Star Wars: El despertar de la Fuerza
2015
Duración 136 min.
País Estados Unidos
Reparto: John Boyega, Daisy Ridley, Harrison Ford, Carrie Fisher, Mark Hamill, Oscar Isaac,Adam Driver, Gwendoline Christie, Lupita Nyong'o, Andy Serkis, Domhnall Gleeson,Max von Sydow, Anthony Daniels, Peter Mayhew, Maisie Richardson-Sellers, Kenny Baker, Katie Jarvis, Christina Chong, Simon Pegg, Miltos Yerolemou, Warwick Davis
Star Wars: Episodio VII está dirigida por J.J. Abrams con guión de Lawrence Kasdan y Abrams. Kathleen Kennedy, Abrams y Bryan Burk son los productores y John Williams vuelve como compositor.
Macbeth
2015
Duración 113 min.
País Reino Unido
Reparto: Michael Fassbender, Marion Cotillard, David Thewlis, Elizabeth Debicki, Jack Reynor, Sean Harris, Paddy Considine, Julian Seager, David Hayman, James Michael Rankin, Barrie Martin, Ross Anderson
Sección Oficial en el Festival de Cannes 2015. Adaptación del clásico de William Shakespeare protagonizada por el nominado al Oscar Michael Fassbender ("12 años de esclavitud") y la ganadora del Oscar Marion Cotillard ("Pequeñas mentiras sin importancia").
"Macbeth" sin duda es una de las obras más célebres de Shakespeare. Desde el mismo instante de su aparición, hace cuatro siglos, la pieza ha visto frecuentes adaptaciones o modernizaciones para los proscenios, el cine, o la televisión. El trágico relato de este general escocés devorado por la ambición y por su destino real, fascina desde hace mucho a actores, directores y espectadores. En cine, ha dado lugar a muchas adaptaciones, las más notorias las de Orson Welles o Roman Polanski.
Los productores Iain Canning y Emile Sherman, de See-Saw Films, a la vista de una nueva y emergente generación de grandes actores ingleses de teatro, cine y televisión, han considerado que había llegado el momento de proponer una nueva lectura de la pieza."Actores como Tom Hiddleston y Jude Law han tenido primeros papeles en piezas de Shakespeare" —remarca Canning—. "Me parece interesante ver a esa nueva generación apropiándose del repertorio shakespeariano y redescubriendo significaciones".
El momento era igualmente oportuno por cuanto atañe a los temas abordados en la pieza: efectivamente, nunca tanto como ahora habían sido actuales la codicia y sus estragos. Jack Reynor, quien encarna a Malcolm, destaca: "La codicia es una azote que puede corromper a millones de personas y destruir sus vidas. Es tanto como decir que la historia de "Macbeth"se hace particularmente estremecedora si pensamos en el clima económico de estos últimos años".
Para los productores, la mundialización actual también permitía acentuar la envergadura de la intriga y dar al film una dimensión moderna. "Lo que me ha parecido muy importante en esta adaptación es la importancia de lo colectivo y la existencia del vasto mundo en el que evolucionan nuestros personajes" —precisa Canning—. "Hemos hecho más evidente que Macbeth y Lady Macbeth habitan un mundo del que son el producto, y cuyas decisiones pueden transformarlo. Por tanto, hemos adoptado un punto de vista mucho más moderno y cinematográfico".
Por contra, la producción ha querido preservar la lengua de Shakespeare. "Nos hubiéramos ido a un resultado del todo distinto si no se hubiera respetado el uso del verso" —prosigue Canning—. "Nuestro desafío ha consistido en practicar algunos cortes en la pieza en los lugares más apropiados, además de bastir un equipo capaz de hacer olvidar al espectador que está ante una obra clásica de lenguaje arcaico".
"No hemos abordado la pieza con espíritu simple" —subraya Michael Fassbender, quien encarna al protagonista—. "Jamás hemos intentado cambiar el texto en verso, o ceñirlo, aunque hemos priorizado la sobriedad y la proximidad. Desde el principio, Justin quería establecer una relación mucho más íntima con el texto que en las adaptaciones previas, al tiempo que sostener la fidelidad a la obra. Igual que con cualquier guión, no se ha querido sabotear este texto magnífico sino utilizarlo para el proceso y hacerlo propio".
Justin Kurzel destaca: "Hemos rodado en verso, y no es lo mismo que dar la réplica a un compañero que esté frente a uno, y actuar en el proscenio ante un público. Creo que ocurre algo cuando un actor se halla frente a sí mismo con la cámara que se acerca casi a tocar. Aquí no se actúa para un público numeroso, sino en un marco mucho más íntimo".
"Se ha tenido que verter gran esfuerzo, pues Shakespeare puede ser difícil de comprender, incluso para los ingleses" —enfatiza Marion Cotillard, caracterizada como Lady Macbeth" —Pero ello ha suscitado una energía que nos ha enardecido los ánimos a lo largo de todo el rodaje".
"Fue pavoroso" —indica Reynor—. "Pero sin ese tipo de dificultad, sin duda no habría valido la pena, y me ha encantado hacer frente al desafío. Ha sido formidable poder actuar en verso con estos compañeros carentes de formación shakespeariana clásica."
Por otro lado, el texto en verso valora una de las grandes bazas de Shakespeare: la lengua como útil de manipulación. Y en Macbeth, la manipulación es constante: "Cuando vemos a Michael con Marion, o Michael y Paddy [Considine], se tiene la sensación de estar en Uno de los nuestros, pues esos personajes buscan manipular a su interlocutor de modo inteligente y malicioso, explica Kurzel. Ahí hay un subtexto en lo no dicho, y lo que resulta cautivador en Macbeth estriba en que la tensión subterránea se manifiesta sin artificio".
Mientras los guionistas se aplicaban en la adaptación de la pieza, los productores buscaban al actor para Macbeth, elección determinante para el rodaje entero.
El reparto
"Tras Shame, había verdadero deseo de trabajar con Michael Fassbender de nuevo" —confiesa Canning—. "Mientras se trabajaba en la adaptación, se habló de enviarle el guión por si acaso. Pero cuanto más pensábamos, más nos dábamos cuenta de que era el único que llenaba nuestras expectativas".
Por su parte, Fassbender, quien se ha impuesto rápidamente como uno de los actores más dotados de su generación, intuyó al instante el potencial de esta nueva adaptación. "Era cautivador de cabo a rabo" —remarca—. "Es un texto extraordinario, y este tipo de ocasión sólo se da una vez. Por consiguiente, traté de prepararme lo mejor que pude y planteé todas las preguntas de que fui capaz para no dejar nada al azar".
Canning considera que Fassbender aporta una auténtica humanidad al personaje: "Su interpretación no tiene nada de teatral: se percibe perfectamente el estado de ánimo de este hombre. Lo que es pasmoso es que se ve cómo la locura se va apoderando de él. Sabemos que no hay nada que hacer por él, no se le puede ayudar, por más que asistamos a los acontecimientos que van desarrollándose, lo que puede sorprender en una pieza que todos conocemos bastante. Ésta sigue reservando sorpresas y emociones".
Una vez con Fassbender a bordo, era necesario un director a la altura del actor, capaz de aportar una dimensión nueva al texto. La presencia de Fassbender en el reparto despertó muchos anhelos. "Con Michael, muchos realizadores se ofrecieron como candidatos" —dice Canning.
Cuando los productores descubrieron Snowtown, de Justin Kurzel, decidieron enviar a éste el guión. De origen australiano, el cineasta montó en su país muchas piezas teatrales; su primer largometraje le significó varias distinciones en festivales de todo el mundo.
"Tuvimos la suerte de que fuera sensible al guión" —sigue Canning—. "Snowtown narra cómo un asesinato, o más bien una serie de ellos, puede afectar a toda una comunidad, y cómo esa comunidad acaba por ser manipulada por el asesino. Lamentablemente, es un fenómeno tan actual hoy como en la época en que Macbeth comete sus crímenes".
La productora Laura Hastings-Smith añade: "Al ver su primer largo, se constata que este realizador hurga de verdad en la psicología de sus personajes".
"Justin ha logrado dar vida a un mundo que se sostiene sobre su experiencia teatral y que vierte verdadera luz sobre los tiempos medievales" —declara Canning—. "Pero la película se desarrolla en un universo próximo al Far West, como si se tratara de un western. Es un mundo difícil, en el que la gente trata de sobrevivir, y en el que creo que Macbeth elige el asesinato para tener mejor vida en ese entorno hostil".
Kurzel ha desplegado este universo gracias a sus pesquisas, y se ha centrado principalmente en la verdadera historia del monarca. "¿Cómo fueron aquellos tiempos? ¿Devinieron particularmente violentos?" —se interroga—. "Ello me ha hecho pensar mucho en un western, y la atmósfera me ha parecido sobremanera mucho más aterradora que en las adaptaciones anteriores de la pieza".
Pero deseó participar en el proyecto al descubrir a Macbeth bajo los rasgos de un guerrero."El espectro de la guerra plana sobre los personajes, y esta película me ofrecía la oportunidad de trasladar ese clima de manera cinematográfica."
Reynor ha valorado altamente dar la réplica a David Thewlis, quien encarna a Duncan. "La primera vez que fui al cine fue por una película con David" —comenta Reynor entusiasmado—. "Era increíble estar en el mismo plató que él. Ha moldeado a un Duncan tímido, un rey inseguro de sí mismo. Sentimos compasión de él, lloramos su suerte, pues su único crimen ha sido no ser tan fuerte como lo fue su padre".
Iain Canning añade: "Habitualmente, se tiende a elegir a un actor mucho mayor que Macbeth para Duncan. Nosotros hemos preferido dar con un actor que signifique un desafío físico y psicológico a Macbeth, pero que sea su contemporáneo. David se impuso en el papel de Duncan pues le aporta una mezcla de fuerza y fragilidad, inyectándole una verdadera densidad nada frecuente".
Rodaje en escenarios reales
La película se ha rodado en siete semanas (36 días para ser exactos), en escenarios íntegramente exteriores, con excepción de seis días. "La autenticidad era un objetivo prioritario para el realizador" —precisa Laura Hastings-Smith—. "Justin ha procurado crear un mundo del todo creíble y coherente que, por otro lado; y por otro lado, hablaba como de un universo parejo al western. La aridez del mundo de Macbeth hacía del paisaje plenamente un personaje y, en consecuencia, se hizo esencial rodar en pleno corazón de ese paisaje".
Kurzel subraya: "Deliberadamente, hemos decidido rodar en exteriores, lo que nos ha planteado muchas dificultades, pero ha anclado la historia en la realidad, y ha establecido un lazo entre el marco natural, los diálogos y la interpretación de los actores, y es eso lo que se siente en la película. Ello aporta un lado realista y concreto al conjunto, lo que deviene inédito en una película en verso".
El rodaje ha planteado varios desafíos, y principalmente porque ha sido necesario rodar en exteriores en pleno invierno. "En cierto momento, sentíamos como si el mismísimo William Shakespeare nos juzgara" —bromea Canning—. "Ora frenaba nuestra evolución de vez en cuando, y se aseguraba de que tuviéramos la meteorología adecuada para las escenas de tempestad —y de hecho se rodaron esas escenas en el momento en que la Gran Bretaña sufría las peores condiciones climáticas de su historia—; ora sencillamente quería que ¡se interrumpiera el rodaje!".
Pero para Canning, Macbeth también se refiere a la atmósfera. "La pieza habla del hecho de que las tempestades se convierten en eco de la intriga, y se quería trasladar esta idea" —opina—. "Pero nos dijimos que recurriríamos a los efectos especiales antes que esperar a que las condiciones meteorológicas se dieran cita".
Según Laura Hastings-Smith, fue Michael Fassbender quien, colocándose al frente, contribuyó a que sus compañeros y los técnicos afrontaran las condiciones climáticas difíciles. "Se implica de tal modo en lo que hace, posee tal fuerza física y se centra tanto en su personaje, que devino un auténtico jefe para todos nosotros" —nos dice—. "Nos decíamos que si Michael llegaba, también podíamos llegar nosotros".
Por otro lado, todos los actores se enfrentaron a las dificultades climáticas sin quejarse jamás: "Marion tuvo que rodar escenas alucinantes, los pies desnudos sobre la landa y bajo el granizo" —añade—. "Es, ella también, una gran profesional. El hecho de haber obtenido lo que se quería creo que se debe a que todos creían en la película y en Justin, que no les abandonó jamás".
Marion Cotillard añade: "Cuando la energía de un gran realizador y la fuerza de la historia nos transporta, se siente la magia del dispositivo de aquél, y se halla la energía para hacer cuanto él nos pide, incluso si es preciso soportar el frío y, en ocasiones, condiciones difíciles".
"Todo ello ha creado lazos entre nosotros" —destaca el realizador—. "Cuando uno ve a su diseñador de producción pasar por encima de la cámara debido al viento, o cuando Marion Cotillard desapareció en una ciénaga mientras iba caminando, todo eso une a actores y técnicos". Fassbender manifiesta: "Todo lo que se distinguía de los técnicos eran sus órbitas, pues penetraban el temporal; son hombres que trabajan en esto desde hace veinticinco años, y están dispuestos a afrontar las peores condiciones meteorológicas que se presenten".
"Nos pellizcábamos y nos decíamos: ‘Esto es delirante, es de locos’" —añade Kurzel—. "Pero creo que llegarán al público los esfuerzos de los actores y, esperemos, el papel determinante que juega el paisaje en la psicosis de Macbeth".
"Justin es un artista; y según lo veo, en tanto que artista, no puede evitar que el poder de los elementos en Escocia le afecte" —prosigue Marion Cotillard—. "Hay algo inherente a este país y a la naturaleza de los lugares, una esencia mística, que se siente desde que se llega. Es un sitio lleno de misterios".
La película comporta una secuencia de batalla que suma una decena de páginas del guión. Era una oportunidad de puesta en escena cinematográfica que no tiene parangón en el teatro: "Habitualmente, esta batalla la describe Banquo, y no se representa" —indica Canning—. "Se hacía esencial acompañar a nuestros personajes en el campo de batalla, puesto que así se descubre qué tipo de vida llevan, y finalmente, en qué medida les afecta el alejamiento del teatro de operaciones".
En el rodaje de la secuencia, el realizador eligió adoptar no otro punto de vista que el de los protagonistas en la batalla, además del de las brujas: ellas informan a Macbeth de la profecía que le obsesionará hasta el final del relato.
Esta secuencia se rodó al inicio del rodaje. "Era bastante precisa y nos pusimos manos a la obra inmediatamente" —dice Kurzel—. "Nos ceñimos a las ideas antes que a la atmósfera o al desarrollo de la batalla. Entonces, nos dejamos llevar por los acontecimientos. En realidad, lo que cuenta es el punto de vista de Macbeth y el modo en que esta guerra le altera".
La producción ha recurrido a un ejército de especialistas en reconstrucción de batallas para verificar la autenticidad de la secuencia. "Esta gente se pasa los fines de semana reconstruyendo estas contiendas, al punto que la pasión por su actividad y por lo que se les pidió en el film resultó pasmoso" —relata el realizador.
"Del total de guerreros en el campo de batalla, tan sólo perdimos a dos" —bromea Fassbender—. "Varios de ellos corrían por todas partes sin camisa, pese a un frío espantoso. Estábamos a finales de enero y arreciaba una lluvia torrencial. Es gente extraordinaria".
Por medio de la representación de esta secuencia de batalla, y del estudio del impacto, Kurzel y su equipo pretendían abordar el estrés postraumático que afecta a Macbeth en un plano psíquico.
"Justin había descubierto muy al principio del proyecto que el personaje sufría estrés postraumático" —subraya Fassbender—. "Le abruman alucinaciones que le llevan hasta la psicosis. Ello acontece principalmente durante la secuencia del banquete, donde se dice a sí mismo : ‘si alguien de aquí me conoce, sabrá que me embargan estas crisis extrañas’. Este hombre ya padecía esta patología antes de los hechos que relata la pieza, y ello me ha ayudado mucho a comprender al personaje, su vida y cuanto ocurre en su cabeza".
"Básicamente, el punto de partida de Macbeth está en la insatisfacción de dos personajes que siempre quieren más" —remarca Kurzel—. "Me dije que sería interesante cambiar el enfoque y, tras larga reflexión, observar a esos dos personajes cómo tratan de llenar un vacío, el cual proviene de un sufrimiento u otra cosa".
Y sigue: "Macbeth es una especie de soldado abandonado, que sufre un trauma. Damos a entender que Lady Macbeth y él han perdido a un ser querido. Por ello, la profecía y la intención de matar al rey asumen una resonancia distinta, y ello permite a esos dos personajes, en tanto que pareja, avanzar y girar página".
Han dicho
"Una adaptación audaz y creativa con dos interpretaciones protagonistas dignas de premio"- Variety
La cabaña del Diablo
2013
Duración 86 min.
País Estados Unidos
Reparto: Peter Facinelli, Sophia Myles, Nathalia Ramos, Carolina Guerra, Gustavo Angarita,Juan Pablo Gamboa, Tatiana Rentería
Cuando despierta la bestia
2014
Duración 84 min.
País Dinamarca
Reparto: Lars Mikkelsen, Sonja Richter, Jakob Oftebro, Gustav Dyekjær Giese, Stig Hoffmeyer, Mads Riisom, Sonia Suhl, Benjamin Boe Rasmussen, Tina Gylling Mortensen, Esben Dalgaard
El Terror Nórdico: suena bien, pero, ¿de qué va?
Para nosotros es esa sensibilidad o el tono de voz; el interés en la persona y el entorno de los que emerge el demonio interior.
Los géneros cinematográficos son carreteras, expresan los caminos de la existencia humana a través del extraordinario paisaje de la realización de películas. Todos debemos encontrar nuestros propios caminos y tomar nuestros propios atajos; de esta forma, definimos quiénes somos, puesto que el Terror es algo más que lo sobrenatural, lo extraño o lo oculto y muestra su cara perturbadora en destellos nocturnos escasamente iluminados.
Para nosotros, el Terror es sinónimo de las emociones humanas convertidas en sensaciones físicas. Es otra forma de retratar lo que realmente nos interesa: ¡tú!
Yo. Nosotros.
Todas aquellas cosas que tenemos dificultades para afrontar y tratar, como el amor, la compasión, el temor, la ira; básicamente, la VIDA.
El Terror Nórdico plasma la melancolía escandinava, la belleza de nuestra naturaleza y el vacío de nuestras almas en busca de Respuestas.
Tiene sentido, ¿no?
Una vez dicho esto, te damos la bienvenida a Cuando la bestia despierta, y a ese mundo raro y maravilloso de Jonas Arnby.
- Boe / Alphaville
Sinopsis
En una pequeña comunidad costera, Marie de 19 años vive sola con sus padres. No confía en nadie excepto en Daniel, un amigo hipnotizado por la naturaleza salvaje de la joven.
Cuando Marie descubre que su cuerpo comienza a sufrir extrañas transformaciones, busca respuestas ligadas al oculto pasado de su familia.
Su padre trata de mantenerla a salvo de las miradas atentas y temerosas de los vecinos, pero el espíritu rebelde de Marie no puede ser domesticado
Pronto su búsqueda de la verdad la llevará a enfrentarse con todo su entorno, a excepción de Daniel, que la seguirá hasta el final.
Para nosotros es esa sensibilidad o el tono de voz; el interés en la persona y el entorno de los que emerge el demonio interior.
Los géneros cinematográficos son carreteras, expresan los caminos de la existencia humana a través del extraordinario paisaje de la realización de películas. Todos debemos encontrar nuestros propios caminos y tomar nuestros propios atajos; de esta forma, definimos quiénes somos, puesto que el Terror es algo más que lo sobrenatural, lo extraño o lo oculto y muestra su cara perturbadora en destellos nocturnos escasamente iluminados.
Para nosotros, el Terror es sinónimo de las emociones humanas convertidas en sensaciones físicas. Es otra forma de retratar lo que realmente nos interesa: ¡tú!
Yo. Nosotros.
Todas aquellas cosas que tenemos dificultades para afrontar y tratar, como el amor, la compasión, el temor, la ira; básicamente, la VIDA.
El Terror Nórdico plasma la melancolía escandinava, la belleza de nuestra naturaleza y el vacío de nuestras almas en busca de Respuestas.
Tiene sentido, ¿no?
Una vez dicho esto, te damos la bienvenida a Cuando la bestia despierta, y a ese mundo raro y maravilloso de Jonas Arnby.
- Boe / Alphaville
Sinopsis
En una pequeña comunidad costera, Marie de 19 años vive sola con sus padres. No confía en nadie excepto en Daniel, un amigo hipnotizado por la naturaleza salvaje de la joven.
Cuando Marie descubre que su cuerpo comienza a sufrir extrañas transformaciones, busca respuestas ligadas al oculto pasado de su familia.
Su padre trata de mantenerla a salvo de las miradas atentas y temerosas de los vecinos, pero el espíritu rebelde de Marie no puede ser domesticado
Pronto su búsqueda de la verdad la llevará a enfrentarse con todo su entorno, a excepción de Daniel, que la seguirá hasta el final.
Jonas Alexander Arnby (biografía del director)
Jonas Arnby ha trabajado en la industria cinematográfica desde 1993. Se graduó como director de la escuela cinematográfica alternativa Super16. Comenzó su carrera como ayudante de producción. También es cofundador de Circus Alphaville, la filial comercial de Alphaville Pictures Copenhagen.
Jonas Arnby ha dirigido vídeos musicales, cortometrajes y anuncios publicitarios para televisión, y ha ganado numerosos premios en festivales cinematográficos internacionales.
Cuando despierta la bestia es la primera película de Jonas Arnby.
Filmografía seleccionada
Cuando despierta la bestia (Largometraje, 2014)
El hombre que fue un zapato – entre otras cosas (cortometraje, 2004)
Dynamite Surfing (Anuncio para TV de Quicksilver, 2007).
Entrevista con el director
P: ¿Por qué escogió dirigir una película de terror como primer largometraje?
R: Nunca tuve la intención de realizar una película de terror tradicional. Normalmente, el género de terror es unidimensional, se centra en la historia exterior: lo que ves es lo que hay.
El guionista Rasmus Birch y yo hemos querido hacer una película clásica del paso a la edad adulta, un retrato realista de una persona joven que vive en condiciones únicas en una comunidad aislada, en el momento en el que hace la transición a la femineidad. Su lado oscuro asume el poder y pierde su inocencia.
La premisa real de Cuando despierta la bestia es la historia interna. Nos hemos centrado en el drama personal y en la interacción psicológica entre los personajes clave de la película. Quisimos ver donde acaba nuestra protagonista, Marie, después de las presiones y las experiencias a las que se ve sometida a lo largo del camino.
Nunca pensamos en producir terror en sí mismo; la historia exigía que la trama tomase un giro inquietante, pero la película tiene más de fábula o de realismo mágico que de verdadero terror. Una vez dicho esto, también he de aclarar que poseo una debilidad personal por el género de terror y me he inspirado en algunas películas visualmente aterradoras, como Carrie, en la versión de Brian de Palma, y Winter's Bone, de Debra Granik.
P: ¿Por qué sucede la historia en una aldea en la Jutlandia más septentrional?
R: Para mí, era esencial que la película sucediera en un ambiente cerrado. Rasmus Birch y yo hicimos un viaje en busca de localizaciones a la Jutlandia septentrional, y la primera vez que vimos el paisaje que rodea a las localidades de Agger y Thyborøn, supimos que habíamos encontrado la ubicación que buscábamos. El paisaje es indescriptiblemente hermoso y el mar posee una potencia básica y natural. Por una parte, aporta los medios para la supervivencia de los habitantes de la región y, por otra parte, supone la principal amenaza para su existencia.
El Parque Nacional es ese paisaje de pradera danés que todo el mundo tiene en su cabeza, amplias y áridas extensiones que se proyectan hasta el infinito.
La Jutlandia septentrional es una región de Dinamarca donde la religión desempeña un papel importante en la identidad de los habitantes locales. Sin embargo, la piedad no es la característica predominante. Cuando hablas con los lugareños todos ellos cuentan historias reales escalofriantes… Tal persona quemó su casa para cobrar el dinero de seguro; otro mató al ciervo al que atropelló con su coche esa misma mañana en el puerto; otro hablará de sus abuelos, que más o menos han vivido vidas de piratas.
No ocultan nada, son completamente abiertos y francos acerca de las vivencias que han experimentado. Me quedé totalmente cautivado por este universo y en este viaje de localización acabé por elegir casi todas las ubicaciones.
P: ¿Qué le hizo escoger a una actriz debutante para el papel principal?
R: Una vez que nos decidimos por una remota comunidad pesquera como ubicación principal, para el papel protagonista era esencial que encontrásemos a una actriz que pudiera encajar en un ambiente cerrado, controvertido, barrido por el viento. Buscábamos una chica que fuera a la vez fuerte e independiente, pero también que encajara de forma natural con el entorno. Por lo tanto, buscamos a alguien que estuviera familiarizada con el entorno y que se sintiera cómoda en el mismo. No debía sentirse intimidada por la perspectiva de destripar pescado, por lo que no quise dar el papel a una urbanita acostumbrada al café latte.
Celebramos una sesión de casting en la isla de Mors, y en el momento en el que encontré a Sonia Suhl, supe que era extraordinaria. Sonia tiene un carisma asombroso y una presencia que ninguna de las demás chicas a las que entrevistamos podía igualar. Ella es Marie. El punto fuerte de Sonia es su capacidad de expresar emociones sin palabras: personifica el ambiente taciturno. Solo hay que mirarle a la cara para saber lo que pasa.
Hay algo místico, ambiguo y muy seductor en su forma de ser y en su apariencia. A ratos parece una adolescente danesa común y corriente y al segundo, parece femenina, frágil y de ensueño, y más tarde ofrece una apariencia casi andrógina o parecida a un animal salvaje.
Una vez que encontramos a Sonia, tuvimos que averiguar si podía asumir la carga de un papel tan importante. Marie sale en casi todas las escenas de la película, por lo que incluso una actriz con experiencia podría considerar la tarea bastante intimidatoria. Por ello, durante la preproducción, decidimos filmar una escena del guion con Sonia, y creí que era un buen momento para probar sus límites. Teníamos que saber si tenía algún tipo de reserva que pudiera apartarla del papel.
La situamos desnuda en una habitación y la cubrimos con litros de sangre falsa mientras le ordenamos que gritase a pleno pulmón. Había tanta sangre a su alrededor que acabó hiperventilando, pero le dimos un plátano, y después todo marchó bien. Suena un poco brutal, pero Sonia solo tenía 18 años y si tenía que asumir la carga de una película, debíamos asegurarnos de que podría con ello. Si hubiera optado por considerar la perspectiva de rodar una escena sangrienta y desnuda como una agresión, enseguida habríamos visto que no iba a funcionar. Estas situaciones son las que evidencian la madurez.
Sonia nunca tuvo miedo a desafiar sus propios límites. Se acercó al papel con una dedicación extraordinaria, estuvo totalmente implicada y dispuesta a aprender.
P: ¿Qué tal ha ido el trabajo con actores profesionales tan importantes como Lars Mikkelsen?
R: Lars es el mejor actor de Dinamarca; punto final. Nuestra colaboración fue totalmente extraordinaria. Nunca me trató como a un director poco experimentado o principiante. Cuando filmamos la primera escena, me quedé abrumado de lo bien que desempeñó su papel.
Tanto Lars Mikkelsen como Sonja Richter están comprometidos con su trabajo de una forma increíble. Nunca están pendientes del reloj; su objetivo es conseguir la escena perfecta. Me emocionó descubrir que estaban tan implicados como yo, una característica que sólo poseen los grandes actores. Como director, puedes ganar un aliado y un colaborador para hacer avanzar la película en la dirección correcta.
P: ¿Qué efectos utilizó para crear la atmósfera correcta?
R: Lo más importante era que el ambiente pareciera totalmente realista. Dejamos que todos los detalles, entorno, estilismo y colores, fueran exactamente los que existen en una pequeña comunidad pesquera, pero no tratamos de recrear una estampa del realismo social danés, ya que también me he esforzado en introducir imágenes estéticas y poéticas.
Desde el principio, mi intención fue restringir los diálogos de la película al mínimo. Para mí, una imagen vale más que mil palabras. Para mostrar lo que estaba pasando quise utilizar el espacio entre el diálogo, en lugar del diálogo en sí mismo. Generalmente, lo que no se dice es lo que se acentúa en los estados de ánimo y las emociones. El ambiente taciturno crea automáticamente una expectativa siniestra y furtiva. Cuando ocurren las secuencias de miedo, parecen mucho más intensas debido a un contraste tan marcado.
Utilizamos la música para crear un efecto marcado y darle prioridad sobre el diálogo. Quise que la música tuviera un toque de folclore, para vincularla con la ubicación remota. El compositor de la banda sonora, Mikkel Hess, captó perfectamente mis ideas acerca de la música nostálgica del viento. Por ejemplo, añadió un órgano de pedal, para que el espectador perciba la corriente de aire, un fenómeno perenne en estas latitudes. Para mí, era importante que la música no marcase los sentimientos de la audiencia. Lo más difícil a la hora de elegir una banda sonora es encontrar el tono correcto para sostener las imágenes, sin llegar a una manipulación excesiva. La música es una de las herramientas más importantes a nuestra disposición para la creación de atmósfera, y si no tenemos cuidado, podemos caer en la tentación de decirle a la audiencia cómo debe sentirse.
P: ¿Cuál es el significado del título Cuando despierta la bestia?
R: Me encanta este título. Tiene un sonido tan poético... Naturalmente, el título alude al hecho de que Marie y su madre sueñan con una vida diferente. Sueñan sobre ser ellas mismas y con el hecho de no estar oprimidas por la pequeña comunidad en la que residen.
También existe un elemento de riesgo en el título, puesto que los animales cuando duermen están inquietos. ¿No se dice que no debemos molestar a un animal durmiente cuando sueña...? Algo podría ir terriblemente mal…
P: ¿Qué imagen le gustaría que captase la audiencia al ver la película?
R: Mi esperanza es que la audiencia acepte el cuento de hadas y el ambiente que lo rodea, que se llegue a emocionar con la historia de esta joven que está en un momento de su vida en el que no tiene más alternativa que la de liberar a su bestia interior. A pesar de toda esta violencia, se trata de una historia hermosa y conmovedora, y espero que la audiencia más joven conecte con ella. Por supuesto, deseo que los espectadores disfruten de la película, pero lo más importante para mí es que se crean la historia, porque eso significa que habremos conseguido recrear un ambiente auténtico, algo que desde el principio fue mi objetivo personal.
Entrevista con Sonia Suhl
P: Consiguió el papel protagonista en la película, sin embargo todavía no tiene experiencia cinematográfica. ¿Cómo sucedió todo?
R: Crecí en la isla de Mors, en el norte de Jutlandia, y desde que recuerdo, siempre quise llegar a la gran pantalla. Quise avanzar en mi sueño de convertirme en actriz, y como en nuestra diminuta comunidad isleña no había muchas oportunidades para que me descubriera un cazatalentos, me fui a Copenhague, llamé a una agencia de casting y les dije que Sonia, de Mors, había llegado a la ciudad. Fueron muy amables pero firmes, explicándome que muchas chicas venían del pueblo para eso mismo; no tenían tiempo para entrevistarme, pero estarían encantados de que les enviase mis datos de contacto y una foto.
Decepcionada, volví a casa, pero unas semanas más tarde la agencia de casting Artcast, de Copenhague, llegó de pronto a nuestro teatro regional para seleccionar a una chica de mi edad para un papel en un nuevo thriller danés. El director, Jonas Arnby, buscaba a una chica criada en un entorno semejante al de su película Cuando despierta la bestia. De repente, el haber crecido en una pequeña comunidad isleña se convirtió en una clara ventaja.
P: ¿Cómo se preparó para el papel de Marie?
R: Se eliminó toda la improvisación, para que Marie pudiera parecer lo más natural y menos forzada posible. Para cada escena, me asesoró un actor experimentado, y me entrené en la disciplina de la danza japonesa Butō, la danza hacia la oscuridad, para conseguir una mayor conciencia de mi cuerpo y para abrirme a mi naturaleza más agresiva y salvaje.
Aunque las producciones en el teatro regional local eran bastante ambiciosas, siempre tenían una estructura libre y no recibíamos mucha orientación. Todo esto se quedó de lado tan pronto como aterricé en el papel. Jonas (Arnby) intervenía cada vez que me veía representando el papel, en lugar de viviendo el papel, ¡incluso aunque solo fuera moviendo una cafetera!
Cuando finalmente vi la película terminada, me quedé realmente sorprendida con Marie. Me pareció completamente surrealista que yo fuera la que la daba vida en la pantalla.
P: ¿Qué efecto tiene una sociedad represiva en una persona joven?
R: Es una vida dura. La pequeña comunidad isleña donde vive Marie es muy, muy cerrada. Todo el mundo conoce su historia familiar, pero nadie habla de ello. Es muy típico de la mentalidad de Jutlandia. Mantenemos las apariencias y seguimos adelante. Muy pocas personas se abren cuando les preguntas cómo les va... quizás esto puede afectar a un espíritu sensible.
Marie está comprometida con la justicia. Se niega a aceptar que su madre sea tratada de la forma que lo hace. Su madre es la luz que la guía y Marie combate más por ella que por sí misma cuando descubre que comparte el mismo destino que ella. Para Marie, la verdad representa una liberación, aunque la lleve por un camino difícil.
P: ¿Cómo ha sido el trabajo con actores internacionalmente reconocidos, como Lars Mikkelsen?
R: Ah, fue una experiencia asombrosa. La noche antes de la lectura con el reparto, no pude dormir. Estar en una película con actores profesionales tan importantes fue totalmente increíble. Seguí de cerca a Lars Mikkelsen y a Sonja Richter durante la filmación, y aprendí mucho simplemente observando su trabajo. Estoy realmente impresionada con su nivel de dedicación. De verdad, trabajar con ellos ha sido una gran inspiración.
Entrevista con Lars Mikkelsen
P: Es uno de los actores más populares de Dinamarca, por lo que puede escoger libremente entre diversos papeles. ¿Qué le hizo decidirse por esta película en concreto?
R: Escojo mis papeles únicamente sobre la base de si el guión me dice algo. Jonas Arnby me llamó con esta idea fantástica, y mi imaginación se puso en marcha. Le pedí que me enviara el guión y quedé inmediatamente enganchado al proyecto. Era totalmente diferente a todos los guiones que había leído en el pasado. Cuando leo un guión, presiento rápidamente si la historia funciona y si vale la pena contarla. Cuando leí Cuando despierta la bestia, no tuve ninguna duda acerca de estos dos aspectos.
La idea de una comunidad cerrada en una isla y de un pueblo con un oscuro secreto compartido me llamó la atención. Me gustaba la idea de la acción desarrollada en este universo parco en palabras y la de participar en un thriller de terror, un género poco conocido en Dinamarca. Si se hace bien, puede abrir las puertas para toda la industria. La serie de televisión The Killing, en la que estuve implicado, fue la primera serie de intriga danesa. Como ya sabrá, acabó por ser increíblemente popular en el extranjero, y hoy Escandinavia es una zona maestra en el género.
P: ¿Cómo fue para usted trabajar con el director novel Jonas Arnby?
R: Cuando conocí a Jonas, supe que quería estar en la película. Es una persona totalmente encantadora y está entusiasmado con su proyecto. Es un director con un talento extraordinario; muy apasionado, bien preparado, y sabiendo perfectamente lo que hace. Sinceramente, tiene una capacidad increíble. Es difícil de creer que este sea su primer largometraje.
Jonas se aseguró de que la comunicación fuera fácil desde el principio. Aunque siempre tuvo una visión clara de la película, mantuvo la mente abierta a sugerencias acerca de los papeles y de las escenas. Estoy muy impresionado con Jonas Arnby y espero volver a trabajar con él.
P: Ha actuado antes en películas de terror. ¿Qué es lo que le atrae en particular de este género?
R: No me atrae el género por sí mismo. Para mí, lo importante es que la película sea algo más que efectos especiales. La historia tiene que ser auténtica, independientemente del género. Cuanto más dinero se gasta en efectos especiales más tiende a desaparecerse el toque personal del director. Una de las primeras películas en las que participé fue una terriblemente gore, sin tener realmente corazón. La historia no estaba allí.
Cuando un thriller de terror se cuenta correctamente y los temas subyacentes son evidentes a pesar de las impresiones repentinas y de la sangre falsa, es un género maravilloso para trabajar. Es difícil crear una impresión duradera con una película de terror, a menos que también narre una historia con la que las personas se puedan relacionar en el ámbito personal. Tenemos que poder identificarla con algún aspecto de nuestras propias vidas.
P: ¿Cómo entendió usted el carácter de Thor?
R: Le comprendí inmediatamente. Es un hombre que lleva en su interior un secreto terrible; un hombre que ha tomado algunas decisiones horribles por amor. Su amor es un amor retorcido y enfermo, pero es la única forma que conoce de proteger a su familia. No tiene valor para hacer lo que realmente desea, pero ha llegado a un acuerdo con la comunidad que le rodea para que le dejen en paz para adorar y cuidar a su esposa. Como consecuencia, ha llevado demasiado peso sobre sus hombros durante muchísimo tiempo.
Creo que mucha gente puede sentirse relacionado en algún punto. Aceptamos ciertas condiciones en la vida que son fundamentalmente inaceptables, pero no lo hacemos de golpe; sucede gradualmente, poco a poco, hasta que de repente nos damos cuenta de que vivimos una vida impuesta. Se nos permite conformarnos con las normas que otros dictan, y al final nuestra vida se parece más a la supervivencia que a la vida real.
P: ¿Qué tal ha resultado el trabajo con una debutante en el papel principal?
R: Me encantó trabajar con Sonia Suhl. Tiene un talento extraordinario y es muy valiente. No dijo que no a nada, sino que se lanzó a la piscina y gradualmente fue haciendo pie. Estaba abierta a los consejos de todos (algo inevitable cuando acabas de empezar) pero personalmente, escogí implicarme lo menos posible. Creo que Sonia posee una maravillosa calidad en esa actriz desconocida. Su falta de experiencia se vio ampliamente compensada por su aproximación más instintiva a su papel, y esto dio un sentido más auténtico a su trabajo en la pantalla.
Jonas Arnby ha trabajado en la industria cinematográfica desde 1993. Se graduó como director de la escuela cinematográfica alternativa Super16. Comenzó su carrera como ayudante de producción. También es cofundador de Circus Alphaville, la filial comercial de Alphaville Pictures Copenhagen.
Jonas Arnby ha dirigido vídeos musicales, cortometrajes y anuncios publicitarios para televisión, y ha ganado numerosos premios en festivales cinematográficos internacionales.
Cuando despierta la bestia es la primera película de Jonas Arnby.
Filmografía seleccionada
Cuando despierta la bestia (Largometraje, 2014)
El hombre que fue un zapato – entre otras cosas (cortometraje, 2004)
Dynamite Surfing (Anuncio para TV de Quicksilver, 2007).
Entrevista con el director
P: ¿Por qué escogió dirigir una película de terror como primer largometraje?
R: Nunca tuve la intención de realizar una película de terror tradicional. Normalmente, el género de terror es unidimensional, se centra en la historia exterior: lo que ves es lo que hay.
El guionista Rasmus Birch y yo hemos querido hacer una película clásica del paso a la edad adulta, un retrato realista de una persona joven que vive en condiciones únicas en una comunidad aislada, en el momento en el que hace la transición a la femineidad. Su lado oscuro asume el poder y pierde su inocencia.
La premisa real de Cuando despierta la bestia es la historia interna. Nos hemos centrado en el drama personal y en la interacción psicológica entre los personajes clave de la película. Quisimos ver donde acaba nuestra protagonista, Marie, después de las presiones y las experiencias a las que se ve sometida a lo largo del camino.
Nunca pensamos en producir terror en sí mismo; la historia exigía que la trama tomase un giro inquietante, pero la película tiene más de fábula o de realismo mágico que de verdadero terror. Una vez dicho esto, también he de aclarar que poseo una debilidad personal por el género de terror y me he inspirado en algunas películas visualmente aterradoras, como Carrie, en la versión de Brian de Palma, y Winter's Bone, de Debra Granik.
P: ¿Por qué sucede la historia en una aldea en la Jutlandia más septentrional?
R: Para mí, era esencial que la película sucediera en un ambiente cerrado. Rasmus Birch y yo hicimos un viaje en busca de localizaciones a la Jutlandia septentrional, y la primera vez que vimos el paisaje que rodea a las localidades de Agger y Thyborøn, supimos que habíamos encontrado la ubicación que buscábamos. El paisaje es indescriptiblemente hermoso y el mar posee una potencia básica y natural. Por una parte, aporta los medios para la supervivencia de los habitantes de la región y, por otra parte, supone la principal amenaza para su existencia.
El Parque Nacional es ese paisaje de pradera danés que todo el mundo tiene en su cabeza, amplias y áridas extensiones que se proyectan hasta el infinito.
La Jutlandia septentrional es una región de Dinamarca donde la religión desempeña un papel importante en la identidad de los habitantes locales. Sin embargo, la piedad no es la característica predominante. Cuando hablas con los lugareños todos ellos cuentan historias reales escalofriantes… Tal persona quemó su casa para cobrar el dinero de seguro; otro mató al ciervo al que atropelló con su coche esa misma mañana en el puerto; otro hablará de sus abuelos, que más o menos han vivido vidas de piratas.
No ocultan nada, son completamente abiertos y francos acerca de las vivencias que han experimentado. Me quedé totalmente cautivado por este universo y en este viaje de localización acabé por elegir casi todas las ubicaciones.
P: ¿Qué le hizo escoger a una actriz debutante para el papel principal?
R: Una vez que nos decidimos por una remota comunidad pesquera como ubicación principal, para el papel protagonista era esencial que encontrásemos a una actriz que pudiera encajar en un ambiente cerrado, controvertido, barrido por el viento. Buscábamos una chica que fuera a la vez fuerte e independiente, pero también que encajara de forma natural con el entorno. Por lo tanto, buscamos a alguien que estuviera familiarizada con el entorno y que se sintiera cómoda en el mismo. No debía sentirse intimidada por la perspectiva de destripar pescado, por lo que no quise dar el papel a una urbanita acostumbrada al café latte.
Celebramos una sesión de casting en la isla de Mors, y en el momento en el que encontré a Sonia Suhl, supe que era extraordinaria. Sonia tiene un carisma asombroso y una presencia que ninguna de las demás chicas a las que entrevistamos podía igualar. Ella es Marie. El punto fuerte de Sonia es su capacidad de expresar emociones sin palabras: personifica el ambiente taciturno. Solo hay que mirarle a la cara para saber lo que pasa.
Hay algo místico, ambiguo y muy seductor en su forma de ser y en su apariencia. A ratos parece una adolescente danesa común y corriente y al segundo, parece femenina, frágil y de ensueño, y más tarde ofrece una apariencia casi andrógina o parecida a un animal salvaje.
Una vez que encontramos a Sonia, tuvimos que averiguar si podía asumir la carga de un papel tan importante. Marie sale en casi todas las escenas de la película, por lo que incluso una actriz con experiencia podría considerar la tarea bastante intimidatoria. Por ello, durante la preproducción, decidimos filmar una escena del guion con Sonia, y creí que era un buen momento para probar sus límites. Teníamos que saber si tenía algún tipo de reserva que pudiera apartarla del papel.
La situamos desnuda en una habitación y la cubrimos con litros de sangre falsa mientras le ordenamos que gritase a pleno pulmón. Había tanta sangre a su alrededor que acabó hiperventilando, pero le dimos un plátano, y después todo marchó bien. Suena un poco brutal, pero Sonia solo tenía 18 años y si tenía que asumir la carga de una película, debíamos asegurarnos de que podría con ello. Si hubiera optado por considerar la perspectiva de rodar una escena sangrienta y desnuda como una agresión, enseguida habríamos visto que no iba a funcionar. Estas situaciones son las que evidencian la madurez.
Sonia nunca tuvo miedo a desafiar sus propios límites. Se acercó al papel con una dedicación extraordinaria, estuvo totalmente implicada y dispuesta a aprender.
P: ¿Qué tal ha ido el trabajo con actores profesionales tan importantes como Lars Mikkelsen?
R: Lars es el mejor actor de Dinamarca; punto final. Nuestra colaboración fue totalmente extraordinaria. Nunca me trató como a un director poco experimentado o principiante. Cuando filmamos la primera escena, me quedé abrumado de lo bien que desempeñó su papel.
Tanto Lars Mikkelsen como Sonja Richter están comprometidos con su trabajo de una forma increíble. Nunca están pendientes del reloj; su objetivo es conseguir la escena perfecta. Me emocionó descubrir que estaban tan implicados como yo, una característica que sólo poseen los grandes actores. Como director, puedes ganar un aliado y un colaborador para hacer avanzar la película en la dirección correcta.
P: ¿Qué efectos utilizó para crear la atmósfera correcta?
R: Lo más importante era que el ambiente pareciera totalmente realista. Dejamos que todos los detalles, entorno, estilismo y colores, fueran exactamente los que existen en una pequeña comunidad pesquera, pero no tratamos de recrear una estampa del realismo social danés, ya que también me he esforzado en introducir imágenes estéticas y poéticas.
Desde el principio, mi intención fue restringir los diálogos de la película al mínimo. Para mí, una imagen vale más que mil palabras. Para mostrar lo que estaba pasando quise utilizar el espacio entre el diálogo, en lugar del diálogo en sí mismo. Generalmente, lo que no se dice es lo que se acentúa en los estados de ánimo y las emociones. El ambiente taciturno crea automáticamente una expectativa siniestra y furtiva. Cuando ocurren las secuencias de miedo, parecen mucho más intensas debido a un contraste tan marcado.
Utilizamos la música para crear un efecto marcado y darle prioridad sobre el diálogo. Quise que la música tuviera un toque de folclore, para vincularla con la ubicación remota. El compositor de la banda sonora, Mikkel Hess, captó perfectamente mis ideas acerca de la música nostálgica del viento. Por ejemplo, añadió un órgano de pedal, para que el espectador perciba la corriente de aire, un fenómeno perenne en estas latitudes. Para mí, era importante que la música no marcase los sentimientos de la audiencia. Lo más difícil a la hora de elegir una banda sonora es encontrar el tono correcto para sostener las imágenes, sin llegar a una manipulación excesiva. La música es una de las herramientas más importantes a nuestra disposición para la creación de atmósfera, y si no tenemos cuidado, podemos caer en la tentación de decirle a la audiencia cómo debe sentirse.
P: ¿Cuál es el significado del título Cuando despierta la bestia?
R: Me encanta este título. Tiene un sonido tan poético... Naturalmente, el título alude al hecho de que Marie y su madre sueñan con una vida diferente. Sueñan sobre ser ellas mismas y con el hecho de no estar oprimidas por la pequeña comunidad en la que residen.
También existe un elemento de riesgo en el título, puesto que los animales cuando duermen están inquietos. ¿No se dice que no debemos molestar a un animal durmiente cuando sueña...? Algo podría ir terriblemente mal…
P: ¿Qué imagen le gustaría que captase la audiencia al ver la película?
R: Mi esperanza es que la audiencia acepte el cuento de hadas y el ambiente que lo rodea, que se llegue a emocionar con la historia de esta joven que está en un momento de su vida en el que no tiene más alternativa que la de liberar a su bestia interior. A pesar de toda esta violencia, se trata de una historia hermosa y conmovedora, y espero que la audiencia más joven conecte con ella. Por supuesto, deseo que los espectadores disfruten de la película, pero lo más importante para mí es que se crean la historia, porque eso significa que habremos conseguido recrear un ambiente auténtico, algo que desde el principio fue mi objetivo personal.
Entrevista con Sonia Suhl
P: Consiguió el papel protagonista en la película, sin embargo todavía no tiene experiencia cinematográfica. ¿Cómo sucedió todo?
R: Crecí en la isla de Mors, en el norte de Jutlandia, y desde que recuerdo, siempre quise llegar a la gran pantalla. Quise avanzar en mi sueño de convertirme en actriz, y como en nuestra diminuta comunidad isleña no había muchas oportunidades para que me descubriera un cazatalentos, me fui a Copenhague, llamé a una agencia de casting y les dije que Sonia, de Mors, había llegado a la ciudad. Fueron muy amables pero firmes, explicándome que muchas chicas venían del pueblo para eso mismo; no tenían tiempo para entrevistarme, pero estarían encantados de que les enviase mis datos de contacto y una foto.
Decepcionada, volví a casa, pero unas semanas más tarde la agencia de casting Artcast, de Copenhague, llegó de pronto a nuestro teatro regional para seleccionar a una chica de mi edad para un papel en un nuevo thriller danés. El director, Jonas Arnby, buscaba a una chica criada en un entorno semejante al de su película Cuando despierta la bestia. De repente, el haber crecido en una pequeña comunidad isleña se convirtió en una clara ventaja.
P: ¿Cómo se preparó para el papel de Marie?
R: Se eliminó toda la improvisación, para que Marie pudiera parecer lo más natural y menos forzada posible. Para cada escena, me asesoró un actor experimentado, y me entrené en la disciplina de la danza japonesa Butō, la danza hacia la oscuridad, para conseguir una mayor conciencia de mi cuerpo y para abrirme a mi naturaleza más agresiva y salvaje.
Aunque las producciones en el teatro regional local eran bastante ambiciosas, siempre tenían una estructura libre y no recibíamos mucha orientación. Todo esto se quedó de lado tan pronto como aterricé en el papel. Jonas (Arnby) intervenía cada vez que me veía representando el papel, en lugar de viviendo el papel, ¡incluso aunque solo fuera moviendo una cafetera!
Cuando finalmente vi la película terminada, me quedé realmente sorprendida con Marie. Me pareció completamente surrealista que yo fuera la que la daba vida en la pantalla.
P: ¿Qué efecto tiene una sociedad represiva en una persona joven?
R: Es una vida dura. La pequeña comunidad isleña donde vive Marie es muy, muy cerrada. Todo el mundo conoce su historia familiar, pero nadie habla de ello. Es muy típico de la mentalidad de Jutlandia. Mantenemos las apariencias y seguimos adelante. Muy pocas personas se abren cuando les preguntas cómo les va... quizás esto puede afectar a un espíritu sensible.
Marie está comprometida con la justicia. Se niega a aceptar que su madre sea tratada de la forma que lo hace. Su madre es la luz que la guía y Marie combate más por ella que por sí misma cuando descubre que comparte el mismo destino que ella. Para Marie, la verdad representa una liberación, aunque la lleve por un camino difícil.
P: ¿Cómo ha sido el trabajo con actores internacionalmente reconocidos, como Lars Mikkelsen?
R: Ah, fue una experiencia asombrosa. La noche antes de la lectura con el reparto, no pude dormir. Estar en una película con actores profesionales tan importantes fue totalmente increíble. Seguí de cerca a Lars Mikkelsen y a Sonja Richter durante la filmación, y aprendí mucho simplemente observando su trabajo. Estoy realmente impresionada con su nivel de dedicación. De verdad, trabajar con ellos ha sido una gran inspiración.
Entrevista con Lars Mikkelsen
P: Es uno de los actores más populares de Dinamarca, por lo que puede escoger libremente entre diversos papeles. ¿Qué le hizo decidirse por esta película en concreto?
R: Escojo mis papeles únicamente sobre la base de si el guión me dice algo. Jonas Arnby me llamó con esta idea fantástica, y mi imaginación se puso en marcha. Le pedí que me enviara el guión y quedé inmediatamente enganchado al proyecto. Era totalmente diferente a todos los guiones que había leído en el pasado. Cuando leo un guión, presiento rápidamente si la historia funciona y si vale la pena contarla. Cuando leí Cuando despierta la bestia, no tuve ninguna duda acerca de estos dos aspectos.
La idea de una comunidad cerrada en una isla y de un pueblo con un oscuro secreto compartido me llamó la atención. Me gustaba la idea de la acción desarrollada en este universo parco en palabras y la de participar en un thriller de terror, un género poco conocido en Dinamarca. Si se hace bien, puede abrir las puertas para toda la industria. La serie de televisión The Killing, en la que estuve implicado, fue la primera serie de intriga danesa. Como ya sabrá, acabó por ser increíblemente popular en el extranjero, y hoy Escandinavia es una zona maestra en el género.
P: ¿Cómo fue para usted trabajar con el director novel Jonas Arnby?
R: Cuando conocí a Jonas, supe que quería estar en la película. Es una persona totalmente encantadora y está entusiasmado con su proyecto. Es un director con un talento extraordinario; muy apasionado, bien preparado, y sabiendo perfectamente lo que hace. Sinceramente, tiene una capacidad increíble. Es difícil de creer que este sea su primer largometraje.
Jonas se aseguró de que la comunicación fuera fácil desde el principio. Aunque siempre tuvo una visión clara de la película, mantuvo la mente abierta a sugerencias acerca de los papeles y de las escenas. Estoy muy impresionado con Jonas Arnby y espero volver a trabajar con él.
P: Ha actuado antes en películas de terror. ¿Qué es lo que le atrae en particular de este género?
R: No me atrae el género por sí mismo. Para mí, lo importante es que la película sea algo más que efectos especiales. La historia tiene que ser auténtica, independientemente del género. Cuanto más dinero se gasta en efectos especiales más tiende a desaparecerse el toque personal del director. Una de las primeras películas en las que participé fue una terriblemente gore, sin tener realmente corazón. La historia no estaba allí.
Cuando un thriller de terror se cuenta correctamente y los temas subyacentes son evidentes a pesar de las impresiones repentinas y de la sangre falsa, es un género maravilloso para trabajar. Es difícil crear una impresión duradera con una película de terror, a menos que también narre una historia con la que las personas se puedan relacionar en el ámbito personal. Tenemos que poder identificarla con algún aspecto de nuestras propias vidas.
P: ¿Cómo entendió usted el carácter de Thor?
R: Le comprendí inmediatamente. Es un hombre que lleva en su interior un secreto terrible; un hombre que ha tomado algunas decisiones horribles por amor. Su amor es un amor retorcido y enfermo, pero es la única forma que conoce de proteger a su familia. No tiene valor para hacer lo que realmente desea, pero ha llegado a un acuerdo con la comunidad que le rodea para que le dejen en paz para adorar y cuidar a su esposa. Como consecuencia, ha llevado demasiado peso sobre sus hombros durante muchísimo tiempo.
Creo que mucha gente puede sentirse relacionado en algún punto. Aceptamos ciertas condiciones en la vida que son fundamentalmente inaceptables, pero no lo hacemos de golpe; sucede gradualmente, poco a poco, hasta que de repente nos damos cuenta de que vivimos una vida impuesta. Se nos permite conformarnos con las normas que otros dictan, y al final nuestra vida se parece más a la supervivencia que a la vida real.
P: ¿Qué tal ha resultado el trabajo con una debutante en el papel principal?
R: Me encantó trabajar con Sonia Suhl. Tiene un talento extraordinario y es muy valiente. No dijo que no a nada, sino que se lanzó a la piscina y gradualmente fue haciendo pie. Estaba abierta a los consejos de todos (algo inevitable cuando acabas de empezar) pero personalmente, escogí implicarme lo menos posible. Creo que Sonia posee una maravillosa calidad en esa actriz desconocida. Su falta de experiencia se vio ampliamente compensada por su aproximación más instintiva a su papel, y esto dio un sentido más auténtico a su trabajo en la pantalla.
Llamas de nitrato
2014
Duración 66 min.
País Argentina
Desde los luminosos años de gloria como estrella teatral en la Paris de los 1920's hasta sus oscuros últimos días en la Buenos Aires de los 1940's, el documental hace especial hincapié en la colaboración entre Falconetti y Dreyer durante el rodaje de Juana de Arco y en cómo esta performance, su única aparición en el cine, impactó en la vida de Falconetti, a tal punto que eclipsó todo lo que hizo, antes o después.
A partir de los pocos rastros que quedan de la vida de Falconetti, la película busca dar una mirada sobre la mujer y la actriz, ambas inseparables, y explorar los complejos mecanismos que operaron en el recorrido entre una intransigencia artística sin concesiones y su casi voluntaria autodestrucción.
Paralelamente, la película muestra el derrotero del film de Dreyer, censurado, mutilado, quemado y perdido durante años, hasta la azarosa aparición de un negativo original en un manicomio noruego en los 1980s.
Mr. Kaplan
2014
Duración 98 min.
País Uruguay
Reparto: Héctor Noguera, Néstor Guzzini, Rolf Becker, Nidia Telles, Nuria Fló, Leonor Svarcas, Gustavo Saffores, Hugo Piccinini, César Jourdan, Jorge Bolani, Augusto Mazzarelli, Adela Dubrá, Roberto Suárez, Anouk Ogueta
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