz alta. Ya hemos creado una enorme cantidad de tensión a través de la estética de la película".
Tapert predice que No respires será reconocida como una de las películas de más suspenso que el público contemporáneo ha visto hasta el momento. "Es emocionante verla con toda una sala de espectadores sentados al borde de la butaca, literalmente conteniendo el aliento", afirma. "Espero que el público salga del cine lleno de energía tras haber sobrevivido a esta experiencia implacable".
Star Trek: Sin límites
2016
Duración 120 min.
País Estados Unidos
Director Justin Lin
Reparto: Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana, Karl Urban, Simon Pegg, Anton Yelchin,John Cho, Idris Elba, Sofia Boutella, Joseph Gatt, Deep Roy, Lydia Wilson, Joe Taslim, Adam DiMarco, Ashley Edner, Christian Sloan, Jodi Haynes
En "Star Trek sin límites" la tripulación del Enterprise se dispondrá a explorar los últimos confines del espacio, donde nadie más ha llegado. Una vez allí se enfrentarán a un nuevo y misterioso enemigo que los pondrá a prueba, tanto a ellos como a la Federación y lo que ella representa.
"Star Trek sin límites", el nuevo lanzamiento largamente esperado de la mundialmente famosa franquicia Star Trek, creada por Gene Roddenberry y reintroducida por J.J. Abrams en 2009, vuelve con el director Justin Lin (de la saga "Fast and Furious") al mando de esta travesía épica del U.S.S. Enterprise y su intrépida tripulación. En "Star Trek sin límites" la tripulación del Enterprise explora los más lejanos confines del espacio ignoto, en donde encuentran un desconocido y misterioso enemigo que pondrá a prueba a los tripulantes y a todo lo que representa la Federación.
PARAMOUNT PICTURES y SKYDANCE, presentan STAR TREK SIN LIMITES, una producción de BAD ROBOT, SNEAKY SHARK Y PERFECT STORM ENTERTAINMENT.
Productores ejecutivos, Jeffrey Chernov, David Ellison, Dana Goldberg y Tommy Harper.
Producida por J.J. Abrams, p.g.a., Roberto Orci, Lindsey Weber, p.g.a., y Justin Lin, p.g.a.. Basada en "Star Trek", creada por Gene Roddenberry. Escrita por Simon Pegg y Doug Jung. Dirigida por Justin Lin.
Protagonizada por John Cho, Simon Pegg, Chris Pine, Zachary Quinto, Zoë Saldana, Karl Urban, Anton Yelchin Sofia Boutella e Idris Elba.
Nota especial: El 19 de junio de 2016 la familia de Star Trek perdió a uno de los suyos. El inesperado fallecimiento de Anton Yelchin ha sido una experiencia desgarradora para el reparto y el equipo técnico de STAR TREK SIN LIMITES. El reparto, el equipo técnico y los fans de todo el mundo han manifestado su aprecio por Anton y su interpretación de Pavel Chekov.
Yelchin será recordado por su profundo y duradero amor al cine y por la gratitud que sentía por dedicarse a un trabajo que le apasionaba. "Doy las gracias cada día que paso en el plató. Si en algún momento tuviese la impresión de que no estoy mostrando toda la gratitud que debo, me decepcionaría profundamente conmigo mismo, porque tenemos la inmensa fortuna de poder hacer algo tan bello y disparatado como esto... la cantidad de gente y el esfuerzo que requiere la creación de unas imágenes, para que luego las vea una persona... es una locura, y es algo muy especial formar parte de ello".
"Chekov tiene momentos heroicos", explicó Yelchin una vez. "Sin embargo, lo que hace que interpretarle sea tan divertido son sus ocurrencias, su constante optimismo. El carácter bromista que Walter Koening (el Chekov original) aportó tan delicadamente al personaje, para mí es toda una suerte poder emplear esos rasgos en el papel".
"Me encantaba trabajar con Anton", recuerda J.J. Abrams. "Era una persona con un espíritu profundamente bondadoso. No me hago a la idea de que se haya ido para siempre; me pongo malo solo con pensarlo".
El nuevo capitán de la Enterprise
"Trabajar en Star Trek ha sido una de las experiencias más afortunadas de mi vida", dice el productor J.J. Abrams, la persona responsable de aportar nueva vida a la apreciada saga de ciencia ficción, que celebra su 50º aniversario este año. "Gene Roddenberry creó este mundo increíble que nos entusiasma volver a visitar una vez, y otra, y otra.."..
Después de dos películas en el sillón de director, Star Trek la entrega de 2012 Star Trek: en la oscuridad, Abrams y su equipo eligieron al director Justin Lin, un veterano de la saga Fast and Furious, para que hiciese realidad STAR TREK SIN LIMITES.
"Justin ha demostrado, una y otra vez, que es un excepcional narrador de historias", explica Abrams, "pero lo que más me llamó la atención fue que amaba de verdad Star Trek. Sabía que podría ocuparse de las escenas de acción, pero lo que más me interesó fue oírle hablar de los personajes como si fueran personas a las que conocía. Encaja como un guante en el proyecto".
Habiendo crecido en los 80, Lin recuerda que las repeticiones de Star Trek en la televisión formaban parte habitual de su vida familiar. "La serie original Star Trek tiene algo tremendamente especial para mí, porque ver esos viejos episodios era prácticamente el único rato que podía pasar con mis padres. Era como si la tripulación de la Enterprise formase parte de nuestra familia".
Al igual que Abrams, Lin había dirigido para la televisión antes de recibir el proverbial bastón de mando de la saga. "Star Trek es única en el sentido de que ha atravesado unos cuantos medios", explica Lin. "Después de haber trabajado en televisión, soy consciente del desafío al que se ha enfrentado J.J. para reanimar un proyecto episódico y trasladarlo al mundo de las películas veraniegas de gran presupuesto. Mantuvimos muchas conversaciones sobre la manera de equilibrar el tipo de acción que cabe esperar de una película de acción de gran presupuesto, mientras que a la vez se conservaba la esencia y lo fundamental de la serie de televisión".
"La primera película se centró por completo en la formación del grupo que acabaría convirtiéndose en la familia que conocemos; en la segunda, el grupo se galvanizó ante una nueva amenaza", dice Abrams. "En ambos casos se dirigían, en última instancia, a la Tierra, por lo que STAR TREK SIN LIMITES es la primera vez que les vemos en su misión de cinco años de duración. Es una oportunidad de ver la Enterprise en el tipo de aventura que relacionarías con la serie original, alejándose hacia los confines más remotos de la galaxia".
Una tripulación dividida
Los guionistas responsables de llevar a la tripulación a donde nadie ha llegado jamás fueron el recién llegado a la saga Doug Jung (Dark Blue, Banshee) y el reiterado miembro del reparto convertido en co-guionista, Simon Pegg.
"Estaba trabajando en Misión: Imposible – Nación secreta en Londres", recuerda Pegg. "Y Bryan Burk (productor de Nación secreta y En la oscuridad) me llevó a un rincón - pensé que iba a asesinarme, y me preguntó si quería escribir el guión de la película. Perdí completamente la compostura y le dije 'sí, rotundamente ¡Sí!' Después conocí a Doug, que se convirtió en mi escolta inseparable y en un gran amigo".
"Simon y yo no nos conocíamos en persona", dice Jung. "Pero yo era un gran admirador de su trabajo. En cuanto comenzamos a intercambiar ideas, me di cuenta de que era fabuloso contar con él, porque era brillantemente divertido, increíblemente creativo, y sabía todo lo que hay que saber sobre Star Trek".
"Yo había crecido viendo Star Trek", sigue Jung, "pero no la aprecié en toda su intensidad hasta que fui mayor. El conocimiento que Simon había acumulado durante toda su vida fue un gran alivio, puesto que siempre podía decir 'Creo que Kirk diría esto' o 'Spock podría utilizar esta otra palabra'. En ocasiones se ponía a interpretar, con gran convencimiento, a Scotty, en la sala en la que escribíamos el guión, y en otras ocasiones hacía de Bones o Spock. Fue muy divertido".
"Cuando empezamos, yo todavía estaba trabajando en Misión: Imposible, yendo tarde a la habitación y conectándome mediante conferencia de larga distancia con Doug, hasta las tantas de la mañana, formulando ideas", recuerda Pegg. "Fui a Los Ángeles y nos encerramos en una sala en Bad Robot, y cubrimos las paredes con tableros blancos en los que escribíamos nuestras ideas. Después Doug vino al Reino Unido y se alojó en mi casa durante una semana, que pasamos escribiendo y viendo episodios de la serie original Star Trek por la tarde, apuntando detalles y nombres de camisas rojas y otros miembros de la tripulación que también pudiesen existir en este nuevo plano temporal. De una u otra manera, conseguimos organizar un primer borrador".
"Disfruté mucho con el proceso", dice Jung. "Cuando trabajas como guionista, es muy habitual que estés en una habitación solo, en la oscuridad, y se te ocurra algo que crees que es genial, pero realmente no sabes si funciona hasta que se lo cuentas a otra persona y ves su reacción. Simon fue un gran colaborador y en algunos momentos en los que habíamos escrito algo y habíamos preguntado '¿podemos hacer esto?' Justin nos respondía, "no se corten, háganlo aún más grande". Yo solo, por mi cuenta, tal vez no hubiera llegado hasta allí".
Uno de los momentos más importantes de la trama, que cambia radicalmente el transcurso de la película, es la destrucción de la Nave Enterprise, que deja a la tripulación atrapada en un planeta alienígena inexplorado.
"Todo está en peligro", dice Abrams. "Después de haber visto la Enterprise destrozada y derruida, los tripulantes son arrojados cada uno en una dirección, y obligados a sobrevivir y a volver a conectar con el resto de la tripulación. Es muy interesante, porque podemos ver como estas parejas dispares colaboran para alcanzar el objetivo común".
La destrucción de la Enterprise hace que la tripulación quede aislada en Altamid, un peligroso mundo alienígena. Los escritores disfrutaron emparejando a personajes que previamente habían pasado poco tiempo juntos en pantalla, para ver cómo reaccionaba cada personaje.
Por ejemplo, el últimamente introspectivo Capitán Kirk (Chris Pine) se encuentra aislado con el joven y optimista Chekov (Anton Yelchin).
El co-guionista Jung nos explica "Kirk (Chis Pine) es un macho alfa que se las sabe todas, que ha vivido toda su vida despendolado, siguiendo sus instintos. Ha demostrado lo que vale y se ha sacudido de encima la sombra de su padre, pero ahora se enfrenta a la duda existencial, 'Y ahora, ¿qué?' Nos gustó la idea de emparejar al desengañado y cínico Kirk con Chekov (Anton Yelchin), que es joven y tiene una gran disposición, y es mucho menos cínico".
Chris Pine está de acuerdo, y nos dice "Las dos primeras películas estuvieron muy centradas en Spock y Kirk, pero creo que Doug y Simon han sido muy inteligentes al separar a todo el mundo, para ver cómo trabajan todos unos con otros, y qué tal se relacionan entre sí. Ser el capitán de la Enterprise es la cuestión más definitoria en la vida de Kirk. Su padre también fue capitán de una nave que fue destruida, así que la destrucción de la Enterprise produce una combinación de emociones muy compleja, que está vinculada a la persona que ha llegado a ser, y creo que Kirk ve muchos rasgos de sí mismo en Chekov".
"Mientras que Kirk comienza la película inseguro sobre el futuro, Chekov muestra una absoluta confianza sobre la misión", comentó Yelchin. "Cuando la Enterprise es destruida, se lleva todo lo que pensaban que era importante. Ni siquiera saben si el resto de la tripulación sigue con vida, lo que les obliga a redescubrir el valor del amor y el respeto que sienten por sus compañeros de tripulación".
"Anton y yo nos reímos mucho", recuerda Pine. "Hay escenas en las que no le dejo en paz y él no me deja en paz a mí, nos disparan y hay cosas que explotan a nuestro alrededor. Es muy intenso y agobiante, pero sobre todo fue divertido, porque el personaje de Anton tiene un gran corazón... como el propio Anton".
A la hora de encontrar un envoltorio dramático y cómico para el pragmático medio-vulcaniano Comandante Spock (Zachary Quinto), los guionistas supieron inmediatamente que querían emparejarle con el cascarrabias Doctor "Bones" McCoy (Karl Urban). Puede darse por descontado que ninguno de ellos, que por otra parte son los dos mejores amigos de Kirk, serán de la misma opinión a la hora de tomar una decisión.
"La relación entre Spock y Bones siempre ha sido 'fascinante', por usar la expresión de Spock, y muy graciosa, ya que son diametralmente opuestos entre sí en muchos aspectos", explica Pegg. "Sin embargo, por debajo de esa fachada, en algún lugar, hay una gran amistad que queríamos explorar".
"Históricamente, Bones y Spock son todo lo diferentes que se puede ser", dice Quinto."Mientras que Kirk y Spock son las dos caras de la misma moneda, Bones y Spock operan de maneras completamente opuestas".
"Se ve la evolución de la relación entre Bones y Spock como nunca antes se había visto", dice Urban. "Nuestros dos personajes están en una encrucijada y tienen que abordar sus propios dilemas internos, y al estar atrapados en un planeta alienígena nos vemos obligados a abordar juntos esa situación".
"Spock es mucho más humano y vulnerable en esta película", explica Quinto. "Me gustan las ocasiones en las que la acción se ralentiza y ofrece a Spock algunos momentos de tranquilidad, que son algunos de los más divertidos e interesantes de representar".
Con el fallecimiento de Leonard Nimoy en la vida real, los cineastas querían conmemorar el fallecimiento de "Spock primero" y mostrar el efecto de su pérdida en el joven Spock.
"Leonard Nimoy era un actor de gran talento que llegó a ser un gran amigo", dice Abrams."Queríamos honrar su legado haciendo referencia a su fallecimiento en la película. En mi opinión, habría estado mal no hacerlo".
"Fue algo difícil de hacer, en particular para mí", dice Quinto. "Teníamos una relación estrecha y fuimos amigos hasta el final. Me parece que Simon y Doug hicieron un trabajo realmente fantástico para rendirle homenaje en la historia, y creo que él se hubiera sentido orgulloso, agradecido, y un poco avergonzado. Es un tributo merecido y adecuado, y estoy encantado de que se haya hecho de una manera tan grácil".
Después de que Spock sufre una lesión, Bones se encuentra en un aprieto y se siente incómodo. "Es un médico compasivo, con un corazón de oro, que se ve inmerso en una situación en la que tal vez tenga que quitar una vida, en vez de conservarla", dice Urban."De pronto está rodeado de peligros y se convierte, a la fuerza, en una especie de héroe de acción por pura necesidad".
"Bones es un personaje que encanta al público, y que en mi opinión nunca ha tenido la relevancia que merece", se lamenta Pegg. "Esta era nuestra ocasión para remediar esa injusticia. Hubiera sido muy fácil dar a Scotty todas las frases dignas de mención, pero para evitar sensaciones extrañas, hicimos un esfuerzo consciente para repartir los diálogos".
"Cuando era adolescente, Bones era mi personaje favorito" recuerda Lin, "y Karl siempre estaba dispuesto a dar más trabajo a su personaje".
"Me encanta trabajar con Karl", dice Quinto. "Es muy gracioso, y esta vez ha sido muy divertido verle repartir estopa. Se le da muy bien".
Además de perder la Enterprise, el final de la relación de Spock y Uhura (Zoe Saldana) ofrece a la película otra víctima metafórica.
En palabras de Saldana, "Trabajan juntos, así que es una ruptura muy madura, muy profesional. Están en una misión de cinco años, y aunque están cansados y sienten una gran nostalgia, deciden poner la misión en primer lugar y no crear tensión a sus compañeros de tripulación".
Antes de que uno de los dos pueda procesar adecuadamente la separación, la nave es destruida y Uhura se encuentra en Altamid junto a Sulu (John Cho).
Como Pegg, Choo reacciona visceralmente ante la pérdida de la Enterprise. "Mi corazón se rompe cada vez que hacemos un poco de daño a la Enterprise. Es difícil. Soy el timonel, por lo que siento una cierta responsabilidad por su bienestar, y ha sufrido mucho más de lo que merece. En esta ocasión es particularmente violento", dice Cho.
"Al no estar la nave, se puede sentir una especie de desequilibrio natural, que da lugar a una gran tensión narrativa", prosigue Cho. "Cuando leí por primera vez el guión, me encantó el hecho de que me recordaba a los tonos de la serie original: hay humor y una cierta sensación de extravagancia, y la tripulación está unida por un sentimiento de familiaridad. Me he divertido mucho rodando pequeñas escenas con Zoe".
"Conozco a John desde hace años, y me encanta su sentido del humor y el compromiso que muestra hacia sus personajes", dice Saldana. "En esta película me he dado cuenta de que Uhura y Sulu son muy similares en cuanto a su compromiso con el deber y la fe que tienen en su tripulación. Dependen de su tripulación en la misma medida que su tripulación depende de ellos. Es muy parecido a la fe que John y yo tenemos el uno en el otro y en todo el equipo creativo".
"Lo mío con John se remonta a mucho tiempo atrás", indica Lin. "John participó en mi primera película, Better Luck Tomorrow. Yo todavía tenía que financiar la película con tarjetas de crédito, pero John ya se había hecho famoso con la escena de la MILF en American Pie. Nuestras carreras han avanzado mucho desde entonces, pero ha sido increíble volver a tener la ocasión de trabajar de nuevo con él después de doce años".
El co-guionista Simon Pegg repite en su papel de ingeniero jefe Montgomery Scott, más conocido en la cultura popular como "Scotty".
"De toda la tripulación, Scotty es probablemente el más satisfecho con su vida al inicio de la película", explica Pegg. "Hace lo que le gusta en las tripas de la nave, se encarga de que todo siga funcionando, y, evidentemente, se ve privado de todo eso".
De pronto Scotty depende de Jaylah (la recién llegada a la Saga Sofia Boutella), una alienígena con un marcado carácter y gran habilidad tecnológica, que se alía con Scotty y le salva la vida en la superficie de Altamid.
"Jaylah lleva bastante tiempo sola en Altamid", dice Boutella. "Ha tenido que apañárselas ella sola durante tanto tiempo que cuando llega Scotty, Jaylah ve la posibilidad de hacer un amigo. Aunque se muestra defensiva y reservada, Jaylah y Scotty desarrollan una especie de dinámica entre hermano y hermana que Simon y yo hemos puesto en marcha".
"Sofia nos enamoró a todos", recuerda Pegg. "Se apoderó del personaje de una forma tal que es una auténtica gozada ser su contraparte en la película. Es muy inventiva e ingeniosa, y a la vez, es muy dura. Me encanta que tenga esa forma tan extraña y sintáctica de hablar, que hace que su personaje sea tremendamente extraño, y no obstante, increíblemente empático".
A causa del gran trabajo de maquillaje que exigía el personaje de Jaylah, algunas de las jornadas de Boutella en el plató empezaban antes de que finalizasen las de otros actores.
"Algunas veces me levanté a las 12:30 de la noche para ir a maquillaje y poder rodar por la mañana", recuerda Boutella. "Es un proceso largo, pero divertido. Cuando estás en el sillón de maquillaje tanto tiempo, entras en un estado de meditación que realmente te ayuda a introducirte en el personaje".
"Queríamos que Jaylah destacase", explica el diseñador de maquillaje y supervisor de efectos de maquillaje Joel Harlow. "Creo que las líneas blancas y negras de su maquillaje, combinadas con el trenzado del peinado le dan una imagen absolutamente inolvidable".
"Creo que Jaylah es mi personaje nuevo favorito", dice Abrams. "Es increíblemente animada, dulce, graciosa y dura como el acero, un personaje que se convierte en un aliado de importancia capital para la tripulación, y Sofia ha realizado un impresionante trabajo para darle vida".
Un nuevo villano despiadado
Idris Elba se une al reparto en el papel de "Krall", el alienígena hostil responsable de destruir la Enterprise. Elba se vio atraído hacia el personaje por sus diversos niveles de complejidad.
"No quería representar al malo arquetípico", dice Elba. "Era consciente de que el papel de Benedict Cumberbatch dejaba el listón muy alto, así que trabajé mucho con Justin, Simon y Dough para determinar exactamente quién es este personaje. ¿Cómo habla? ¿Cómo es su presencia física? ¿Por qué tiene este problema con la Federación? Cuando das respuesta a todo eso, deja de ser un monstruo. Todo lo que hace tiene un motivo".
"Idris no tiene miedo a nada", dice Lin. "Se lanza de cabeza. La primera vez que hablamos sobre Krall, estuvimos al teléfono más de una hora, discutiendo la manera en que este personaje desafía las creencias de la Federación, pero tiene una filosofía propia perfectamente válida".
"Fue fascinante descubrir todo el universo de Star Trek", dice Elba. "Y después, encontrarme en condiciones de desafiar a ese universo, tantearlo, y echarlo por tierra. A Krall le da lo mismo".
A lo largo del rodaje, Elba acabó apreciando los aspectos positivos de actuar con maquillaje de efectos especiales. "Ya había trabajado con maquillaje de efectos especiales en Mandela, pero con Krall la cosa fue mucho más extrema: toda la cabeza, todo el cuerpo, cinco horas para que me pusieran todos los elementos, dos horas para que me los quitaran", recuerda Elba. "Para mí, como actor, hubo una curva de aprendizaje, porque no puedes usar el rostro de la manera que estás acostumbrado a hacerlo. Tienes que redescubrir la apariencia que tiene tu rostro, así que es algo parecido a manejar una marioneta. Tuve que asumir un físico que no era el mío, y saber qué tenía que hacer con el rostro, sin caer en el histrionismo".
Con el paso del tiempo, Elba aprovechó su incomodidad personal para dar vida a su personaje. "Siento claustrofobia, por lo que tener que llevar puesta esa cosa sobre la cabeza durante 18 horas empezó a influir en mi forma de abordar el personaje de Krall. Me repetía constantemente, 'una escena más y me quito esto de encima'. Krall luchaba por su supervivencia, y yo empecé a sentir lo mismo que él. Una cosa alimentaba la otra".
"Idris ha estado fantástico", dice Harlow. "Nunca habíamos tenido un malo alienígena que fuese tan extremo. Puedes dedicar meses enteros a perfeccionar un diseño, pero no se convierte en un personaje hasta que el actor se hace con él. Siempre esperas que llegue alguien entusiasta y receptivo ante el trabajo que has realizado en el personaje, e Idris ha cumplido con creces esas expectativas".
50 Especies Alienígenas
Además de Jaylah y Krall, los departamentos de maquillaje y vestuario trabajaron en colaboración para crear más de 50 razas alienígenas exclusivas para la película, más que en ninguna otra edición de Star Trek.
"En esta película tenemos más alienígenas que en las dos primeras combinadas", revela Harlow. "En un momento, contamos todos los alienígenas y vimos que teníamos unos 48. Después pensamos, es el 50º aniversario, vamos a hacer por lo menos 50. Creo que llegamos a las 53 razas exclusivas, y después diferentes ejemplares de algunas de ellas, así que tuvimos con qué entretenernos".
En los talleres de Burbank, Vancouver y Dubai hubo un pequeño ejército de artistas de maquillaje, escultores, pintores, técnicos de moldeado y expertos en silicona trabajando las 24 horas del día, siete días a la semana. "Nadie puede hacer esto por sí solo", dice Harlow."Afortunadamente, tengo mucho personal cualificado y con gran talento trabajando conmigo".
Harlow explica que la caracterización de cada alienígena comienza frecuentemente en sillón de maquillaje.
"Las prótesis se diseñan pensando en la movilidad. Añadimos las piezas de una en una, para que el actor pueda calibrar todo el margen de movimiento. Una vez que eso está resuelto, hay que centrarse en el aspecto general. Los alienígenas no van a andar como nosotros; no van a actuar como nosotros. Hay que tener en cuenta muchas cosas, pero todos los actores que han pasado por nuestro trailer han mostrado un gran compromiso y entusiasmo. Han sido todo goles por la escuadra".
Dos de los alienígenas más destacados que aparecen en la película son la tripulación de Krall, Manas (Joe Taslim) y Kalara (Lydia Wilson). Aunque cada uno tiene su propia imagen diferente, el equipo de Harlow llevó a cabo un esfuerzo deliberado para que los miembros del equipo tuviesen una cierta semejanza, que hiciese alusión a una historia compartida.
"Joe y Lydia estaban fantásticos con el maquillaje", dice Harlow. "Hicieron suyos esos rostros y esos cuerpos, para ofrecer algo especial".
A pesar de la complejidad de muchos de los rostros de los alienígenas, Harlow afirma que Spock es uno de los más difíciles. "Spock es icónico. Es tan fácilmente reconocible que no hay margen de error".
La diseñadora de vestuario Sanja Hays había trabajado previamente con Lin en la saga Fast & Furious y no titubeó ante la oportunidad de trabajar en Star Trek. "Yo era una fanática seguidora de Star Trek, así que no tuve que hacer mucha investigación" admite Hays. "No quería cambiar drásticamente la apariencia de los uniformes, pero sí quería actualizarlos sutilmente. El cambio más importante fue añadir mangas al uniforme femenino, cosa que Zoe agradeció".
"El uniforme azul de Kirk y el de Jaylah son mis niños", dice Hays. "Tienen un aspecto imponente y enérgico, a la vez que práctico, porque esto no deja de ser una película de acción, y el movimiento es importante".
Hays aprecia mucho la amplia paleta de color del universo de Star Trek. "Hay muchas otras películas de ciencia ficción que se toman a sí mismas demasiado en serio; tonos apocalípticos y oscuros. Me gusta que Star Trek presenta un futuro más brillante, con el que te puedes divertir".
Nuevos Mundos Desconocidos
La tarea de dimensiones cósmicas de diseñar los mundos alienígenas de Star Trek Más Allá recayó sobre su diseñador de producción Tom Sanders. Rodando en exteriores y en estudios en Vancouver, Columbia Británica, y Dubai, Sanders creó la agreste desolación del planeta Altamid, y la metrópolis del siglo XXIII Yorktown.
"Queremos que el público tenga la impresión de que está yendo a otro lugar", dice Sanders."Queríamos que pareciese un documental de viajes".
"En Star Trek, no tienes la opción de rodar en una esquina de la calle cuando se te antoje", dice Lin. "Sin embargo, me ha encantado trabajar con Tom, porque podía visitar su taller y ver todos esos modelos asombrosos".
El planeta azul Altamid ha sido el escenario de la mayor parte del segundo acto de la película. Es la base de operaciones de Krall, a causa de la presencia de un raro material nuclear con vida, llamado "bluebalt", que puede aprovecharse para extraer energía o utilizarse para construir estructuras orgánicas como el coral.
Los escenarios de Altamid se construyeron en una cantera de Pitt Meadow, Vancouver. Después de analizar la cantera, Sanders construyó una maqueta en miniatura del aspecto que tendría el complejo de Krall. "Diseñé a la inversa la apariencia de Krall cuando vi la cantera a las afueras de Vancouver. Quería que fuese una estructura llena de belleza, una joya rodeada por una sobrecogedora destrucción y por montones de rocas".
La cantera resultó ser todo un mundo desconocido, lleno de peligros y sorpresas.
"En cuanto bajabas de la colina, la temperatura aumentaba 8 grados", recuerda Sanders. "Y además del calor, la mayor parte de las rocas eran fruto de voladuras, así que estaban tremendamente afiladas, y los actores y el equipo técnico tenían que ir con mil ojos para no romperse una pierna o hacerse una avería. Creo que sirvió para que todo el mundo se mantuviese centrado en su personaje".
Para el rodaje en el puerto espacial futurista y utópico de Yorktown, la producción se desplazó a Dubai.
"En muchos aspectos, Yorktown es la materialización de la visión del futuro de Gene Roddenberry: una enorme sociedad en la que todo tipo de personas y alienígenas coexisten pacíficamente", explica Lin. "Contemplamos la posibilidad de rodar las secuencias de Yorktown en un estudio de rodaje, pero creo que no habría sido posible captar la escala de esta ciudad descomunal. Quería que la apariencia fuese real, que se pudiese tocar... que no fuesen sólo dos tipos actuando delante de una pantalla verde".
"Me sentí celoso, en cierta manera, cuando vi lo que estaba haciendo Justin con Yorktown", dice Abrams. "Allí están todas estas civilizaciones y culturas y especies diferentes, conviviendo y compartiendo un mismo espacio, y representando de manera visual todo lo que defiende la Federación, de una forma realmente chula. Ojala se me hubiese ocurrido a mí".
"Me he acostumbrado, y en muchas ocasiones no llego a apreciar la enorme habilidad y dedicación que requieren", dice Pine acerca de los escenarios de las películas. "El nivel de detalle del trabajo es extraordinario, desde la pintura hasta la electrónica. Todos esos pequeños detalles que tal vez nadie va a ver, pero que tienen un efecto incalculable sobre mí. Es como jugar en patio trasero cuando eras niño, solo que ahora tienes el presupuesto para que sea lo más real posible".
El rodaje en Vancouver y Dubai hizo que el reparto de Star Trek, que ya tenía una estrecha relación, se uniese aún más, de una forma inesperada.
"Las dos últimas películas se rodaron en Los Ángeles, así que nos íbamos a casa todas las noches", recuerda Urban. "En esta película la situación fue como la de un campamento de verano, así que cuando teníamos tiempo libre, todos nos reuníamos, porque no conocíamos a nadie más en la ciudad. En consecuencia, nos lo pasamos muy bien juntos, haciendo de todo, todo tipo de aventuras, esquiar y bucear en un centro comercial, visitar la Gran Mezquita de Abu Dhabi. Dubai es impresionante, y todos nos unimos aún más. Para mí, eso es lo mejor de este trabajo".
Los recién llegados se integraron muy fácilmente en la familia de Star Trek.
"El reparto fue muy acogedor el primer día", relata Elba. "Es un conjunto que funciona como un reloj, pero tienen un gran sentido del humor, y nadie se toma a sí mismo demasiado en serio. Encajamos desde el primer momento".
"Son como una familia", indica Boutella. "Hay un enorme flujo de energía entre todos ellos, y eso se aprecia en la pantalla y es increíble formar parte de ese fenómeno. Me siento muy agradecida. He aprendido muchísimo, pero al margen de la experiencia profesional, las conexiones humanas y las relaciones que he establecido en este rodaje son algo que me encantaría conservar toda mi vida. Los quiero a todos, ¡los amo!"
"Cuando veas la película, apreciarás las conexiones entre los personajes, porque el propio reparto son una familia", dice Lin.
"Milagrosamente hemos encontrado un grupo de actores que representan perfectamente a estos personajes", dice Abrams. "Hay una conexión familiar, auténtica que se aprecia con claridad, muy similar al espíritu del Star Trek original de Gene Roddenberry. Todos formamos familias compuestas por las personas con las que tenemos lazos de sangre, con las que trabajamos o con las que decidimos pasar nuestro tiempo. Star Trek es una especie de deseo hecho realidad, que permite que estés en un lugar en el que tu trabajo es importante, y tu valentía, lealtad e intelecto también lo son. Star Trek tiene algo poderoso y optimista, dulce y excitante, asombroso y sorprendente, y, en ocasiones, conmovedor. Es un futuro que es muy brillante, y aunque me parece que el 50º aniversario es un hito importantísimo, creo que habrá muchos más".
El ciudadano ilustre
2016
Duración 118 min.
País Argentina
Director Mariano Cohn, Gastón Duprat
Reparto: Oscar Martínez, Dady Brieva, Andrea Frigerio, Belén Chavanne, Manuel Vicente,Nora Navas, Marcelo D'Andrea, Iván Steinhardt
Daniel Mantovani es un escritor argentino que vive en Europa desde hace más de tres décadas, consagrado mundialmente por haber obtenido el premio Nobel de literatura. Sus novelas se caracterizan por retratar con maestría y despiadada crudeza la vida en Salas, el pequeño pueblo de Argentina en el que nació y al que no ha regresado desde que era un joven con aspiraciones de escritor. Entre la profusa correspondencia que recibe diariamente, le llega una carta de la municipalidad de Salas en la que lo invitan a recibir el máximo reconocimiento del pueblo: la distinción de Ciudadano ilustre. Sorprendentemente, y a pesar de sus importantes obligaciones y compromisos, Daniel decide aceptar la propuesta y regresar a Salas, su pueblo natal.
Coproducción hispano-argentina dirigida por Mariano Cohn y Gastón Duprat, los realizadores de 'El hombre de al lado'.
El gran protagonista es Oscar Martínez, visto en una de las historias de 'Relatos Salvajes'. Le acompañarán en el reparto: Andrea Frigerio, Dady Brieva, Belén Chavanne y la catalana Nora Navas.
Y por lo que se refiere al equipo técnico, EL CIUDADANO ILUSTRE cuenta con un guión de Andrés Duprat ("El hombre de al lado"), Mariano Cohn ("El hombre de al lado") es el director de fotografía y la banda sonora irá a cargo de Federico Jusid ("El secreto de sus ojos", "La vida inesperada").
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