El insulto
2017
Duración 110 min.
País Líbano
Dirección Ziad Doueiri
Reparto Adel Karam, Kamel El Basha, Christine Choueiri, Camille Salameh, Rita Hayek,Talal Jurdi, Diamand Bou Abboud, Rifaat Torbey, Carlos Chahine, Julia Kassar
Candidata del Líbano como Mejor Película de Habla No Inglesa en los Oscar; nominada. Premiere española en la Semana Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI), donde compite en la Sección Oficial por la Espiga de Oro.
Festivales de Telluride, Toronto y la Mostra de Venecia, donde su actor protagonista Kamel El Basha se convirtió en el primer actor árabe en alzarse con la Copa Volpi a la Mejor Interpretación Masculina.
EL INSULTO es el cuarto largometraje del director franco-libanés Ziad Doueiri, cuyos anteriores films ya recibieron el reconocimiento en importantes festivales. Su ópera prima "West Beirut" fue galardonada con el Premio FIPRESCI del Festival de Toronto. "Lila dice" ganó el premio al Mejor Actor y Mejor Guión en el Festival de Gijón. Y "El atentado", estrenada en 2012, consiguió la Mención Especial del Jurado en el Festival de San Sebastián.
La prensa ha dicho
"Rodada hermosamente e interpretada con elegancia. Una obra fascinante" - The Hollywood Reporter
"Un buen resumen del último medio siglo. Ziad Doueiri lo rueda todo con ritmo y tensión" - El País
"Juega con fuego de forma atrevida y actual, pero también es una exploración sensible y alegre de la debilidad humana" - Screendaily
"El nuevo trabajo del director libanés tras su obra maestra 'El atentado' es una fascinante exploración en forma de parábola de la tensión entre dos partes de la comunidad árabe del Líbano" - Indiewire
Entrevista con Ziad Doueiri
P: ¿Tenemos que suponer que la premisa de El insulto surge de la observación de la sociedad libanesa?
R: No, todo es más sencillo: la premisa para la película fue algo que me ocurrió realmente en Beirut hace varios años. Tuve una discusión con un fontanero, una cuestión muy banal, pero los ánimos se encendieron rápidamente y prácticamente acabé utilizando el mismo lenguaje que aparece en la película. El incidente tal vez era una cuestión banal, pero los sentimientos presentes bajo la superficie de las cosas no eran banales. Cuando usas ciertas palabras es porque tus sentimientos personales, tu lado emotivo, se ha visto impactado. Joëlle Touma, con quien he escrito el guión de esta película, estaba conmigo el día del incidente con el fontanero. Ella me convenció para que le pidiese disculpas. Al final fui a ver a su jefe para presentar mis disculpas. Cuando su jefe utilizó este incidente, entre otros motivos, para justificar el despido del fontanero, al acto asumí su defensa. Fue entonces cuando me di cuenta de que todo ello era un material espléndido para un guión.
P: Es un caso muy concreto…
R: Sí, porque había dado con una dinámica que me permitía crear una historia construida alrededor de un hecho real, pero queda fuera de control. Siempre empiezo mis película con tensión, con un incidente, por ejemplo. A partir de ahí intento ver la cadena de hechos que provoca. Siempre empiezo con los personajes: quiénes son al principio de la película y en quién se han convertido al final de la misma. En esta ocasión no tenía uno sino dos personajes principales: Toni y Yasser. Ambos tienen sus culpas, y el pasado de cada uno de ellos está caracterizado por obstáculos internos. Además, están en un entorno externo muy cargado de tensión, muy electrificado. El personaje de Toni tiene un secreto, algo por lo que pasó. Nadie quiere hablar de ello, porque es un tabú, y para él ello constituye una gran injusticia. Yasser también choca con obstáculos. La experiencia le ha enseñado a desconfiar en la justicia.
P: Al cabo de treinta años del final de la guerra civil, ¿dónde se sitúan las diferentes fuerzas de la sociedad libanesa? ¿Han conseguido superar las disensiones que las impelían durante los quince años de guerra civil, desde 1975 a 1990?
R: La guerra en el Líbano concluyó en 1990 sin ganadores ni perdedores. Todo el mundo fue indultado. La amnistía general se convirtió en una amnesia general. Por decirlo de alguna manera, metimos la suciedad debajo de la alfombra. Pero no puede haber una regeneración, una curación nacional si no nos enfrentamos a esos problemas.
P: ¿Es por eso que acaba siendo un drama judicial?
R: Los dramas judiciales les permiten a los guionistas tener un lugar único en el que se enfrentan dos antagonistas. Se puede llegar, además, al enfrentamiento cara a cara. En cierta manera es una variación del western, pero en un ambiente cerrado. Es lo que he intentado recrear, teniendo en cuenta que esta película describe una especie de duelo entre Toni y Yasser.
P: ¿Hasta qué punto un drama judicial sobre el Líbano se convierte en una película personal para ti?
R: De manera subconsciente, nuestro pasado nos ayuda a crear una historia, es una realidad ineludible. La justicia siempre ha sido un elemento muy importante para mi. Procedo de una familia de jueces y abogados. Mi madre es abogada y fue la consultora en materia legal de El insulto. De hecho tuvimos varias conversaciones acaloradas durante la redacción del guión de la película. Ella es muy creativa. Mi madre es increíble. Ella presionó mucho para que el palestino fuese declarado inocente en la película (ríe).
Pero, volviendo a un plano más serio, tanto Joëlle como yo estamos bien documentados sobre la historia de la guerra civil del Líbano, y sobre el precio que tuvo que pagar cada bando. De hecho, tanto ella como yo venimos de familias con convicciones políticas profundas, y con religiones distintas. Tanto ella como yo fuimos educados con arreglo a ciertos principios. Joëlle viene de una familia de cristianos que pertenecía a la Falange libanesa, mientras que yo vengo de una familia sunita que defendía la causa palestina, de una manera algo virulenta. Más adelante, como jóvenes ya adultos ambos intentamos, a lo largo de los años, comprender el punto de vista del otro. Los dos dimos con un equilibrio, una especie de justicia, en esta historia, en la que nada es ni blanco ni negro, en la que es imposible decir “aquí están los buenos y aquí están los malos”.
P: Eso hace que narrar resulte fascinante, ¿no?
R: Si tuviese que definir esta película, diría que se trata de una búsqueda de la dignidad. Los dos protagonistas han padecido grandes ataques a su honor y a su dignidad. Cada uno da la culpa al otro y lo hace responsable de sus problemas. El insulto es totalmente optimista y muy humana. Muestra los caminos que se pueden recorrer para alcanzar la paz.
P: ¿Este juicio también es un análisis psicológico del Líbano actual?
R: Eso es algo que deben decidir los libaneses.
P: También trata del conflicto entre generaciones.
R: Yo incluso veo la película desde otra perspectiva: desde el punto de vista de las mujeres. Ellas tienen una visión muy diferente. Las mujeres aceptan muchos más matices. Tienen inteligencia y nos permiten alcanzar un equilibrio. En esta película las mujeres toman el control de la situación para poder moderar, para conseguir superar la situación. Imaginémonos sin un día las mujeres gobernasen el mundo árabe.
P: ¿Esta película es comprensible para un público que no sea libanés?
R: Pienso que sí, porque la película tiene una dimensión universal. Yasser y Toni podrían tener cualquier nacionalidad, podrían ser de cualquier país. Insisto en que la película es muy optimista y humana. Muestra que hay una alternativa a los conflictos si se toma el camino de la justicia y del perdón.
Biografía y filmografía de Ziad Doueiri
Nacido en Beirut el 7 de octubre de 1963, Ziad Doueiri creció durante la guerra civil y a los veinte años se trasladó a Estados Unidos para estudiar. Se licenció en cinematografía en la San Diego State University. Trabajó como ayudante y operador de cámara en Los Ángeles. En 1998 escribe y dirige su primera película, West Beirouth, que recibió varios premios internacionales. Desde entonces sus películas han sido seleccionadas y premiadas en todo el mundo: Lila dice, The Attack y su reciente película, El insulto, seleccionada para la sección oficial del Festival de Venecia de 2017 (estreno mundial) y nominada a los Oscar en calidad de Mejor Película de Habla No Inglesa. También ha dirigido Sleeper Cell para Showtime Network (2006) y Baron Noir, para Canal + (2016). En la actualidad está dirigiendo la segunda temporada de Baron Noir.
2017 EL INSULTO
Producida por Ezekiel Films, Tessalit Productions, Rouge International, Cohen Media Group
Scope Pictures – Ventas Internacionales : Indie Sales
2017 BARON NOIR – Segunda temporada
para Canal+, producida por Kwai Films, Productor, Thomas Bourgignon.
2016 BARON NOIR – Primera temporada
Dirigió 8 episodios para Canal+, producida por KWAI FILMS,
Productores: Thomas Bourgignon, con Kad Merad y Niels Arestrup
2012 THE ATTACK
Producida por 3B Productions, Scope Pictures y Canal+
Ventas internacionales: Wild Bunch
FESTIVALES:
- Toronto Film Festival 2012 – Sección oficial: presentación especial.
- 60 Festival de San Sebastián 2012: Premio Especial del Jurado
- RTVE Premio Otra Mirada.
- Telluride Film Festival 2012.
- Festival internacional de cine de Marrakech 2012 – Mejor película.
- Festival Internacional de cine de Estambul 2013 – Premio Cineuropa.Org.
- Festival de Cine ColCoa 2013 – Premio del público, Premio Próximamente, Premio de la crítica
2005 SLEEPER'S CELL
Producción de television para for Showtime USA. Producida por Ethan Reiff y Cyrus Voris.
2004 LILA DICE
Producida por Huit ed Demi Productions, UK Film Council, France 2 Cinema, Flash Pyramide International y Canal+.
Festival de Cine de Sundance, Festival de Cine de Toronto, Festival Internacional de Cine de Ottawa, Festival Internacional de Cine de Marrakech, Festival de Cine de Miami, Festival Internacional de Cine de Amor de Mons – Premio del público.
1998 WEST BEYROUTH
Producida por 3B Productions y La Sept ARTE Unité Fiction.
Estreno en salas el 16 de diciembre de 1998
FESTIVALES:
- Festival de Cannes 1998 – Quincena de los Realizadores – Premio François Chalais, Premio de la Crítica Árabe.
- 4º Festival de Cine Árabe de París: Gran Premio.
- Festival de cine de Toronto 1998 – Premio Internacional de la Crítica.
- Festival de Cine de Taipei 1998 – Gran Premio del Jurado.
- Festival de Cine de Cartago 1998 – Premio a la Mejor Primera Película.
- Festival de Cine de Bruselas 1998 – Premio del Público.
- Semana International de Cine de Valladolid 1998 – Premio Joven.
- Festival de cine de Nueva York 1999 Sección
Nuevos Directores / Nuevas Películas.
- Festival Internacional de Cine de Friburgo 1999 – Mejor Guión.
- Narrowsburg International Independent Film Festival 1999 – Mejor largometraje
- Globos de Oro 1999 Presentada oficialmente por el Líbano
- Oscars 1999 Presentada oficialmente por el Líbano.
Asimismo presencia en festivales de Beirut, Gotemburgo, Rotterdam, Hong Kong, Singapur, Sydney, Melbourne, Wellington, Institut Franco-japonés de Tokio, Berlín, Varsovia, Tetuán, Sao Paulo, Helsinki, Rialto, Haifa, entre otros.
A Ciambra
2017
Duración 113 min.
País Italia
Dirección Jonas Carpignano
Reparto Pio Amato, Koudous Seihon, Damiano Amato, Iolanda Amato, Patrizia Amato,Susanna Amato, Francesco Pio Amato, Rocco Amato
Pepo: La última oportunidad
2017
Duración 75 min.
País Argentina
Dirección Juan Irigoyen, Cristian Jure
Visages villages
2017
Duración 90 min.
País Francia
Dirección Agnès Varda, JR
FESTIVALES Y PREMIOS:
2017: Festival de Cannes: Premio Golden Eye
2017: Festival de Haifa: Premio Golden Anchor Mejor Película
2017: Festival de Toronto: Premio del Público
2017: National Board of Review (NBR): Mejores documentales del año
2017: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor documental
2017: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor documental
2017: Círculo de Críticos de San Francisco: Mejor Documental
MÁS SOBRE LA PELÍCULA
El film fue inspirado en la conexión de Varda con JR, un artista callejero de 34 años conocido por instalar retratos monumentales en paisajes del mundo real: un niño asomándose por un muro fronterizo en México, un par de ojos gigantes en un par de tanques de agua. La cinta sigue a la pionera de la Nouvelle Vague francesa y al fotógrafo en un viaje por Francia, donde conocen gente, capturan sus imágenes y charlan sobre arte.
^Recorriendo la campiña francesa en una camioneta transformada en un laboratorio fotográfico improvisado, Varda y JR se dedican a tomar fotos de personas cuyos rostros no se ven habitualmente en cine. Obreros, ex mineros, mucamas, todos se ofrecen a que sus facciones sean impresas en gigantescas fotografías que forman collages en paredes y fachadas. En su primera película codirigida, Varda se dedica, además, a explorar su propia vida en un periplo que incluye visitas a ex amigos de la Nouvelle Vague, una cita tensa con Godard, tumbas célebres, y hasta la centogenaria abuela de JR. A los 89 años, la consagrada directora y fotógrafa demuestra con Visages Villages que sigue viva y trabajando, y nos regala una idea tan valiosa como necesaria: que no hace falta ser una persona torturada y perversa para ser un gran artista.^
Fragmento extraído del catálogo Festival Internacional de Cine de Mar del Plata
En Estados Unidos el film se llamó “Faces Places” y se estrenó en salas de cine en octubre.
SOBRE AGNES VARDA
Agnès Varda no sólo es la persona de mayor edad que haya sido nominada a un Premio de la Academia, también es la primera mujer en recibir un Oscar honorario y una postulación competitiva en la misma temporada.
Varda comparte la nominación al Oscar con el co-director JR y con su hija Rosalie Varda, quien produjo la película.
Pionera radical de la Nouvelle Vague, es la encarnación de todo lo disruptivo, lo feminista, lo inimitable y lo genial.
“No puedo filmar más de una semana al mes porque me cansa. Tú sabes, ¡estoy vieja!”, expresa Varda coronando una de las últimas entrevistas que brindó.
“He asumido tal hecho, pero también la vejez es una materia de creación. Cada vez se pueden encontrar formas nuevas a la vida, a la verdad y a los diferentes trabajos”, agregó la cineasta en conferencia de prensa en el Festival de San Sebastián, donde fue galardonada con el Premio Donostia.
La directora francesa comenzó a hacer cine hace 60 años y ha sido reconocida a lo largo de todo el mundo por su sello personal e inconfundible: un estilo rompedor que mezcla realidad y experimentación con una notable carga social y política. Ganadora también del León de Oro en el Festival de Venecia, Varda cosechó varios premios por su brillante y fructífera carrera, y su cine libre sin ataduras.
“Una maravilla autorreferencial”
Jordan Hoffman: The Guardian
“Encantadora!. Agnès Varda en la gloria de sus años dorados”
Owen Gleiberman: Variety
“Un homenaje alegre a la importancia de crear arte y la obligación de celebrar la vida”.
Allan Hunter: Screendaily
“Más que una película es un milagro”
Luis Martínez: Diario El Mundo
Proyecto Florida
2017
Duración 115 min.
País Estados Unidos
Dirección Sean Baker
Reparto Brooklynn Prince, Willem Dafoe, Bria Vinaite, Caleb Landry Jones, Mela Murder,Valeria Cotto, Christopher Rivera, Macon Blair, Sandy Kane, Karren Karagulian,Lauren O'Quinn, Giovanni Rodriguez, Carl Bradfield, Betty Jeune, Cecilia Quinan,Andrew Romano, Samantha Parisi, Gary B. Gross
Festivales y premios
Globos de Oro - Nominada a mejor actor de reparto (Willem Dafoe)
NBR National Board of Review - Mejor película del año y mejor actor secundario (Willem Dafoe)
Círculo de Críticos de Nueva York - Mejor director y mejor actor secundario (Willem Dafoe)
Críticos de Los Ángeles - Mejor actor secundario (Willem Dafoe) y 2º mejor película del año
Independent Spirit Awards - Nominada a mejor película y mejor director
Satellite Awards - Nominada a mejor director, mejor guión y mejor actor secundario (Willem Dafoe)
BIFA British Independent Flm Awards - Nominada a mejor película internacional.
Sobre la producción
"Me gusta describir 'The Florida Project'", dice el co-guionista y director Sean Baker "como un Our Gang" de nuestro tiempo. "Esta obra, también llamada 'The Little Rascals', estaba compuesta por una serie de cortometrajes cómicos que produjo Hal Roach en los años 20 y 30, centrada en los niños que vivían en la pobreza durante la Gran Depresión. Su situación económica no era más que el telón de fondo: lo importante eran las aventuras de los niños".
Cuando el co-guionista y productor Chris Bergoch ayudaba a su madre en su mudanza a Florida, a menudo recorría la Irlo Bronson Memorial Highway, también conocida como US Highway 192, una de las principales carreteras que conducen a Walt Disney World Resort, el palpitante corazón económico de Florida. Pronto percibió que, en las propias puertas de Disney, las condiciones de vida no eran tan mágicas. Se sorprendió al darse cuenta de que muchos de los moteles que veía no alojaban a turistas, sino a familias enteras.
Los moteles están a ambos lados de la carretera, y muchos de ellos explotan la magia de Disney con adornos tales como piratas y castillos. Hace una década estaban llenos de turistas. Aún hay resquicios de esos días, como los establecimientos que cobran 35 dólares por un paseo en helicóptero, o las tiendas de souvenirs donde muchas camisetas de imitación lucen a las princesas más populares.
Bergoch comenta: "Recuerdo que fue en 2011, cuando estaba de camino a EPCOT, y le hablé de esto a Sean... de estos niños que vi jugar junto a la carretera, a minutos del parque temático... No nos lo podíamos quitar de la mente. Elaboramos un esquema a principios de 2012 para tratar de encontrar financiación y poder llevar a cabo esta idea. Después, la producción de Starlet se hizo realidad, y pasamos de Florida a San Fernando Valley. Cada vez que regresaba a Orlando, pasaba por los moteles y la idea nunca se me iba de la cabeza. La situación de pobreza crecía y, paralelamente, también lo hacía la idea de contar una historia con este telón de fondo".
Starlet llevó a Tangerine, y una vez que la producción se completó en 2014, Baker y Bergoch revisitaron el esquema original. Baker comenta: "Lo diseccionamos, reordenamos las escenas, desechamos el final original, pero siempre supimos que queríamos contar la historia desde el punto de vista de un niño". Bergoch añade, "...Y cómo, a pesar de no poder pagar un billete al parque temático, ese joven personaje se divertía y vivía aventuras".
Como en todas sus colaboraciones, la investigación fue clave. Baker y Bergoch se sumergieron en el corazón de Kissimmee (Florida), viajando varias veces a la zona durante tres años, y alojándose en algunos de los moteles del US 192. Baker explica: "Siempre comenzamos a trabajar nuestras películas de la misma manera: preguntamos a la gente del barrio si quieren participar y, en ese caso, si tienen interés en compartir su historia de cuando vivían en los moteles".
El sueño de llevar "The Florida Project" a la pantalla se acercó más a la realidad cuando June Pictures se unió al proyecto a principios de 2016. "Andrew Duncan y Alex Saks de June Pictures me dieron plena libertad creativa, y me apoyaron en todos los sentidos. Estoy muy feliz de que se incorporaran", dice Baker.
"En enero de 2016 escuchamos hablar por primera vez del nuevo proyecto de Sean, simultáneamente a la creación de June Pictures", dicen Andrew Duncan y Alex Saks de June Pictures. "Habíamos estado hablando de los valores de nuestra nueva compañía, y ambos estábamos de acuerdo en que nuestra prioridad era apoyar a los cineastas que contasen historias diversas y significativas. Habíamos estado trabajando en un proyecto documental llamado "Joshua: Teenager vs. Superpower", sobre un joven llamado Joshua Wong que defendía la democracia y los derechos humanos en Hong Kong. Nos sentíamos orgullosos, porque a través del documental estábamos llamando la atención sobre la injusticia social y política en todo el mundo, y tras hablar con Sean, nos dimos cuenta de que esta película nos daba la oportunidad de hacer lo mismo en Estados Unidos. Sean es un narrador único y talentoso, que crea mundos en la gran pantalla que viven y respiran de la misma manera que en la vida real. Sus personajes y su universo son poderosos y honestos. Crea ese tipo de arte que nos cuestiona, saca a flote nuestra humanidad y nos permite comprender mejor el mundo en que vivimos. Ha sido una experiencia increíble el trabajar con Sean y apoyar su visión en "The Florida Project"".
Cuando pasó la primavera de 2016, y el tiempo para conseguir la financiación a tiempo era cada vez menor, el equipo comenzó a buscar a los actores principales. La nativa de Florida Brooklynn Prince respondió a un anuncio, y terminó interpretando a Moonee.
"Estoy muy agradecido de que Brooklynn Kimberly Prince pasara casting para "The Florida Project". No sólo interpretó a Moonee; ella mejoró el personaje que estaba escrito. Es uno de los mejores actores, de cualquier edad, con los que he trabajado", elogia Baker.
Bergoch añade: "En el momento en que entró en aquel cuarto, recuerdo haber mirado a Sean y a Shih-Ching (Tsou)... Tenían la misma mirada de sorpresa. Brooklynn era la Moonee que llevábamos viendo en nuestra mente durante años, y ahí estaba, cobrando vida ante nuestros ojos".
La co-protagonista, Valeria Cotto, es un ejemplo más del proceso de casting nada convencional que Baker emplea. "Siempre hay algo de casting de calle en mis películas, y el descubrimiento del que estoy más orgulloso en esta película es Valeria Cotto. Una noche la vi, a ella y a su madre, en una tienda de Kissimmee Target. De Valeria me llamó la atención su vibrante pelo rojo. Le di a su madre mi tarjeta, y recé para que me llamara y pudiera hacer una audición con su hija", dice Baker. Lo hizo, y Valeria consiguió el papel de la mejor amiga de Moonee Jancey.
Baker, Bergoch y sus compañeros productores Shih-Ching Tsou y Kevin Chinoy vieron a niños de toda Florida. Christopher Rivera hizo la audición cuando vivía con su familia en uno de los moteles de la Ruta 192, y clavó al niño, el amigo de Moonee Scooty.
Al igual que hizo con "Tangerine", donde lanzó casting desde varias redes sociales como Vine, Baker usó Instagram más tarde, durante el proceso de casting. Fue allí donde Bria Vinaite le llamó la atención.
"Había algo diferente que hacía que Bria destacase entre otros miles de Instagramers. No se tomaba en serio a sí misma. Resultaba despreocupada y muy divertida, las cualidades que teníamos en mente para el personaje de Halley. Ella voló a Florida para conocer a los niños que habíamos escogido. Improvisamos algunas escenas y, al final del fin de semana, estaba seguro de que podía aportar algo único y fresco al personaje".
"Cuando leí el guión por primera vez, lloré. Sentí una gran conexión con Halley", revela Bria. "Fue una experiencia hermosa traerla a la vida. Aprendí mucho de todo aquello, ¡y una parte de Halley siempre vivirá dentro de mí!".
Finalmente, tuvo lugar el casting de Bobby, el director del Magic Castle Motel, y guardián en la sombra de los residentes del motel. "Soy muy afortunado de haber tenido la suerte de trabajar con Willem. No sólo su actuación fue increíble, sino que estaba dispuesto a experimentar y a ayudar a encontrar el personaje. Muchas de sus escenas son con actores y no profesionales por primera vez y él logró mezclarse con caras frescas, sin dejar de fundamentar los momentos con su dominio del arte", dice Baker.
Para lograr las imágenes vibrantes de la película, Baker pidió al galardonado director de fotografía, Alexis Zabé, que se uniera a "The Florida Project". Zabé describe la estética como: "un helado de arándanos con un toque agrio".
Baker espera que su nueva película emocione al público por medio del humor y la nostalgia: "Quiero que los espectadores se rían, amen y abracen a estos personajes, y que cuando vuelvan a casa, se metan en Internet para investigar cuántas familias y niños estadounidenses viven en moteles por todo el país. Eso sería mágico".
Críticas
"Pura esencia Sean Baker: irreverente, excitante, visceral e inspirado"
"Versión ultra-pop y mega-lúcida del clásico, '¡Qué verde era mi valle!'"
"Una de las películas del año. No sigas perdiendo el tiempo leyendo esto, vete a verla. Ya"
FOTOGRAMAS
"Otra historia vibrante de la América más profunda"
"Valiosa y lograda"
"Auténtica y narrada de forma conmovedora"
VARIETY
"Sean Baker tiene un don especial para mostrar la amistad femenina"
"Willem Dafoe está increíble"
THE HOLLYWOOD REPORTER
★★★★★
"Sean Baker sube a un nuevo nivel tras 'Tangerine'"
"Willem Dafoe hace una de las mejores interpretaciones de su carrera"
THE GUARDIAN
"Magnífica y deslumbrante"
THE NEW YORK TIMES
"Una película brillante, alegre y devastadora"
VULTURE
"Un impecable estudio de la pobreza, la familia y la responsabilidad"
SCREENDAILY
Ready Player One: Comienza el juego
2018
Duración 140 min.
País Estados Unidos
Dirección Steven Spielberg
Reparto Tye Sheridan, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, Mark Rylance, Simon Pegg,T.J. Miller, Hannah John-Kamen, Win Morisaki, Philip Zhao, Julia Nickson,Kae Alexander, Lena Waithe, Ralph Ineson, David Barrera, Michael Wildman,Lynne Wilmot, Carter Hastings, Daniel Eghan
Antes de morir, ofrece su fortuna como premio a una elaborada búsqueda del tesoro a través de los rincones más inhóspitos de su creación. Será el punto de partida para que Wade se enfrente a jugadores, poderosos enemigos corporativos y otros competidores despiadados dispuestos a hacer lo que sea, tanto dentro de Oasis como del mundo real, para hacerse con el premio.
Sherlock Gnomes
2018
Duración 86 min.
País Estados Unidos
Dirección John Stevenson
SHERLOCK GNOMES, el famoso detective y protector de los gnomos de jardín de Londres se presenta junto a su acompañante Watson para investigar el caso. El misterio arrastrará a nuestros gnomos a una desternillante aventura en la que conocerán nuevas figuras ornamentales y explorarán el lado desconocido de la ciudad.
María Magdalena
2018
Duración 120 min.
País Reino Unido
Dirección Garth Davis
Reparto Rooney Mara, Joaquin Phoenix, Chiwetel Ejiofor, Tahar Rahim, Denis Menochet,Shira Haas, Hadas Yaron, Tawfeek Barhom, Charles Babalola, Zohar Shtrauss,Uri Gavriel, Michael Moshonov
A partir de un guión de Helen Edmundson y Philippa Goslett, el reparto de MARÍA MAGDALENA se completa con Chiwetel Ejiofor y Tahar Rahim.
El nacimiento de una película
La historia de Jesucristo ha inspirado a generaciones de cineastas, desde Pier Paolo Pasolini y El evangelio según San Mateo, pasando por Martin Scorsese y La última tentación de Cristo, hasta Mel Gibson y La pasión de Cristo. Se ha contado de muchas forma diferentes y ha levantado pasiones en el arte y en la cultura, en el ámbito histórico y la investigación, así como en el cine. Es una historia de enorme riqueza que se presta a diferentes interpretaciones, por lo que no sorprende que a los productores Iain Canning y Emile Sherman, mientras reflexionaban sobre cómo enfocar de una forma innovadora una historia tan conocida, se les ocurriera volver a contarla desde una perspectiva diferente. Todo surgió a partir de un descubrimiento arqueológico.
"Es obvio que muchos cineastas ya han contado la historia de Jesús", dice Iain Canning. "Pero el descubrimiento de fragmentos de escritos en Egipto y en Grecia que decían ser el evangelio de María Magdalena nos hizo pensar que sería interesante contar la historia de una mujer dentro del relato bíblico".
"Cada generación vuelve a contar a su manera o a reimaginar ciertas historias de acuerdo con el momento en que vive", sigue diciendo. "Para hacer una película, es necesaria una conexión con el momento actual o nadie irá a verla. Pensamos que había espacio para contar la vida de María Magdalena, que la historia de la vida y muerte de Jesucristo desde el punto de vista de una mujer era un enfoque nuevo que podría arrojar luz sobre ciertos temas de actualidad".
"Ahora bien, contar una historia tan importante como esta siempre implica una responsabilidad", explica el productor. "Pero hay que confiar en el guión, en el realizador y en los actores porque ellos sabrán aportar algo nuevo, algo innovador. Nos pareció que debíamos contar la historia de la mejor manera posible porque es muy importante para muchísima gente".
El primer guión fue escrito por la aclamada dramaturga Helen Edmundson, que integró todos los textos relevantes en la narración. Ianin Canning dice: "Posteriormente, Philippa Goslett trabajó en el guión para darle un giro cinematográfico y más dinamismo en la relación entre los discípulos y la propia María Magdalena".
La guionista Philippa Goslett se sintió atraída por la idea de enmendar un error de hace siglos: "Siempre me ha interesado mucho la historia de Jesús y me ha parecido que al personaje de María Magdalena no se le trataba como se merecía. Por fin teníamos la oportunidad de dar voz a una persona que había sido silenciada desde hacía muchísimo, de pensar en que los momentos clave podían haber sido diferentes y que el mensaje de Jesús podía ser leído de otra forma, desde el punto de vista de una mujer".
"María Magdalena ha sido marginada durante siglos y queríamos situarla en el lugar que le pertenece dentro de la historia de Jesús, como una apóstol de importancia", dice el productor Emile Sherman. "En realidad, la historia que contamos llega al corazón de cualquier religión; más aún, de la humanidad. María se da cuenta de que el 'reino' o la utopía que anhelamos debe empezar dentro de cada uno de nosotros. Nuestro espíritu está dentro de nosotros, en el mismo lugar que el amor y la bondad. El mensaje de María es tan revolucionario hoy en día como lo fue entonces, y esperamos que resuene con fuerza".
Philippa Goslett empezó a documentarse y descubrió que la historia bíblica complicaba aún más el relato, pero que también apoyaba el argumento central de la película. "Hablamos con rabinos, sacerdotes, historiadores judíos, eruditos bíblicos y arqueólogos, pero ninguno coincidía", recuerda. "Todos tenían una perspectiva diferente del movimiento de Jesús y de lo que significó; era fascinante. Pero lo más fascinante es que todos estaban de acuerdo en que María, la de Magdala, debía ser considerada como discípula y apóstol".
"El guión y la película son el resultado de la lectura de numerosos textos teológicos e históricos", dice la productora Liz Watts. "Asimismo, contamos con la ayuda de varios asesores bíblicos e históricos, judíos, griegos ortodoxos y católicos. Todos eran maravillosos, pero cada uno tenía un punto de vista diferente, desde la idea judía del siglo I a los escritos cristianos de ese mismo siglo, desde el Evangelio de Marcos al Evangelio de María Magdalena".
"No pretendemos que esta película se tome como un texto teológico o histórico", sigue diciendo. "La historia puede interpretarse, y nosotros contamos una historia, pero ante todo queremos respetar la fe de cada uno".
La guionista Philippa Goslett explica el significado del Evangelio de María Magdalena, uno de los textos clave consultados por los cineastas. "Presenta a María Magdalena como una figura de suma importancia en el movimiento de Jesús", dice. "Se describe un debate entre María Magdalena y los discípulos que revela que estaba muy cerca de Jesús, que había profundizado en sus enseñanzas y que quería compartirlas con sus compañeros. El hecho de que fuera una mujer y de que tuviera conocimientos privilegiados no gustaba a algunos de los discípulos, sobre todo a Pedro, lo que creó una dinámica fascinante entre ellos".
"La visión de María Magdalena acerca del Reino y del mensaje de Jesús se basa en el perdón y la compasión cristiana", añade Liz Watts. "En la película, no todos los discípulos entienden el significado del Reino de Dios en la tierra del mismo modo, o mejor dicho, no coinciden en cómo empezará. ¿Cuándo y cómo traerá Jesús el Reino? En el transcurso del relato, María Magdalena se da cuenta de que el mensaje de Jesús es más sencillo de lo que parece: debemos cambiar por dentro si queremos cambiar el mundo que nos rodea. También hay una diferencia fundamental en el hecho de que permanece al lado de Jesús durante la crucifixión y no huye, como hacen los otros discípulos. Otra diferencia que la separa de Pedro es que su compresión del mensaje de Jesús se centra en el perdón. Después, cuando Jesús se aparece a los discípulos, todos los Evangelios están de acuerdo en que significa el perdón".
Chiwetel Ejiofor, que encarna a Pedro, cree que esa diferencia es de gran importancia: "El Evangelio de María Magdalena ofrece otra visión porque es muy diferente de los otros evangelios del Nuevo Testamento en cuanto a la lucha y la polémica que representa ser una discípula, y a los conflictos que crea la presencia de María Magdalena, así como la percepción diferente de lo que significa un nuevo comienzo, sobre todo en el periodo de Jerusalén y especialmente después de la crucifixión".
Los productores Iain Canning y Emile Sherman también debían tener en cuenta el aspecto comercial de la película. "En ningún momento hemos querido marginar al público cristiano", explica el primero, "creemos que el público cristiano será capaz de apreciar una película que defiende la igualdad y el feminismo. Por eso buscamos al director idóneo para contar la historia sin excluir a nadie".
Asimismo, eran muy conscientes de que la película podía crear controversia por la forma en que se presentaba la historia. "No contamos la historia cronológicamente, el tiempo está bastante comprimido y ofrecemos una motivación muy diferente de la habitual para Judas", dice Philippa Goslett, "pero puede que lo más sorprendente sea que la contamos desde el punto de vista de una mujer".
Garth Davis, el realizador de Lion, con Dev Patel y Nicole Kidman, nominada a seis Oscar y ganadora de dos BAFTA, reveló ser la persona idónea para dirigir la película.
"Garth es una persona muy especial, y la película necesitaba mucho cariño y cuidado por el tema que trataba", explica Iain Canning. "Aporta una dinámica y una perspectiva innovadoras a la historia. Su técnica con los actores, sus ideas en cuanto al potencial de la película, su empeño en recrear con la mayor exactitud posible la arquitectura de entonces, todos estos elementos ofrecen algo nuevo al espectador".
Tal vez resulte sorprendente lo que motivó a Garth Davis a encabezar la película. "Para mí, una de las grandes inspiraciones para esta película fue Malala Yousafzai", dice. "Hay algo en su historia que refleja la de María Magdalena. Los talibanes le dispararon en la cara solo porque quería ir al colegio. Posteriormente ganó el Premio Nobel de la Paz y perdonó a sus atacantes en el discurso que pronunció. Para mí, este hecho es el núcleo de la película. El guión me recordó lo mucho que me había conmovido su gesto de perdón y de amor, y comprendí que la historia de María Magdalena formaba parte de ella. Puedo conectar con ese tipo de espiritualidad, de amor. Me llegó al corazón que el guión fuera tan humano y tan relevante".
Garth Davis también quería enfocar la película desde un punto de vista diferente. "Ante todo, no me apetecía repetir algo que ya se había hecho", dice. "La mayoría de las películas bíblicas se ruedan en el desierto y se les cuelga una etiqueta. Esta película debía ser más cercana, relevante y contemporánea. Quería evitar cualquier tipo de estereotipo".
La productora Liz Watts cree que haber escogido a Garth Davis para dirigir la película tenía muchísimo sentido considerando el tipo de guión. "Garth es un gran cineasta inmersivo, cuenta historias emocionales con mucha inteligencia", explica. "Esta historia incorpora un gran número de elementos históricos muy complicados, pero todo gira en torno al desarrollo espiritual. Garth es brillante desarrollando un guión y dirigiendo a los actores. Se enfrentaba a una película difícil porque se trataba de una vieja historia que debía contarse desde una perspectiva totalmente diferente".
"Es la historia de una mujer que sigue su fe, pero a esto debemos añadir mucha historia y mucha teología", sigue diciendo. "Sin embargo, acaba siendo muy entretenida al presentar a Jesús de un modo diferente. No sabía mucho acerca de María Magdalena y su historia me intrigó. Pensé que también podría atraer a los espectadores. En realidad, se trata de la historia de una mujer muy fuerte cuya posición está muy alejada de lo que la sociedad cree conveniente para ella".
El éxito de la película dependía en gran parte de la actriz que encarnase a María Magdalena. Tanto Garth Davis como los productores sabían que necesitaban a una mujer de una gran inteligencia emocional y una interpretación sutil para sacar a la superficie la complejidad y espiritualidad del personaje. Pero Garth Davis no tuvo que buscar mucho para encontrar a la Magdalena.
"Acababa de trabajar con Rooney en Lion, y me había parecido una actriz notable", dice el realizador. "Cuando surgió este proyecto, todos pensamos en ella porque posee una cualidad muy especial, como si fuese de otro mundo. Tiene una conexión con algo único, especial, y para mí representaba perfectamente a María Magdalena. La Magdalena no tiene que aprender quién es, ya brilla una luz en su interior, tiene una conexión con Dios, pero aún no sabe cómo expresarla. Rooney Mara siempre da la impresión de estar conectada con algo más allá de su entorno, y además es muy fuerte y compasiva. Me pareció que podría enlazar con muchos temas de la película".
"Rooney aporta tranquilidad y elegancia al personaje de María Magdalena", añade Iain Canning. "Al principio de la película no tiene mucho diálogo porque a su personaje no se le permite expresarse, pero hace un gran trabajo y da la sensación de que lleva un fuego dentro a punto de estallar, quiere vivir. Rooney hace muchísimo con muy poco. También es un papel bastante físico y en muchas ocasiones lleva todo el peso de la historia. Aparte de la tranquilidad y la elegancia, está ese fuego latente. Exactamente lo que necesitaba el personaje de María Magdalena".
La actriz también era perfecta para el papel gracias a su gran fuerza de carácter. "Rooney sabe mostrar convicción y resolución, su fuerza traspasa la pantalla", añade la productora Liz Watts. "Además, tiene algo de otro mundo, como si siempre estuviera buscando. Era exactamente lo que Garth quería para dar vida al personaje. También tiene mucho humor, pero sobre todo apreciábamos su fuerza. María Magdalena debía ser una mujer muy fuerte para hacer lo que hizo".
Rooney Mara reconoce que la película le ofreció otra visión de la religión, que fue una parte importante de su infancia. "Me eduqué en un colegio católico y me inculcaron muchas nociones preconcebidas sobre esta historia y la religión en general", dice. "La primera vez que leí el guión, adopté una postura bastante cínica. Pero al hablar con Garth supe qué tipo de película quería, vi la historia de otra forma cuando volví a leer el guión. Entonces entendí la oportunidad que representaba y la belleza que contenía. Era una posibilidad única para presentar una versión que no se había visto antes".
"La mayoría de películas sobre Jesús cuentan su historia, pero esta vez nos centramos en María Magdalena", sigue diciendo. "Vemos todo lo habitual de las películas bíblicas, pero lo hacemos a través de sus ojos, lo que nos obliga a mirar a través de otro prisma. Siempre se ha dicho que María Magdalena era una prostituta, pero no es así. Ahora por fin descubrimos de dónde viene y quién es realmente".
Tal como se la presenta en la película, incluso antes de conocer a Jesús, demuestra ser una mujer fuerte, independiente y, en ciertos aspectos, moderna. A pesar de haber cumplido veinte años, sigue sin casarse y trabaja con sus hermanos pescadores. "Conocemos a María cuando vive en Magdala con su familia", explica Rooney Mara. "Es muy diferente del resto de su familia, que la presiona para que se case y tenga hijos porque se la considera 'vieja' y es lo que debe hacer una mujer. Pero ella se resiste. Creo que le gusta trabajar pescando y también creo que siente una conexión con Dios, pero no sabe explicarlo, quiere descubrir más. Siempre ha pensado que es diferente de los demás y que nadie la escucha. Cuando conoce a Jesús, él es la primera persona que entiende lo que siente. Demuestra tener mucho valor al dejar a su familia para seguirle".
Rooney Mara no pudo resistir la tentación de volver a trabajar con Garth Davis, un realizador cuyo método de trabajo le había gustado mucho. "Me encantó trabajar con Garth la primera vez. Tiene un método tan interesante como único, no había visto nada igual. Es muy intuitivo escogiendo el reparto, los decorados y también rodando; se deja guiar por la intuición durante todo el proceso. Eso le permite elevar la película a un nivel poco habitual. Por ejemplo, en este caso, el reparto es perfecto y todo se hace mucho más fácil a partir de ahí".
El hecho de que el realizador y la protagonista principal se llevasen tan bien fue fundamental para el rodaje. "El plan de rodaje era muy estricto, no podíamos perder tiempo", explica el productor Iain Canning. "Que el director y la protagonista se entendieran, estuvieran en la misma onda y confiaran el uno en el otro fue fantástico y una gran ayuda para que todo fluyera".
Incluso comparten la misma perspectiva en cuanto a la historia. "Garth no estaba interesado en hacer una película religiosa, sino espiritual", dice Rooney Mara. "Obviamente, el aspecto feminista era el más importante para él ya que contaba la historia de una mujer. María Magdalena fue testigo de Cristo; estaba a su lado cuando murió y estaba allí cuando resucitó. Fue una parte intrínseca de la historia, pero se la relegó tachándola de prostituta, y Pedro, que negó a Cristo en tres ocasiones, que no entendió a Jesús y tergiversó su mensaje, tiene iglesias dedicadas por todo el mundo. Ella es una prostituta y él es un santo, me parece increíble".
Garth Davis también estaba convencido de que la armonía creativa con la actriz era perfecta. "No puede decirse que Rooney y yo seamos personas religiosas, lo que era una dificultad añadida porque la película se etiquetaría como religiosa", explica. "Pero ambos conectamos con el mensaje espiritual. En cierto modo, es el mensaje que se perdió por el camino. En esta película conducimos al espectador al mensaje básico de Jesús diciendo que la fuerza está en nuestro interior, no fuera esperándonos. No se trata de la ideología, de las reglas o del compromiso, sino de escuchar lo que llevamos dentro y de conectar con eso. Es una idea que me convenció, y creo que a Rooney le pasó lo mismo".
"Una de las escenas más difíciles para Rooney Mara fue la del exorcismo. Antes de irse de Magdala para seguir a Jesús, la familia de María la obliga a someterse a un exorcismo. Lo hacen por amor, al menos eso creen", explica el cineasta. "No pueden entender la personalidad de María ni su elección, sólo piensan en el demonio. Lo trágico de todo esto es que su familia quiere curarla a través del exorcismo, pero sólo consiguen alejarla aún más. Podría haber sido una escena muy oscura y dramática, pero en vez de eso optamos por la complejidad".
"Es una escena realmente brutal por la forma en que Garth decidió retratar a la familia", añade la actriz. "Creó un ambiente y una familia cariñosa, todos se quieren profundamente y desean ayudarse. Así que, cuando llega el momento del exorcismo, es desgarrador. No se trata de la típica versión de los buenos y los malos. La quieren con todo su corazón y están convencidos de que es lo mejor para ella".
Durante el rodaje de la escena, el equipo artístico y técnico vivió una experiencia tan extraña como inesperada. "Todos teníamos una copia de unos textos antiguos mientras nos preparábamos para rodar", recuerda Garth Davis. "En el momento en que nos metimos en el agua, el viento se detuvo completamente. No se movía nada. Y de pronto, el cielo se llenó de rayos. Estábamos aterrados. Fue un momento interesante en el que la vida reflejó el arte".
María Magdalena, Jesús y Pedro forman el complejo triángulo que ocupa el centro de la película, y muchos aspectos dependían de los actores que interpretarían estos dos papeles.
Joaquin Phoenix aceptó el tremendo reto que representaba dar vida a Jesús. "Estaba empeñado en que el papel de Jesús fuera realista", explica el director. "Quería que se viera a una persona enérgica. Pensé inmediatamente en Joaquin porque además de poseer una gran sensibilidad, es muy espiritual y afectuoso. No se me ocurría nadie más. Para mí, él era Jesús, y si no podía ser él, no sabía cómo iba a hacer la película".
"Joaquin es uno de los actores más valientes del momento y por eso era perfecto para el papel", añade Liz Watts. "Aporta una cualidad humanista al personaje. Hablamos mucho acerca de encontrar a un actor capaz de encarnar a una figura religiosa con emoción y profundidad. Joaquin tenía todo esto y más".
La tercera parte del triángulo es Pedro, al que da vida Chiwetel Ejiofor. "Pedro fue una figura clave de la cristiandad", explica el actor. "Estaba muy cerca de Jesús durante el último viaje a Jerusalén, y al igual que los otros discípulos, su relación con María Magdalena era complicada. El trato entre ambos es muy interesante. Acaba sintiendo un gran respeto y afecto por ella".
Chiwetel Ejiofor reconoce que el papel le atrajo porque la película es ambiciosa y consigue dar la vuelta a todo lo que se ha creído hasta ahora. "Me intrigó descubrir lo que podía hacerse en un contexto y en un género semejantes", dice. "Me pareció interesante seguir la historia de Jesús a través de los ojos de María Magdalena, pero no estaba convencido de que resultase especialmente revelador. El leer el guión, al entender su recorrido y su relación con Jesús, me di cuenta de lo que podría significar para muchas ideas contemporáneas, como la relación entre hombres y mujeres y la erradicación de la misoginia. Es un tema central de la narración. Nuestra perspectiva de María Magdalena está claramente conectada a una visión masculina de la historia, sobre todo de la historia bíblica".
Chiwetel Ejiofor reconoce que también le gustó el enfoque realista del guión: "La película se esfuerza en interpretar una historia muy conocida desde un lugar sólido y realista. Me pareció muy interesante, era algo nuevo para mí. No sé lo que significa viajar con un grupo así, ignoro cuál sería la experiencia diaria y nunca he sido testigo de un milagro. Por eso me apetecía mucho ver qué podía sentir ese grupo de hombres. Mis primeras conversaciones con Garth giraron en torno a cómo extirpar la narración de un mundo bíblico y etéreo para incorporarla con la mayor honradez posible a un mundo físico y real".
Chiwetel Ejiofor describe a Pedro como "un hombre normal", un personaje con el que el espectador puede identificarse. "Asistimos a su recorrido con María Magdalena y lo que descubre con ella. Nos preguntarnos por qué toma ciertas decisiones posteriormente. Me pareció un papel realmente interesante, una parte vital de la historia, y me entusiasmó interpretarlo".
La oportunidad de trabajar con dos actores de la talla de Rooney Mara y Joaquin Phoenix también fue un plus. "Soy un fan de los dos", reconoce. "Tienen una cualidad etérea, dan la impresión de poder cambiar de forma, son como camaleones, además de tener una impresionante ligereza y una tremenda intensidad".
"Veo a Pedro como si no tuviera una conexión espiritual", dice Garth Davis. "Es un ser humano cariñoso, sensible, quiere que el mundo sea un lugar mejor, pero no tiene conexión. No consigue entregarse a la sencillez de lo que le cuenta María Magdalena después de la muerte de Cristo, y carece del valor necesario para confiar en algo tan simple como llevar el Reino dentro de cada uno de nosotros. Anhela lo mismo que María Magdalena, pero el dolor por haber perdido a Jesús hace que no lo pueda aceptar. Duda, está dividido. Una parte de él quiere creer a toda costa, pero es incapaz porque su espiritualidad está contaminada por la envidia".
"Todo esto tiene mucho que ver con lo que ocurre hoy en día cuando se habla de qué debemos hacer para estar más cerca de Dios", sigue diciendo el realizador. "Y efectivamente, quizá sea más sencillo y María Magdalena tenga razón. De eso va la película: no nos dejemos llevar por las discusiones y los debates, el odio y la venganza, acordémonos de lo que realmente cuenta y regresemos a lo básico".
La película se centra en el enfrentamiento entre María Magdalena y Pedro, que no acepta sus explicaciones; en la relación de esta con Jesús y en su papel en el grupo. Pedro está convencido de que Jesús les llevará a un nuevo orden mundial, María cree en la espiritualidad personal, está convencida de que si se consigue cambiar por dentro, el mundo también cambiará.
"Pedro es la mano derecha de Jesús, además de un discípulo entregado y fiel", explica Chiwetel Ejiofor. "Queda claro que Pedro encabeza el grupo de discípulos. Cree que conseguirán hacer una revolución, que crearán un cambio sísmico en la organización del mundo tal como lo conocen, en las relaciones entre seres humanos, en todo. Le preocupa que les acompañe una mujer, sobre todo una mujer joven, no por ninguna connotación sexual, sino porque no quiere que la gente piense que se llevan a las jóvenes de los pueblos".
Además, la actitud de Pedro hacia María Magdalena es aún más complicada al mezclarse los celos y el orgullo herido. "Lo más interesante de esos personajes es que la naturaleza del conflicto evoluciona", sigue diciendo el actor. "Lo que empieza como un debate pragmático para no levantar sospechas en los pueblos que atraviesan acaba convirtiéndose en algo mucho más profundo, concretamente en la idea que Pedro tiene acerca del papel de una mujer en el grupo. Le cuesta mucho aceptar la relación emocional, intelectual y espiritual de María Magdalena con Jesús".
"Jesús ve que María Magdalena es diferente", dice Rooney Mara. "Conecta con ella de otra forma que con los demás, y Pedro se siente amenazado. La percepción de Pedro es totalmente diferente de la de María Magdalena. Es un hombre pragmático que cree en las estructuras, mientras que ella se basa en la empatía y la intuición. Pedro está acostumbrado a ser el primero, y para colmo se trata de una mujer, lo que complica aún más la situación. Su punto de vista difiere. María se preocupa sobre todo por los sentimientos de Jesús y por cómo le afectan las diversas situaciones. Siempre es la primera en ir hacia él para asegurarse de que está bien, pero los otros discípulos mantienen las distancias, les da un poco de miedo. Ella, sin embargo, se dirige a él como a otro ser humano y eso le atrae".
Jesús envía a Pedro y a María Magdalena al desierto para darles la oportunidad de resolver el conflicto. "Efectivamente, no les queda más remedio que intentar entenderse, es una oportunidad para resolver el conflicto", dice Chiwetel Ejiofor. "Pedro empieza a verla como a una persona individual, algo fundamental a la hora de aceptar a alguien y de suma importancia para el camino que recorrerán juntos. Acaba dándose cuenta de que tener a una mujer en el grupo no dañará el mensaje de Jesús y de que se equivoca pensando que sólo la violencia conseguirá algún cambio. Lo que ofrece María Magdalena puede cambiar el mundo de forma mucho más profunda".
Pero su retiro en el desierto no sólo es provechosa para Pedro. "Tanto Pedro como María aprenden el uno del otro", dice Rooney Mara. "Los dos pueden enseñar algo al otro. María le enseña la compasión a Pedro, y él le enseña a no ceder, a no echarse atrás. María le desafía, convencida de que su camino es el verdadero, y Pedro comprende por fin qué significa ser compasivo".
Sin embargo, siguen interpretando la fe de forma diferente. "María no se toma el mensaje al pie de la letra", explica la actriz. "Los discípulos esperan que el Reino llegue literal y físicamente. Toda su fe está puesta en Jesús y creen que bastará una sola persona para cambiar el mundo, 'Él lo hará'. María Magdalena no lo ve así. Entiende que el Reino está en nosotros y que debemos cambiar para cambiar el mundo. Debemos ser bondadosos para que el mundo lo sea. Mucha gente espera que aparezca alguien a quien seguir, pero me parece muy peligroso. Cuando se hace algo en nombre de otro, siempre cabe la posibilidad de equivocarse de dirección. María Magdalena cree que basta con hacer el bien por el bien, no por una persona, sino para la colectividad".
Tahar Rahim encarna a Judas. Los productores y el director querían alejarse de las habituales caricaturas y prefirieron retratarle con compasión, como a un ser humano. Y ese fue el mayor atractivo para el actor. "Nunca he visto a Judas retratado así", reconoce. "Siempre se enseña a Judas como a un traidor, el hombre que traicionó a Jesús, pero aquí es un ser humano. Cualquiera habría podido hacer lo que hizo porque, al fin y al cabo, es un padre de familia que adora a su maestro y espera el cambio con impaciencia. Me hizo pensar en la obra del escritor Amos Oz, que describe a Judas de forma casi idéntica a la película. El guión me pareció brillante porque está escrito desde la perspectiva de María Magdalena y no tiene nada que ver con lo que estamos acostumbrados a ver. No es una prostituta, es una discípula".
Una vez decidido el reparto, todo el equipo se trasladó a Sicilia, donde se rodaría la mayor parte de la película. Pero antes de empezar a filmar, Garth Davis hizo pasar a los actores por un intenso período de ensayos. "Garth utiliza una técnica muy particular basada en su experiencia artística. Da la posibilidad a los actores de explorar sus papeles mediante un ensayo sorprendente", explica el productor Iain Canning. "En vez de repetir las escenas una y otra vez, Garth las enfoca desde un punto de vista emocional. Obliga a los actores a entrar en zonas incómodas, lo que a su vez les permite acceder a algo mucho más interesante".
"Garth se documenta mucho", añade la productora Liz Watts. "Busca documentación y se la da a los actores, habla del personaje con ellos. Tratándose de una película de semejante envergadura histórica, esto puede ser un poco apabullante para los intérpretes. Pero Garth trabajó muchísimo con Rooney, con Joaquin y con el resto del reparto para que todos permanecieran anclados en un naturalismo centrado en las motivaciones de los personajes y en la razón por la que contar esta historia".
Garth Davis considera que los ensayos son clave para una película. "Posiblemente sea con lo que más disfruto", reconoce. "Lo primero es conseguir que los actores se acostumbren a la época. Para eso tuvieron acceso al vestuario y al atrezo. También les pedí que prepararan una comida con los ingredientes que habrían tenido a mano entonces y que la comieran juntos. Pasamos algún tiempo en los decorados, en la casa, vimos cómo se repartirían el espacio a la hora de acostarse. En otras palabras, les dimos tiempo para que se hicieran con ese mundo, lo descubrieran y cobrara vida. Eso es lo mejor para un actor".
El cineasta también llevó a los intérpretes a dar largos paseos por las colinas con el fin de que se acostumbraran al paisaje, así como a la ropa y al calzado de la época. "Una de las preguntas fue cómo dormirían con esa ropa", sigue diciendo. "Es muy probable que no tuvieran otra. Les planteé problemas prácticos de ese tipo".
"Pero nunca ensayo las escenas", acaba diciendo."Trabajo las relaciones entre los personajes usando ejercicios. Por ejemplo, pido a dos actores que van a trabajar juntos que se dibujen mutuamente en una hoja de papel de buen tamaño. Hacer eso les ayuda a tener una relación más profunda, y lo que dibujan o pintan dice mucho. Disfrutan con el proceso".
El diseño y los decorados
Garth Davis y los productores Iain Canning y Emile Sherman escogieron un equipo técnico compuesto por colaboradores habituales y nuevos miembros. El director de fotografía fue Greig Fraser; el equipo de diseño de producción estaba encabezado por Fiona Crombie, y Alexander de Franceschi se encargó del montaje. Los tres habían trabajando con el realizador en Lion y en la serie "Top of the Lake". Entre los jefes de departamento que colaboraban por primera vez con el cineasta estaban la diseñadora de vestuario Jacqueline Durran y a la diseñadora de maquillaje Marese Langan.
En palabras de Iain Canning, la película La vida de Brian, de los Monty Python, se convirtió en una fuente de inspiración totalmente inesperada: "Es una comedia, desde luego, pero está muy cuidada. El vestuario y el diseño son fantásticos, nada fáciles de superar. En las primeras reuniones con los jefes de departamentos hablamos de cómo conseguir una diferencia con otras películas sobre Jesucristo. En lo que se refiere al vestuario, escogimos telas muy especiales, y en cuanto al diseño de producción, intentamos que fuera sencillo y realista. Nos alejamos conscientemente de los estereotipos y conservamos una perspectiva más histórica; no intentamos seguir lo que suele pensarse como correcto para la época".
La diseñadora de vestuario Jacqueline Durran se documentó a fondo: "Pensé que era importante tener una serie de reglas para crear el mundo de la película, por lo que estudiamos la historia del vestuario judío y palestino, y de lo que suele llamarse ropa bíblica. Nuestro objetivo era reducirlo a los elementos más básicos. A partir de ahí empezar a construir nuestro mundo sabiendo que en parte se basaría en hechos y en parte en la imaginación, aunque siempre con el mayor respeto hacia una cultura cuyas palabras y forma de vida sigue repercutiendo en el mundo de hoy".
Mientras se documentaban, la diseñadora y su equipo encontraron al colaborador idóneo. "Durante la creación o recreación del vestuario, intentamos usar algodón, lana y cáñamo tejidos a mano", explica la diseñadora. "Cualquier bordado también debía estar hecho a mano. Tuvimos la enorme suerte de encontrar una empresa, SEP, donde trabajan bordadoras palestinas que se basan en dibujos muy antiguos". SEP es una empresa social compuesta por unas trescientas artistas, cuyo objetivo es conseguir que los refugiados no vivan en la más absoluta pobreza. Se pidió a las bordadoras que no usaran un patrón, sino que trabajaran desde la imaginación para recrear los motivos bíblicos.
"Todos los trajes están compuestos por los mismos elementos; túnica, una prenda debajo de la túnica, faja, chal y sandalias. Cada actor, después de leer acerca de su personaje y de ensayar, decidió cómo llevaría ese atuendo", dice Jacqueline Durran. "Al diseñar cada traje con extrema sencillez y lo más parecido posible a la realidad, esperamos aportar vida y realismo a un mundo que se ha convertido en trillado y familiar".
El rodaje duró ocho semanas y transcurrió íntegramente en Italia, concretamente en la ciudad de Matera, en los paisajes de Puglia, que hicieron las veces de Cana y Jerusalén, y en Sicilia, donde se filmaron las escenas de Galilea.
Durante la preproducción, el director y los productores se trasladaron a Israel para visitar los lugares históricos y hablar con expertos locales. "No nos limitamos a mirar la arquitectura y los paisajes, queríamos entender la dinámica social de la época, de qué se alimentaban, qué utensilios usaban, cómo eran las casas, de qué recursos disponían", explica Iain Canning. "No podíamos rodar en Israel, pero cuando fuimos a Matera, en Italia, descubrimos que tenía exactamente la misma atmósfera que Jerusalén, los parecidos eran increíbles. Queríamos que el espectador pudiera sumergirse en la historia de entonces, y en vez de recrear esa época en la Jerusalén actual, que no tiene nada que ver, preferimos trasladarnos a otro decorado. Las localizaciones italianas y sicilianas ofrecían una dinámica geográfica totalmente diferente que nos llevó desde el lago de Galilea directamente a Jerusalén".
La diseñadora de vestuario Fiona Crombie trabajó con Jacqueline Durran para asegurarse de que ambas usaban los mismos colores y tonos. "Escogimos las telas juntas y hablamos de la paleta de colores antes de empezar", dice. "Las dos coincidimos en que para el arranque de la película, la paleta debía de ser monocromática, acorde con los paisajes polvorientos, cálidos y ocres de Sicilia. En cuanto María se va de Magdala, pasamos por paisajes muy diferentes. Al avanzar por los capítulos de la narración decidimos, tanto deliberadamente como instintivamente, que cada capítulo tendría una paleta de colores diferente. Pasamos de los monocromos de Magdala a Cana, con su arquitectura distintiva y con vestuarios sobre todo negros y violetas. Sin embargo, el grupo de discípulos, con sus túnicas color arena y tierra, siempre resalta contra los paisajes, como una hormiga que avanza penosa y lentamente".
Garth Davis, gracias a su experiencia en bellas artes, fue muy específico con la diseñadora de producción. "Garth me dijo claramente que no tuviera miedo al minimalismo", recuerda Fiona Crombie. "No quería nada exagerado, todo debía ser sencillo. Debido a sus conocimientos artísticos, es muy capaz de componer un decorado. Intenté evitar, dentro de lo posible, los eternos carros y vasijas de cerámica, y mantener una sencillez que dejara al espectador centrarse en las personas".
Matera, en la región de Basilicata, al sur de Italia, es conocida como la Ciudad de los Túneles por sus numerosas viviendas trogloditas cavadas en la roca caliza. Posiblemente sea una de las ciudades del planeta que más tiempo lleve habitada, ya que estuvo ocupada en el paleolítico. Hizo las veces de Jerusalén y Cana, y la espléndida situación fue una gran inspiración para la diseñadora. "La paleta de colores de Matera es tan extraordinaria como consistente", dice. "Los reflejos dorados de las piedras y la configuración del lugar es de lo más interesante. Las carreteras se abren camino por un paisaje rocoso y revelan la ciudad de forma gradual. Desde luego, las moradas subterráneas son de otro mundo".
"En la película, Jerusalén es un punto de intercambio y está muy poblada", sigue diciendo Fiona Crombie. "Es la antítesis del punto donde empieza la historia en Galilea, un lugar maravilloso y especial. Queríamos que se notara que el pueblo estaba construido piedra a piedra, a mano, que la familia había levantado su casa".
Garth Davis es un acérrimo defensor medioambiental y se esforzó en que la película comunicara una sensación de naturalismo. "Garth nos explicó que el espectador debía sentir las paredes de la casa alrededor de María", recuerda la diseñadora. "Nos aseguramos de que se notara la sensación de quietud, de silencio, y que el entorno penetrara en el interior de la casa. Otros elementos a tener en cuenta eran los cambios de luz a oscuridad. Se pasa de una a otra constantemente. La casa familiar de Magdala es muy oscura, pero la luz natural de fuera es muy potente. Los contrastes entre interiores oscuros y exteriores luminosos interesaban mucho a Garth".
Uno de los decorados era el Segundo Templo, en el Monte del Templo de Jerusalén, donde transcurre una de las escenas clave de la película, cuando Jesús echa a los mercaderes y usureros, dice ser el hijo de Dios y profetiza la llegada de la destrucción. En numerosas películas sobre la vida de Cristo, el templo se convierte en una especie de plaza de mercado cuando, realmente, era una estructura enorme que, según Garth Davis: "Ocupaba una superficie equivalente a unos dieciséis campos de fútbol. Estaba empeñado en ser verídico; quería que se viera a Jesús en medio del Templo y enseñar la tremenda escala del lugar".
Las escenas de la llegada de Jesús al Templo se rodaron en Nápoles, concretamente en la Piazza del Plebiscito por ofrecer la grandeza y la amplitud requeridas para que pudiera filmarse desde cualquier ángulo. Garth Davis también quería recrear las escenas de la Pascua judía con el mayor realismo posible. "Supongo que las celebraciones debían de ser muy largas, maravillosas y algo caóticas", dice. "Oraciones, himnos, tambores, todas esas cosas. Trabajamos con unos 400 extras, la mayoría contratados en la calle y muchos de ellos músicos. Casi parece un festival sudamericano. A la hora de filmar, no pedimos a los figurantes que se movieran; creamos un entorno y colocamos al reparto principal en medio, como si hubiéramos vuelto a dar vida al pasado".
No cabe duda de que todos los participantes en la película se sintieron inspirados por los decorados naturales. "Tuve la ocasión de viajar a Israel antes de empezar a rodar y ver con mis ojos los lugares donde tuvieron lugar realmente muchos de los acontecimientos. Los decorados en Italia eran maravillosos, estaban llenos de energía y parecen totalmente auténticos".
Los productores y el director esperan que MARÍA MAGDALENA atraiga a un público muy variado por el mensaje que contiene. "Ojalá, después de ver esta película, pudieran bajar un poco la velocidad y escuchar lo que llevan en su interior", dice el realizador. "Dios está en los silencios. Basta ya de ideologías, argumentos y conversaciones. Debemos situarnos en el amor y escuchar".
El director confía en que tanto los cristianos como otros públicos responderán a este mensaje. "Espero que los temas de familia, no rendirse ante la tragedia, la dinámica social del grupo y el modo de vida atraiga y conmueva a un público no cristiano, y aquí entran muchos tipos diferentes de fe. Sería una tremenda decepción y sentiría que he fracasado si hubiéramos hecho una película únicamente para los cristianos. Hemos querido poner al alcance de todos una historia increíble".
Chiwetel Ejiofor y Rooney Mara están de acuerdo. "La película es un relato fascinante situado en el contexto de un potente deseo político para cambiar las cosas", dice el actor. "Se ve a personas que quieren cambiar y mejorar el mundo, y los problemas a los que se enfrentan. No me parece que importe si el público es o no es religioso. La película cuenta la extraordinaria historia de un pequeño grupo de personas que creyeron que podían cambiarlo todo".
"Muy al principio le dije a Garth que no quería trabajar en una película religiosa", recuerda Rooney Mara. "Pero él tampoco estaba interesado en rodar algo así, quería que fuera una película espiritual. Sinceramente, me gustaría que no llegase solo a un público religioso. Del mismo modo que Pedro y María Magdalena no entendieron las lecciones de Jesús del mismo modo, espero que los dos tipos de público puedan encontrar cosas diferentes en esta historia. Si somos capaces de poner de lado nuestras ideas preconcebidas acerca de la religión, todos veremos que hay algo maravilloso en lo que dijo Jesús, y no me refiero a la figura religiosa, sino a la del hombre, el sanador. Tenía mucho en común con personajes como Gandhi y Martin Luther King.
Según los Evangelios cristianos, María de Magdala fue testigo directo de la muerte de Jesús y de su sepelio, y también la primera en ver a Jesús resucitado.
En 591, el Papa Gregorio declaró que María Magdalena era una prostituta, una idea equivocada que ha pervivido hasta nuestros días.
En 2016, el Vaticano reconoció formalmente a María de Magdala como una Apóstol de los Apóstoles, es decir, igual a los doce discípulos, y como la primera mensajera de Jesús resucitado.
Un viaje en el tiempo
2018
Duración 109 min.
País Estados Unidos
Dirección Ava DuVernay
Reparto Oprah Winfrey, Reese Witherspoon, Mindy Kaling, Storm Reid, Zach Galifianakis,Chris Pine, Gugu Mbatha-Raw, André Holland, Levi Miller, Bellamy Young,Rowan Blanchard, Will McCormack, Michael Peña, Daniel MacPherson
Meg Murry (Storm Reid) es la típica estudiante de secundaria con problemas de autoestima que desea desesperadamente encajar en el mundo que le rodea. Meg es hija de dos físicos de prestigio mundial. Es inteligente y tiene un talento extraordinario, al igual que su hermano pequeño, Charles Wallace. Pero lo cierto es que Meg todavía no es consciente del poder de su don. Para complicar aún más las cosas, la misteriosa desaparición de su padre hace cuatro años dejó a Meg destrozada y a su madre con el corazón roto, y mientras los amigos y profesores del colegio la instan a pasar página, Meg sabe que todavía está vivo. Antes de desaparecer, el Sr. Murry estaba siguiendo ciertos acontecimientos que se estaban produciendo en el cosmos. Es entonces cuando descubrió el "tessering", un pliegue del tiempo y el espacio a través del cual es posible realizar un viaje intergaláctico. Pero es una teoría que no se ha podido probar y que la comunidad científica considera con mucho escepticismo.
Una noche, Charles Wallace, Meg y un compañero de clase, Calvin, conocen a tres visitantes de otro mundo que han viajado a la Tierra para con un importante mensaje para Meg: El descubrimiento de su padre es, de hecho, un logro extraordinario, pero una oscuridad se ha infiltrado en el universo y ahora el padre corre un gran peligro. Parten juntos en busca del Sr. Murry con la Sra. Cuál, la Sra. Quién y la Sra. Cómo como guías, conectando con mundos más allá de su imaginación y enfrentándose cara a cara con la poderosa y malvada energía. Pero para salvar a su padre, primero Meg tendrá que superar sus propios defectos e inseguridades y aprovechar la fuerza que sea necesaria para vencer a la oscuridad... y ese es un viaje que debe hacer ella misma.
Walt Disney Studios presenta "Un viaje en el tiempo", dirigida por la ganadora del Emmy® y candidata al Oscar® y al Globo de Oro® Ava DuVernay a partir del guión de la ganadora del Oscar Jennifer Lee y de Jeff Stockwell, y basada en la popular novela de Madeleine L'Engle. La película está producida por Jim Whitaker y Catherine Hand con Doug Merrifield y Adam Borba como productores ejecutivos, y está protagonizada por Oprah Winfrey, nominada en dos ocasiones al Oscar®, como la Sra. Cuál; por Reese Witherspoon, ganadora del Oscar, del Globo de Oro y del Emmy, como la Sra. Qué; por Mindy Kaling, nominada al Emmy, como la Sra. Quién; por Storm Reid como Meg Murry; por Levi Miller como Calvin; por Deric McCabe como Charles Wallace; por Gugu Mbatha-Raw como la Sra. Murry; por Michael Peña como Red; junto con el ganador de dos Emmy Zach Galifianakis como Happy Medium y el nominado al Emmy Chris Pine como el Sr. Murry.
Del libro a la pantalla
Cuando la novela para adultos jóvenes de Madeleine L'Engle "Un viaje en el tiempo" se publicó por primera vez en 1962, se convirtió inmediatamente en un clásico. La historia intemporal de una niña que busca a su padre por el universo cautivó a un sinfín de lectores de todo el mundo y generó cuatro libros adicionales con los mismos personajes conocidos como el Quinteto del Tiempo de L'Engle. En 1963, el libro recibió la Medalla Newbery (como la obra más significativa de literatura infantil de ese año), y su popularidad no ha dejado de crecer desde entonces. Hoy, el libro está disponible en 35 idiomas y ha vendido millones de ejemplares en todo el mundo.
50 años después, los ejecutivos de Disney barajaban la idea de llevar "Un viaje en el tiempo" a la pantalla grande cuando el productor Jim Whitaker contacto con el estudio para interesarse por el proyecto. Whitaker, cuya productora tiene sede en el complejo de Burbank y que ha producido películas para Disney, incluyendo "Mi amigo el dragón" y "Horas contadas", es fan del libro hace mucho tiempo y comprendió que una adaptación podría funcionar a varios niveles. El estudio estuvo de acuerdo y le contrató como productor.
"'Un viaje en el tiempo' es un viaje increíblemente emocional, pero se desarrolla en un paisaje magnífico y en un mundo que está más allá de lo dramático", dice Whitaker. "Es épico por su tamaño y alcance, pero también es profundamente emocional, entretenido y divertido y una magnífica aventura".
Catherine Hand lleva años estrechamente implicada en "Un viaje en el tiempo" y no tardó en unirse a Whitaker como productora. Hand conoció a Madeleine L'Engle hace más de 30 años cuando trabajaba para el legendario escritor y guionista de televisión Norman Lear, y estuvo en contacto con la escritora hasta que falleció en 2007, cuando L'Engle le legó los derechos del libro.
"Mantuvimos unas conversaciones maravillosas en las que comprendí lo que la historia significaba realmente para ella", explica Hand. "También tuve una visión más profunda de muchos de los temas del libro y pude apreciar lo rico y texturizado que es".
Hand continúa diciendo: "Leí el libro por primera vez en la época del asesinato de Kennedy, y recuerdo que los adultos que tenía a mi alrededor decían que la esperanza había muerto, algo muy difícil de comprender para una niña. El libro me dio esperanza y valor y me ayudó a comprender que aunque el mal existe, se puede superar".
En las siguientes dos décadas, Hand se empeñó en hacer una adaptación para el cine. "Catherine conoce la emotividad del material y vio el potencial que tenía para realizar unos efectos visuales increíbles; además se sentó a la mesa con un gran conocimiento del libro gracias a su amistad con Madeleine durante muchos años", dice Whitaker. "Esta película no existiría sin su tutela".
En 2014, el estudio contactó con la célebre guionista Jennifer Lee ("Frozen", "Ralph el demoledor") para adaptar la novela de L'Engle a la pantalla grande, una perspectiva que la emocionó. "De niña, el libro superaba en imaginación todo lo que había leído hasta entonces", dice Lee. "Y fue la primera vez que conocía a un personaje como Meg, alguien que es dinámico, con defectos y que es única. Emprende esta extraordinaria aventura y sale fortalecida como persona".
Los productores no tuvieron ningún problema en confiar el material a Lee. "Jennifer escribió uno de los mayores éxitos de Disney en los últimos años, 'Frozen', y los temas e ideas de esa película tienen cualidades similares a las que presenta 'Un viaje en el tiempo'", dice Whitaker. "'Frozen' tiene alma, tiene sentido del humor, es una aventura épica increíble y cuenta una historia muy personal sobre una chica con su propia misión, y de eso trata esta película, así que Jennifer tenía todas las cualidades ideales".
"Jennifer sabe cómo escribir personajes redondos y ganadores", continúa Whitaker. "Cuando lees un guión suyo, sientes que quieres estar con estos personajes y te identificas con ellos para que ganen, un verdadero triunfo para un guionista. Es tremendamente difícil hacer que el público se sienta unido al personaje, pase lo que pase".
"'Un viaje en el tiempo" es un libro que hace volar tu imaginación más allá de toda lógica. "El libro no sigue una estructura de película tradicional. Es muy etéreo, muy espiritual y se te mete en la cabeza. Entablar ese tipo de relación con un libro es fantástico porque eso es lo bueno de la lectura: tu mente llena los vacíos con lo que quieres ver. Pero en el cine tengo que tomar decisiones".
Y añade: "Cuando escribí sobre uno de los planetas que visitan los niños y describía su aspecto, quería evocar los mismos sentimientos que provoca el libro y no limitarme a seguirlo al pie de la letra. Además, este es el viaje emocional de Meg, así que tengo que entrar en su cabeza e interpretarlo todo cinematográficamente de forma que resulte tan evocador y emotivo como son las páginas escritas".
Un año después, con el guión terminado, empezaron las reuniones para decidir quién iba a ponerse al mando de un proyecto tan singular. El estudio quería a alguien con la capacidad, la creatividad y la pasión necesarias para dar vida a la historia... alguien que pudiera contar a la vez una historia íntima y otra con temas y problemas importantes... alguien inesperado.
Ava DuVernay era ese alguien. DuVernay es una conocida directora célebre con créditos cinematográficos que incluyen las películas nominadas al Oscar® "Selma" y "13th", además de la serie de televisión ganadora del premio NAACP Image "Queen Sugar". DuVernay cumplía fácilmente con sus criterios, pero cuando el estudio la contactó por primera vez, no se interesó inmediatamente. No fue hasta que se sentó y leyó el guión que comenzó a visualizar la historia que cobraría vida en la pantalla.
"La idea de 'Un viaje en el tiempo' me cautivó cuando leí el guión", recuerda DuVernay. "Como mujer, la historia de una heroína femenina protagonista de un viaje espectacular me entusiasmó".
Continúa diciendo: "'Un viaje en el tiempo' es una maravillosa mezcla de misterio, fantasía, aventura, ciencia, romance, mensaje social y espiritualidad. No es frecuente ver a chicas como protagonistas de una historia, y aún menos chicas de color, en medio de todos estos mundos y planetas diferentes. Superaba con mucho todo lo que había podido imaginar".
Charlotte Jones Voiklis, nieta de Madeleine L'Engle, descubrió que DuVernay era fantástica elección para dirigir la cinta, y dijo: "Es pionera en tantas cosas, como lo fue mi abuela. Creo que cada una es un maravilloso reflejo de la otra. Una de las cosas que mi abuela decía siempre es que no podemos pretender que el mal no existe... sólo tenemos que dar a los niños las herramientas para combatirlo. Ava también lo entiende así y lo hace con gran claridad de visión y empatía".
"Ava es una fuerza de la naturaleza, de voluntad y visión, y eso es indudable", añade Whitaker. "Personifica la gracia. Cuando llega al plató todo el mundo se siente inmediatamente a gusto. Hace que la gente se sienta bien, que dén lo mejor de ellos mismos y eso es lo maravilloso de trabajar con ella".
DuVernay sabía que el camino que tenía por delante sería difícil, ya que era importante que la película no sólo reflejara la historia emocional del viaje de una niña, sino también todo lo que ha significado el libro para tanta gente durante muchos años. "Aunque se han actualizado o modificado algunos aspectos de la historia para que sean más contemporáneos o cinematográficos, nuestro objetivo era reflejar la intención de Madeleine L'Engle en la historia", dice DuVernay. "Afortunadamente, la película hará que los amantes de los libros se sientan igual que se sintieron la primera vez que lo leyeron, aunque parezca un poco diferente porque mi trabajo es sobredimensionar sus recuerdos y realzarlos aún más".
Así comenzó un largo proceso en el que los realizadores investigaron, diseccionaron y analizaron lo que creían que eran las verdaderas intenciones de L'Engle con el libro y lo que quería que sus lectores sintieran. "Creo, como lo hacen las personas de su familia y las personas que la conocían, que Madeleine L'Engle era una mujer apasionada con agallas", dice DuVernay. "Era una artista valiente, así que nosotros también intentamos ser valientes en nuestras elecciones".
"La razón por la que este libro ha impactado a generaciones de personas es porque tiene un plus", continúa DuVernay. "Tenía el plus de la imaginación y la aventura en 1962, y nuestro objetivo era realzar esa ventaja a través de nuestro diseño y nuestros efectos para que el guión de Jennifer Lee brillara aún más".
"Un viaje en el tiempo" es un cuento intemporal, y las diferentes perspectivas de DuVernay y de Lee enriquecen maravillosamente bien la poderosa historia de L'Engle al tiempo que la dotan de una nueva visión.
Un reparto de personajes icónicos
Con mujeres de enorme talento como la directora Ava DuVernay, la guionista Jennifer Lee y la productora Catherine Hand, "Un viaje en el tiempo" ya tenía una potente voz femenina, pero DuVernay siempre ha defendido proyectos que promueven la inclusión, y se comprometió a hacer una película con la que se identificaría todo el mundo. Como resultado, el género y la etnia no fueron ningún obstáculo durante el casting, de forma que en la película está representada una enorme variedad de edades, sexos y antecedentes culturales.
"Esta es una historia sobre la pertenencia", dice DuVernay. "Se trata de una niña que no se siente fuerte en su mente, cuerpo y espíritu. Pero gracias a este viaje épico, se hace fuerte y aprende que el centro del universo empieza dentro de ella. Se trata de que Meg comprenda que tiene un lugar en el universo y que puede desempeñar un papel muy importante... como todos nosotros".
La Sra. Cuál, la Sra. Qué y la Sra. Quién son las tres visitantes fruto del polvo de estrellas que ahora son pura luz. Han venido a la Tierra adoptando forma humana para derramar esa luz sobre Meg con sabiduría y amor mientras busca a su padre. Cada una de ellas tiene una enorme importancia en la narrativa original de L'Engle, y al estar maravillosamente bien desarrolladas en el guión, aportan todavía más a la historia. Dice DuVernay: "Todos tenemos Sras. en nuestras vidas. Las Sras. representan nuestros instintos, nuestra imaginación, nuestra educación y nuestra experiencia, todos esos elementos intangibles, y si las escuchas para dar lo mejor de ti mismo, entonces podrás emprender el camino que elijas".
"Meg lucha con sus propios demonios y la esperanza llega en la forma de estas tres Sras.", dice el productor Jim Whitaker, "Son el catalizador que permite a Meg darse cuenta de que ella posee todas las herramientas necesarias para superar su propia oscuridad".
Para cumplir con su objetivo principal de reflejar una representación más diversa en la pantalla, DuVernay optó por alejarse de la descripción de L'Engle de estos tres personajes al elegir los papeles, y se decantó por actrices del sudeste asiático, caucásicas y afroamericanas. La elección, aunque totalmente original y algo inesperada, corroboraba aún más la nueva experiencia que la directora quería brindar al público.
DuVernay siempre imaginó a Oprah Winfrey para el papel de la Sra. Qué, la más veterana y sabia de las tres Sras. Junto con la Sra. Qué y la Sra. Quién, son auténticas guerreras que se esfuerzan por proteger todo lo que es bueno y brillante en el universo y que se dedican a ayudar a Meg, Charles Wallace y Calvin en su búsqueda del Sr. Murry.
El actor, productor y filántropo Winfrey es presidente y CEO de la cadena de televisión por cable OWN, pero es más conocido por ser el presentador del galardonado programa "The Oprah Winfrey Show". También ha sido actor y productor de numerosos títulos de cine y televisión, incluidos: "El color púrpura", "Selma" y "The Immortal Life of Henrietta Lacks", entre otros. Winfrey y DuVernay trabajaron juntos por primera vez en "Selma", y la serie de televisión que crearon juntos, "Queen Sugar", se emite actualmente en la cadena de Winfrey. El director también tiene un acuerdo de producción con Harpo Films de Winfrey.
"Nunca olvidaré el día en que recibimos una llamada telefónica de Ava preguntándonos: '¿Qué te parece Oprah para la Sra. Cuál? ¿Qué te parece que una de las personas más inteligentes del mundo interprete a una de las personas más inteligentes del universo?, dice la productora Catherine Hand. "Y no dudamos ni un segundo. Le preguntamos a Ava si a Oprah le parecería bien y ella dijo que sí. Así que estábamos contentísimos porque Oprah es la Sra. Cuál perfecta".
"Es muy difícil superar a Oprah Winfrey en personalidad, humor e influencia", añade Whitaker. "Y la Sra. Cuál está a su altura. En sus tiempos fue una estrella, ha vivido en el universo desde hace eones y tiene la calidez, la sabiduría y la inteligencia que le faltan a las otras dos Sras.".
Winfrey añade: "La Sra. Cuál existe hace milenios. Es un ser cósmico angelical que siente una total empatía con todos los seres humanos y es la esencia del universo. Entiende que el amor y la luz son lo único que importa y viaja por todo el universo para difundir ese mensaje".
Continúa diciendo: "Para mí era una mezcla entre la mujer más inteligente que conozco, Maya Angelou, y mi personaje mágico favorito de todos los tiempos, Glinda, la bruja buena de 'El mago de Oz'. Pero tenía que resultar real, así que la relacioné con Maya Angelou, que es una amiga personal, una figura materna, una hermana, maestra y mentora para mí. Maya transmite seguridad, voluntad y sabiduría y tiene una enorme presencia".
A Winfrey le impresionó ver a DuVernay en el set, comprendió que la directora se sentía muy a gusto en ese ambiente. "Una de las cosas que aprecio de Ava es que no sólo comprende el valor de la historia, sino también él de todas las personas que contribuyen a hacer la historia", dice Winfrey. "Se rodea de los mejores equipos, de personas que son buenas y amables, que comparten la misma visión y que están dispuestas a hacer todo lo sea necesario para que el proyecto salga adelante".
Para el papel de la Sra. Qué, la segunda guía etérea que ha viajado a la Tierra, los realizadores buscaban a alguien encantador y divertido, palabras que describen perfectamente a Reese Witherspoon. La actriz y productora, cuyos créditos van desde "Legalmente rubia" y "Johnny & June - Pasión y locura" hasta "Big Little Lies" y "Alma salvaje", era un gran admiradora del libro que leyó de niña. Así que se emocionó cuando le ofrecieron el papel de la joven y enérgica Sra. Qué.
Además le encantaba la idea de trabajar con DuVernay. "Me impresionó el trabajo de Ava en 'Selma'. Creó una película maravillosa muy bien escrita y dirigida", dice Witherspoon. "Y contar con esta realizadora tan increíble, tan fuerte y femenina en el centro de la historia me parecía muy interesante".
Al describir su personaje, una estrella que abandonó su existencia para luchar contra la oscuridad, Witherspoon afirma: "La Sra. Qué es la más joven de las tres mujeres... sólo tiene 2.000 millones de años. Esta es su primera misión como guía viajando por el universo luchando por la luz y la bondad de las personas y de la humanidad, pero ella es nueva en la Tierra y no está acostumbrada a adoptar la forma humana y es muy curiosa".
"Es inocente, casi infantil, y desea impresionar desesperadamente a la Sra. Quién y a la Sra. Cuál, pero no comprende cómo funcionan las cosas, así que siempre está jugando con las cosas", continúa diciendo Witherspoon. "A veces dice cosas en voz alta, sin darse cuenta de que la gente puede oírla, y a veces lo que dice no es muy acertado".
La cómica, actriz y escritora Mindy Kaling ("The Office", "The Mindy Project", "Intensa-Mente") encarna a la tercera guía astral, la Sra. Quién, un personaje que representa un crisol del mundo en el que vivimos, tanto históricamente como en la época actual. La más silenciosa del grupo, la Sra. Qué ha adoptado el lenguaje de algunos de los mayores guerreros espirituales como vehículo de comunicación. Habla con proverbios y citas de figuras como Shakespeare, Churchill y Buda.
"La Sra. Quién ha evolucionado tanto que no comprende por qué necesitamos el lenguaje", explica la guionista Lee, "así que para comunicarse no se molesta en pensar por sí misma, sólo le roba palabras a los demás".
Kaling afirma: "La Sra. Quién es un personaje muy misterioso porque habla a través de las palabras y sentimientos de otras personas, y para alguien como yo que soy muy expresiva y siempre tengo mucho que decir y que opinar, el papel era todo un reto. También quería decir que no podía improvisar en el plató, algo que me ha ocurrido muy pocas veces".
La Sra. Quién personifica el amor incondicional y es como una madre sustituta cuando los niños están fuera de casa. Y sus gafas tan peculiares, que regala a Meg, demuestran ser una ayuda crucial para rescatar al Sr. Murry.
Storm Reid, de doce años, fue la primera actriz que vio DuVernay para el papel de Meg Murry, la protagonista y heroína de la historia. Reid creció en Atlanta y sólo tenía unos pocos créditos en su haber en ese momento ("Doce años de esclavitud", "NCIS: Los Angeles", "Chicago PD"), pero clavó el personaje en su primera audición, transmitiendo con enorme naturalidad una combinación perfecta de cautela, curiosidad, carisma y vulnerabilidad que el papel exigía.
A DuVernay le impresionó la primera lectura de Reid, al igual que al resto de los realizadores. "Está maravillosamente bien en la película", dice Whitaker. "Tiene muchísimo talento y comprendes lo que sientes cuando la miras".
Para Reid, ser elegida para encarnar al icónico personaje literario era emocionante a la vez que aterrador. "Ser una de las primeras chicas afroamericanas protagonista de una película de ciencia ficción comporta una presión enorme", explica. "Pero cuando salió el anuncio recibí tantos comentarios positivos, con niñas diciendo: 'Dios mío, esa es Meg y se parece a mí'. Eso fue una gran inspiración, así que me siento muy afortunada de tener la oportunidad de formar parte de algo tan especial".
"Meg es un modelo maravilloso para las niñas porque no es perfecta", dice Charlotte Jones Voiklis. "Es rara, se siente fuera de lugar, pierde los estribos, se mete en líos y se siente sola e incomprendida. Leer una historia sobre una persona joven que tiene que lidiar con esas cosas, que es capaz de crecer y darse cuenta de que su rabia y su terquedad, cosas que creía que eran defectos, son en realidad cualidades que ayudarán a salvar el universo, tiene una fuerza gigantesca".
"Storm Reid en el papel de Meg es una desviación de la descripción de la niña del libro", dice DuVernay. "Es una niña birracial, así que integra a diferentes tipos de personas en su ser. Lo bueno es que cualquiera que vea esta película, puede verse reflejado en ella. El mundo real está integrado por todo tipo de personas. Es una colcha de retales, un tapiz, y todos tenemos un hilo dentro de ella".
"Storm tiene un talento muy especial", continúa diciendo DuVernay. "Durante el rodaje, me dejaba boquiabierta todos los días por su talento interpretativo. Es una protagonista romántica, una heroína, hace secuencias de acción, salva situaciones, llora, ríe, se muestra impaciente, indulgente, cariñosa, rencorosa... lo hace todo. Está en todos los fotogramas de la película, y la sostiene como una roca. Es una fuerza de la naturaleza".
Los guerreros pueden venir de los lugares más inesperados, y Meg Murry no sabe que ella, de hecho, forma parte de algo mucho más grande. La desaparición de su padre y su convencimiento de que sigue vivo le impiden ver quién es en realidad. No está segura de sí misma y empieza a aislarse del mundo, convenciéndose de que cuando su padre vuelva las cosas volverán a ser como antes.
"Una de las cosas que más me gusta de Meg es que no le importa lo que otras personas piensen de ella", dice Reid. "La acosan en el colegio y hay toda clase de rumores sobre la desaparición de su padre, pero ella emprende un maravilloso viaje en el que aprende a amarse a sí misma, a ponerse en pie y a luchar por su familia".
Durante el rodaje, Reid se sumergió en el personaje y disfrutó muchísimo con el trabajo de los especialistas, aunque hizo muchas de las escenas de riesgo ella misma. "Una vez estábamos corriendo a través de los bosques de secuoyas con efectos especiales que hacían que pareciera que los árboles caían detrás de nosotros y resbalé", dice riendo. "Seguí adelante porque hizo que pareciera más real, pero fue un poco estresante. En otra ocasión, estaba colgada del aire. Me estaban tirando de un precipicio, pero la verdad es que me divertí muchísimo".
Para Hand, Reid no sólo tiene talento como actriz. "Es una persona muy amable y cariñosa que está increíblemente agradecida por conseguir el papel. No creo que haya un solo día en el que no me haya dado un abrazo cuando llegaba al set".
Según Winfrey: "He estado rodeado de muchos niños pero nunca había conocido a alguien como Storm Reid. Tiene talento, es buena, amable, generosa con su tiempo y con su corazón".
"Storm tiene una gran fortaleza de carácter y es una artista extraordinaria", agrega Witherspoon. "Nunca he visto a una joven explorar escenas tan profundas con tanta empatía".
Casi al final de un casting de seis meses por todo el mundo y tres semanas antes del inicio del rodaje, los realizadores encontraron a su Charles Wallace y contrataron a Deric McCabe, de 10 años, para el papel del hermano pequeño de Meg. Charles Wallace es un niño precoz y extremadamente inteligente para su edad. Adora a su hermana mayor pero no tiene muchos amigos de su edad. Mientras busca a su padre, es presa de la misma energía malvada que mantiene prisionero al Sr. Murry.
"Charles Wallace es muy inteligente, pero tiene 5 años. "Ve el mundo, toda la magia que hay en él y todo el potencial que atesora. Pero también es un niño que no tiene miedo a decir lo que piensa y que puede parecer algo arrogante para su edad, lo que le acarreará algunos problemas. Aun así, hay algo especial en él y lo que lo hace especial también lo hace vulnerable, como ocurre con muchas personas en la vida real".
Completando el trío de intrépidos jóvenes viajeros está el actor australiano Levi Miller ("Peter Pan", "Better Watch Out"), que interpreta a Calvin, un alumno del colegio de Meg. Calvin es un atleta estrella y es bastante popular entre las chicas. Aunque proviene de una familia disfuncional, resulta ser un amigo amable y comprensivo con Meg cuando más lo necesita.
"Meg está enamorada de Calvin, pero no quiere que él lo sepa", dice Reid. "Por desgracia, eso la hace parecer distante al no querer parecer interesada en él. Pero durante el viaje se entera de la relación de Calvin con su padre, lo que hace que se sientan próximos y empiecen a confiar el uno en el otro".
Chris Pine, la estrella de numerosos éxitos de taquilla y aclamadas películas independientes, incluido el reinicio de la franquicia "Star Trek", "Wonder Woman" y "Sin nada que perder", fue elegido para dar vida al Sr. Alex Murry, padre de Meg y Charles Wallace. Es un físico teórico empleado por la NASA que, con la ayuda de su esposa, descubrió el tessering. Desapareció misteriosamente hace cuatro años y está preso en el planeta Camazotz.
Whitaker trabajó con Pine en el thriller náutico "Horas contadas" y tuvo la sensación de que el papel le resultaría atractivo al actor. A Pine le interesó ya que pensó que la historia tenía mucho que ver con el clima político actual.
"Ava y yo nos reunimos para tomar un café y tuvimos una conversación genial sobre la vida", recuerda Pine. "Me encantó Ava y su visión del mundo. Y también lo que intentaba lograr con este proyecto. ¡Así que cuando apenas habían pasado 10 minutos ya estaba totalmente enganchado!"
Continúa diciendo: "Mi visión del Sr. Murry comenzó a tomar forma en esa primera conversación con Ava. Hablamos mucho sobre el ego versus el alma. El ego necesita reconocimiento, pero ¿qué necesita el alma? Mientras hablábamos, yo me decía, 'Dios mío, este es el tema de la película'. Me refiero a quién es el Sr. Murry: Se define por una gran lucha entre lograr grandes cosas y querer cosas reales. Se siente desgarrado entre dos fuerzas: la familia y su yo".
"El Sr. Murry es un doctor frenético, obsesivo y ambicioso que quiere hacer lo correcto para su familia y para la humanidad, que cree que está saliendo al universo para encontrar algo que nunca había encontrado nadie", dice Whitaker. "Se esfuerza por encontrar algo que sea más grande que él mismo, lo que se convierte en un dilema complejo para él porque no quiere sacrificar a su familia en el intento".
"Chris tiene una maravillosa habilidad para no ser Chris Pine y ser la persona que necesita ser en ese momento, y en este caso se trata del padre de Meg", continúa diciendo Whitaker. "No es un papel muy extenso, pero es importante porque el público debe entablar una conexión emocional con el personaje y creer en la relación que tiene con Meg, lo que impulsa la película en el plano emocional".
Reid lo explica así: "Meg y su padre tienen una relación increíble. Están muy unidos y solían hacerlo todo juntos. Pero cuando se va, Meg ya no tiene fuerzas para seguir adelante y abrirse paso en la vida".
Gugu Mbatha-Raw ("La Bella y la Bestia", "Sola contra el poder") interpreta a Kate Murry, la esposa de Pine en la pantalla. Se trata de una reconocida biofísica y es el epítome de la mujer moderna. Trabaja en un laboratorio de ciencias instalado en su casa para poder mantener un ambiente cálido donde criar a sus hijos. Está destrozada por la desaparición de su esposo y desconcertada porque no sabe la razón de su partida. Mbatha-Raw da vida a este personaje es a la vez desgarradoramente creíble e increíblemente empático.
Red, un personaje conocido en el libro de L'Engle como El hombre de los Ojos Rojos, está interpretado por Michael Peña ("Ant-Man", "Escándalo americano (American Hustle)"). Red se acerca a los niños en una playa en el planeta de Camazotz con un atuendo extravagante, pero en realidad es un peón controlado por el IT que seduce a Charles Wallace. De hecho, llega momento en el que el público se da cuenta de que Red tiene cuerdas en la espalda, como una marioneta.
El extraordinario cómico Galifianakis ("¿Qué pasó ayer?", "Baskets") es el Happy Medium, un vidente a quien visitan Meg, Charles Wallace y Calvin visitan, con la esperanza de obtener información sobre la ubicación del Sr. Murry. En el libro de L'Engle, Happy Medium es una mujer, pero los realizadores eligieron a un hombre ya que el reparto ya estaba muy centrado en las mujeres. "Zach resulta gracioso cada vez que abre la boca, pero también es muy emotivo", dice Whitaker. "Su personaje vive en una cueva porque quiere evitar la oscuridad y es una existencia que ha creado para no relacionarse con nadie".
Kaling se desvive en elogios al actor: "Zach nunca hace lo mismo dos veces en una escena porque le gusta mantener la frescura, que es algo que viene de la formación de un cómico, y que me ayudó mucho como actriz. De hecho, cambió la dinámica del set porque es tremendamente gracioso".
El reparto adicional incluye a: André Holland ("Moonlight", "Selma") como el Sr. Jenkins, el director del Instituto James Baldwin, que se siente frustrado con la mala actitud de Meg y su extraño comportamiento; Rowan Blanchard ("El mndo de Riley", "Mini espías y los ladrones del tiempo 4") es Veronica Kiley, una compañera de clase que se burla implacablemente de Meg pero que en realidad es insegura e infeliz; y Bellamy Young ("Scandal") que da vida a una mujer del planeta Camazotz bajo el control de IT.
El salto a la aventura cinematográfica
Llevar el clásico de Madeleine L'Engle a la pantalla fue una empresa de gran envergadura que exigía lo mejor de lo mejor en todos los ámbitos. "Todas las películas tienen ese momento en el que es necesario hacerlas", explica el productor Jim Whitaker, "y en este caso parecía necesario hacerla realidad. Es una película difícil, pero estamos atravesando una época muy complicada. El proyecto combinaba una tecnología que no deja de avanzar y unos temas muy adecuados para los tiempos que vivimos, así que era el momento perfecto para hacer esta película".
Para ayudar a dar vida a la historia de L'Engle, los realizadores reclutaron a algunos de los mejores profesionales del panorama actual: el director de fotografía Tobias Schliessler, ASC; la diseñadora de producción Naomi Shohan; el montador nominado al Oscar® Spencer Averick, ACE; el diseñador de vestuario nominado dos veces al Premio de la Academia® Paco Delgado; el supervisor de efectos visuales nominado al Oscar Rich McBride; el compositor nominado al GRAMMY® y cuatro veces nominado al Emmy®, Ramin Djawadi; la jefa del departamento de maquillaje LaLette Littlejohn; y la jefa del departamento de peluquería nominada al Emmy, Kim Kimble.
Al igual que con el reparto, los realizadores animaron a los jefes de departamento a que salieran de su círculo de talentos habitual en un intento de atraer nuevas caras y recabar nuevas ideas para ayudar a ampliar la visión original de L'Engle. "El libro es intemporal y resiste perfectamente el paso del tiempo", dice la directora Ava DuVernay. "Pero también queríamos ofrecer al público una experiencia nueva".
Whitaker añade: "Ava quería que todos los jefes de departamento trabajasen con sus equipos para encontrar la mejor manera de representar cada escena de la manera más creativa posible. Les preguntaba a cada momento: '¿Cómo podemos rendir homenaje a las ideas del libro pero mostrando al público algo diferente?'".
El rodaje de "Un viaje en el tiempo" arrancó en noviembre de 2016 en la ciudad de Compton, cerca del centro de Los Ángeles. El rodaje también discurrió en otras localizaciones de California como el distrito de West Adams en Los Ángeles, Venice Beach, San Pedro y los bosques de secuoyas del norte de California. La producción también se rodó en los platós de Santa Clarita Studios a las afueras de Los Ángeles.
Cuando terminó el rodaje en Estados Unidos, un equipo reducido viajó a Nueva Zelanda para filmar durante dos semanas en la pintoresca Isla Sur antes de terminar en febrero de 2017. La película se rodó en varios lugares remotos con la esperanza de capturar la belleza de la naturaleza virgen del país, y cada escenario era aún más impresionante que el anterior.
El productor Jim Whitaker y el productor ejecutivo Adam Borba conocen bien Nueva Zelanda, después de haber pasado varios meses rodando "Mi amigo el dragón" en 2015. Junto con el productor ejecutivo Doug Merrifield, recorrieron el país obteniendo permisos para rodar y aprovechando la mano de obra local para contratar a miembros adicionales del equipo, dobles, especialistas y suplentes.
"Hacer películas puede resultar muy largo. El rodaje llega a durar semanas, y las cosas se mueven muy lentamente, pero a veces se produce un momento mágico como el que vivimos al llegar a Nueva Zelanda", dice Whitaker. "Fue una sensación de euforia absoluta. Hacia buen tiempo y lucía el sol, las vistas de las montañas y del lago eran maravillosas y todo estaba ante nuestros ojos".
"Nueva Zelanda resultó ser mágica", dice Reese Witherspoon. "Los colores son diferentes, el aire es diferente... incluso la comida sabe diferente allí, y la gente es encantadora".
"Uno de mis días preferidos en Nueva Zelanda también fue uno de los más complicados", recuerda Oprah Winfrey. "Estábamos rodando una escena en la que las tres Sras. están en medio de este hermoso campo de césped dorado, y resultó ser una de las mejores tomas que he visto en mi vida".
Diseño de producción: Naomi Shohan
Una de las tareas principales de la diseñadora de producción Naomi Shohan ("American Beauty", "The Lovely Bones") es crear el contexto visual y la continuidad que darán forma a la experiencia del espectador. En "Un viaje en el tiempo" también había que encontrar formas de abordar la historia de forma que fuera lo más cinematográfica posible. Comenzó analizando con su equipo y el resto de los departamentos la naturaleza del proyecto, incluida la historia y su intención emocional y filosófica. Se ilustró la información resultante y después se convirtió en el diseño conceptual que se utilizó para determinar cómo (y dónde) se rodaría la película.
Para la ciudad no especificada donde reside la familia Murry, los realizadores eligieron Compton, una ciudad en el condado de Los Ángeles, ubicada al sur del centro de la ciudad. Compton, y Los Ángeles en sí, es una fusión de diversidad, lo que era el escenario ideal, y visualmente, el Instituto Crenshaw era perfecto para representar la James Baldwin Middle School, donde Meg cursa octavo grado. También es el alma mater de Ava DuVernay.
Una casa tradicional estadounidense del distrito de West Adams en Los Angeles se convirtió en la residencia de los Murry. Como Meg y Charles Wallace visitan mundos fantásticos en "Un viaje en el tiempo", era importante para los realizadores que el público viera por primera vez a la familia viviendo en un entorno creíble y real para hacer que su mundo resultara realista. Shohan eligió este barrio en particular porque el estilo arquitectónico de las casas lo convierte en un entorno muy agradable y acogedor para una familia.
Descubrió que la historia de la zona también era fascinante. "El distrito de West Adams ha cambiado mucho en los últimos 20 años", explica Shohan. "En un principio lo construyeron personas prósperas y cultas cerca del centro de Los Ángeles, pero con el paso de los años esa gente se fue y se trasladó a otros lugares. Las casas las retomaron personas que se consideran más 'marginales'".
La casa tenía un precioso garaje adosado, que era perfecto para el laboratorio del Sr. y la Sra. Murry. "Cuando llegamos por primera vez a la casa, el garaje estaba abarrotado de cosas", dice riendo Shohan. "Pero lo vaciamos y lo limpiamos y era perfecto... de hecho, ahora estoy bastante celoso de su garaje".
En la historia, la investigación intergaláctica de los Murry les lleva a descubrir el 'tessering', un medio para viajar por el espacio con el que se pueden cubrir grandes distancias en un abrir y cerrar de ojos. El viaje es posible a través de una quinta dimensión conocida como 'teseracto' y es algo que queda fuera de las reglas del tiempo y del espacio conocidas por la mayoría de las personas.
El departamento de arte contó con equipamientos científicos de verdad que les proporcionó el Laboratorio de Propulsión a Chorro de la NASA para que los utilizaran en el laboratorio-garaje. De esa forma parecería un espacio de trabajo real, ya que DuVernay quería que los elementos científicos que se abordan en la historia fueran lo más realistas posible. Las paredes del laboratorio estaban cubiertas con tablas, gráficos y datos sobre las actividades de ambos doctores, y todas las ecuaciones eran un cálculo tangible proporcionado por astrofísicos y físicos teóricos de verdad.
La nieta de Madeleine L'Engle, Charlotte Jones Voiklis, reconoce que su abuela no tenía mucha formación científica cuando escribió el libro. "Su amor por la ciencia estaba en las metáforas que venían implícitas", dice. "Le encantaba la idea de que al abrir el corazón del átomo, liberamos algo que no sabíamos controlar. Ella vio en eso un gran potencial creativo, así como un gran potencial destructivo".
Aun así, los realizadores esperaban poder explicar, en teoría, el concepto de 'tessering', tanto visual como temáticamente. Según Shohan: "En esta historia mostramos a nuestros personajes viajando del punto A al punto B, que están a 92 millones de años luz de distancia y sin que haya pasado el tiempo, así que queríamos poder explicarlo en términos sencillos".
Cuando se cuestiona la viabilidad de la teoría del 'tessering', la astrofísica de la NASA Amy Mainzer y la ingeniera de sistemas Tracy Drain confirmaron que un 'tesseract' es un concepto geométrico real, pero geométricamente hablando, un cuadrado es bidimensional y un 'teseracto' es tetradimensional.
"Hay que imaginar un cubo dentro de un cubo o un hipercubo", dice Drain. "Hablando en sentido figurado, el 'teseracto' de la película permite viajar a través de una quinta dimensión, que, en la vida real, todavía está en debate. Así que la viabilidad del 'tessering' depende de a quién le preguntes".
"Debes tener ciertas cualidades internas y cierta fuerza interior para viajar a través de una arruga en el tiempo y el espacio", dice DuVernay. "Esa es una de las cosas que Meg tiene que encontrar en su viaje". Al final, la cámara se centra en las reacciones de los personajes ante el teseracto, lo que permite al público imaginar mejor cómo sería el 'tesser' en realidad.
Efectos visuales: Rich McBride
Para crear visualmente los efectos del 'tessering' en la pantalla, así como los numerosos efectos necesarios para dar vida a la visión de Ava DuVernay, la directora contactó con Rich McBride de Industrial Light & Magic, ya que admiraba su trabajo en películas como "Gravity" y "El renacido (The Revenant)".
"Lo que aprendí de Rich es que los efectos visuales están impregnados en la fotografía", dice DuVernay. "Crear luz en una imagen digital de la misma manera que creo luz y doy forma a la luz en el set, fue una parte muy importante de mi trabajo con Rich. Nunca había trabajado con un supervisor de efectos visuales que también hablara en esos términos. No sólo se trata de los elementos, sino también de utilizar la luz para que resulte lo más real posible. Fue un proceso muy colaborativo, y también muy intenso, pero fue un verdadero placer".
Establecer el aspecto de los diferentes planetas que visitan mientras buscan al Sr. Murry fue una tarea que la diseñadora de producción Naomi Shohan estaba ansiosa por abordar, y determinar cómo se verían esos mundos distantes implicaba meses de trabajo y colaboraciones con todos los departamentos. Los planetas también son una parte importante del arco narrativo de Meg. Cuando la historia comienza, ella está en el colegio, un mundo en el que es más fácil adaptarse que mostrarte cómo eres de verdad. Cada planeta al que viaja es un desafío a algún aspecto de su personalidad, y al encontrarse a sí misma sale fortalecida.
El planeta Camazotz, donde existe la energía maligna del cerebro incorpóreo conocido simplemente como el IT, cambia constantemente su apariencia. El IT controla a todos los habitantes de Camazotz, incluidos el Sr. Murry, que está preso en el planeta. Camazotz es el único planeta donde las tres Sras. no pueden hablar, ya que son luz pura y positiva y por lo tanto no pueden existir en un lugar oscuro.
Algunas escenas de Camazotz se rodaron en Nueva Zelanda, mientras que otras se filmaron en los bosques de secuoyas del norte de California, en Patrick's Point y Sequoia Park a las afueras de Eureka en el condado de Humboldt, que incluyen la escena en la que Meg y Calvin temen que algo los está acechando en el bosque. Para rodar la escena, McBride se sirvió de drones para capturar imágenes que luego se metieron en el ordenador para que los especialistas de efectos visuales tuvieran acceso a toda la profundidad del bosque y utilizarlos para diseñar los efectos generados por ordenador.
"Tomamos elementos del bosque que se ven en el fondo como los árboles, el follaje y la tierra y les dimos vida para que el público comprenda que en realidad es la tierra, el bosque, las rocas, la suciedad, lo que les persigue", explica McBride.
"Empezamos con una simulación de algo parecido a una tormenta, de un viento que derriba árboles y de suciedad y hojas que se levantan en medio de todo este viento que sopla en el aire", continúa diciendo McBride. "El equipo de efectos especiales crea viento y arroja algunos árboles de verdad ante los actores para redirigirlos, a lo que posteriormente añadirán elementos digitales que están mezclando".
Para crear los barrios perfectos de Camazotz donde los niños tropiezan con una urbanización a las afueras compuesto de casas idénticas con niños que juegan con pelotas de forma sincronizada, Shohan asumió que su departamento tendría que construir ellos mismos las casas. Afortunadamente, encontraron una base militar en San Pedro que funcionaba a la perfección. La zona ofrecía una sensación perfecta de uniformidad y sólo exigió un trabajo mínimo de jardinería para asegurarse de que todos los jardines fueran idénticos.
"Todo se parecía y afortunadamente nadie en la urbanización prestaba demasiada atención a sus jardines, así que fue el regalo perfecto", dice Shohan. "Pero también parecía perfectamente espeluznante".
Esa escena es fundamental para Meg, ya que desafía su deseo de ser como todos los demás en lugar de desarrollar un sentido de individualidad real. En Camazotz también se desarrolla la escena en una playa abarrotada en la que Red se acerca a Meg, Charles Wallace y Calvin, y que se rodó en Venice Beach, en Los Ángeles. Aunque los niños no lo saben, la playa es en realidad una ilusión creada por el IT.
"Es una de mis escenas favoritas de la película y estaba en el primer borrador de Jennifer", dice el productor Jim Whitaker. "Red dice: '¿Por qué no vienen conmigo a hacer un viajecito?' para atraerlos al oscuro mundo de Camazotz. Pero comienza con Michael Peña saliendo de la nada para ayudarles".
Uriel, el primer planeta en el que Meg, Charles Wallace y Calvin están teselados, es un planeta exuberante, verde y fértil que sólo ha conocido la luz. Tiene plantas y flores sobredimensionadas que cubren su terreno montañoso, y algunas pueden llegar a comunicarse con los humanos. Las majestuosas montañas de Aoraki Mount Cook en Nueva Zelanda sirvieron de telón de fondo para varias escenas ambientadas en el planeta Uriel. El rodaje tuvo lugar en la costa occidental del lago Hawea, en el centro de Otago, una finca de 7.000 acres con maravillosas tierras verdes a orillas de un lago azul brillante rodeado por pintorescas montañas cubiertas de nieve.
"Leer la bella descripción de Uriel en el guión me hizo pensar en un lugar floreciente donde siempre hay luz solar y mucha agua para ayudar a que todos los seres vivos crezcan", dice DuVernay. "Imagina el lugar más hermoso de la Tierra... Uriel es eso multiplicado por diez".
"Es donde las flores hablan el lenguaje del color, los árboles hablan de movimiento, el cielo habla y el agua habla y todos tienen su propio idioma", añade Oprah Winfrey.
También es donde la Sra. Qué se transforma en una magnífica criatura alada y hace volar a los niños alrededor del planeta. "Es medio mariposa, medio serpiente, y rodarla fue algo mágico", dice Reese Witherspoon.
"Un viaje en el tiempo" fue la introducción de Witherspoon al mundo de los efectos generados por ordenador. "Fue increíble observar el proceso por el cual mi personaje, la Sra. Qué, se convierte en una criatura mágica", dice la actriz. "Es lo que siempre me ha gustado de las películas de Disney... la imaginación de todos los que están implicados en los efectos visuales es impresionante. Esas personas pueden crear cualquier cosa".
El planeta Orión, que tiene capas de niebla gris densa y baja que cubre su paisaje rocoso, es el hogar de Happy Medium, un vidente que vive en una cueva para evitar cualquier enfrentamiento y esconderse de la oscuridad. La cueva que se creó para la película es mucho más compleja que la descrita en el libro y fue construida en los platós de Santa Clarita Studios. Es el set más grande jamás construido y su construcción duró cuatro meses.
El concepto de un médium feliz trata sobre el equilibrio en la vida personal, por lo que Shohan y su equipo reinterpretaron por completo su hogar y crearon un espacio que reflejara el tema del equilibrio. La guionista Jennifer Lee lo explica: "La cueva es un sistema complicado diseñado para ayudar a los visitantes a equilibrar todo en sus vidas. Consiste en maravillosas esculturas y complicadas barras de equilibrio, por lo que es un mundo en el que deben aprender a equilibrarse antes de poder tener éxito en lo que intentan hacer".
La cueva tiene una paleta de color ámbar y tiene un diseño vertical, en espiral hacia abajo. Las paredes estaban hechas de madera, que luego se enlució y se pintó, y las barras de cristal ámbar, de fibra de vidrio, se unieron a las paredes, para que parecieran escalones (pero se movían como un balancín). Una vez que en la cueva todo está equilibrado y en armonía, Happy Medium usa su energía para crear visiones, lo que resulta en una escena muy emotiva.
Fotografía: Tobias Schliessler
Aunque "Un viaje en el tiempo" es una historia personal y emocional sobre el viaje de una niña para superar la oscuridad que hay en su interior, también es un espectáculo visual con mundos extraordinarios que exigían la presencia de un director de fotografía inteligente con experiencia en iluminación y filmación de una variedad de looks y atmósferas.
Al director de fotografía Tobias Schliessler, entre cuyos créditos están "La bella y la bestia", "Día del atentado", "Dreamgirls" y "Friday Night Lights", le gusta pasar de un género cinematográfico a otro y eso le mantiene alerta. "Mi trabajo es comprender la visión de un director y llevarla a la pantalla, así que cada película representa un nuevo desafío a la hora de saber interpretar lo mejor posible la historia usando cámaras y luz", dice.
Schliessler creció en Alemania y no estaba familiarizado con la novela de L'Engle así que llegó al set con una idea básica sobre la historia y los personajes. Afortunadamente, la directora Ava DuVernay ya tenía una visión sobre cómo quería contar visualmente la historia y él no tardó en ponerla en marcha. Ambos desarrollaron rápidamente una dinámica de trabajo muy fluida.
DuVernay quería que los aspectos emocionales de la historia se reflejaran en la pantalla, por lo que el director de fotografía buscó formas creativas para ayudar a visualizar las emociones. "Aunque esta es una gran película, volvimos a nuestras raíces independientes y la rodamos con mucho encuadre", dice Schliessler. "Ava me desafió a hacer un encuadre no tradicional, que, aunque inesperado, dotó a las escenas de más atmósfera y tono".
En lo que respecta a las cámaras y a los formatos de filmación, el director de fotografía probó equipos nuevos para capturar algunas secuencias de acción tremendamente emocionantes. Mientras estaban en los bosques de secuoyas del norte de California rodando la escena en Camazotz en la que el planeta persigue literalmente a Meg y Calvin, Schliessler montó un Spydercam sobre las cabezas de los niños, que se adentraba rápidamente entre los enormes árboles y el terreno áspero del bosque a 50 km/hora, produciendo planos increíbles a ras del suelo.
Utilizó un dron y un dispositivo de giroscopio Artemis Maxima de mano para la misma escena y obtuvo tomas increíblemente fluidas para complementar el material filmado previamente. El Hydrascope Chapman de 13 metros se usó para la mayoría del trabajo con grúas en California, mientras que en Nueva Zelanda Schliessler optó por un Technocrane de 15 metros para capturare el paisaje de enorme belleza y transmitir su alcance y magnitud con gran efectividad.
Las localizaciones del rodaje estaban en medio de toda esa belleza natural de Nueva Zelanda, por lo que Schliessler utilizó diferentes aperturas y neutralizó los filtros de densidad. "Las montañas que teníamos delante eran tan perfectas que quise que se vieran en la pantalla", explica.
"Normalmente pondría NDs en la cámara y dispararía con una F más ancha para darle una mayor profundidad de campo y suavizarla un poco, pero quería que se viera lo más nítido posible en la pantalla. En la historia, esta es la primera vez que los personajes están en un planeta nuevo, así que rodamos todo en una F alta para enfocar todo más y lo combinamos con filtros polarizadores para ayudar a disipar la neblina y hacer que todo resplandezca".
Para capturar mejor los espectaculares trajes que llevan la Sra. Cuál, la Sra. Qué y la Sra. Quién, así como sus deslumbrantes cabellos y maquillajes en la pantalla, el director de fotografía hizo algunas composiciones estilizadas de iluminación con ARRI SkyPanels, Soft Suns, tungsteno antiguo y lentes de Fresnel HMI. "Tobias sabía cómo filmar todos nuestros increíbles sets para que resultaran increíbles", dice Mindy Kaling. "Y la forma en que nos iluminó a nosotros y a la atmósfera que nos rodeaba era algo nunca visto".
El mayor obstáculo para el departamento de cámaras fue la iluminación de la cueva de Happy Medium construida en un plató de Santa Clarita Studios, que resultó ser extremadamente difícil debido al acceso limitado a los accesorios de iluminación. "Terminamos usando luces móviles controladas a distancia para las luces más directas que exigían nitidez y accesorios de iluminación de colores para acentuar el color cuando era necesario", explica.
Vestuario: Paco Delgado
La directora Ava DuVernay tenía muchas ideas sobre cómo expandir creativamente la visión única de Madeleine L'Engle. Y una de ellas era vestir a las tres Sras. con prendas elegantes y muy vanguardistas. El productor Jim Whitaker pensó inmediatamente en el diseñador de vestuario español Paco Delgado. "Paco tiene un talento enorme y piensa de forma muy original", dice Whitaker. "Y Ava quería a alguien con mucha imaginación y creatividad que pudiera ayudarla a hacer realidad su visión de la ropa que llevan las tres Sras.".
DuVernay imaginó sus trajes como moda de alta costura que podría simbolizar algunos de los temas predominantes de la historia actualizada, y a Delgado le encantó la idea. El diseñador de vestuario, cuyos créditos incluyen "La chica danesa" y "Los miserables", entre otros, se crece en películas en las que se produce un intercambio fluido de ideas y hay buena comunicación con el director, y ambos se sincronizaron inmediatamente.
"Ava sabe lo que quiere, física, visual y emocionalmente", explica Delgado. "Es alguien que presta mucha atención a la vertiente estética de los movimientos de los personajes, y entiende claramente cómo el vestuario de los personajes puede complementar la historia".
Delgado diseñó trajes para que se utilizaran en cada planeta que visitan las tres Sras., y cada uno de ellos era absolutamente original, creativamente escandaloso y visualmente llamativo. "Me gusta ser muy ecléctico e incorporar todas las imágenes e ideas que me vienen a la mente", dice.
En el caso del personaje de Oprah Winfrey, la Sra. Cuál, la más sabia de las tres Sras., se acordó que debería reflejar la energía y la luz y su personalidad de guerrera. "La Sra. Cuál tiene su propio estilo", dice Winfrey. "Existe hace varios milenios de milenios, así que recoge sus prendas de las estrellas, de trozos del cosmos, y las combina muy bien".
El traje que diseñó Delgado para la Sra. Cuál cuando visita el planeta Camazotz es un vestido con un corte inusual, elaborado a partir de una pesada organza metálica que tiene una textura corrugada. Para jugar con la idea de una supernova que ha estallado, el interior del vestido estaba adornado con pequeñas bombillas y se añadieron al torso y a las caderas de Winfrey marcos de metal en forma de jaula. "La mayoría de los trajes femeninos de época tienen una estructura similar debajo para que puedan soportar las capas de materiales", explica Delgado. "Pero nosotros hicimos todo lo contrario: lo pusimos fuera".
Mientras está en la Tierra, la Sra. Cuál lleva un vestido de cadenas metálicos hasta los pies, y dentro de la cueva de Happy Medium en Orión, luce un vestido plisado de latón hasta los pies con un corsé hecho de metal que se asemeja a un resorte enrollado sobre un top blanco de plumas. "Ponerme unos trajes que no eran de este mundo, me ayudó en mi trabajo de actriz", dice Winfrey. "Pero aunque un corsé de varillas de acero tiene buen aspecto, la verdad es que no es nada cómodo".
Delgado tuvo más libertad al diseñar el vestuario del personaje de Reese Witherspoon. "La Sra. Qué es muy caprichosa y saltarina y siempre está contenta. Tanto en el guión como en el libro, la primera vez que la vemos va vestida con sábanas robadas ", dice. "Quería darle un toque diferente. Decidí mantener las sábanas pero las hice más esculturales y un poco más abstractas de manera que no siguen la línea del cuerpo, pero realzan la cintura y le dan un efecto casi de silueta".
Creó un material especial que se asemeja a colas de pez móviles para la parte inferior del vestido que usa en Orión. La parte superior es una fina capa de tela debajo de un chaleco de cobre con hombreras. Delgado se inspiró en las calas para diseñar el traje que lleva la Sra. Qué en Camazotz. Se trata de un vestido blanco precioso, fluido y con mucho movimiento.
"Los vestidos de Paco eran absolutamente preciosos... con colores muy bonitos, tonos metálicos vibrantes y muchísima tela. Eran todo un espectáculo", dice Witherspoon. "Tenía una visión distinta y no tienen nada de sutiles... con Paco más es más".
Por el contrario, el vestuario que Delgado diseñó para el personaje de Mindy Kaling, la Sra. Quién, sintetiza diferentes culturas, continentes y períodos de tiempo. Sus ideas se pusieron de manifiesto en una serie de prendas preciosas hechas de texturas y telas con una estética japonesa e influencias nórdicas. El diseñador se inspiró en kimonos japoneses para crear el atuendo terrenal de la Sra. Quién. Se trata de un impresionante vestido con capas y capas de material brillante y colorido dividido en líneas no simétricas con una capa plateada y pastel adornada con plumas bordadas.
En Orión, el vestido que lleva su personaje estaba inspirado en las fotos que Delgado había visto de mujeres colombianas con cestas en la cabeza. Cuenta con una serie de tejidos y patrones diferentes cosidos como una colcha de retazos con una falda cortada diagonalmente en la parte superior. En Camazotz, el traje de la Sra. Quién es un vestido más informal que Delgado creó a partir de un tejido similar a los que existían en el Japón del siglo XIV. Lleva algunas de las citas que su personaje dice en la película impresas sobre el material.
Maquillaje: Lalette LittleJohn
Los maravillosos trajes que diseñó de Paco Delgado fusionaban las vibraciones futuristas de las tres Sras. y elementos de la tierra, el mar y el cielo con telas y texturas inusuales, y no resultaba fácil ponérselos debido a los delicados materiales utilizados y a su intrincada construcción. Oprah Winfrey, Reese Witherspoon y Mindy Kaling necesitaban tres horas diarias para peinarse y maquillarse antes de ponerse delante de la cámara.
A LaLette Littlejohn, directora del departamento de maquillaje, una profesional con más de una década de experiencia trabajando con Jamie Foxx y en películas como "Dreamgirls", "Collateral" y "Quiero matar a mi jefe", le tocó la tarea de supervisar a los maquilladores de cada una de las mujeres, que incluían a Derrick Rutledge, Molly R. Stern, Tracey Levy y Cindy Williams. Siguiendo el ejemplo de los elaborados diseños de vestuario de Delgado, Littlejohn y su equipo se pusieron en marcha para crear looks sobrenaturales para cada personaje que además acentuara sus diferentes etnias.
Al diseñar estos looks, la directora Ava DuVernay pidió a Littlejohn que el maquillaje no fuera demasiado sofisticado o de alta costura, ya que quería que los fans pudieran reproducir el aspecto de los personajes con productos que se compran en cualquier tienda de cosméticos.
Rutledge lleva años trabajando con Winfrey y sabe instintivamente lo que le gusta y lo que no.
Fue idea suya que el tema general del maquillaje de su personaje fueran las estrellas (ya que, después de todo, proviene de las estrellas) y que sus rasgos distintivos fueran las cejas y los labios. Lo hizo realidad colocándole cejas de cristal para que sus ojos brillaran y pegando piedras, gemas y joyas en su rostro. "Todo mi maquillaje proviene de las estrellas", dice riendo Winfrey.
Al igual que con el vestuario, el aspecto cambia según el entorno, así que cuando la Sra. Cuál visita la Tierra con su vestido metálico, tiene tonos de piel metálicos y trozos de cristales rotos de color oscuro y hojas de plata en sus cejas y plata brillante y colores negros en sus labios. En Uriel sus cejas son color esmeralda hechas de minerales de jade molidos, tonos de piel dorados, piedras plateadas en la frente y labios naranja/rosa brillante, todo lo cual realza su traje.
Para el planeta Camazotz, Rutledge decidió minimizar el rasgo distintivo de las estrellas que tiene el personaje. "Conservamos el tema recurrente de los labios brillantes y utilizamos tonos rosas, azules y plateados, pero para sus cejas y el bindi en la frente, colores naturales y piedras", explica. En Orión, lleva un lápiz de labios natural y el tono natural de la piel está acentuado con piedras de ámbar.
"El estilo de maquillaje del personaje de Reese Witherspoon, la señora Qué, la estrella más joven, es más sutil y relajado", dice Littlejohn. "Sus trajes son más sencillos que los de las otras dos guías, así que por lo general aplicamos un maquillaje ligero, que se funde con la piel, con una base mínima".
Littlejohn continúa diciendo: "Por otro lado, la Sra. Quién, que interpreta Mindy Kaling, se viste con un estilo más formal y convencional, pero su maquillaje no es demasiado pronunciado". En Camazotz lleva un bindi azul verdoso en la frente, mientras que en la Tierra usa un lápiz de labios y sombra de ojos violeta y en Orión, lápiz de labios y sombra de ojos color azul.
Peluquería: Kim Kimble
Kim Kimble, jefa del departamento de peluquería de la película, se encargó de supervisar los fabulosos peinados futuristas de las tres visitantes celestiales. Kimble pertenece a una tercera generación de estilistas y es famosa por su creatividad y sus asombrosos diseños de pelucas. Acumula más de 25 años de experiencia en la industria trabajando con artistas como Beyoncé, Mary J. Blige y Shakira.
Supo que tenía que participar en este proyecto desde el momento en que se sentó con la directora Ava DuVernay para hablar sobre la película. "Una de las cosas más emocionantes de las que hablamos fue sobre las tres Sras.", dice Kimble. "Ava quería que parecieran que vienen de otros mundos. Quería que su pelo fuera muy creativo y que cambiara cada vez que visitan un planeta, así que yo estaba deseando firmar."
Aunque Kimble ya ha trabajado en películas de fantasía, esta cinta le pareció absolutamente original. "Es un tipo diferente de fantasía", explica Kimble. "Había que comprender quién es el personaje y crear una personalidad completa para él, así que queríamos diseñar looks que no se hubieran visto nunca".
Y continúa diciendo: "Rara vez vemos pelucas de alta costura en el cine... cualquiera de los peinados de las tres Sras. podrían salir en una pasarela de moda".
Kimble y sus colaboradoras Jasmine Kimble, Kendra Garvey y Colleen LaBaff trabajaron estrechamente con Paco Delgado y LaLette Littlejohn para asegurarse que los peinados complementaran el vestuario y el maquillaje de los personajes y que el look de cada personaje fuera homogéneo. Su equipo creó cientos de pelucas muy sofisticadas (la Sra. Cuál, la Sra. Quién y la Sra. Qué tenían cada una más 10 pelucas) y pasó muchas horas diseñándolas y ajustándolas.
"Kim es una estilista visionaria y su manera de trabajar el cabello es absolutamente extraordinaria", dice Reese Witherspoon. "No sé cómo fue capaz de hacer todas esas pelucas".
Al principio de la preproducción, Oprah Winfrey le dijo a Kimble que quería probar algo realmente diferente con el cabello de su personaje, tanto en términos de color como de estilo. "Cuando era pequeña, siempre quise llevar el pelo rizado. Yo llevaba coletas y miraba con envidia a las chicas con el pelo rizado que salían en televisión", dice Winfrey. "Quería hacer realidad mi fantasía y tener el pelo que siempre había querido: rubio, pelirrojo, de todo".
"Y acabó haciendo este maravilloso peinado de color metálico", dice Kimble. "Creamos un tono muy concreto combinando colores como platino, oro, plata, beige e incluso gris, y además es muy abundante".
Cuando visita el planeta Orión, la Sra. Cuál lleva una peluca que está esculpida verticalmente como un Mohawk con una trenza larga que llega a la cintura hecha con varias trenzas más pequeñas. "Era muy sencillo pero muy detallado, y a Oprah le encantó", dice Kimble. "Jugaba con ella por el set como si sus poderes provinieran de esa trenza".
"Era la mejor trenza que puedas imaginar", añade Winfrey. "Quería llevármela a casa y ponerle un nombre".
Para crear la peluca que usa la Sra. Cuál cuando visita la Tierra, y que es la primera vez que el público ve a su personaje en pantalla, Kimble tuvo que encargar pelo a numerosos proveedores de todo el país debido al volumen de cabello que exigía su diseño. Consistía en una red de trenzas esculpidas que se trataron para que tuvieran más volumen y más rizos para lograr una mayor textura.
El look que define a la Sra. Qué es su pelo. "Tiene un color naranja rojizo increíble que encajaba a la perfección con mi personaje que es muy valiente y apasionado", dice Witherspoon. "La transformación que experimentan los personajes a cambiar de planeta me ayudó muchísimo a crear mi interpretación".
El pelo rojo fue una elección audaz que contrasta maravillosamente bien con su piel clara. En la Tierra, el cabello de la Sra. Qué tiene un estilo bohemio con una trenza a un lado que acaba en espiga. En Camazotz su pelo tiene un estilo más etéreo, más deshecho y ondulado.
Aunque estos estilos encajaban con el estilo más pícaro de la Sra. Qué, en Orión lo lleva liso y estirado detrás de las orejas con una preciosa corona trenzada alrededor de la cabeza.
Las pelucas de la Sra. Quién (Mindy Kaling) fueron las más creativas y las que llevaron más tiempo. Kimble y su equipo querían que sus peinados simbolizaran diferentes culturas, como lo hacen sus vestidos. En la Tierra, es una corona elaborada con una red de trenzas muy finas por detrás y tirabuzones multicolores enmarcando el rostro. "El estilo tiene un aire asiático y le dio textura al cabello", dice Kimble. "Y las trenzas eran tan finas que la luz las iluminaba y estaba guapísima".
Kimble dice que la peluca que se pone la Sra. Quién en el planeta Orión es "futurista asiática". Es larga y hecha de racimos de cabello; cada uno lleva tres tipos de trenzas y hebras de hilo entrelazadas, lo que le da textura y volumen y sirve para suavizar el rostro.
Cuando visita Camazotz, lleva el pelo hasta la cintura y aunque parece un poco descuidado tiene mucha textura. "Mi personaje es tan inescrutable que su pelo y su maquillaje me ayudaron muchísimo porque me dieron confianza", dice Kaling. "Cuando llevas una peluca de 4,5 kilos y un traje que se arrastra un metro en cada dirección, no puedes dudar de las decisiones que tomas".
Pitch Perfect 3: La última nota
2017
Duración 93 min.
País Estados Unidos
Dirección Trish Sie
Reparto Anna Kendrick, Hailee Steinfeld, Rebel Wilson, Brittany Snow, Elizabeth Banks,Alexis Knapp, Ruby Rose, Anna Camp, Matt Lanter, John Lithgow, Kelley Jakle,Hana Mae Lee, Guy Burnet, Ester Dean, Shelley Regner
Tras ganar el Campeonato del Mundo, las Bellas se separan para seguir con sus vidas hasta que se dan cuenta de que la música a capella no tiene muchas salidas laborales. Pero cuando surge la oportunidad de organizar una gira por el extranjero, el destino reunirá por última vez a estas peculiares y únicas estrellas para componer y plantearse una serie de decisiones que no podrán tomar a la ligera.
Última llamada a las Bellas: llega PITCH PERFECT 3
El asombroso éxito en taquilla de las dos primeras películas de la saga Pitch Perfect enseguida dio pie, como es natural, a pensar en poner en marcha una tercera entrega. Los productores de la saga, Paul Brooks de Gold Circle y Max Handelman y Elizabeth Banks de Brownstone Productions, estaban seguros de poder contar una historia más, pero también tenían claro que debían ser pacientes y hacerlo bien.
"Nos esforzamos mucho en crear una historia orgánica para la segunda entrega, y queríamos tomarnos nuestro tiempo y pensar bien cuál sería el siguiente paso natural y creíble para las Bellas. Nos llevó lo nuestro, pero lo hemos logrado", explica Brooks. "Las Bellas han acabado la universidad, tratando de averiguar qué quieren hacer con su vida y, como les ocurre a muchos otros jóvenes de veintitantos..., entran en crisis".
Para Banks, este capítulo cierra el círculo. Junto con sus compañeros de producción, ha desarrollado la saga desde su inicio, e incluso se puso tras la cámara para dirigir Más Notas Perfectas. Además, interpreta el papel de la fanática del canto a capella Gail, quien, junto con John, el otro comentarista, no abandona a las Bellas en ningún momento. Para la cineasta, es importante hacer evolucionar la saga hacia una nueva dirección. "Esta película no sólo cuenta con más números de canto y baile que las dos anteriores, sino que es una trepidante aventura de acción", afirma Banks. "Nos emocionaba mucho la idea de convertir literalmente a las Bellas en heroínas de acción, especialmente a Amy la Gorda".
"PITCH PERFECT 3 nos muestra a las Bellas plantando cara al enorme e inhóspito mundo que las rodea", añade Handelman. "Decidimos subir el listón. Queríamos que los fans recibieran lo que más les gusta: canciones, bailes y risas, pero también ver a las chicas protagonizando situaciones nuevas, apasionantes y divertidas. Esta es una película con mucha más acción; el inicio de la película ya anuncia enseguida que las cosas son muy diferentes. Los personajes han cumplido años y cada cual está embarcada en su propio viaje. No va a decepcionar al público".
Al timón de PITCH PERFECT 3 está la directora Trish Sie, conocida por sus coreografías en los videoclips nominados a los Grammy de OK Go, aclamados por la crítica, y la explosiva Step Up All In. Entusiasmada con la idea de unirse al equipo, Sie nos revela: "Soy fan de las películas de Pitch Perfect desde que vi la primera en cines. Es una de esas películas que me provocó cierta rabia existencial porque hubiera deseado participar en ella... y pensé que nunca tendría la oportunidad".
Como compañera en la Universidad de Pennsylvania, Sie conectó con Banks y Handelman desde el primer encuentro. "Cuando me enteré de que buscaban director para PITCH PERFECT 3, casi no podía creérmelo", comparte con nosotros. "En la Universidad no nos conocimos, aunque Liz, Max y yo fuimos a la facultad al mismo tiempo. Imaginaba que tendríamos cosas en común, y así ha sido. Enseguida hicimos buenas migas".
"Trish comenzó trabajando con OK Go, que ha presentado algunos de los videoclips más espectaculares de los últimos años", comenta Banks. "Conoce el mundo de la coreografía y aporta esa energía que queremos encontrar en cualquier película de Pitch Perfect. Además, capta totalmente con nuestro ridículo sentido del humor. Por eso, después de reunirnos varias veces, tuve claro que Trish era la elección perfecta. Y nos lanzamos a ello".
Otro factor importante era que Sie conectara con los principales integrantes del reparto. Anna Kendrick, la actriz nominada al Oscar y a los Premios Tony, ha sido el alma de la saga Pitch Perfect desde el principio, y los fans han seguido el viaje de Beca desde su extraño primer año universitario hasta alcanzar la cúspide de su brillante carrera musical. Kendrick confiesa que estaba emocionada con la idea de tener a Sie como compañera en este capítulo de la saga: "Estamos obsesionados con Trish; es una colaboradora increíble que escucha y que quiere oír nuestras opiniones. Además, tiene mucho oído musical y es una experta en coreografías. Confiábamos totalmente en que lo hiciese bien".
La actriz también valora el trabajo de equipo invertido en dar vida a la historia creada en primer término por Kay Cannon, que también ha escrito las primeras dos películas y que comparte el crédito del guión con Mike White en PITCH PERFECT 3. "El humor siempre ha sido lo que ha hecho destacar nuestras películas, y todos hemos trabajado juntos para hacer la mejor versión de este último guión", nos cuenta Kendrick.
La propia Amy la Gorda, Rebel Wilson, que ha visto cobrar estatus de estrella al personaje que ella creó, muestra su aprecio por todo lo que la directora ha aportado al set. "Trish nos transmitía un rollo muy divertido y especial, tanto dentro como fuera del set. Adoro su energía. Es una mujer de armas tomar, positiva y motivadora, y nos lo hemos pasado increíblemente bien trabajando con ella".
Banks demuestra una pasión absoluta por este capítulo de la saga, uno de los hitos de su deslumbrante carrera de los que está más orgullosa. "Es muy emocionante para nosotros contar con una directora y un reparto íntegramente femenino, así como promover historias divertidas e interesantes para mujeres", nos cuenta. "No hay suficientes películas que opten por ello. Nos gusta mucho el mensaje que transmitimos a las jóvenes sobre el trabajo en equipo, la amistad y a lo que pueden aspirar en sus propias vidas. Trish vino a todas las reuniones con una energía contagiosa, además de rebosante de pasión y con un currículum muy afín a lo que necesitábamos. Sentimos que habíamos dado con alguien extraordinario para encargarse de nuestra película; resultó ser la candidata perfecta. Es sin duda la guinda del pastel".
Reunidas sobre el escenario: las Bellas contraatacan
Todas las Bellas, a excepción de Emily, se han graduado en Barden y cada una ha seguido su camino. "Comienzan a darse cuenta de que la vida universitaria cantando a cappella no puede mantenerse indefinidamente", explica Sie. "Es una actividad que las chicas compartían en su burbuja de estudiantes. Nuestro reto era hacerlas madurar de un modo que pareciera realista. Era importante sacar a nuestras chicas del aislado mundo del campus universitario y enfrentarles al de verdad".
La directora nos pone al día sobre el nuevo punto de partida de las Bellas: "Beca ha seguido adelante con su carrera como productora musical. Está trabajando en una discográfica, que la tiene produciendo un montón de temas hip-hop bastante mediocres. Amy la Gorda quiere triunfar en Broadway con su propio espectáculo individual, así que monta en Times Square su numerito callejero aderezado con interrupciones de espectadores molestos y vendedores callejeros de perritos calientes".
Wilson valora positivamente que el público vaya a conocer tan a fondo a Amy la Gorda en este capítulo. Siempre enigmática, el personaje desvela más de sí a las otras Bellas de lo que nunca imaginaron. "En esta película se da a conocer mucho de Amy la Gorda, y eso es fabuloso", añade Wilson. "Al comienzo de la película, está intentando meter cabeza en Broadway. Ha creado un pequeño espectáculo llamado Amy la Gorda Winehouse, que es un show individual alucinante y gracioso que hace en la calle. Mientras tanto, alguien misterioso intenta contactar con ella a menudo".
Chloe, por su parte, está intentando meterse en la facultad de Veterinaria, pero echa de menos su vida universitaria, cuando todo era más sencillo. "Chloe siente debilidad por los animales, pero también por las Bellas, así que es incapaz de olvidarse, sin más", explica Snow. "Vive cerca de Beca y Amy la Gorda, y pretende, poco a poco, pasarse al mundo de la veterinaria".
"Me parece surrealista volver a formar parte de las Bellas, pero me encanta", añade la actriz. "Tenemos mucha suerte de volver a trabajar en esto. Algunas de mis mejores amistades las he hecho en las primeras dos películas, y, durante la producción de la tercera, muchas veces miraba alrededor y pensaba: 'Me pagan por estar con gente con la que quedaría igualmente’. Eso es genial".
"Vuelvo a formar equipo con las chicas en PITCH PERFECT 3, y es aca-alucinante", bromea Camp. "Aubrey era sin lugar a dudas la más acomplejada y la que sentía más nervios al cantar delante de todo el mundo, y transmitía toda esa rigidez al resto de las Bellas. En el transcurso de estas películas, se ha abierto a sus amigas y se ha relajado mucho. Ahora, dirige su propio negocio. En esta entrega, regresa para aprovechar la última oportunidad de cantar con las Bellas y las embarca en una gira de la USO, que, además, para ella es un modo de localizar a su padre".
Descubriremos que Cynthia Rose, interpretada por la incontenible Ester Dean, está en la academia de pilotos, pero a punto de que la echen porque no hace más que suspender. "Al principio, se nos ve viviendo nuestra vida y tratando de encontrar nuestro propio camino, como cualquiera que acabe de terminar la universidad", dice Dean.
"Como Cynthia Rose intenta superar los estudios de la academia de pilotos, me llevaron al Delta Flight Museum de Atlanta y me pidieron que estampara el simulador 20 veces", prosigue la intérprete. "Pero se podían haber ahorrado las indicaciones… porque no hice más que estamparme, de todos modos. Definitivamente, no es una profesión pensada para mí".
Encarnando a Emily por segunda vez en la saga, la nominada al Oscar Hailee Steinfeld, que ha cosechado un éxito tras otro en la escena cinematográfica y musical desde su deslumbrante salto a la gran pantalla hace varios años, recuerda: "Me pasé todo el rodaje de la segunda película tan sólo asimilando que formaba parte de aquello. Era tan fan de la primera que participar en Más Notas Perfectas me pareció la bomba. Y luego cuando me enteré de que la tercera iba a llevarse a cabo, fue lo mejor del mundo".
Esta fascinante intérprete y músico aclamada por la crítica se mostró realmente entusiasmada por volver al estudio. "Nos presentamos en el aca-campamento y nos pusimos a trabajar desde el minuto uno, como si no hubiera pasado el tiempo. Es una pasada, porque basta con meterte en un ensayo de baile o una sesión de grabación para volver a sentirte totalmente en la onda".
La actriz Chrissie Fit, que apareció en varias escenas de Más Notas Perfectas como la estudiante de intercambio Flo, se suma a la emoción de Steinfeld ante el regreso. "Al principio, vemos a las Bellas haciendo cada una su vida, intentando abrirse camino en el mundo tras la universidad. Cuando volvemos a ver a Flo, lleva su propio puesto ambulante de zumos y tiene grandes planes para el futuro".
Hace pocos años que Flo entró a formar parte de las Bellas. Sin embargo, Fit admite que los momentos que los personajes pasaron con el grupo de Emily fueron agridulces. "Ver a las nuevas Bellas fue genial porque son intérpretes alucinantes y con mucho talento", comparte Fit. "Para nuestros personajes fue un poco deprimente, porque nos recordaba a nuestros días de gloria, cuando podíamos cantar y divertirnos juntas. Eso es lo que nos motiva a lanzarnos a la aventura con la USO".
Hana Mae Lee también regresa al elenco como Lilly, siempre tan cautivadoramente extraña. "Se dedica a algo que nadie es capaz de descifrar. Cose en un sótano y saca hilos del pelo de un tipo para sus prendas. En fin, esas cosas raras y espeluznantes propias de Lilly", nos cuenta entre risas Sie. "Stacie, por su parte, trabaja de entrenadora personal, pero los chicos siguen siendo su punto débil. Duda de si está o no embarazada, cosa que podría apartarla de la gira".
El reparto no estaría completo sin todas las Bellas, especialmente el inseparable dúo. "Descubrimos que Ashley y Jessica se dedican a lo que mejor se les da", añade la directora. "Todas las chicas tratan de abrirse hueco en el mundo, pero deciden reunirse para el regreso de las Bellas, y no son capaces de renunciar al deseo de volver a actuar juntas".
Por último, no podríamos hablar de una película de Pitch Perfect sin John y Gail. "De nuevo, desarrollan un proyecto propio a lo largo de la historia", señala Sie. "John y Liz son un espectáculo en sí mismos. Puedes ponerles la cámara delante y quedarte embobada, mirando. A veces, hasta se me olvida indicar cuándo acaba la escena. Al final, me acaban diciendo: ‘Oye, ¿queda mucho para que cortes?’, mientras los demás estamos partidos de la risa".
"Banks y John son dos de mis personas favoritas", elogia Snow. "Es una maravilla volverlos a ver haciendo el gamberro e improvisando. Siempre que están en el set, lo bordan".
Bienvenidos a la familia: las nuevas estrellas del reparto
La familia de Pitch Perfect acumula una cantidad inmensa de talento. Un recién llegado al grupo particularmente especial es el actor John Lithgow, laureado con incontables galardones, que interpreta a Fergus, el sospechoso padre de Amy la Gorda.
Handelman, productor, nos pone un poco en contexto: "Amy la Gorda huyó de su padre, un gánster de Australia, hace siete años, y se matriculó en la Universidad Barden para escapar de él. No es buena gente, así que Amy trata de reinventarse como Amy la Gorda, aunque su auténtico nombre es Patricia. Ahora que ha salido de Estados Unidos, su padre ha conseguido localizarla y quiere hacer las paces con ella. Al principio, parece algo positivo para Amy, pero acabaremos descubriendo que tiene otros motivos".
"Si queremos avanzar en la vida de nuestras heroínas, también toca afrontar el pasado y resolver algunos de sus problemas. Además, siempre me ha intrigado el hecho de que no sabemos nada sobre Amy la Gorda", comparte Sie. "Hemos conocido al padre de Beca. Hemos escuchado a Aubrey hablar de su padre, pero no sabemos quién es Amy la Gorda ni por qué se fue de Tasmania para acabar en Barden".
"En vez de un admirador inquietante, nos pareció gracioso que el hombre que estuviera persiguiéndola fuera su padre", prosigue Sie. "Tiene que lidiar con el hecho de que escapó de ese tío hace años, pero que ha conseguido finalmente dar con ella. Uno de los grandes placeres de esta película era conocer a John Lithgow y trabajar con él, porque es un auténtico encanto. Es un ser humano amable y generoso, un profesional intachable. Tiene un gran sentido del humor, y siempre está dispuesto a involucrarse a fondo con nosotras".
Wilson nos da una pista sobre qué esperar de Fergus: "En la película nos enteramos de que su padre ha conseguido localizarla. No tenía permitido entrar a Estados Unidos porque había cometido algún delito, pero cuando las chicas van a Europa, consigue localizar a Amy la Gorda y verse con ella por primera vez en siete años".
En lo que a su compañero de reparto respecta, la intérprete comparte los elogios de la directora. "Todo lo bueno que diga de él es poco", confiesa entusiasmada Wilson. "Para empezar, cuando me dijeron que mi padre iba a ser John Lithgow, pensé: ‘Ha hecho de todo: pelis, televisión, Broadway... Yo misma crecí viéndolo por la tele’. Fue increíble disfrutar de él en el papel de mi padre, y ver cómo aprendía a dominar el acento australiano en tres días".
Tras el tiempo que pasó con Lithgow durante la producción de El contador, Kendrick estaba emocionada con que sus compañeras de reparto fueran a trabajar también con él. "Cuando me contaron que John iba a participar en la película, recuerdo que me puse contentísima de saber que iban a poder conocerlo. Cada conversación con John es enriquecedora, y le gusta tanto la música y el baile que es el público perfecto para actuar".
Cuando le preguntamos por su hija en la gran pantalla, Lithgow se deshace en halagos. "Rebel es lo mejor del mundo. Es superdivertida de forma natural, totalmente auténtica y con un corazón de oro. Amy la Gorda me parece un personaje muy original: Rebel parece poner todo de su parte para caerle mal a todo el mundo..., pero sólo consigue que la adores más. Su técnica es impresionante, y en la película cantamos y bailamos. Cantar y bailar junto a ella es lo más divertido que puedas imaginarte".
Otro de los recién incorporados al grupo es Chicago, interpretado por MATT LANTER. Amigos de hace tiempo fuera de la pantalla, Snow y Lanter tenían muchas ganas de compartir un proyecto cinematográfico. "En esta película, Chloe conoce a alguien especial. Se llama Chicago, y lo encarna el increíble Matt Lanter, a quien adoro totalmente", dice Snow. "Mantienen un fugaz flirteo durante la gira de la USO".
Por último, GUY BURNETT interpreta al fichaje amoroso de Beca: Theo, un ejecutivo del mundo musical que es uno de los pilares del equipo de DJ Khaled. Tiene la habilidad de descubrir a gente con don para la música. Durante la batalla a capella de apertura, consigue, entre armonías, escuchar de verdad a Beca.
Dragones, Whiskey y Evermoist: batalla a capella con los rivales
Si hay algo de lo que las Bellas no pueden prescindir son los rivales musicales. "Todas las Bellas hemos vuelto para embarcarnos en una gira de la USO, una auténtica pasada", dice Wilson. "Al principio, pensábamos que no habría competencia, pero... ¡cómo no! Resulta que sí: hay un grupo buenísimo que por supuesto nos encanta".
"Las Bellas se lanzan de cabeza a la gira y descubren que todos los que usan instrumentos son, pese a todo, mejores que nosotras a cappella", señala Kendrick. "En el universo de Pitch Perfect, todo el mundo puede cantar a cappella". Reflexiona un instante. "Es como cuando en las películas de Jackie Chan todo el mundo sabe artes marciales".
Pero, pese a todo, las Bellas siempre muestran su mejor cara cuando no son las favoritas. "Queríamos que la gira de la USO incluyera esas actuaciones. Es como ocurriría en la vida real, porque la USO cubre muchos tipos de espectáculo", explica Banks. "Es una especie de espectáculo de variedades, así que pensamos en otros grupos con los que nos pareciese divertido interactuar".
El hecho de que no se enfrenten exclusivamente a rivales a capella supone en principio una enorme desventaja para las Bellas. "Esta vez, la competencia es muy dura", subraya Boyer. "Los grupos cuentan con instrumentos que se afinan automáticamente y sistemas de sonido atronadores. Hay baterías y bajos muy contundentes que tocan dos octavos por debajo de lo que puede alcanzar una voz femenina. Son músicos que llevan tocando y saliendo de gira toda la vida, mientras que las Bellas acaban de salir de la universidad".
Pero claro, nunca hay que menospreciar el potencial de las Bellas. Wilson nos pone al día de la competencia en esta gira: "Hay un grupo nuevo llamado Evermoist, liderado por la australiana Ruby Rose. Todas sus integrantes son muy sexys. Luego está Saddle Up, que es un grupo country en la vida real, o sea, que para ellos fue un paseíllo. Se dedican a dar caña a la guitarra y cantar temas country. Y tenemos a DJ Dragon Nuts y DJ Looney, que también lo dan todo en esta gira".
Sie se extiende un poco hablando de la feroz competencia que mantienen las chicas con Evermoist, el rival más duro de pelar de las Bellas hasta la fecha. Nos cuenta: "Son chicas arrogantes, engreídas, guapísimas, y con un talento enorme, que tocan en una banda femenina. Quería músicos de verdad que fueran auténticas virtuosas en lo suyo. Tenemos a VENZELLA JOY WILLIAMS, que va de gira con Beyoncé como su batería; ANDY ALLO, protegida del mismísimo Prince, además de una asombrosa guitarrista, cantante y compositora; y HANNAH FAIRLIGHT, que es una absoluta estrella del rock: cantante, compositora y multiinstrumentalista. Y claro, Ruby Rose, una especie de diosa al frente del grupo que canta y toca la guitarra; alta, guapa y segura de sí misma. ¿Cómo competir con semejante poderío femenino?".
"Me encantan las dos primeras películas; soy fan total de Anna, Rebel y Liz", nos cuenta Rose, que nos desvela cómo consiguió el papel: "Me reuní con Liz, pero no teníamos en mente ningún proyecto para colaborar. De repente, se me quedó mirando y me preguntó si cantaba bien. Le dije que desde el coro de la iglesia no había cantado en plan serio, pero que me gustaba. Me preguntó si sabía tocar la guitarra, y le contesté que había recibido un par de clases cuando tenía 16-17 años, pero que no se me daba muy allá. Me soltó: ‘Nos veremos pronto, pero vamos a trabajar juntas’. Una semana más tarde, me llamó y me dijo que tenía que participar en PITCH PERFECT 3".
Rose se incorporó a la saga para dar vida a Calamidad, la cantante principal y guitarrista rítmica de su grupo. Nos habla de sus compañeras en la formación musical: ‘Están Serenidad, Piedad y Caridad. La canción que tocamos en la película es obra de compositores con mucho talento; la verdad es que es pegadiza", nos dice. "Es un tema pop/rock sobre un desengaño amoroso, e interpretarla delante de mucha gente fue una experiencia muy divertida. Para cuando tuvimos las tomas necesarias, todos lo coreaban con nosotras".
Sobre trabajar con la directora de la película, declara entusiasmada: "Trish es fabulosa. Es una de esas personas que te hace sentirte apoyada en el set. Está abierta a una gran dosis de colaboración, y quiere conocer tus aportaciones, chistes e ideas. Si sentía que Calamidad no haría algo, o que sería más plausible que reaccionara de otro modo, Trish era toda oídos. Estaba constantemente adaptándose, según nos veía evolucionar como grupo... y era testigo de las relaciones que surgían".
Una vez resuelto el "grupo enemigo" de nuestras heroínas, los productores trabajaron codo a codo con Sie con el objetivo encontrar un número country único para la gira. El casting de Saddle Up supuso buscar un grupo real, y era crucial que contara con artistas diferentes que supieran tocar instrumentos interesantes. "El grupo real es Whiskey Shivers, y Trish, que conocía a algunos de los integrantes, fue quien nos lo trajo", desvela Banks.
"Los chicos de Whiskey Shivers tienen un talento increíble, además de ser superdulces y divertidos", añade Rose. "Cuando teníamos tiempo libre, intentaba aprender a tocar la percusión. Tenían un kit muy particular: una maleta con una tabla de lavar y cosas hechas artesanalmente. Pillaban la base y aprendían cosas de Hannah. Era una labor de colaboración divertida con músicos de talento, gente que además se prestó a actuar de forma supernatural".
"Hay otros tres grupos en la gira de la USO, aparte de DJ Khaled y las Bellas", explica Sie. "Tenemos a Saddle Up, que es un grupo country. Pensaron que estaba medio loca, alucinando o borracha cuando les pedí que se unieran a nosotros. Van descalzos casi todo el tiempo y se mueven de un lado a otro en su furgoneta. Tocan una maleta a modo de bombo y son gente muy sencilla y bondadosa".
"Luego tenemos a Young Sparrow y a DJ Dragon Nuts", prosigue. "Los interpretan otros músicos en la vida real, TRINIDAD JAMES y DJ LOONEY. Me parto de risa con ellos. Nos reunimos en Atlanta, aunque viven en Los Ángeles. Trinidad es un rapero bastante serio, y no estaba segura de si se iba a prestar a hacer el ganso. Le dije que a lo mejor tenía que cantar temas de Blondie o Beyoncé, y que DJ Looney iba a hacer sonidos de cuervo y a comer trozos de papel con Lilly. Me sorprendió lo dispuestos que se mostraron a subirse al carro".
Trinidad James y DJ Looney encajaron a la perfección en el reparto. Las largas sesiones de rodaje nocturnas que acababan en recogidas al amanecer se convirtieron en momentos creativos agotadores. Para Wilson, eso era la esencia de la magia. "La música está más presente en esta película porque no sólo tenemos cosas a cappella, sino temas cantados con acompañamiento de instrumentos. Eso eleva mucho los decibelios en algunos números, una experiencia chula y muy diferente para todos nosotros", asegura.
Con el talento absolutamente desbordante de todos los participantes, la batalla clave tomó forma de manera natural. "El motor de todo era la idea de que cuando los músicos comparten tiempo, eso es lo que hacen", dice Banks. "Se relajan, tocan y cantan. Conocen diferentes géneros y todas las canciones famosas. Cuando llegó el momento de construir esa batalla, confiábamos en que, al ser auténticos músicos, estarían a la altura... Y lo cierto es que así fue".
Durante la producción, era habitual ver que se había montado en el set una sesión espontánea de improvisación entre las Bellas y los integrantes de los otros equipos, entre toma y toma. "Esta es la tercera batalla, y siempre son muy divertidas de rodar porque todo el mundo está junto", añade Camp. "En esta no hay normas, a diferencia de ocasiones anteriores. Esta se parece más a una sesión de improvisación. En este caso, se utilizan algunos instrumentos, cosa que a las Bellas no les hace mucha gracia".
"En cuanto a los ganadores, depende de a quién le preguntes. Las de Evermoist creen que ganan ellas", añade Rose. "Las Bellas piensan que estamos descalificadas porque nos unimos a otro grupo y utilizamos instrumentos. Personalmente, opino que en estas batallas no hay perdedores; todos los que participan son alucinantes".
Preparando a las Bellas: aca-ensayando
Tanto para los veteranos de Pitch Perfect como para los recién incorporados al reparto y al equipo técnico, los aca-ensayos demostraron ser una experiencia inolvidable. Sie nos presenta a los pilares de su equipo: "AJ [Aakomon "AJ’ Jones"] se encarga de la coreografía con su gente. Binkie hace el papel de su ayudante. Luego están Deke Sharon y Ed Boyer, que se ocupan de todos los arreglos a capella. También tenemos a Alana Da Fonseca, que produce los temas. Es un gran grupo colaborativo de músicos, técnicos y expertos en baile. Se hace muchísimo en muy poco tiempo, y los horarios son duros".
Como ya coreografió las dos primeras entregas de la saga, los productores se mostraron entusiasmados con que Jones accediera a orquestar todas las actuaciones de PITCH PERFECT 3 junto a KYNDRA "BINKIE" REEVEY. "'¡Cinco, seis, siete, ocho!", gritaba Jones a lo largo de las intensas tres semanas de ensayos. En cuanto tuvieron que ponerse en marcha, las Bellas supieron exactamente lo que hacer, metiéndose de inmediato en los habituales calentamientos, y las largas jornadas diurnas y nocturnas.
"La familia vuelve a reunirse", apunta Wilson. "Cuando nos presentamos allí, vimos a Deke y a Ed en el estudio, y a Alana (con quien llevo años trabajando), Julia y Julianne [las supervisoras musicales Michels y Jordan]. A mí me encantaban también los ensayos de baile, porque eran superdivertidos. Binkie y AJ siempre piensan pasos y movimientos geniales. Gracias a ellos, estamos constantemente ampliando nuestro repertorio. Recuerdo el primer día de ensayos; fue maravilloso volver a juntarnos todas las chicas para hacer lo que mejor se nos da".
Por muy curtidas que estuvieran las Bellas como intérpretes, tuvieron que emplearse a fondo para meterse de nuevo en harina. Camp explica cómo le costó mentalizarse: "Cuando llegamos a los ensayos y empezamos a aprender los pasos de baile, tuve que parar un instante. Seguro que hasta puse cara de pánico. ¡Hacía tanto tiempo que no recibía una clase de baile...!". Nos cuenta, riéndose: "Pero en cuanto respiramos un poco y nos relajamos, nuestros fabulosos coreógrafos, AJ y Binkie, nos recordaron que confían mucho en nosotras. Las actuaciones que grabamos fueron asombrosas, me encantaron. La mitad de las veces me daba hasta pena que se acabasen, de lo bien que me lo pasaba rodándolas".
Los compañeros de ensayos de las Bellas se muestran totalmente de acuerdo con esa valoración del equipo de música y baile: "Deke, Ed y AJ son la columna vertebral de toda la película. Estar con ellos es una experiencia fabulosa; confío mucho en los tres", afirma con entusiasmo Kendrick.
Lo que hace especial el trabajo de Pitch Perfect es que todo el mundo aporta un talento único. Para algunas de las Bellas con menos experiencia en música y baile, era crucial contar con instructores consagrados para facilitar el proceso. "No tengo especial facilidad para cantar a capella", admite Snow. "Además, tampoco me he criado cantando profesionalmente. Total, que, cuando me meto en la cabina no soy como Ester y Hailee, que deslumbran a cualquiera. Necesito sentirme segura y cómoda, y este equipo consigue provocar ese efecto".
"Deke y Ed son verdaderos genios musicales, y tienen mucho trabajo que hacer en un tiempo muy reducido", añade Camp. "Son detallistas y apasionados, y saben exactamente cuándo debe intervenir cada personaje para potenciar el resultado musical. Es una relación perfecta".
Tras emprender otra aventura, las chicas bromean sobre el hecho de que toca ponerse en forma. "La coreografía y la música son más complicadas y mejores que nunca", confiesa Kelley Jakle, que vuelve a la saga en el papel de la discreta pero efectiva Jessica.
El productor y arreglista vocal Sharon explica que el momento en que las Bellas salen al escenario frente a cientos de personas es cuando comienza el trabajo de verdad. "Las Bellas grabaron todas sus propias voces, pero en el set es fácil abrumarse con la emoción del público, por no mencionar todas las nuevas coreografías y las cámaras volando de un lado a otro. Tenían que acordarse de sincronizar perfectamente el movimiento de labios con sus propias voces y mantener el micrófono cerca, como hacen los cantantes".
"Esta vez, la mayor parte de la música guarda más relación con la escena y con lo que está pasando en la historia personal de las bellas, en vez de ser temas relacionados con lo militar", nos cuenta Boyer, el otro brillante arreglista vocal de la película.
Las Bellas se sintieron seguras con el apoyo de sus profesores. "Al principio, nos entregan una cantidad de música y coreografías que parece de auténtica locura", comparte Kendrick. "Pero luego Deke, Ed y AJ nos dicen: ‘Todo va a salir bien, verán como lo conseguimos’. Y ya lo percibes como posible, porque el departamento de música y coreografía es nuestro paracaídas".
Para su intrincada coreografía, Jones se esforzó en subrayar el contraste entre las nuevas Bellas y las licenciadas. "Queríamos adoptar un enfoque ligeramente más maduro", especifica. "Había que tener en cuenta que contábamos con varias Bellas nuevas que debían actuar y percibirse como claramente distintas a las clásicas. En vez de ponerlas a hacer piruetas, bromas o movimientos ultraespeciales, queríamos que la coreografía de las Bellas de siempre tuviera un aire más clásico y pulido".
Jones explica cómo fue trabajar con Sie: "Trish es una persona supercolaboradora. Intercambiábamos ideas y hablábamos de cada número antes de que yo me metiera en faena con las chicas, o me dejaba hacer lo que me pareciera y luego me pasaba notas. Me decía cosas como: ‘Necesito un instante con estos dos personajes para este compás. ¿Puedes añadir un compás aquí?’. Eso nos permitía trabajar en equipo para realizar todos los ajustes necesarios".
Cuando llegó el momento de coreografiar a Lithgow, Jones se quedó impresionado: "Lo mandamos a que se cambiase y apareció con zapatos de jazz, pantalones de jazz y una camiseta. John lleva la música y la interpretación en la sangre: siempre está listo para darlo todo, y lo cierto es que clavó los pasos. Pensábamos que tendríamos que ir poco a poco, pero estaba preparado. Cuando lo juntamos con Rebel, fue mágico".
Lithgow disfrutó mucho de las semanas de ensayo previo. "A AJ se le da de lujo poner a bailar a los actores. Tiene mucho carácter e inspira una gran confianza", comenta elogioso el actor. "Me sentí orgulloso de mí mismo. En mis tiempos, trabajé en el ballet de Nueva York y participé en el musical de Broadway Dirty Rotten Scoundrels. Antes de eso, en Sweet Smell of Success, gané un Tony, nada menos".
El aclamado intérprete disfrutó haciendo de malo, y se alegró de haber guardado su ropa de baile. "Todavía doy las gracias por haber conservado mi cinturón de baile y los pantalones y zapatos de jazz. Llevaba años sin tocarlos, pero me los traje a Atlanta. ¡Y así salí a bailar con AJ y Binkie! Como no los había tocado en 12 años, los zapatos se deshicieron por completo. Por suerte, me encontraron unas deportivas rojas de mi talla, así que estaban más preparados que yo".
Una nueva generación de Bellas: nuevos fichajes sobre el escenario
Lo que incita a nuestras Bellas a salir de gira es las sensaciones que les despierta ver actuar a Emily y a las demás alumnas de primer año de Barden. El coreógrafo Jones nos explica la diferencia técnica: "Las nuevas Bellas transmiten una energía más explosiva con sus pasos y coreografía. Para las Bellas de siempre, queríamos que tuvieran un estilo más natural y deliberado, que todo girase más en torno a cada una de ellas de forma individualizada y a las intérpretes en las que se habían convertido".
"Coreografiamos a las nuevas Bellas en el Acuario de Georgia, y fue una pasada; el telón de fondo era un acuario lleno de tiburones gigantes nadando junto a las chicas cada pocos segundos", añade Jones. "La mayoría de las nuevas Bellas son bailarinas, y eso nos permitió desarrollar una coreografía de gran intensidad y nivel de habilidad en muy poco tiempo. Hailee Steinfeld, que se ha convertido en una bailarina y una estrella del pop asombrosa, fue capaz de mantenerse a la altura de las demás y liderarlas".
Cuando aparece por primera vez el grupo de Emily, bordan un número al son del tema "Sit Still, Look Pretty" de Daya, con Steinfeld como cantante principal. Todo el equipo se quedó impactado de cómo han progresado su voz y su talento desde la primera vez que vieron a la intérprete hace años. "Lo bonito de la canción es que tenemos la oportunidad de centrarnos en la voz de Hailee a lo largo de la misma. Es una joven con muchísimo talento", afirma con entusiasmo Sharon.
El tema se convirtió en un himno de la saga. Con letras como "I don’t wanna be the puppet that you’re playing on a string. This queen don’t need a king" (No quiero ser una marioneta que manejas a tu antojo. Esta reina no necesita un rey), era como si lo hubiesen compuesto especialmente para las Bellas. "Cuando decidimos usar ‘Sit Still, Look Pretty’, sabíamos que necesitábamos algo actual, joven y que derrochase confianza en uno mismo. Eso es lo que queríamos que las nuevas Bellas transmitiesen a las Bellas de siempre", añade Boyer.
El Acuario de Georgia como telón de fondo para el número de las nuevas Bellas brindó un set visual asombroso. Sharon comenta: "Rodamos en el Acuario de Georgia cuando estaba cerrado al público, así que teníamos las instalaciones para nosotros solos. Nos pasamos hasta el amanecer actuando y grabando, rodeados de más agua y peces que en cualquier otro acuario del hemisferio occidental. Fue la noche más especial de PITCH PERFECT 3".
Entreteniendo al mundo: en la gira de la USO
Uno de los objetivos de la producción era alejarse de actuaciones en lugares típicos. Banks nos comenta: "¿Cómo podíamos conseguir que esta película se percibiese como diferente a lo que habíamos hecho antes? El año pasado tuve la suerte de ir a una gira de la USO con el Estado Mayor Conjunto de los Estados Unidos. Visité Afganistán, Bahréin, Yibuti, África..., y pensamos que podría ser una experiencia muy buena y significativa también para las Bellas. Además, éramos conscientes de que eso cambiaría drásticamente el telón de fondo de todas las actuaciones".
Tras quedarse descorazonadas con la actuación de las nuevas Bellas, nuestras heroínas están decididas a buscar el modo de reunir al grupo de nuevo. "Aubrey conoce la gira de la USO a través de su padre, que es un alto cargo militar", explica Camp. "Le viene la idea cuando las Bellas deciden que quieren volver a cantar juntas por última vez. Queda poco para la gira de la USO, y se le ocurre que sería una gran oportunidad para unirlas y actuar una vez más".
DJ Khaled resalta que la gira de la USO representa una presencia inesperada de la cultura popular americana en la saga Pitch Perfect, algo que al equipo siempre le motiva mucho. Para los productores y Sie era importante aportar artistas que fuesen relevantes para el público y algo inesperados. "DJ Khaled es una persona tremendamente divertida, original y diferente, un poco fuera del marco de Pitch Perfect", elogia Brooks.
La directora valoró mucho que la superestrella global estuviese dispuesta a todo. "Se entrega completamente a todo lo que hace", dice Sie. "Se planta en la escena y dice literalmente: ‘Vamos allá. Estoy listo’. Hace cualquier cosa que le pidas, por excesiva que parezca. Se deja dirigir bien e improvisa como un auténtico monstruo. Y, por si fuera poco, es súper divertido".
"Cuando nos invitan a la gira de la USO, pensamos que vamos a cantar por diversión, pero enseguida nos damos cuenta de que es una competición", revela Fit. "Al final de la gira, DJ Khaled elegirá a un grupo para que actúe en directo en la televisión nacional. Ni qué decir tiene que, en cuanto las Bellas oímos la palabra 'competición', nos emocionamos y queremos ser las ganadoras".
"Creo que hay que aprovechar las oportunidades de expandir horizontes cuando se presentan, y qué mejor oportunidad que la de participar en la tercera parte de esta saga", dice Khaled. "Mi personaje anda buscando a un artista revelación, pero, al mismo tiempo, también actúa. No hay palabras para explicarlo. Tienes que verlo porque la energía es increíble; son momentos alucinantes".
El equipo estaba maravillado de poder trabajar para algunos de sus héroes. "Hemos tenido la suerte de colaborar con la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, la Guardia Nacional y la organización de la USO", explica Sie. "Hemos filmado en las bases militares de Clay National Guard y Fort McPherson, y todo el mundo se ha desvivido por convertirlo en una experiencia agradable. He aprendido mucho de cómo la USO apoya a nuestras tropas y hace que sea más fácil para los soldados estar lejos de casa. Todos sentimos también una enorme gratitud hacia las fuerzas militares por hacer de Estados Unidos un país libre. Poder vislumbrar cuál es su labor y lo que significa ha sido muy conmovedor".
Las Vengadoras: acción y escenas peligrosas
Si algo caracteriza a PITCH PERFECT 3, es romper con todas las normas. "Teníamos la broma de que las Bellas de Barden eran nuestras heroínas Vengadoras", nos cuenta entre risas Banks. "Por eso, nos emocionaba ponerlas en situaciones de verdadero peligro; sacarlas de la universidad y de su burbuja".
La productora es la primera en admitir que le impresionó la valentía de su equipo, especialmente la de Wilson. "En la última película, Rebel trabajó con el Cirque de Soleil, se envolvió en sedas y se dejó colgar con un arnés a una altura de 10 metros sobre el escenario", dijo Banks. "Se ha mostrado muy valiente y dispuesta. Se metió en un traje especial y se dejó atacar por perros porque sabía que resultaría divertido, y quedó genial. Esa es la actitud de Rebel, tan propia en realidad de Amy la Gorda. Amy la Gorda transmite la sensación de atreverse con todo, y así es como Rebel está demostrando ser".
"Rebel se convierte en una estrella de acción en la película, cosa que le pega muchísimo. Es muy física. Fuerte, atlética y superdivertida", prosigue Sie. "No es que sea temeraria, es que supera sus miedos. Hacemos que se estampe contra un tragaluz y que pegue una paliza a cuatro personas distintas. Hay una pelea en una cocina que es una auténtica locura en la que se utilizan salchichas a modo de nunchakos, y wasabi para cegar a los rivales. Salta de un yate y hasta tiene una escena completa en la que 'dispara' con extintores como si fuesen fusiles automáticos".
"Cuidadito, Tom Cruise, que voy", dice Wilson al embarcarse en su primera comedia de acción. "Nunca había tenido ninguna escena de lucha en una película, y de repente ahora tengo dos buenas peleas, más alguna que otra gamberrada más. Es una pasada. Soy muy fan de la acción. Siempre he sentido que tenía potencial para repartir cera, y ahora puedo demostrar mis dotes. Me he hecho algún que otro moratón, pero todo sea por la diversión".
Ese desparpajo fue a costa de ciertos nervios. "Lo que más miedo me dio fue saltar de ese barco, porque era una caída de más de seis metros. Me dan miedo las alturas, pero al menos en esta ocasión tenía a Anna Kendrick dándome la mano en el momento del salto. Fue una suerte contar con ella porque creí que me daba un ataque al corazón al realizar esa escena peligrosa en concreto", añade la intérprete.
Durante el rodaje en el Marietta Air Museum, rodeadas de aviones históricos como un ejemplar de las Fuerzas Aéreas en el que han volado personajes de la talla de John F. Kennedy, Wilson y el resto de las Bellas participaron en un montaje militar... con baile y escenas peligrosas. "Aparte de las peleas y lo de saltar de un yate que explota, rodamos una escena con perros en la que me presenté voluntaria para que me atacaran. Y fue precisamente el día de mi cumpleaños, lo que hizo todo aún más especial", relata riéndose Wilson.
Una de las escenas de la película estaba vagamente basada en hechos reales, tal y como nos explica Banks: "La suite del ático está inspirada en una situación real en la suite de una estrella del rock. El tipo tenía su propio coctelero y quería sacar miel de una colmena que había en la azotea del edificio en el que nos alojábamos. Me pareció una extravagancia increíblemente divertida. Si alguien me dice que una cosa así no podría pasar, pienso decirle: ‘Te equivocas. ¡Podría pasar perfectamente!’".
Cuando las Bellas pinchan en la batalla, su siguiente prioridad es convencer a DJ Khaled de que tienen mucho más que ofrecer de lo que él cree. Cuando consiguen llegar a su ático, se cuelan en la fiesta. Y mientras están esperando a que aparezca, las chicas consiguen desencadenar un dominó de catástrofes desastrosas.
"Beca descubre el equipo de producción de DJ Khaled y se pone a crear loops vocales despreocupadamente", nos cuenta Sie para describirnos la situación de caos. "Mientras tanto, a Aubrey se le cae una vela sobre una cortina, lo que provoca que Emily salga despedida hacia atrás chocándose con Ashley y Jessica, que a su vez se estampan contra una mesa de café. Vuelcan un sofá y empujan a Chloe contra Flo, que vuelca una batidora llena de zumo de remolacha, que le cae encima a Lilly. Y como guinda, las Bellas se topan con una colmena que se cae al suelo. Es una auténtica locura de escena. Intentamos grabar todo lo posible en una sola toma con steady-cam, y fue divertidísimo".
Tras la cortina en llamas y el zumo de remolacha real pringándolo todo, Sie revela: "Tuvimos que probar todo tipo de zumos para ver cuál no escocía en los ojos. La pobre Hana Mae tenía que quedarse en un rincón como Carrie durante horas, con la cara llena de zumo de remolacha".
Mezclar secuencias de a capella y acción puede ser complicado, y el equipo sabía que tenía que elegir música que resultara adecuada. Para filmar una de las escenas de lucha, Boyer recurrió a la mismísima Britney. "Lo primero que oímos en la película es el tema Toxic, y se nos ocurrió porque era la primera secuencia de acción que hacíamos", dice. "Necesitábamos algo que sonase vagamente a James Bond, pero sin dejar de ser pop y un poco excesivo. Toxic era la canción perfecta".
Recreando Europa: Atlanta ejerce de anfitriona
Como las Bellas se apuntan a participar en la gira USO tour, viajan por todo el Mediterráneo para apoyar a las tropas. Comienzan en España para luego dirigirse a Grecia, Portugal, Alemania, Kosovo, Creta e Italia. Durante esta increíble aventura, conocen a otros grupos contra las que compiten, además de lidiar con ejecutivos musicales.
El reto a la hora de hacer parecer que todo transcurría en Europa es que en realidad la producción tuvo lugar en Atlanta. Sie nos cuenta entre risas: "Georgia en invierno y el soleado Mediterráneo no tienen mucho que ver. Toby Corbett, nuestro diseñador de producción, hizo un trabajo fantástico. Fue necesario realizar un gran esfuerzo creativo".
"Tenían que pasar por localizaciones del sur de Francia, España, Sicilia, Italia...", recuerda Corbett, que regresa a la familia de Pitch Perfect. "Todo transcurre en bases militares, así que pudimos emplear muy buenas ubicaciones locales: Fort McPherson es una vieja base militar que utilizamos, y también Clay National Guard".
En los rodajes nocturnos en Clay, las Bellas y los cineastas podían subirse a unos cuantos aviones entre toma y toma. "El Departamento de Defensa apoyó mucho el guión y nos proporcionó un montón de aviones como telón de fondo en las pistas", añade Corbett.
"Tuvimos que dejarlo todo en manos de nuestros diseñadores de producción", afirma elogioso Handelman. "El equipo hizo un trabajo increíble posibilitándonos hacer tantas cosas en Atlanta, y eso dice mucho de la comunidad cinematográfica que tuvimos a nuestra disposición. La gente se ha dejado el pellejo en este proyecto, y estamos totalmente encantados con el resultado".
Crear paisajes de Francia, España e Italia en Atlanta no fue tarea fácil. "Nuestra labor es crear realidades resaltadas, y Trish se implicó mucho para garantizar que hubiera una gran presencia de colores vibrantes en la película. Yo también soy muy colorista; hay una sinfonía de colores que da vida a la historia, y ella es muy sensible a eso. Quiso transmitir esa mentalidad al diseño, y también me brindó mucha libertad para que hiciese lo que yo quisiera", dice Corbett.
Una de las localizaciones prácticas empleadas fue el Fox Theater, que hizo las veces de casino en Cádiz, España, donde Amy la Gorda reconecta con Fergus. "El Fox Theater es un precioso cine antiguo de Atlanta que refleja el diseño de los últimos años 20, con un montón de elementos exóticos estilo Morris, que también evocan influencias de España", señala el diseñador. "Empleando muchos letreros, nos deshicimos de las capas y resaltamos los elementos propios del casino".
Otro set creado en una localización práctica fue un espacio muy emblemático de Niza. "Para el mercado de flores de Niza, donde secuestran a las chicas, encontramos un espacio enorme en un barrio llamado Glenwood, que tiene una pequeña plaza. Conseguí llevar allí puestos y toldos y unas 10 000 flores", comparte Corbett. "Le brindamos el color y la textura del mercado de Niza".
Aprovechando el espacio de los Atlanta Metro Studios, se llevó a cabo una labor de artesanía impresionante para crear sets fuera de localización. "El yate que creamos, por ejemplo, está enteramente tallado a mano en gomaespuma, y acabado con pintura lacada", nos cuenta Sie. "Y lo mismo pasa con todo el set de la Ciudadela. Todas esas piedras antiguas y columnas las acabamos con varias capas de barniz envejecedor, y textura y pátina por toda la superficie".
El equipo de producción también utilizó recursos locales para vestir sus sets, siempre con el respeto por el medio ambiente en mente. "Es increíble la labor que llevaron a cabo los del departamento de arte; acudieron a gente que quería deshacerse de los árboles de su jardín", nos desvela Sie. "Extrajeron árboles enteros que iban a ser talados y descartados, sin más. Los trajeron para que formaran parte de nuestro set y que pareciese que fuera estaba la Ciudadela, aunque se tratara de un estudio de grabación. Nuestro equipo lo dio todo para que diese la impresión de que estábamos en Europa".
"Uno de los desafíos que tuvimos que afrontar era ambientar la película en Europa, pero construyendo todos los sets en Atlanta", dice Brooks. "Encontramos un lugar llamado 'la Ciudadela' al sur de Francia. Es en Villafranca, cerca de la frontera italiana, y reconstruimos ese enclave en un estudio de grabación de Atlanta. Aquí también se construyó el yate".
"El yate fue el mayor reto de la película", añade el productor. "Utilizamos un yate real como base para el barco de Fergus, el Ability, diseñado por un arquitecto naval muy conocido llamado Tommaso Spadolini. Era un superyate de más de 50 metros de eslora, y emanaba una energía maravillosamente siniestra que capturaba a su personaje".
"Es linear curvado, así que no fue fácil de recrear", admite Corbett. "Le dimos muchas capas de acabado suave y brillante. Recrear semejante barco en gomaespuma fue todo un desafío. Pero, de nuevo, contamos con artesanos fabulosos, y construimos un depósito de más de 550 000 litros. Cierta parte de la cubierta del barco estaba sobre el nivel del agua, para que pudiéramos rodar una escena de Amy la Gorda y Beca remando".
Camuflaje deslumbrante: diseño de vestuario
No es fácil vestir a un elenco de forma conjuntada, pero Banks aplaude a Salvador Perez, diseñador de vestuario de las tres películas de Pitch Perfect, por su inagotable creatividad: "Entiende verdaderamente esta película, y lo que es más importante, entiende a las chicas. Sabe cómo hacer que cada tipo de cuerpo y persona luzca y se sienta increíblemente bien".
"Sal es un diseñador brillante, de un talento increíble y lleno de habilidad", asegura Sie. "Entiende la ropa, las telas, el vestuario y a los personajes como nadie. Tiene cada detalle en cuenta y los ejecuta a la perfección. Comprende a las chicas y sus personalidades tan profundamente que todo parece fluir con naturalidad y sin esfuerzo, aunque yo sepa que ha implicado un trabajo enorme".
Perez admite que estableció el look general ya en la primera película. "Ha sido divertido poder crecer con estos personajes y ver cómo las chicas se han convertido ya en mujercitas", señala. "Beca sigue siendo la chica roquera de siempre, pero la primera vez que la vemos en pantalla es como productora musical. Así que le planté un traje, aunque claro, la versión rock-’n’-roll de un traje".
Por su parte, Kendrick explica la deliciosa relación de amor/odio que mantiene con uno de sus diseñadores favoritos. "Sal es un fastidio porque siempre lleva razón. Cada vez que nos ponemos los atuendos, pienso: ‘¡Me encanta!’. Y Sal me dice: ‘¡Pues espera a verlo deslumbrar!’. Yo siempre le pregunto: ‘¿Por qué todo tiene que brillar y deslumbrar?’, pero luego lo veo a la luz y pienso: ‘Dios. ¡Una vez más, Sal tiene razón!’. Total, que le odio y le amo a partes iguales, porque nunca se equivoca".
El diseñador se confiesa enamorado de la instrucción clave que debía seguir: "¡Más color!". "Trish ha trabajado mucho en videos musicales y anuncios. Por eso es tan visual y le gusta contar historias a través de la ropa. Entiende que el vestuario es un proceso narrativo, y adora el color. En general, siempre me piden que reduzca la presencia de estrás y colores, pero ella dice: 'Más brillo, más color’. Así que nos hemos llevado a las mil maravillas", cuenta riéndose Perez.
Para Perez, ha sido divertido ver la versión madura de las Bellas. "A Trish le encantan los colores, así que cuando vestimos a Chloe de veterinaria fue con el uniforme más colorido que puedas imaginar. Y lo mismo con Flo en el puesto de zumos. Trish decía: ‘Necesitamos piña’, y yo: ‘Vale. Voy a preparar un gorro que lleve piña’".
Cuando salen de gira, las Bellas tienen que adaptarse al estilo militar. "Están rindiendo homenaje a los militares, así que hay camuflaje, un regreso al estilo pin-up y mucho rojo, blanco y azul", dice Banks. "Queríamos reflejar la madurez de las chicas, así que visten de un modo más actual y menos adolescente".
Hablando de su inspiración para los atuendos militares, Perez explica: "Vi un especial de la USO, y me percaté de que todos los que actuaban llevaban algo de camuflaje. Además, en el guión se especifica que llevan un traje de camuflaje brillante. Total, que tomé aquello como inspiración y mi amor por los cristales Swarovski, y les puse miles de cristales a los atuendos. De pequeño, vi un especial de Bob Mackie con Debbie Reynolds. Literalmente cogieron un uniforme militar y lo llenaron de estrás. Esta es la versión moderna".
A la hora de vestir a todos los extras militares, el diseñador se topó con un gran reto. "Sal tenía que conseguir que todo fuese absolutamente fiel", explica Sie. "Por ejemplo, hay diferentes botas para cada rama militar, y había que ser precisos con todo eso. Sal tuvo que aprender dónde van cosidas las etiquetas con el nombre, qué se lleva en cada época del año y qué se pone uno debajo, además de estar al tanto de si es necesario llevar sombrero o gorro, o no".
El equipo de Perez descubrió que la cantidad de detalles en lo que a equipación militar respecta era abrumadora. Había representantes del Departamento de Defensa en el set, y eran muy insistentes con todos los detalles. Sobre Perez, nos cuenta: "Si un parche estaba medio centímetro fuera de su sitio, la prenda no se podía llevar en escena. El rango estaba mal. Así que teníamos que asegurarnos de cubrir todos los frentes, fueran cuales fueran las exigencias. Teníamos un segundo tráiler donde guardábamos exclusivamente los uniformes que ya estaban listos para la gira de la USO".
Para vestir a las irresistibles chicas de Evermoist, Perez fue un poco más allá. "Las Bellas siempre han sido atractivas y sexys, pero nunca de un modo muy manifiesto", declara. "Evermoist desborda sensualidad. Por eso hay muchas prendas transparentes y muy reveladoras, y cuentan con una líder absolutamente roquera, en contraste con las Bellas".
Sus colaboradores supieron valorar el inconmensurable esfuerzo. "Para Sal, hasta el último detalle es importante y su trabajo es un orgullo. Al vivirlo con semejante pasión, permite a los personajes brillar y sentirse sexys a su modo. Además, sabe cómo hacer que todo el mundo se sienta sexy de una forma única y acorde a su personaje, además de a lo que son", elogia Rose.
Para vestir a Whiskey Shivers, Perez entendió que interpretaban a una versión resaltada de sí mismos. Recuerda: "Su mánager me mando un montón de fotos de ellos, y yo no quería convertir su look en una especie de disfraz. El mejor comentario que recibí de los chicos fue que se sentían ellos mismos, ¡pero con ropa mejor!".
Y para vestir a los dos DJ, Perez se encontró con una problemática similar a la de Whiskey Shivers. "De nuevo, son gente que se interpreta a sí misma", nos dice. "A Trinidad James [Young Sparrow] no le da miedo el color. Viste de Louboutins y Dior; y sus atuendos son hechos a medida en Londres. DJ Looney [DJ Dragon Nuts] tiene una personalidad más discreta, igual que su personaje. Le creamos una versión de su propio look con inspiración militar, pero menos llamativa".
Para el personaje de Fergus: "la clave era que se trata de un mafioso, por eso optamos por darle siempre algún toque cutre", nos cuenta divertido Perez. "Por eso empleamos trajes de telas brillantes, pero con camisas ligeramente descuidadas. Queríamos mostrar a alguien orgulloso de su imagen de hombre acaudalado..., pero que no está en su mejor momento. Los nudos de las corbatas no estaban bien hechos y los zapatos estaban un poco desgastados, porque es todo fachada".
Diciendo adiós: el número final
No es habitual que las películas se rueden siguiendo el orden de las escenas, pero así ocurrió con la última escena filmada en Atlanta, que era de verdad el número final. En las últimas semanas de rodaje, los cineastas, el reparto y el equipo técnico sentían el peso del fin de una era. "Rodar el número final fue lo más gratificante de toda la película", dice Sie. "Nos llevó mucho tiempo bordar la actuación porque sabíamos lo importante que era. Tenía que cumplir muchos objetivos. Debía ser una canción de despedida e iniciar un nuevo capítulo que invitara a evolucionar. Tenía que ser una canción sobre la amistad y sobre conquistar tu propio futuro".
Filmar las escenas finales fue muy catártico para todo el reparto y el equipo técnico. Kendrick nos lo resume: "Ya habré llorado a lágrima viva delante de mis compañeros de trabajo unas siete veces".
"Nos conocemos desde hace cinco años, y la secuencia final fue muy emotiva. Intentamos que transmita todo lo que supone ser una Bella", apunta Wilson. "Estas películas han sido absolutamente claves en nuestras vidas y carreras, así que al poner punto y final a la producción lloramos y nos abrazamos mucho".
Para decir adiós, el equipo de producción acordó que la canción que pusiera el broche de oro fuera el emblemático tema de George Michael "Freedom!". Brooks explica la lógica: "Fue complicado tratar de descifrar cómo debía ser el número final. Tenía que ser un mensaje al público, así como una declaración de hacia dónde debe dirigirse el personaje de Beca. Y había que combinar ambas cosas con un final unificador para las Bellas".
"Técnicamente, el último tema costó mucho esfuerzo", dice Boyer. "En la escena final, Beca canta el tema de George Michael ‘Freedom!’ y escuchamos un poco de la canción antes, cuando está utilizando su equipo y va a hacer unos loops en la suite del ático. Más adelante, vuelve a cantar esos loops y aquello se convierte en ‘Freedom!’. Según va cantando, comienza sólo con su voz para luego entrar en bucle y pasar a ser una maravillosa extravaganza sonora".
Durante el proceso de búsqueda de localizaciones, el equipo decidió que el lugar perfecto era la Ciudadela. "Es una antigua fortaleza circular sobre un acantilado de clara influencia romana", subraya Sie. "Allí se realizan programas y actuaciones en directo, y pensamos que era la elección ideal. Por eso la recreamos aquí. Literalmente tallamos todo en gomaespuma para crear este escenario. Queríamos que la iluminación fuera muy rock'n' roll, pero también clásica y con un aire del Viejo Continente. Estamos en un enclave arquitectónico europeo de ensueño, atemporal y precioso, así que hicimos venir a un diseñador de iluminación especializado en rock para que nos ayudara".
Cuando las Bellas salieron al escenario, sintieron todo lo que dejaban atrás. Sie reflexiona: "Hay muchísima gente fan de la saga, de los personajes, de todo lo que han vivido con ellos. Es una experiencia muy potente crear una escena mágica para llevar todo a su gran clímax. El nivel de emotividad era intenso y palpable. Incluso en los ensayos, las chicas apenas podían terminar la escena sin echarse a llorar. Lo dejaron todo sobre el escenario aquella noche; todos los presentes pudimos sentirlo".
Handelman reflexiona sobre por qué la saga tiene tantos seguidores: "Pitch Perfect funciona de muchas formas, pero cuando mejor funciona es cuando encuentra la intersección perfecta entre lo absurdo y lo alucinante. Lo más divertido de este mundillo es lo en serio que se toma a sí misma la gente. Pero el público percibe el talento increíble de las chicas y cómo creen en ellas mismas. Estos personajes se unen para crear un sonido asombroso y muy gratificante, aunque hayan llegado donde están de un modo a menudo ridículo y sin sentido".
Sie valora que estos personajes hayan encontrado el modo de caminar por la fina línea que separa lo extravagantemente excéntrico y lo intrínsecamente auténtico y verosímil. "Es fácil irse a lo estrafalario y excesivo, o ceñirse a lo que resulta familiar. Lo difícil es encontrar el equilibrio entre ambas facetas. Pitch Perfect tiene ese toque de verosimilitud que uno puede aplicar a su propia vida. Estas chicas pasan por lo mismo que todas nosotras, sea no encajar con los demás, formar parte de un grupo de amigas o intentar ver qué salidas hay tras la universidad".
"Al público le van a encantar las escenas de acción porque me he dejado el alma para que queden de lujo", sentencia Wilson. "Espero que de verdad gusten y que sean sorprendentes, porque hemos adoptado un tono ligeramente diferente en esta película; no queríamos hacer lo mismo. Queríamos alcanzar el siguiente nivel para los fans. Espero que disfruten descubriendo más sobre Amy la Gorda. Además, me encantan las canciones de esta película. Estamos constantemente cantándolas... incluso cuando no deberíamos".
Una vez finalizado este capítulo, concluimos con una reflexión de la productora que ayudó a poner todo en marcha. "Con esta saga, sentimos que hemos dado en el clavo: hemos desatado una oleada de poder femenino no sólo en Hollywood y en la industria del cine, sino en el mundo", dice Banks. Si ese poder nace de entretener al público, mejor que mejor. Y concluye: "Además, cantar, bailar y hacer reír a la gente nunca es una mala combinación".
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