Navidad con los Cooper
2015
Duración 107 min.
País Estados Unidos
Reparto: Alan Arkin, John Goodman, Ed Helms, Diane Keaton, Jake Lacy, Anthony Mackie,Amanda Seyfried, June Squibb, Marisa Tomei, Olivia Wilde, Jon Tenney
Sam Cooper (JOHN GOODMAN) ha aceptado reticentemente la petición de Charlotte, su mujer desde hace 40 años, de no revelar a la familia la noticia de su separación en Noche Buena.
Su hija Eleanor (OLIVIA WILDE), una dramaturga en paro, traicionada por su novio, se entretiene en el aeropuerto para evitar la inevitable decepción de su familia por estar sin pareja. Cuando se encuentra con la solución perfecta: el soldado Joe (JAKE LACY), cuyo último vuelo para reunirse con su familia, antes de salir hacia su destino de combate, ha sido cancelado por la nieve.
Hank (ED HELMS), el hijo de Charlotte y Sam está lidiando con las "alegrías" de ser un padre soltero de tres hijos: la precoz Madison (BLAKE BAUMGARTNER) de 5 años, el revoltoso Bo (MAXWELL SIMKINS) de 7 años y Charlie (TIMOTHÉE CHALAMET) de 16, que se está enfrentando torpemente a su primer amor. Complicándolo todo está la ex mujer de Hank, Angie (ALEX BORSTEIN). Y, ¿qué es lo que más desea Hank para Navidad? Un trabajo, antes de alguien se entere de que ha perdido el suyo.
La hermana de Charlotte, Emma (MARISA TOMEI), cuya amarga rivalidad fraternal le empuja a un pequeño robo en un breve viaje al centro comercial, algo que sólo el oficial Williams (ANTHONY MACKIE), que también sufre su propia angustia festiva, puede solucionar.
Después está el padre de Charlotte y Emma, Bucky (ALAN ARKIN), quien inesperadamente se siente más cercano a la inocente camarera Ruby (AMANDA SEYFRIED) que a sus hijas.
Y la afable tía de Sam, Fishy (JUNE SQUIBB), que, por su edad y su pérdida de memoria, es la única Cooper que realmente vive en el presente y consigue sacar una sonrisa a todos los miembros de la familia, incluso al de cuatro patas.
No nos olvidemos del amado perro Rags. Ha estado en todas las reuniones festivas, incluyendo la que parece que va a ser la más memorable de las Navidades.
Una comedia festiva multi-generacional de los productores de La joya de familia, protagonizada por el ganador de Premio de la Academia Alan Arkin (Argo), el ganador del Globo de Oro John Goodman (A propósito de Llewyn Davis), Ed Helms (Resacón en Las Vegas), la ganadora del Premio de la Academia Diane Keaton (Cuando menos te lo esperas), la nominada al Premio de la Academia June Squibb (Nebraska), la ganadora del Premio de la Academia Marisa Tomei (Crazy, Stupid, Love), Olicia Wilde (Rush), Alex Borstein (Padre de familia) y Jake Lacy (Obvious Child).
Dirigida por Jessie Nelson (Yo soy Sam), con un guión original de Steven Rogers (Quédate a mi lado), Navidades, ¿bien o en familia? está producida por Michael London (La joya de la familia), Jessie Nelson y Janice Williams (Trumbo). Los productores ejecutivos son Kim Roth, Anna Culp, Ted Gidlow, Steven Rogers y Diane Keaton. El director de fotografía es Elliot Davis (Yo soy Sam). El diseñador de producción es Beth Rubino. La editora es Nancy Richardson ACE.La diseñadora de vestuario es Hope Hanafin. La música es de Nick Urata. El casting es de Mary Vernieu CSA y Venus Kanani CSA.
La Noche Buena, cuando se reúnen los Cooper todo se desmorona. "Los Cooper quieren pasar la noche sin que nadie de la familia se entere de lo que realmente pasa (en sus vidas individuales), y con suerte se crean las versiones ideales de ellos mismos que todos presentan", dice la directora Jessie Nelson. "Lo que consiguen es mucho mejor: la verdad, conexión real e intimidad".
Nelson añade: "son todos esos fantasmas de Navidades pasadas que nos visitan a través de nuestra memoria. Traemos tantos recuerdos a las fiestas. O nos estamos preocupando por el pasado o proyectando nuestros miedos sobre el futuro. Con mucha frecuencia no vivimos el presente. ¡Creo que el mundo verá la locura de su propia familia reflejada en esta película!"
Nada da pie a la comedia y la tensión mejor que una historia contada en un tiempo limitado."Esta película es complicada y caótica", dice Nelson. "Todo gira alrededor de un día que cambia todo, Noche Buena. Cada miembro de la familia Cooper está en un momento crítico de su vida ese día – todo me pareció tan real, sin edulcorar. Todos están intentando presentar una versión de si mismos que no tiene nada que ver con lo que les sucede realmente".
El productor Michael London (La joya de la familia) dice que Nelson se enamoró de los Cooper desde el momento en que leyó el guión original de Steven Rogers. "Se convirtieron en su familia para ella y les dio vida como si estuviera emparentada con todos ellos. Ella quería que el humor siempre surgiera del personaje. Hay un montón de momentos desternillantes, pero siempre surge por emociones reales entre los personajes. Era especialmente importante para Jessie que cada uno tuviera una vida interna que pudiéramos sentir en pantalla. Y hay un elemento constante que tiene que ver con la memoria, tanto con los recuerdos de infancia como los de distintas Navidades. Trabajando con el director de fotografía Elliot Davis, Jessie entretejió flashbacks en la historia para que viéramos qué ocurre en el presente y el peso que el pasado ejerce en cada personaje. Está hecho de una manera preciosa y es un elemento distintivo de la película".
London dice que le atraen proyectos como Navidades ¿bien o en familia? y La joya de la familia por que "me encantan las historias sobre familias – las alegrías de estar en una familia, especialmente cuando todos luchamos para que nuestras familias encajen con como creemos que deben ser las familias. El momento más maravilloso del año… cuando la presión para tener una familia perfecta es más grande que nunca. Cuando las cosas salen mal, e inevitablemente salen mal bajo tanta presión, eso da pie a mucho humor. Pero también aporta mucha emoción genuina si la gente es capaz de superar los problemas del pasados y encontrar una manera de conectar".
Gran parte de la película va sobre el "tiempo", dice el guionista Steven Rogers. "La gente pasa mucho tiempo pensando en el pasado o disgustándose por el pasado, ya sea por algo que hizo otra persona o algo que hicieron ellos mismos, o preocupándose por el futuro y se pierden el presente. Es muy generacional. Cuando eres más joven, te esfuerzas tanto en intentar que se te reconozca. Cuando te haces mayor, te das cuenta de que lo importante es estar en el momento".
Por ejemplo: a Roger le encanta el amor no correspondido que el personaje del viejo viudo Bucky (ALAN ARKIN) siente por la joven camarera Ruby (AMANDA SEYFRIED), también por cuestiones de tiempo y memoria. Bucky echa de menos a su mujer y Ruby le recuerda a ella en muchos sentidos, pero también quiere a Ruby por ella misma.
Es el personaje de Arkin, Bucky, quien irónicamente resume lo absurdo de nuestra naturaleza durante las fiestas:
Es un momento de bienestar y alegría y todo el mundo entra en pánico…
…. Como si pudieras programar la felicidad.
A Arkin le encantó el guión porque le pareció "tan literario, los personajes eran tan ricos". De Nelson dice que ha hecho una amiga para siempre y que todos pensaban en ella como la madre de este proyecto familiar.
Arkin describe a Bucky como un antiguo profesor que amaba su trabajo, sus estudiantes y la enseñanza. Está loco por Ruby (AMANDA SEYFRIED) y disfruta siendo su mentor. Según Arkin, a Bucky "le gusta considerarse un páter familias. Creo que, de una manera sutil, Ruby le recuerda a su mujer, que ya no está. Es una hermosa molestia hasta que se entera de que le va a dejar y eso le trastoca".
Amanda Seyfried dice que su personaje ha tenido una vida dura. Se hace amiga de Bucky que va dos veces al día al restaurante donde trabaja como camarera. "Realmente conectan, son dos almas que están un poco perdidas", dice, añadiendo que ella y Arkin se convirtieron en buenos amigos en la vida real. Estos dos personajes son personas, como dice ella,"intentando encontrar una parte de ellas mimas que sienten que les falta".
Bucky es el padre del personaje de Diane Keaton, Charlotte Cooper, y de su hermana Emma (interpretada por Marisa Tomei).
London dice que Keaton se unió al proyecto "desde el principio, como actriz y como productora ejecutiva. Diane es el eje de la familia Cooper y el eje de nuestro reparto", comenta. "Cuando tienes una actriz del calibre de Diane en la película es mucho más fácil conseguir un gran reparto. John Goodman fue la siguiente pieza clave. Trae una naturalidad y humor al papel de Sam que complementa a Diane. También tiene una cualidad paternal maravillosa. ¿Quién no querría que John Goodman fuera su padre? Y con Alan Arkin, Marisa Tomei, Olivia Wilde y Ed Helms tenemos unos actores que son expertos en comedia pero también creando personas reales en pantalla. Los personajes de Amanda Seyfried y Anthony Mackie son los extraños que se ven inmersos en las aventuras del clan de los Cooper durante la Noche Buena. Ambos aportaron mucha emoción a sus interpretaciones. Y Jake Lacy casi roba la película como el falso novio que el personaje de Olivia Wilde trae a rastras para que conozca a la familia".
¿Qué fue lo que atrajo a Keaton al proyecto?
"Me pareció una historia encantadora", dice. "Soy una persona muy familiar y me encanta como la imperfección de esta familia refleja como son las familias de hoy. Incluida la mía. Además el trabajar con Jessie Nelson otra vez es un plus". (Nelson ya había producido una película protagonizada por Keaton).
Desde luego que para Keaton fue el atractivo de cómo las fiestas sacan la alegría y el caos de la mayoría de las familias: "Es un tiempo de recogimiento", añade Keaton. "Creciendo, mis padres nos llevaban de viaje en la carretera. Nos encantaba juntarnos en la cocina y mi madre cantaba canciones y hacíamos los coros. No éramos nada sofisticados y honestamente tampoco lo son los Cooper".
Y tener a John Goodman interpretando a su marido de hace 40 años fue otra alegría. "Había visto A propósito de Llewyn Davis y ¡ME FLIPÓ! Es engañosamente brillante. Es un actor consumado. Lo da todo, un actor tan versátil y maravilloso. ¡Fue un privilegio trabajar con él!"
En cuanto a Goodman, él dice de Keaton: "Diane es maravillosa, graciosa, generosa – una gran actriz. Lo pasamos maravillosamente".
Del resto del reparto comenta: "Todo el mundo es maravilloso, toda la familia. Ed, que hace de mi hijo, es genial, gracioso y generoso. Olivia Wilde que hace de mi hija, también es graciosa, absolutamente genial. Alex Borstein interpreta a mi nuera… es tronchante… me mata. Es un gran reparto".
Sobre su personaje, Ed Helms dice que este padre de tres niños está sin trabajo y pasando una mala racha. Está intentando adaptarse a estar divorciado de su mujer Angie (ALEX BORSTEIN). "Hank es muy apasionado cuando se trata de hacer lo correcto, quiere ser fuerte y estar ahí para su familia y sus hijos", explica Helms. "Se convirtió en padre de adolescente. Tuvieron a su primer hijo cuando estaban en el instituto". O como lo dice Hank:
Me convertí en padre el mismo día que suspendí biología…
Helms describe a Hank como alguien que es un poco desastre, que intenta enderezar su camino y añade: "quise ser parte de esta película porque el guión era desternillante y también un poco dramático".
A Olivia Wilde, que interpreta a la hermana de Hank, Eleanor, también le encantó el guión."Me llamó mucho la atención lo emocional que me hizo sentir el guión. Me reí, claro, pero al final acabé al borde de las lágrimas", dice. "Eleanor es la típica hija caprichosa, desordenada y emocional que no se ha casado y que no ha alcanzado el éxito. Eleanor tiene una especie de bloqueo. La dejó su prometido y se siente poco valorada".
Wild añade: "Y la idea de hacer de hija de John y Diane era demasiado irresistible. Además, conocí a Jessie y tuvimos una conversación tan maravillosa, (al final) realmente fue Jessie quien hizo que quisiera hacer la película".
Eleanor conoce a Joe (JAKE LACY) en el aeropuerto y le invita a casa de sus padres para que finja ser su novio esa noche:
Sé que no me conoces, y ni siquiera estás seguro de que te guste, pero sé mi novio…¡sólo esta noche!
"Me gusta Joe porque tiene ese pasado accidentado, algo que está intentando superar, haciendo lo que puede para ser el hombre íntegro que quiere ser y que no siempre ha sido", dice Lacy. "Joe y Eleanor conectan, y parte de eso es discutiendo. Son tal para cual aunque tienen visiones distintas de las cosas. Hay mucha alegría en los juegos de palabras, ¡es una gran oportunidad para sonar como un idiota amanerado total!"
Hay una relación que cuenta con un toma y daca menos lúdico, la de las hermanas Emma y Charlotte. Marisa Tomei, que interpreta a Emma, dice que ve a su personaje como alguien que trae mucha carga emocional a la mesa de Navidad: "Está picada, amargada, excluida, mohína, peleona, se siente sola y lo tiene especialmente presente en esta época del año", dice Tomei. "Y está celosa de la situación familiar de su hermana. Se ha propuesto no dejar pasar ni una".
Mientras Emma y Charlotte discuten acerca de casi todo, la visión de Emma sobre su relación queda clara en una frase:
Es como si fuéramos alérgicas la una a la otra…
"Sabes que cada familia tiene su Fredo de El padrino", comenta Nelson. "Piensas ‘¿Qué va a hacer mi hermana esta vez?’ Marisa representó eso y lo hizo brillantemente".
También sobre la historia de Marisa, Nelson dice: "Creo que durante las fiestas a veces te encuentras a estos extraños, que con un gesto o una palabra, cambian tu vida de algún modo". Un encuentro de este tipo surge cuando Emma intenta robar un broche para regalárselo a Charlotte por Navidad, y le pilla y arresta el oficial Williams (ANTHONY MACKIE).
"Soy como el ángel de las Navidades del presente", dice Mackie del oficial Williams. "Entro en la vida de una persona particular de esta familia y le alegro con un poco de información y dejo que siga su camino".
Nelson comenta que es recíproco, Emma y el oficial Williams se influyen profundamente. "Este encuentro la cambia, y le cambia a él también".
Alex Borstein interpreta a Angie, la ex mujer de Hank. Sus personajes se casaron muy jóvenes, aún estando en el instituto, y casi no se conocían cuando se quedó embarazada. Ahora, "es casi como si fueran hermanos. Han crecido juntos", dice Borstein de su relación."Han tenido experiencias y se han convertido en adultos al mismo tiempo. Estas dos personas están tan unidas, creo que es muy dulce cómo lo retrata la película. Con cualquier ruptura nunca os dejáis realmente si tenéis hijos, pero especialmente en el caso de Hank y Angie".
Por último, está la tía Fishy (JUNE SQUIBB), la tía de Sam que va completamente a su rollo y nunca deja de añadir una chispa de risas, e incluso algún que otro paso de baile, a la reunión festiva. "Está llena de alegría", comenta Squibb. "Le encanta la música. Si oye música empieza a bailar".
Hay un miembro adicional al reparto: Steve Martin, el narrador de la película.
Martin dice que se sumó al proyecto por la directora, Jessie Nelson, y por la historia del narrador (que no se revelará aquí). Lo que sí podemos contar es lo que Martin espera que el público se lleve de la película: "Creo que el público puede llevarse un sentimiento de tolerancia por los miembros de su familia y darse cuenta de que los recién llegados a la familia también crean una vida más rica para cada individuo de esa familia".
A la hora de desarrollar el guión, lo más importante para Nelson era que, a pesar de que hay mucha tensión en las relaciones familiares, pudieras comprender a todos los miembros de la familia: "Nadie está equivocado", dice Nelson. "Eleanor tiene razón, su madre se preocupa demasiado por ella. Y Charlotte tiene razón, su hija está pasando por algo que preocuparía a cualquier madre. Sam tiene razón, su matrimonio se ha vuelto rutinario y necesitan darle vida y enfocar más el uno en el otro. Y Charlotte tiene razón, los hijos lo están pasando mal y puede que realmente necesiten ayuda ahora". Es una verdadera exploración de familias tolerando las diferencias de todos.
Keaton está de acuerdo. "Tolerancia. Muchas risas y alegría…y" añade "que no puedes regalar a tu familia".
Decir que preparar la cena de Noche Buena en casa de los Cooper fue una tarea hercúlea es quedarse corto.
Simplemente pregunta a los cineastas y Melissa McSorley, la estilista de comida de la película, que ya demostró ser una experta con la deliciosa cocina del éxito Chef, su trabajo resultó tan seductor que la directora Jessie Nelson sabía que tenía que contar con ella.
"Trabajamos muy duro con Melissa para que en la película diera la sensación de que esta comida no era como algo que pudieras pedir en un restaurante, sino algo que alguien ha hecho con mucho esfuerzo para la cena de Navidad, comida preciosa y recetas que han sido pasadas a través de las generaciones de la familia, y que se sirven en bandejas que han estado ahí desde hace años y años", explica Nelson. "Pobre Melissa. Teníamos que hacer toma tras toma. Ella tenía que sacar otra cena de Navidad y otra bandeja llena de comida. Cuando echaba un vistazo me daba cuenta ‘¡Oh, Dios mío! ¡Se han comido todo el relleno!’ Para la toma 12 de la cena de Navidad, miraba a los actores y pensaba ‘¿Dónde está la energía en esta escena?’ ¡Estaban empachados! A la gente le encantó especialmente el relleno".
McSorley, añade Nelson, fue capaz de "capturar la belleza de la fiesta en el hogar. Hizo un trabajo extraordinario con eso, especialmente la preciosa mesa navideña (de Charlotte Cooper)".
Williams describe el festín como "una de las escenas más grandes de nuestra película. Pasamos cuatro días rodando esa escena y en ese momento me di cuenta del trabajo tan fantástico que había hecho Melissa, los actores seguían comiendo la cena navideña cuando no estábamos rodando. Les decíamos, ‘¡NO! ¡Esperad hasta que estemos rodando para comerlo!’ Amanda (Seyfried) respondía ‘es que está delicioso… ¡Voy a comer todo el rato!’ Así que todo el mundo estuvo comiendo cena de Navidad durante cuatro días, rodásemos o no. Es un trabajo hercúleo mantener la comida durante 12 horas al día para que siga caliente, rica, apetitosa, que haga que el público salive cuando la vean. Hubo que cocinar constantemente. Y Melissa lo cocinó todo en esta oficina pequeña y modesta sin aparatos de cocina de verdad. Lo consiguió y no la vimos estresada, disgustada o enfadada en ningún momento. Simplemente estaba feliz".
Según McSorley, Nelson dijo que la comida tenía que ser "al estilo de Martha Stewart" con un aspecto hogareño y reconocible para el público. Como ese plato especial de verduras de Navidades, pero que no es como el que haría tu abuela". Los platos iban desde el relleno, hasta el pavo y el jamón, pasando por el puré de patatas, zanahorias, coles de Bruselas, judías verdes, una suculenta cesta de pan y salsa de manzana. "Era para que el espectador se diera cuenta de que la relación del personaje de Diane con la comida era un rasgo de su personalidad y que el hacer esta maravillosa comida era su manera de cuidar y unir a su familia".
Preparando la comida, dice que tuvo que tener en cuenta las alergias, los gustos y manías, y lo que podía comer el perro que interpreta a Rags.
"Todo lo que se puso sobre la mesa se comió", comenta, "algunas cosas más que otras".
McSorley dice que tuvo "un cocinero o dos con ella todo el día en la cocina, que estaba justo al lado del escenario para que todo se mantuviera fresco".
En cuanto a los que más disfrutaron de su cocina, dice "se trata más de quién comió el que más de qué. Timothy, que interpreta a Charlie, se comió casi todo el jamón. June Squibb parece que se decantó por la salsa de arándanos y sorprendentemente, Amana Serfried tiene un gran apetito para esa figura tan esbelta que tiene, ¡probablemente comió más relleno que nadie!" Los Chefs sí lo cuentan todo.
Un gran favorito fue el puré de patatas. Y, ¿el actor al que más le gustó ese plato? Bolt (RAGS). Su entrenador dice que no tuvo ningún problema en zamparse el puré de patatas… en múltiples tomas.
"Tuvimos que tener cuidado", recuerda McSorley de la entrada de Bolt (RAGS) al set. "Rags estuvo mucho por ahí cuando la cena estaba sobre la mesa, así que teníamos que tener mucho cuidado de no dejar platos muy cerca del borde de la mesa. Desafortunadamente, se llevó más porciones de lo que creo que querían que tomase. El perro llegaba a la mesa antes de que nadie pudiera pararle. Consiguió comer algo de pavo y el puré de patatas". En cuanto a los dulces, las galletas de Navidad se hicieron con galletas de perro para que Rags pudiera comerlas sin problema.
Para Charlotte (KEATON), el personaje que siente más apego y concede más importancia a la comida como el centro de la reunión familiar, la comida era más que un reflejo de su personalidad. Digamos que parte de la comida salió volando en la escena de la cena.
"¿Una pelea de comida? ¡Yo quiero! No me importó que se me pegara el puré de patatas en el pelo", dice Keaton. "¡Fue muy divertido! Y ver a Rags comer la ensalada fue graciosísimo".
¡La comedia es lo más!
"Me gustaría decir que los Cooper son los Von Trapp de esta Navidad. Son los Von Coopers", dice la directora Jessie Nelson.
Puede que no desciendan de la Familia Cantante Von Trapp (LA NOVICIA REBELDE), pero qué sorpresa se llevó Nelson cuando se dio cuenta del rango de talento musical de esta familia. Sobrepasó cualquier expectativa.
Alan Arkin (BUCKY), que ha sido músico folk, podía tocar cualquier cosa en el ukelele. Ed Helms (HANK) le dio tres opciones a Nelson: piano, guitarra o banjo. John Goodman (SAM) es un gran músico y cantante, y desde hace mucho tiempo domina la harmónica. Diane Keaton (CHARLOTTE) ya ha cantado en films anteriores y agradeció la oportunidad de cantar sus canciones navideñas favoritas. June Squibb (LA TÍA FISHSY) también tiene un gran talento para cantar, y se ponía a armonizar con Keaton. Y Alex Borstein (ANGIE) aprovechó la oportunidad para compartir sus nuevas habilidades con el chelo junto al resto.
Nelson vio como se materializaban todos estos talentos cuando le pidió a su amigo de toda la vida T Bone Burnett, músico y productor veterano (A propósito de Llewyn Davis), ganador del Grammy, que le ayudara con la música de la película.
"(T Bone y yo) llevábamos tiempo queriendo hacer algo con música navideña. A él le encanta la música de Navidad tanto como a mí. Las melodías son tan bonitas", añade Nelson. Cuando le dijo que habría una escena en la que la familia iba a cantar villancicos y quienes eran los actores, "de hecho conocía el trabajo de Alan Arkin de cuando era un cantante folk en Nueva York, muy al principio de su carrera. Y sabía que Diane tenía una voz preciosa (su debut como cantante fue en Días de Radio de 1987 dirigida por Woody Allen) y había trabajado con Ed Helms".
Trabajando como archivista musical, Burnett fue a casa de Nelson y juntos trabajaron con los actores, guiándoles con las canciones de Navidad que les gustaban para la película. Según avanzaba la noche, los actores se fueron soltando. Arkin incluso sugirió una canción que conocía bien, "Born in Bethlehem", que se convirtió en un tema central en la escena de villancicos. Fue un día maravilloso para que los miembros del reparto se sintieran cómodos juntos y convertirse en una familia.
Después de la producción, Burnett envió a Nelson casi 100 canciones mientras editaba la película para probarlas con distintas escenas de la película.
Incluso mejor, "su amigo Charles Duncan escribió una nueva canción de Navidad para la película llamada ‘The Light of Christmas Day’ que es la canción que se oye durante los créditos del final. No es el típico villancico alegre y jovial, es una canción tierna y apropiada para esta historia. Es mi nueva canción de Navidad favorita, es una manera preciosa de acabar la película". Alison Krauss y Robert Plant grabaron la canción para la película. La última vez que los artistas colaboraron con Burnett, que fue quien les propuso que grabaran el tema, fue en el disco ganador del Grammy en 2007 "Raising Sand", producido por Burnett.
"La música es una parte muy importante de las fiestas y es fundamental para las emociones y el ambiente de esta historia", comenta el productor Michael London. "Jessie quería hacer una película llena de alegría navideña, pero quería captar el espíritu de las fiestas de una manera que la gente normalmente no ve, a veces es una celebración y a veces es agridulce o melancólica. La música que eligió hace eso y es una base emocional maravillosa para toda la película. Trabajó con T Bone Burnett ,que ayudó a dar vida a la música".
Nelson es conocida por su gusto excepcional a la hora de elegir la música para sus películas. Yo soy Sam, su film de 2001, que escribió, dirigió y produjo, recibió una nominación al Grammy como mejor álbum de banda sonora para película, televisión u otro medio visual. Esta banda sonora era una compilación de versiones de los Beatles, por parte de un elenco impresionante de artistas, entre los que se incluyen Eddie Vedder, Sheryl Cow, The Black Crows y Ben Harper, entre muchos otros.
Para Arkin, la posibilidad de tocar el ukelele en la película fue emocionante. "Sabes, durante 50 años fue un guitarrista mediocre. Nunca conseguí tocar lo que escuchaba y acabé pensando ‘¿por qué he de seguir frustrándome?’ Así que dejé la guitarra y cogí el ukelele y soy increíblemente feliz", comenta Arkin. "Debería añadir que tocar el ukelele mediocremente es igual que tocarlo bien".
Lo que le gustó a Arkin de que la familia cantara en la película "es que es como en la vida", dice. "Es la armonía… y toma y daca. Nos lo pasamos tan bien con esas canciones. Hicimos una especie de versión jazz de ‘We Three Kings’, y otra cosa con cierto ritmo latino. Puede que sea 10 segundos en la película pero fue divertido. Creo que (la música) merece la pena".
Helms cuenta: "Yo quería ser parte de esta película porque el guión es graciosísimo y también un poco dramático. Y después… este reparto… un montón de mis héroes. Me toca sentarme a la mesa con Diane Keaton y John Goodman y June Squibb y Alan Arkin. ¡Aún mejor! Toqué junto a Alan Arkin. Es una locura, ¡una locura total! Ni siquiera puedo creer que lo esté diciendo ahora".
"Me encantan todos los villancicos", continua Helms. "Pero ‘Silent Night’ es una de las piezas musicales más hermosas jamás escritas, punto. Cantamos un par de villancicos convencionales y un par de villancicos más raros, que es guay porque hace que sea específico de esta familia. Hay canciones que surgieron de ensayos. Alan estaba como ‘¡Hey! ¿Conocéis esta canción ‘Children of Israel’? No.’ Entonces empezaba a tocarla y en cuestión de unos minutos nos uníamos todos. Es una especie de canción antigua, muy divertida, que va a ser genial en la película".
Tocar con Helms, Arkin, Keaton, Squibb y Borstein fue divertidísimo para Goodman: "Ed y Alan son músicos con mucho talento. Así que fue un puntazo".
Armonizar fue muy divertido para el reparto, sin embargo fue todo un reto para la editora Nancy Richardson. "Siempre que tengas voces reales cantando en vivo en cámara va a ser muy difícil. Cuando es en vivo, cada toma y cada ángulo tiene voces diferentes y mantiene relaciones diferentes con la cámara. En algunas oyes un instrumento más alto, o la voz de una persona estará más alta en unas tomas que en otras, así que no puedes juntar las tomas tan fácilmente. Es mucho más complicado".
En cuanto a la selección de canciones, "T Bone Burnett mandó un montón y estoy sorprendida, por ejemplo, con todas las versiones que hay de ‘Little Drummer Boy’, algunas son deprimentes, otras triunfalistas, algunas son graciosas y algunas siniestras. Es fascinante el que puedas encontrar una canción de Navidad con 10 contextos emocionales diferentes. Así que estamos usando muchas de las versiones de villancicos que juegan con los distintos niveles emocionales a lo largo de la película".
Transmitir emoción "ha sido una parte muy complicada a la hora de hacer esta película porque tiene que navegar distintos matices", añade. "La música ha sido muy importante en ese sentido. ¿Cómo empezamos con la música en esta escena donde nos reímos y literalmente tres segundos después todo es muy triste?"
Por ejemplo, el conmovedor dueto de Charlotte y Sam cantando "Have Yourself a Merry Little Christmas". Irónicamente, tanto para Keaton como para Goodman la oportunidad de hacer ese dueto supuso que pudieran cantar su villancico favorito. Sí, dice Keaton, ese es mi favorito: "Me encanta ‘Have Yourself a Merry Little Christmas’… Y después, ¡poder cantar en la película!"
Para Nelson, la canción capturaba la evolución de los personajes:
"Cuando Sam y Charlotte cantan esa canción…no pueden acabarla. Se te parte el corazón". Precioso. Conmovedor. Tierno. Auténtico.
Perfectamente imperfectos…
… Sólo son humanos.
Al igual que los otros miembros del reparto estelar, Nelson dice que Bolt (el actor animal)"estuvo a la altura de las circunstancias" con su interpretación como el perro de la familia, Rags.
"Es el Marlon Brando de los perros", dice. "Un actor extraordinario, realmente se integró con el reparto. Todos estaban enamorados de Rags. Y la relación que tiene con la tía Fishy era bastante especial. A ambos les encanta comer".
"Me gustan los perros", comenta Nelson. "Lo que tienen los perros es que aceptan nuestra humanidad. Cada personaje está escondiendo algo de los demás. Pero Rags puede ver sus defectos y flaquezas y no les juzga".
Nelson dice que buscó entre muchos perros para el papel de Rags, "pero supe el minuto que vi el video de Bolt que era él. Tiene un ritmo excepcional y su entrenador es extraordinario".
Bolt se puede cubrir la cabeza, puede levantar la cabeza, y tiene un apetito increíble."Durante la escena de los villancicos se comió un plato prácticamente de un bocado", recuerda.
Es medio san Bernardo (por parte de madre) y medio pastor australiano (por parte de padre). Los pastores australianos son muy hacendosos, así que trabajar en esta película fue genial para él.
Según su entrenador, Gary Mui, Bolt nació en un parque animal en Osaka, Japón. Aunque los oficiales del parque decían que su madre era demasiado mayor para procrear y, por lo tanto, para separarla de los machos cuando tenía celo, pronto se dieron cuenta de lo determinados que pueden ser los pastores australianos. Una mañana se encontraron al padre de Bolt con la madre, que unos meses más tuvo una camada de nueve cachorros. "Bolt fue el primero y el más grande", dice Mui. Le ficharon para NAVIDAD CON LOS COOPER por su aspecto y su expresividad.
Bolt fue nombrado así en honor del atleta olímpico Usain Bolt. Nació el verano de 2008 durante los Juegos Olímpicos. "De cachorro siempre estaba corriendo de un lado a otro", dice Mui. Bolt y su entrenador actualmente trabajan para Birds & Animals Unlimited.
Estaba trabajando en otra película cuando Nelson, que le había visto en el anuncio de Volkswagen de la Superbowl de 2012 y en el "making of" del anuncio, pidió que viniera a hacer una prueba. Además de numerosos anuncios, Bolt ha aparecido en las películas Beverly Hills Chihuahua 3, Super Buddies, Star Treck: En la oscuridad, el piloto para TNT de Scent of the Missing, Noche en el museo: el secreto del faraón (como tiger) y The Gift (la película que estaba protagonizando cuando se interesó por él Nelson). También protagonizará The Choice (2016).
Como es mitad pastor australiano, necesita mantenerse activo mental y físicamente, sino se vuelve destructivo. "Si pasa demasiado tiempo sin un papel, puede destrozar mi jardín", comenta Mui. "Recuerdo una mañana en particular cuando apenas tenía tres años, le dejé salir por la mañana y en lo que tardé en darme una ducha, había excavado un agujero de un metro cuadrado. Lo que le ayudó en su trabajo en NAVIDAD CON LOS COOPER fue que venía directamente de otro rodaje, porque hace que Bolt siga en la ‘honda’ del trabajo. A veces cuando empezamos una papel nuevo después de un descanso, Bolt está muy nervioso durante la primera semana o así".
Todo el reparto y el equipo fueron muy considerados y cariñosos con Bolt. "Diane Keaton y Amanda Seyfried se esforzaron y le mimaron siempre que estaban en el set juntos. Pero si hay una favorita, tendría que ser June Squibb. Tenían mucha química juntos. Definitivamente ayudó que en cada escena que salen juntos June tiene que darle de comer o darle mimos", dice Mui. "Una cosa con la que nos esforzamos mucho con Bolt es que la dirección de su mirada no distraiga. Durante la escena en la que la familia canta villancicos (nuestro primer día en el set) Bolt no dejaba de mirar a la derecha, aunque yo estuviera a su izquierda. Cuando me metí en el set para ver qué pasaba, parece que estaba mirando fijamente a Alan Arkin".
"Supongo que tiene una conexión intensa con Alan Arkin", recuerda que dijo Mui. "A lo cual John Goodman respondió ‘Totalmente comprensible. Todos a todos nos pasa.’"
En cuanto a la directora, Mui dice que Nelson trató a Bolt como a cualquier otro miembro del reparto. Realmente se le dedicó tiempo y planeó sus escenas. Fue muy colaborativa conmigo y discutimos distintas posibilidades para conseguir lo que quería en pantalla. El resultado fue una actuación muy matizada, gracias al tiempo y la atención que Jessie dedicó a esas escenas. Al mismo tiempo, siempre se preocupó de su bienestar dentro y fuera del set".
Uno de los rasgos de personalidad particulares de Bolt es que le encanta robar comida, comenta Mui. "Montamos la escena de manera que él piensa que se está saliendo con la suya. En un momento dado, todos los perros con experiencia en cine (especialmente uno entrenado por mí) aprenden que realmente no hay consecuencias serias cuando te portas mal en el set. Puede que diga ‘no’ con una voz firme pero, aparte de eso, no ocurre nada. Aprenden la diferencia entre el ‘no’ que significa que han hecho algo mal en el set y el ‘no’ que significa que han hecho algo inaceptable socialmente. Es un perro muy bueno y el 99,9% del tiempo quiere hacer lo que le pido, pero a veces le gusta sentir que él es quien manda, especialmente si hay comida por medio. En esa situación, usamos esa tendencia para que sirva a nuestros fines. Él hubiera hecho el doble de tomas (con la comida)".
La escena favorita con Bolt de su entrenador "es cuando corretea por el salón buscando comida. Era la tarde en el día y era una escena que Jessie había pensado rodar con una steadycam. No la habíamos ensayado y no había ningún sitio donde me pudiera poner para guiarle porque la cámara le seguía continuamente sin cortar. Así que tenía que entrar en el salón desde el pasillo, rodear la mesita de centro, echar un vistazo a un bol con snacks, coger un juguete con la boca, salir del salón y subirse de un salto a su cama con el juguete. Lo dividimos por partes y le mostramos lo que queríamos que hiciera, practicamos unos diez minutos y lo rodamos. Lo hizo varias veces. Ese día en particular me quedé muy impresionado".
Nelson: "Rodamos en Pittsburgh (en febrero) y es tan bonito cuando cae la nieve… con sus ríos…los puentes… es una ciudad preciosa. Queríamos aprovecharnos de ello, de ahí todos esos momentos de exteriores naturales en el guión en los que van en trineo o cogen un tren. Con lo que no conté fue con la tormenta de nieve, ¡a menos 23 grados! Un día el camión de la cámara se congeló, y otro día llegó tres horas tarde porque se había congelado su combustible".
"Nuestra pieza de atrezo clave era una bola de nieve de juguete. Se congeló y explotó. Así que fue genial salir a la calle pero suponía una serie de retos".
Charlotte Cooper (DIANE KEATON) colecciona bolas de nieve de juguete. Son más que una pasión, es una afición que mantiene desde hace años. De alguna manera, representan como ve el mundo. "Me gustaba la metáfora de la bola de nieve, la idea de que se trataba de recuerdos, de hacer memoria a través de la nieve", dice Nelson.
A Nelson también le gustó que la nieve limitaba a los personajes a quedarse en ambientes reducidos y como eso intensificaba sus relaciones.
"La incesante nieve hace que Joe (JAKE LACY) se tenga que quedar en el aeropuerto recluido. Cuando estás en un ambiente así, atrapado por la nieve, de alguna manera te puedes encontrar compartiendo muchas intimidades con extraños".
Es una dinámica que te limita en todas partes, no sólo en casa de los Cooper y en el aeropuerto. "Está Emma (MARISA TOMEI) y el oficial Williams (ANTHONY MACKIE) en el coche de policía moviéndose súper lento. El tráfico está colapsado por la nieve. Bucky (ALAN ARKIN) y Ruby (AMANDA SEYFRIED) en el restaurante, puedes ver como cae sin parar desde las ventanas. Sientes su presencia continuamente".
Irónicamente, la nieve puede recluir a la gente en ambientes limitados donde "a veces te sientes más cerca de un extraño y le cuentas más que a alguien con quien has crecido toda la vida", dice Nelson. "Es por lo fácil que resulta cuando no les vas a volver a ver o porque no vas a tener que enfrentarte a los juicios de un familiar".
El director de fotografía Elliot Davis clasifica la película como "una película del tiempo". Rodar con elementos climatológicos dramáticos "fue una gran oportunidad para transmitir una especie de vulnerabilidad", dice. "Pero también te sentías como una especie de bola de nieve, viendo cómo caía la nieve en este mundo contenido, ese sentimiento de estar atrapado en una historia que ha sido comprimida, la presión de sus vidas juntándose en un día".
"Así que cuando ves cómo el tiempo determina los acontecimientos sientes esa tensión", explica Davis. "Cogí de todas las películas que tenían relacionadas con el tiempo que ya había rodado, incluyendo Las fuerzas de la naturaleza y Un romance muy peligroso. En la composición de las escenas siempre tenía que ser consciente del tiempo. En las escenas cálidas se trataba siempre de transmitir la sensación de estar en un lugar seguro".
Nelson le dio varias fotos de la paleta de colores para las escenas de interior y de exteriores."Para los exteriores era una paleta poco saturada, de grises y blancos sobre todo, y en el paisaje destacaba el abrigo rojo de Santa Claus", dice. "Se trataba de establecer una estética que partiera de una premisa invernal, este ambiente pálido de sentirte fuera en el frío… pero también de estar bajo presión, en este día tan especial del año, cuando se siente la presión. Les obliga a lidiar consigo mismos en todas partes, ya sea en el coche, en el aeropuerto, el centro comercial, la cafetería o en casa".
Davis dice que rodó la escena de los villancicos al estilo de un documental con dos cámaras siguiendo a los actores en todo momento. Se rodó de manera amplia para que todos entraran en el encuadre.
Y después estaba la escena de la cena…
"Teníamos una orden del estudio de hacer que la comida realmente pareciera apetitosa, porque son las Navidades y la comida nos reúne a todos", añade. "Hubo MUCHA comida".
Davis, que ya había colaborado con Nelson en Yo soy Sam, tenía una buena relación de trabajo con la directora. "Confió mucho en la cámara y trabajaba muy estrechamente conmigo. Sabía exactamente lo que quería", dice.
Comenta que la producción se rodó rápidamente, en 45 días. En el pasado, habríamos tardado 60 días. Se rodó digitalmente en un formato anamórfico de 2.35.
Para los interiores, Nelson dice que su inspiración fue el pintor renacentista holandés Pieter Brueghel el Viejo. (Piensa en "Cazadores en la nieve", un paisaje congelado y duro pero que resulta cálido por los habitantes humanos.)
"Me encantó la paleta con la que trabajamos en los interiores, con ese azul de inverno y azul gris en las paredes, algo que repetimos y usamos en el vestuario de Diane", dice Nelson."Era importante que el vestuario mostrase que Diane y Marisa, a pesar de estar distanciadas como hermanas, inconscientemente visten igual. Son variaciones de un mismo tema. Cuando son pequeñas visten igual. Y luego de adultas lo hacen sin darse cuenta".
Tanto la diseñadora de producción, Beth Rubino, como la diseñadora de vestuario, Hope Hanafin, estuvieron de acuerdo en mantener ese color tanto en los interiores como en el vestuario.
Rubino, que ha recibido nominaciones al Premio de la Academia por sus diseños de los sets de American Gangster (2008) y Las normas de la casa de la sidra (2000) y es conocida por crear las inolvidables casas de ensueño en las películas de la directora Nancy Meyer, entre ellas la casa del personaje de Keaton en Cuando menos te lo esperas (2003), se aproximó de una manera más modesta al hogar de los Cooper.
La casa de los Cooper es un punto de encuentro atemporal para todos, un lugar donde se hacen y se recuperan los recuerdos. Cuando Rubino y Nelson se reunieron para hablar de la casa de los Cooper, y se pusieron de acuerdo. "Actual. Acogedora. Nostálgica. Accesible para todos", explica Rubino. "Lo que quieres lograr es que la película no parezca diseñada en exceso. No quieres que parezca forzada. Esa es la meta dorada para mí. Se basa en que resulte familiar y no delicada. Son momentos de recuerdos navideños acumulados".
Localizando, Rubino cuenta, "encontramos una casa con un exterior fabuloso… pero, ¿cómo retratarla como un personaje? ¿Cómo podemos hacer que realmente sea parte del proceso creativo?" En su búsqueda se dieron cuenta de que tenía que haber mucho vidrio alrededor. Ligaba con las referencias de la bola de nieve del guión. Reforzaba la idea de que nuestros mundos se ven agitados y en reposo al mismo tiempo. Eso se convirtió en el tema central de nuestra narrativa… una estética general… la idea de que realmente estamos viendo todo lo que ocurre a través de un cristal. Todos nuestros sets están basados en la idea de mirar a través de un cristal, de la misma manera que miras el interior de una bola de nieve".
En cuanto a la paleta de color, también "es uno de los rasgos de la historia", añade Rubino. Tenemos muchos temas y todos existen dentro de esta bola de nieve cohesionada que es este mundo, así que el esfuerzo de aunar todo ha sido un éxito maravilloso. Fue un reto, porque estábamos intentando crear una visión de la Navidad y hacer que fuera extravagante pero sin pasarnos… sólo un poquito exagerado".
La cocina era un set crítico, el corazón del hogar. Evidentemente, es ahí donde la comida se prepara y donde la casa de los Cooper se llena más de la esencia de las fiestas. "La comida es una parte tan importante de nuestra historia. Así que seleccionamos la textura de los platos y la mesa que queríamos, y la comida era el remate, la joya sobre la mesa", describe Rubino. Desde la porcelana, hasta la decoración de las paredes y los muebles, lo que nos guiaba era una paleta de color y una ambiente que nos diera una sensación constante de simplicidad, quietud y sofisticación. Pero la intensidad de la conexión a través del color no acababa en la casa.
"Realmente lo sientes con Emma y Charlotte porque su rivalidad es muy fuerte, pero por debajo resiste una conexión más profunda", añade Hanafin. "Es esa intensidad de identidad de hermanas".
"Una de las cosas que hicimos fue evitar clichés como que la familia vistiera rojo y verde. Nos mantuvimos bastante alejados de la típica ropa de Navidad. De nuevo los colores de las pinturas de Brueghel, nada brillante, de neón, ni blanco y negro. Son colores ricos, profundos. Pero alrededor de ellos hay trazos rojos y verdes".
Cuando Nelson mira atrás y piensa en el rodaje, hay un día en particular sobresale.
"Rodamos en un hospital, un hospital real. Ves a Bucky (ALAN ARKIN) pasar por la zona de neonatos y resulta que siete bebes han nacido en Noche Buena. No dejaba de decirles a las enfermeras ‘realmente espero que nazcan muchos bebés el día que rodemos para que pueda haber un montón de bebés en sus cunitas.’ Así que una enfermera me dijo ‘Asegúrate de rodar esa escena después de la luna llena y tendrás por lo menos siete bebés. Es entonces cuando nace todo el mundo.’ Y así fue, antes del día del rodaje sólo había un bebé, y después de la luna llena había siete".
"Lo interpreté como una buena señal".
La Cabaña del Diablo
2013
Duración 86 min.
País Estados Unidos
Reparto: Peter Facinelli, Sophia Myles, Nathalia Ramos, Carolina Guerra, Gustavo Angarita,Juan Pablo Gamboa, Tatiana Rentería
Cuando despierta la bestia
2014
Duración 84 min.
País Dinamarca
Reparto: Lars Mikkelsen, Sonja Richter, Jakob Oftebro, Gustav Dyekjær Giese, Stig Hoffmeyer, Mads Riisom, Sonia Suhl, Benjamin Boe Rasmussen, Tina Gylling Mortensen, Esben Dalgaard
Para nosotros es esa sensibilidad o el tono de voz; el interés en la persona y el entorno de los que emerge el demonio interior.
Los géneros cinematográficos son carreteras, expresan los caminos de la existencia humana a través del extraordinario paisaje de la realización de películas. Todos debemos encontrar nuestros propios caminos y tomar nuestros propios atajos; de esta forma, definimos quiénes somos, puesto que el Terror es algo más que lo sobrenatural, lo extraño o lo oculto y muestra su cara perturbadora en destellos nocturnos escasamente iluminados.
Para nosotros, el Terror es sinónimo de las emociones humanas convertidas en sensaciones físicas. Es otra forma de retratar lo que realmente nos interesa: ¡tú!
Yo. Nosotros.
Todas aquellas cosas que tenemos dificultades para afrontar y tratar, como el amor, la compasión, el temor, la ira; básicamente, la VIDA.
El Terror Nórdico plasma la melancolía escandinava, la belleza de nuestra naturaleza y el vacío de nuestras almas en busca de Respuestas.
Tiene sentido, ¿no?
Una vez dicho esto, te damos la bienvenida a Cuando la bestia despierta, y a ese mundo raro y maravilloso de Jonas Arnby.
Jonas Alexander Arnby (biografía del director)
Jonas Arnby ha trabajado en la industria cinematográfica desde 1993. Se graduó como director de la escuela cinematográfica alternativa Super16. Comenzó su carrera como ayudante de producción. También es cofundador de Circus Alphaville, la filial comercial de Alphaville Pictures Copenhagen.
Jonas Arnby ha dirigido vídeos musicales, cortometrajes y anuncios publicitarios para televisión, y ha ganado numerosos premios en festivales cinematográficos internacionales.
Cuando despierta la bestia es la primera película de Jonas Arnby.
Filmografía seleccionada
Cuando despierta la bestia (Largometraje, 2014)
El hombre que fue un zapato – entre otras cosas (cortometraje, 2004)
Dynamite Surfing (Anuncio para TV de Quicksilver, 2007).
Entrevista con el director
P: ¿Por qué escogió dirigir una película de terror como primer largometraje?
R: Nunca tuve la intención de realizar una película de terror tradicional. Normalmente, el género de terror es unidimensional, se centra en la historia exterior: lo que ves es lo que hay.
El guionista Rasmus Birch y yo hemos querido hacer una película clásica del paso a la edad adulta, un retrato realista de una persona joven que vive en condiciones únicas en una comunidad aislada, en el momento en el que hace la transición a la femineidad. Su lado oscuro asume el poder y pierde su inocencia.
La premisa real de Cuando despierta la bestia es la historia interna. Nos hemos centrado en el drama personal y en la interacción psicológica entre los personajes clave de la película. Quisimos ver donde acaba nuestra protagonista, Marie, después de las presiones y las experiencias a las que se ve sometida a lo largo del camino.
Nunca pensamos en producir terror en sí mismo; la historia exigía que la trama tomase un giro inquietante, pero la película tiene más de fábula o de realismo mágico que de verdadero terror. Una vez dicho esto, también he de aclarar que poseo una debilidad personal por el género de terror y me he inspirado en algunas películas visualmente aterradoras, como Carrie, en la versión de Brian de Palma, y Winter's Bone, de Debra Granik.
P: ¿Por qué sucede la historia en una aldea en la Jutlandia más septentrional?
R: Para mí, era esencial que la película sucediera en un ambiente cerrado. Rasmus Birch y yo hicimos un viaje en busca de localizaciones a la Jutlandia septentrional, y la primera vez que vimos el paisaje que rodea a las localidades de Agger y Thyborøn, supimos que habíamos encontrado la ubicación que buscábamos. El paisaje es indescriptiblemente hermoso y el mar posee una potencia básica y natural. Por una parte, aporta los medios para la supervivencia de los habitantes de la región y, por otra parte, supone la principal amenaza para su existencia.
El Parque Nacional es ese paisaje de pradera danés que todo el mundo tiene en su cabeza, amplias y áridas extensiones que se proyectan hasta el infinito.
La Jutlandia septentrional es una región de Dinamarca donde la religión desempeña un papel importante en la identidad de los habitantes locales. Sin embargo, la piedad no es la característica predominante. Cuando hablas con los lugareños todos ellos cuentan historias reales escalofriantes… Tal persona quemó su casa para cobrar el dinero de seguro; otro mató al ciervo al que atropelló con su coche esa misma mañana en el puerto; otro hablará de sus abuelos, que más o menos han vivido vidas de piratas.
No ocultan nada, son completamente abiertos y francos acerca de las vivencias que han experimentado. Me quedé totalmente cautivado por este universo y en este viaje de localización acabé por elegir casi todas las ubicaciones.
P: ¿Qué le hizo escoger a una actriz debutante para el papel principal?
R: Una vez que nos decidimos por una remota comunidad pesquera como ubicación principal, para el papel protagonista era esencial que encontrásemos a una actriz que pudiera encajar en un ambiente cerrado, controvertido, barrido por el viento. Buscábamos una chica que fuera a la vez fuerte e independiente, pero también que encajara de forma natural con el entorno. Por lo tanto, buscamos a alguien que estuviera familiarizada con el entorno y que se sintiera cómoda en el mismo. No debía sentirse intimidada por la perspectiva de destripar pescado, por lo que no quise dar el papel a una urbanita acostumbrada al café latte.
Celebramos una sesión de casting en la isla de Mors, y en el momento en el que encontré a Sonia Suhl, supe que era extraordinaria. Sonia tiene un carisma asombroso y una presencia que ninguna de las demás chicas a las que entrevistamos podía igualar. Ella es Marie. El punto fuerte de Sonia es su capacidad de expresar emociones sin palabras: personifica el ambiente taciturno. Solo hay que mirarle a la cara para saber lo que pasa.
Hay algo místico, ambiguo y muy seductor en su forma de ser y en su apariencia. A ratos parece una adolescente danesa común y corriente y al segundo, parece femenina, frágil y de ensueño, y más tarde ofrece una apariencia casi andrógina o parecida a un animal salvaje.
Una vez que encontramos a Sonia, tuvimos que averiguar si podía asumir la carga de un papel tan importante. Marie sale en casi todas las escenas de la película, por lo que incluso una actriz con experiencia podría considerar la tarea bastante intimidatoria. Por ello, durante la preproducción, decidimos filmar una escena del guion con Sonia, y creí que era un buen momento para probar sus límites. Teníamos que saber si tenía algún tipo de reserva que pudiera apartarla del papel.
La situamos desnuda en una habitación y la cubrimos con litros de sangre falsa mientras le ordenamos que gritase a pleno pulmón. Había tanta sangre a su alrededor que acabó hiperventilando, pero le dimos un plátano, y después todo marchó bien. Suena un poco brutal, pero Sonia solo tenía 18 años y si tenía que asumir la carga de una película, debíamos asegurarnos de que podría con ello. Si hubiera optado por considerar la perspectiva de rodar una escena sangrienta y desnuda como una agresión, enseguida habríamos visto que no iba a funcionar. Estas situaciones son las que evidencian la madurez.
Sonia nunca tuvo miedo a desafiar sus propios límites. Se acercó al papel con una dedicación extraordinaria, estuvo totalmente implicada y dispuesta a aprender.
P: ¿Qué tal ha ido el trabajo con actores profesionales tan importantes como Lars Mikkelsen?
R: Lars es el mejor actor de Dinamarca; punto final. Nuestra colaboración fue totalmente extraordinaria. Nunca me trató como a un director poco experimentado o principiante. Cuando filmamos la primera escena, me quedé abrumado de lo bien que desempeñó su papel.
Tanto Lars Mikkelsen como Sonja Richter están comprometidos con su trabajo de una forma increíble. Nunca están pendientes del reloj; su objetivo es conseguir la escena perfecta. Me emocionó descubrir que estaban tan implicados como yo, una característica que sólo poseen los grandes actores. Como director, puedes ganar un aliado y un colaborador para hacer avanzar la película en la dirección correcta.
P: ¿Qué efectos utilizó para crear la atmósfera correcta?
R: Lo más importante era que el ambiente pareciera totalmente realista. Dejamos que todos los detalles, entorno, estilismo y colores, fueran exactamente los que existen en una pequeña comunidad pesquera, pero no tratamos de recrear una estampa del realismo social danés, ya que también me he esforzado en introducir imágenes estéticas y poéticas.
Desde el principio, mi intención fue restringir los diálogos de la película al mínimo. Para mí, una imagen vale más que mil palabras. Para mostrar lo que estaba pasando quise utilizar el espacio entre el diálogo, en lugar del diálogo en sí mismo. Generalmente, lo que no se dice es lo que se acentúa en los estados de ánimo y las emociones. El ambiente taciturno crea automáticamente una expectativa siniestra y furtiva. Cuando ocurren las secuencias de miedo, parecen mucho más intensas debido a un contraste tan marcado.
Utilizamos la música para crear un efecto marcado y darle prioridad sobre el diálogo. Quise que la música tuviera un toque de folclore, para vincularla con la ubicación remota. El compositor de la banda sonora, Mikkel Hess, captó perfectamente mis ideas acerca de la música nostálgica del viento. Por ejemplo, añadió un órgano de pedal, para que el espectador perciba la corriente de aire, un fenómeno perenne en estas latitudes. Para mí, era importante que la música no marcase los sentimientos de la audiencia. Lo más difícil a la hora de elegir una banda sonora es encontrar el tono correcto para sostener las imágenes, sin llegar a una manipulación excesiva. La música es una de las herramientas más importantes a nuestra disposición para la creación de atmósfera, y si no tenemos cuidado, podemos caer en la tentación de decirle a la audiencia cómo debe sentirse.
P: ¿Cuál es el significado del título Cuando despierta la bestia?
R: Me encanta este título. Tiene un sonido tan poético... Naturalmente, el título alude al hecho de que Marie y su madre sueñan con una vida diferente. Sueñan sobre ser ellas mismas y con el hecho de no estar oprimidas por la pequeña comunidad en la que residen.
También existe un elemento de riesgo en el título, puesto que los animales cuando duermen están inquietos. ¿No se dice que no debemos molestar a un animal durmiente cuando sueña...? Algo podría ir terriblemente mal…
P: ¿Qué imagen le gustaría que captase la audiencia al ver la película?
R: Mi esperanza es que la audiencia acepte el cuento de hadas y el ambiente que lo rodea, que se llegue a emocionar con la historia de esta joven que está en un momento de su vida en el que no tiene más alternativa que la de liberar a su bestia interior. A pesar de toda esta violencia, se trata de una historia hermosa y conmovedora, y espero que la audiencia más joven conecte con ella. Por supuesto, deseo que los espectadores disfruten de la película, pero lo más importante para mí es que se crean la historia, porque eso significa que habremos conseguido recrear un ambiente auténtico, algo que desde el principio fue mi objetivo personal.
Entrevista con Sonia Suhl
P: Consiguió el papel protagonista en la película, sin embargo todavía no tiene experiencia cinematográfica. ¿Cómo sucedió todo?
R: Crecí en la isla de Mors, en el norte de Jutlandia, y desde que recuerdo, siempre quise llegar a la gran pantalla. Quise avanzar en mi sueño de convertirme en actriz, y como en nuestra diminuta comunidad isleña no había muchas oportunidades para que me descubriera un cazatalentos, me fui a Copenhague, llamé a una agencia de casting y les dije que Sonia, de Mors, había llegado a la ciudad. Fueron muy amables pero firmes, explicándome que muchas chicas venían del pueblo para eso mismo; no tenían tiempo para entrevistarme, pero estarían encantados de que les enviase mis datos de contacto y una foto.
Decepcionada, volví a casa, pero unas semanas más tarde la agencia de casting Artcast, de Copenhague, llegó de pronto a nuestro teatro regional para seleccionar a una chica de mi edad para un papel en un nuevo thriller danés. El director, Jonas Arnby, buscaba a una chica criada en un entorno semejante al de su película Cuando despierta la bestia. De repente, el haber crecido en una pequeña comunidad isleña se convirtió en una clara ventaja.
P: ¿Cómo se preparó para el papel de Marie?
R: Se eliminó toda la improvisación, para que Marie pudiera parecer lo más natural y menos forzada posible. Para cada escena, me asesoró un actor experimentado, y me entrené en la disciplina de la danza japonesa Butō, la danza hacia la oscuridad, para conseguir una mayor conciencia de mi cuerpo y para abrirme a mi naturaleza más agresiva y salvaje.
Aunque las producciones en el teatro regional local eran bastante ambiciosas, siempre tenían una estructura libre y no recibíamos mucha orientación. Todo esto se quedó de lado tan pronto como aterricé en el papel. Jonas (Arnby) intervenía cada vez que me veía representando el papel, en lugar de viviendo el papel, ¡incluso aunque solo fuera moviendo una cafetera!
Cuando finalmente vi la película terminada, me quedé realmente sorprendida con Marie. Me pareció completamente surrealista que yo fuera la que la daba vida en la pantalla.
P: ¿Qué efecto tiene una sociedad represiva en una persona joven?
R: Es una vida dura. La pequeña comunidad isleña donde vive Marie es muy, muy cerrada. Todo el mundo conoce su historia familiar, pero nadie habla de ello. Es muy típico de la mentalidad de Jutlandia. Mantenemos las apariencias y seguimos adelante. Muy pocas personas se abren cuando les preguntas cómo les va... quizás esto puede afectar a un espíritu sensible.
Marie está comprometida con la justicia. Se niega a aceptar que su madre sea tratada de la forma que lo hace. Su madre es la luz que la guía y Marie combate más por ella que por sí misma cuando descubre que comparte el mismo destino que ella. Para Marie, la verdad representa una liberación, aunque la lleve por un camino difícil.
P: ¿Cómo ha sido el trabajo con actores internacionalmente reconocidos, como Lars Mikkelsen?
R: Ah, fue una experiencia asombrosa. La noche antes de la lectura con el reparto, no pude dormir. Estar en una película con actores profesionales tan importantes fue totalmente increíble. Seguí de cerca a Lars Mikkelsen y a Sonja Richter durante la filmación, y aprendí mucho simplemente observando su trabajo. Estoy realmente impresionada con su nivel de dedicación. De verdad, trabajar con ellos ha sido una gran inspiración.
Entrevista con Lars Mikkelsen
P: Es uno de los actores más populares de Dinamarca, por lo que puede escoger libremente entre diversos papeles. ¿Qué le hizo decidirse por esta película en concreto?
R: Escojo mis papeles únicamente sobre la base de si el guión me dice algo. Jonas Arnby me llamó con esta idea fantástica, y mi imaginación se puso en marcha. Le pedí que me enviara el guión y quedé inmediatamente enganchado al proyecto. Era totalmente diferente a todos los guiones que había leído en el pasado. Cuando leo un guión, presiento rápidamente si la historia funciona y si vale la pena contarla. Cuando leí Cuando despierta la bestia, no tuve ninguna duda acerca de estos dos aspectos.
La idea de una comunidad cerrada en una isla y de un pueblo con un oscuro secreto compartido me llamó la atención. Me gustaba la idea de la acción desarrollada en este universo parco en palabras y la de participar en un thriller de terror, un género poco conocido en Dinamarca. Si se hace bien, puede abrir las puertas para toda la industria. La serie de televisión The Killing, en la que estuve implicado, fue la primera serie de intriga danesa. Como ya sabrá, acabó por ser increíblemente popular en el extranjero, y hoy Escandinavia es una zona maestra en el género.
P: ¿Cómo fue para usted trabajar con el director novel Jonas Arnby?
R: Cuando conocí a Jonas, supe que quería estar en la película. Es una persona totalmente encantadora y está entusiasmado con su proyecto. Es un director con un talento extraordinario; muy apasionado, bien preparado, y sabiendo perfectamente lo que hace. Sinceramente, tiene una capacidad increíble. Es difícil de creer que este sea su primer largometraje.
Jonas se aseguró de que la comunicación fuera fácil desde el principio. Aunque siempre tuvo una visión clara de la película, mantuvo la mente abierta a sugerencias acerca de los papeles y de las escenas. Estoy muy impresionado con Jonas Arnby y espero volver a trabajar con él.
P: Ha actuado antes en películas de terror. ¿Qué es lo que le atrae en particular de este género?
R: No me atrae el género por sí mismo. Para mí, lo importante es que la película sea algo más que efectos especiales. La historia tiene que ser auténtica, independientemente del género. Cuanto más dinero se gasta en efectos especiales más tiende a desaparecerse el toque personal del director. Una de las primeras películas en las que participé fue una terriblemente gore, sin tener realmente corazón. La historia no estaba allí.
Cuando un thriller de terror se cuenta correctamente y los temas subyacentes son evidentes a pesar de las impresiones repentinas y de la sangre falsa, es un género maravilloso para trabajar. Es difícil crear una impresión duradera con una película de terror, a menos que también narre una historia con la que las personas se puedan relacionar en el ámbito personal. Tenemos que poder identificarla con algún aspecto de nuestras propias vidas.
P: ¿Cómo entendió usted el carácter de Thor?
R: Le comprendí inmediatamente. Es un hombre que lleva en su interior un secreto terrible; un hombre que ha tomado algunas decisiones horribles por amor. Su amor es un amor retorcido y enfermo, pero es la única forma que conoce de proteger a su familia. No tiene valor para hacer lo que realmente desea, pero ha llegado a un acuerdo con la comunidad que le rodea para que le dejen en paz para adorar y cuidar a su esposa. Como consecuencia, ha llevado demasiado peso sobre sus hombros durante muchísimo tiempo.
Creo que mucha gente puede sentirse relacionado en algún punto. Aceptamos ciertas condiciones en la vida que son fundamentalmente inaceptables, pero no lo hacemos de golpe; sucede gradualmente, poco a poco, hasta que de repente nos damos cuenta de que vivimos una vida impuesta. Se nos permite conformarnos con las normas que otros dictan, y al final nuestra vida se parece más a la supervivencia que a la vida real.
P: ¿Qué tal ha resultado el trabajo con una debutante en el papel principal?
R: Me encantó trabajar con Sonia Suhl. Tiene un talento extraordinario y es muy valiente. No dijo que no a nada, sino que se lanzó a la piscina y gradualmente fue haciendo pie. Estaba abierta a los consejos de todos (algo inevitable cuando acabas de empezar) pero personalmente, escogí implicarme lo menos posible. Creo que Sonia posee una maravillosa calidad en esa actriz desconocida. Su falta de experiencia se vio ampliamente compensada por su aproximación más instintiva a su papel, y esto dio un sentido más auténtico a su trabajo en la pantalla.
Llamas de nitrato
2014
Duración 66 min.
País Argentina
Desde los luminosos años de gloria como estrella teatral en la Paris de los 1920's hasta sus oscuros últimos días en la Buenos Aires de los 1940's, el documental hace especial hincapié en la colaboración entre Falconetti y Dreyer durante el rodaje de Juana de Arco y en cómo esta performance, su única aparición en el cine, impactó en la vida de Falconetti, a tal punto que eclipsó todo lo que hizo, antes o después.
A partir de los pocos rastros que quedan de la vida de Falconetti, la película busca dar una mirada sobre la mujer y la actriz, ambas inseparables, y explorar los complejos mecanismos que operaron en el recorrido entre una intransigencia artística sin concesiones y su casi voluntaria autodestrucción.
Paralelamente, la película muestra el derrotero del film de Dreyer, censurado, mutilado, quemado y perdido durante años, hasta la azarosa aparición de un negativo original en un manicomio noruego en los 1980s.
No soy Lorena
2014
Duración 84 min.
País Chile - Argentina
Reparto: Loreto Aravena, Paulina García, Maureen Junott, Lautaro Delgado, Gabriela Aguilera, Matías Oviedo
Compartimos ahora el tema principal de la película.
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