El affaire de Sarah y Saleem
2018
Duración 127 min.
País Palestina
Dirección Muayad Alayan
Reparto Ishai Golan, Hanan Hillo, Maisa Abd Elhadi, Kamel El Basha, Sivane Kretchner,Bashar Hassuneh, Adeeb Safadi, Jan Kühne, Rebecca Esmeralda Telhami,Mohammad Eid, Mohammad Titi, Amer Khalil
Festivales y Premios
– Festival Internacional de Cine de Rotterdam
Premio especial del Jurado – Mejor guión
– HBF Audience Award
– Titanic Budapest Film Festival
Mención especial
– Festival Internacional de Cine de Rotterdam
Premio especial del Jurado – Mejor guión
– HBF Audience Award
– Titanic Budapest Film Festival
Mención especial
Dijo la crítica:
“Un drama convincente donde lo personal se cruza con lo político.”
The Hollywood Reporter
“Actuaciones impresionantes y naturalistas.”
Screen
“Transmite hábilmente las tensiones, tanto físicas como mentales, entre el oeste y el este de Jerusalén … bien posicionadas para un juego mundial potencialmente fuerte”
Variety
Leal
2018
Duración 107 min.
País Paraguay
Dirección Rodrigo Salomón, Pietro Scappini
Reparto Luis Aguirre, Fini Bocchino, Bruno Sosa Bofinger, Fabio Chamorro, Dani Da Rosa,José Roberto Fretes Romero, Andrea Frigerio, David Gerber, Ana Maria Imizcoz,Mauricio A. Jortack, Felix Alberto Medina Ortiz, Alcides Oviedo Cáceres,Andrea Quattrocchi, Sergio Quiñonez Román, Silvio Rodas, Rafael Rojas Doria,Juan Cruz Rojas, Gonzalo Vivanco, Roberto Weiss
Más sobre la película
LEAL se encuadra en los géneros de crimen, drama y acción y presenta un guion inspirado en hechos reales.
Escrito por el argentino Andrés Gelós, dirigido por Pietro Scappini y Rodrigo Salomón, es el primer film producido por HEi Films, en coproducción con su par argentina Arco Libre.
Cuenta con la participación de Silvio Rodas, Félix Medina, Luis Aguirre, Andrea Quattrocchi y Bruno Sosa; además de figuras internacionales, como Gonzalo Vivanco (Chile), Andrea Frigerio, Josefina Fini Bocchino y Mauricio Jortack (Argentina).
Postproducción entre Argentina y Paraguay
La posproducción de LEAL absorbió poco más de dos meses, y gran parte del proceso se dio en Buenos Aires (Argentina). La corrección del color y generación de copias finales de la película se realizaron en los estudios de HD Argentina; la edición y mezcla de sonido, en Stavros Digital Sound y efectos visuales, en Pochoclo Studios.
Visión de la productora general
Según explica Vicky Ramírez, productora general, la idea de rodar un film de drama, crimen y acción responde a la ausencia de producciones de este tipo en el cine local y a la necesidad de generar una película atractiva para el público masivo.
Indica también que la apuesta es llegar a la nueva generación de consumidores de cine; ese público joven que quiere elegir dónde y cuándo ver cine.
Visión de los directores
La película está inspirada y no basada en hechos reales, pues la trama fue creada a partir de anécdotas de los agentes de la Secretaría Nacional Antidrogas (Senad), que brindaron un riguroso asesoramiento durante la filmación. “Los componentes que más realismo dan a la historia son la extensa investigación y el constante apoyo de los oficiales”, resalta Rodrigo Salomón.
El mundo de los narcos es proyectado de modo antagónico. Sin embargo, los realizadores incluyeron elementos para que el espectador desarrolle cierto grado de empatía hacia los perversos. La misma dinámica se imprimió al mundo de los agentes, abarcando ingredientes que permiten al público comprender por qué estos hombres arriesgan sus vidas en el trabajo. “El desafío es que las personas entiendan a estos patriotas silenciosos”, destaca Rodrigo.
Sobre los directores
Pietro Scappini
Especializado en comerciales de televisión, el director tiene experiencia en edición, posproducción, asistencia de dirección, dirección fotográfica y de cámaras. Empezó su carrera en Synchro Image, para luego emprender Renovatio Films, la productora que encabeza desde el 2010. Su variado portafolio incluye tareas para marcas como Peroni, Niko, Colgate, Samsung, Banco Atlas o Personal; al igual que materiales institucionales y artísticos para distintos clientes como el Club Cerro Porteño, la Secretaría Nacional de Turismo (Senatur) o la cantante Anna Chase.
Fue presidente y vicepresidente de la Cámara Paraguaya de Productoras de Cine y Televisión en distintos periodos. Hoy representa al Paraguay ante la Federación Iberoamericana de Productores de Cine y Audiovisual. Con varios premios nacionales, sus obras reflejan pasión por el cine y la producción audiovisual.
Rodrigo Salomón
Egresado de la Universidad de Buenos Aires como Diseñador de Imagen y Sonido y con una especializaciones en montaje, adquirió experiencia como director, productor ejecutivo, editor, director de fotografía, camarógrafo y colorista, animador 2D en cortometrajes, cine publicitario, materiales institucionales, videoclips musicales y largometrajes.
Ganó el premio a Mejor Cortometraje del concurso 200 años en 60 segundos-Bicentenario del Paraguay 2011. Desde la productora audiovisual Oima Films, trabajó como productor ejecutivo y montajista del film nacional Luna de cigarras (2014). Hoy dirige comerciales de modo freelance para productoras nacionales e internacionales, y es uno de los propietarios de Chaco Rental.
Yo niña
2017
País Argentina
Dirección Natural Arpajou
Reparto Esteban Lamothe, Andrea Carballo, Huenu Paz Paredes, Emiliano Carrazzone,Bimbo Godoy, Mariano González, Marina Glezer
Palabras de la directora
Hacer una película no es hacer una película. Hacerla es sumergirse dentro de uno mismo para mirarse, buscarse y, con un poco de suerte, encontrase.
YO NIÑA es un diálogo conmigo, entre la niña que fui y la que todavía perdura y a quién, todavía, me encuentro en cada rincón, tirándome de la manga del pullover pidiéndome que le explique.
Es mi historia porque la he reinventado para contarla y en el proceso la hice mía. Hecha de contradicciones y fragmentos, es el cuento que me cuento a mí misma para dormir.
Sobre Andrea Carballo
La actriz se encuentra radicada en España desde 2011. El año pasado protagonizó la segunda temporada de la serie “Las chicas del cable” y fue protagonista de un cortometraje que se volvió viral. “Ni una sola palabra de amor” fue el video dirigido por El Niño Rodriguez, que fue un verdadero fenómeno, llegando a noticieros, portales, tapas de diarios y redes sociales. BREVE SINOPSIS DEL CORTO: María Teresa insiste en dialogar con un contestador telefónico tratando de derribar la indiferencia de Enrique.
Link al corto:
https://www.youtube.com/watch?v=sNkzk95uAP0
Además participó en “Carne de Neón”, de Paco Cabezas, “Séptimo” (con Belén Rueda y Ricardo Darín) y en “Finding Sofía”, entre otras.
Web: http://andreacarballo.com/project/biografia/
Sobre la directora
Natural Arpajou nació en Mar del Plata, provincia de Buenos Aires. Es Directora, Productora, Guionista, Directora de Casting y además se desempeña como Script Doctor y docente de Guión y Dirección.
2018 LIBRE (Largometraje, en pre-producción)
2017 YO NIÑA
2015 Princesas (Cortometraje)
2013 Espacio personal (Cortometraje)
2011 Lo que haría (Cortometraje)
2009 Ana y Mateo (Cortometraje)
2005 Prohibido tocar los tomates (Documental)
Premios
Por largometraje “Extraño”
Mejor Worck in progress Competencia Oficial Festival Internacional de Cine de Mardel Plata, Argentina 2016.
Por cortometraje “Princesas”
Mejor Cortometraje Competencia Oficial Festival Internacional de Cine de Mardel Plata, Argentina 2015.
Por “Espacio Personal”
Mejor Cortometraje Competencia Oficial Festival Internacional de Cine de Mardel Plata, Argentina 2013. Nominado Premios Cóndor de Plata 2014.
Competencia Festival Uncipar 2014. Competencia Festival de Cine de La
Rioja. Competencia Festival Mujeres en Foco.
Por cortometraje “Lo que haría”
Mejor Cortometraje Competencia Oficial Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, Argentina 2011. Mejor Cortometraje La Noche del Cortometraje 2011. Mejor Cortometraje Festival Uncipar 2012. Seleccionado Short Film Corner Festival de Cannes 2012. Mejor Cortometraje Festival Internacional de Cine de Cosquin 2012. Mejor cortometraje y Mejor actuación 3ra Semana Internacional del Corto de Bolivia. Nominado Premios Condor 2012. Ganador Premio del Público Competencia oficial Festival Pantalla Latina – Suiza 2012. Ganador Mejor Cortometraje latinoamericano Competencia oficial Festival de Huelva – España 2012. Medalla de plata Festival Unica – BULGARIA 2012. Mejor Dirección y mejor guión IX Festival de Cortos de Tapiales. Mención especial del jurado Festival Internacional de Cine de Uruguay 2012. Mención especial del jurado Mejor Actriz Festival de Cortos de Escobar 2012. 2º Premio Festival Maipú Cortos 2012. Mejor actuación, mejor montaje La Pedrera ShortFilm Uruguay 2012. Mención Especial del Jurado Festival de Cine De Rosario 2012
2º Premio Festival de Cortos de San Pedro 2012. Entre otros
Por cortometraje “Ana y Mateo”.
Mejor Cortometraje Competencia Oficial 24º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, Argentina, 2009. Nominado Premios Condor 2011 Argentina, Mejor Cortometraje Festival Uncipar, Argentina, 2010. Mejor Cortometraje Festival Mujeres en Foco, Argentina, 2010. Mejor Cortometraje La Noche del Cortometraje 2010. Medalla de Oro Festival UNICA, Suiza 2010. Mejor Guión de corto Latinoamericano Florian Rey, España. Mención especial Festival de Cine de Gualeguaychú 2010. Mención del Jurado Mejor dirección de actores, programa “Ficciones Cortas” Canal A 2011. Competencia official Belgrade Documentary and Short Film Festival, Belgrado, 2010. Competencia Oficial Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay, Uruguay 2010. Entre otros.
Por largometraje “Yo niña”
Mención Especial del Jurado del Festival Internacional Del Nuevo Cine Latinoamericano La Habana Cuba 2008. Ganador Concurso Opera Prima, INCAA. Seleccionado para Taller de desarrollo de guión, Festival de Amiens, Francia 2010. Seleccionado Taller Produire Au Sud, Bafici 2008. Proa Cine 2007 2º Mención. Seleccionado Festival UNASUR desarrollo de proyectos 2014.
https://vimeo.com/user7588026
Facebook: @cortosnaturalarpajou
Sin dejar huellas
2018
Duración 113 min.
País Francia
Dirección Érick Zonca
Reparto Vincent Cassel, Romain Duris, Elodie Bouchez, Sandrine Kiberlain, Charles Berling,Christophe Tek, Lauréna Thellier, Sadek
Más sobre la película
Basado en una novela del escritor israelí Dror Mishani, conocido por su serie de obras criminales, el cuarto largometraje de Erick Zonca es un relato con tintes de suspenso en donde se sigue al comandante François Visconti, un detective muy singular, que entre muchos de sus problemas. tiene una pésima relación con su hijo; un joven que se dedica a vender drogas. El personaje de Visconti es agresivo, alcohólico, vive obsesionado con su ex esposa y trata de “ayudar” a su hijo de una manera particular. Él irá entendiendo de a poco las dificultades entre la relación de un padre y su hijo cuando tenga que resolver el caso que le asignaron.
SIN DEJAR HUELLAS es un thriller con tintes de film noir, con el suspenso necesario para atrapar al espectador, con unos diálogos simples pero contundentes, con unas secuencias desgarradoras, una ambientación sombría y una narración lineal que poco a poco nos va llevando a la pistas para descubrir qué pasó con el joven. En este sentido, cumple con los requisitos de su género y lo hace con un ritmo acorde.
La película cuenta con la fuerza actoral de Vincent Cassel, que realiza un personaje a la vez brillante y patético. Su papel tiene contrastes claros que le aportan a la historia un personaje complejo. Además Cassel mantiene una actuación corporal extraordinaria, que refuerza la forma y fondo de las características del detective Visconti.
Nota del director
Esta es una historia que aborda la relación a veces difícil, otras veces terrible, entre padres e hijos, representada a través de una intrincada trama plagada de pistas falsas y de una humanidad violenta y maltratada. Una historia que aborda cuestiones muy sensibles, ya que también toca los peores temas: el incesto y el asesinato.
Para abordar éstos, utilicé el género del cine negro con policías, noticias, suspense y misterio. Sentí que era importante anclar esta realidad monstruosa en la ficción, para permitir que el público se acercara a las orillas del terror a través de una historia inventada que les permitiera mantener una distancia suficiente de la espantosa verdad.
Elegí un personaje que corresponde a los códigos del género: los de la desilusión, el cansancio, la ceguera, pero que también tenga una determinación implacable de desenterrar la verdad. De hecho, el héroe del cine negro pierde y se encuentra de nuevo enfrentando el mal, que es la única forma en que puede renacer de las devastadoras y humeantes cenizas de un mundo insoportable.
Sobre el director
Érick Zonca
(Nueva Orleans; 10 de septiembre de 1956), guionista y director de cine francés.
Tras estudiar filosofía y teatro, viaja a Nueva York, donde vive cuatro años de pequeños trabajos, regresando a Francia a la edad de 30 años. Consiguió seguidamente un puesto para un film institucional, trabajando después como ayudante en comedias costumbristas. Como director autodidacta, realizó su primer cortometraje en 1992 antes de que lo conociéramos por su primera película, La vida soñada de los ángeles, un éxito inmediatamente recompensado por el Premio César a la mejor película en 1999.
Luego de varios años, dirige Julia, su segunda obra, combinando el proceso de escritura con el trabajo en publicidad.
Filmografía:
Como director:
2008: Julia.
1998: El pequeño ladrón (Le Petit Voleur).
1998: La vida soñada de los ángeles (La Vie rêvée des anges).
1997: Seule – Cortometraje.
1993: Eternelles – Cortometraje.
1992: Rives – Cortometraje.
Premios:
1999: César a la mejor película por La vida soñada de los ángeles.
1999: Nominación al César al mejor director por La vida soñada de los ángeles.
1999: Nominación al César al mejor guion original o adaptación por La vida soñada de los ángeles.
1999: Nominación al César a la mejor ópera prima por La vida soñada de los ángeles.
Dijo la crítica
“Cassel lo consigue. Le da fuerza a uno de los personajes más interesantes de su carrera”
The Hollywood Reporter
“Devastadora, al mejor estilo cine noir clásico”
Diario El Universal
“Un thriller apasionante”
Cinespacio24
Unidad XV
2018
Duración 104 min.
País Argentina
Dirección Martín Desalvo
Reparto Carlos Belloso, Lautaro Delgado, Rafael Spregelburd, Diego Gentile, Mora Recalde,Ignacio Rogers, Adrián Fondari, Germán de Silva
Malicious: En el vientre del diablo
2018
Duración 90 min.
País Estados Unidos
Dirección Michael Winnick
Reparto Bojana Novakovic, Josh Stewart, Delroy Lindo, Melissa Bolona, Yvette Yates,Jaqueline Fleming
La cama
2018
Duración 95 min.
País Argentina
Dirección Mónica Lairana
Reparto Alejo Mango, Sandra Sandrini
Viudas
2018
Duración 128 min.
País Reino Unido
Dirección Steve McQueen
Reparto Viola Davis, Michelle Rodriguez, Elizabeth Debicki, Cynthia Erivo, Colin Farrell,Brian Tyree Henry, Daniel Kaluuya, Jacki Weaver, Carrie Coon, Robert Duvall,Liam Neeson, Jon Bernthal, André Holland, Garret Dillahunt, Kevin J. O'Connor,Lukas Haas, Manuel García-Rulfo
Ambientada en el Chicago contemporáneo, en un tiempo de agitación, la tensión crece cuando Veronica (Ganadora de un Oscar® Viola Davis), Alice (Elizabeth Debicki), Linda (Michelle Rodriguez) y Belle (Cynthia Erivo) deciden tomar las riendas de su destino y conspiran para forjarse un futuro con sus propias reglas.
"Viudas" también cuenta en el reparto con Liam Neeson, Colin Farrell, Robert Duvall, Daniel Kaluuya y Brian Tyree Henry.
La chica en la telaraña
2018
Duración 117 min.
País Estados Unidos
Dirección Fede Álvarez
Reparto Claire Foy, Sverrir Gudnason, Vicky Krieps, Sylvia Hoeks, Claes Bang,Stephen Merchant, Keith Stanfield, Cameron Britton, Synnøve Macody Lund,Christopher Convery, Andreja Pejic, Beau Gadsdon, Carlotta von Falkenhayn,Alexander Yassin, Sonja Chan, Felix Quinton, Johan Eriksson, Martin Müller
El aspecto. El tatuaje. Las habilidades. La determinación.
La hacker independiente Lisbeth Salander, feroz justiciera y estrella de la trilogía enormemente popular de Stieg Larsson de ciber-thrillers oscuros, retorcidos e impulsados por la venganza de Millennium, así como de cuatro alabadas adaptaciones cinematográficas, posee todas las características que necesita un héroe moderno: es inteligente, llena de recursos, movida por sus demonios pero no definida por ellos y posee una actitud de "yo contra el mundo" que ha sido más que suficiente para acabar con hombres maltratadores, asesinos ocultos y cualquiera lo bastante insensato para enfrentarse a ella.
En el thriller La chica en la Telaraña, sus fans podrán disfrutar de una nueva aventura de Lisbeth Salander, en la que esta marginada inadaptada -la defensora de la justicia más original y compleja de la ficción del siglo XXI- emprenderá su cruzada más peligrosa y personalmente reveladora hasta la fecha.
Cuando un científico la contrata para que recupere su trabajo de manos de los norteamericanos, Lisbeth se ve atrapada en una oscura y violenta red de intriga después de que unas fuerzas misteriosas tomen los datos, arrasen su apartamento y la den por muerta. Con su antiguo amigo, el periodista MIKAEL BLOMKVIST, como insospechado aliado, Lisbeth deberá emprender un peligroso viaje para descubrir a sus atacantes, proteger al joven hijo del científico y recuperar lo que le arrebataron. A medida que se estrecha el cerco, se ve inmersa cada vez más en las sombras de su propio pasado misterioso.
Los hombres malvados del mundo que se atrevan a enfrentarse a Lisbeth Salander habrán de afrontar las consecuencias de sus actos. Pero para aquellos que necesiten una nueva clase de héroe -los más vulnerables, sin voz propia- ella es el rebelde volátil y justo que tal vez necesitemos ahora más que nunca.
La nueva entrega de la franquicia Millennium de Sony Pictures -basada en el fenómeno literario mundial originado por Stieg Larsson y continuado por David Lagercrantz- empezó a rodarse en enero de 2018 en Berlín y acabó en abril en Estocolmo.
El guión es de Jay Basu & Fede Álvarez y Steven Knight, basado en la novela superventas mundial escrita por David Lagercrantz. Scott Rudin, Eli Bush, Ole Søndberg, Søren Stærmose, Berna Levin, Amy Pascal y Elizabeth Cantillon producen la nueva entrega de la saga.
La chica en la Telaraña es la primera película de esta serie superventas cuya primera adaptación cinematográfica se ha hecho en inglés. Los libros anteriores de la serie se trasladaron inicialmente a la gran pantalla en producciones suecas y "La chica del dragón tatuado" fue un remake de la película sueca, que se convirtió en un éxito mundial y recaudó más de 230 millones de dólares en todo el mundo.
El estudio continúa las labores de adaptación del siguiente libro de la serie de Millennium, "El hombre que perseguía su sombra". Columbia Pictures conserva los derechos para adaptar todas las futuras entregas de la serie de libros de Millennium.
La serie de Millennium es un gran éxito de ventas mundial, de la que se han vendido desde que debutó más de 86 millones de ejemplares entre sus cuatro primeros libros.
Acerca de la película
Los lectores de todo el mundo han convertido a la serie de libros de Millennium en uno de los mayores éxitos editoriales del nuevo siglo, gracias al explosivo atractivo de la memorable creación de Stieg Larsson, Lisbeth Salander. A lo largo de cuatro adaptaciones cinematográficas muy bien recibidas, la fascinación que sienten sus fans por la icónica Lisbeth no ha hecho más que aumentar, de modo que, cuando se publicó en 2015 la alabada continuación de David Lagercrantz de las novelas, "Millennium: Lo que no te mata te hace más fuerte", la siguiente entrega de la popular franquicia cinematográfica de Sony prácticamente se anunció sola.
"El mundo está preparado para un héroe justiciero como Lisbeth Salander", afirma la productora Amy Pascal. "Lisbeth es un héroe para los maltratados y los vulnerables, y lo hace a su manera. Sencillamente, no hay nadie como ella. Es el momento perfecto para esta película, pero es que además hay muchas más historias que contar".
Por su parte, Sony se encontraba celebrando los buenos resultados de taquilla y la energía creativa del director en alza Fede Álvarez. Los productores encargados de supervisar el desarrollo de la franquicia estaban deseando llevar la historia en una nueva dirección, que se sostuviera por sí misma como un filme de acción y aventura, a la vez que dejara satisfechos a los seguidores con que cuenta el personaje desde hace años. A tal fin, vieron en Álvarez a un nuevo e impactante talento en la dirección con la sensibilidad adecuada para el proyecto, como queda en evidencia en el remake de Álvarez de 2013 del clásico de terror "Posesión infernal (Evil Dead)", así como en su thriller original de 2016 "No respires". Con los profundos conocimientos que poseían los productores del material, la ambición de Álvarez por seguir ampliando los límites del cine de género y el deseo de Sony de continuar colaborando con un director que se había convertido en parte de la familia del estudio, parecía natural fichar a Álvarez para que tomara la batuta de La chica en la Telaraña.
Para Álvarez, era una oportunidad perfecta para aportar su habilidad con la tensión inquietante y su don para las dinámicas tirantes entre personajes a una historia cargada de drama, suspense y acción. Se dio cuenta de que el estilo de La chica en la Telaraña, tenía que ser una apasionante mezcla propia de lo visceral y lo emocional. "Para mí, lo que principalmente lo describe mejor es que no se parece a nada más, y eso es lo que siempre busco como cineasta a la hora de elegir un proyecto", afirma el director. "Y este tenía algo muy concreto que me brindaba la oportunidad de hacer una película que sabía que no tenía que parecerse a nada más. Es una extraña combinación de película de acción, impactante drama de personajes y thriller nórdico de serie negra. Todos esos elementos se combinan de una forma muy particular para convertirla en algo muy, muy diferente".
Para Álvarez, en lo más alto de la lista de elementos atractivos se encontraba por supuesto Lisbeth Salander, que por primera vez se convierte en el centro de atención de una de las historias de Millennium como principal protagonista de la trama, en lugar de limitarse a tener un papel destacado. "Lisbeth es la razón por la que decidí hacer la película", asegura Álvarez. "Hace algo muy relevante en la actualidad, representa a una mujer que dice: '¡Basta ya!'".
Uno de los rasgos más marcados de la personalidad de Lisbeth, opina Álvarez, es su sentido de la lucha, algo que optó por explorar en profundidad y de manera muy visceral en La chica en la Telaraña. "Lisbeth se niega a dejar que la conviertan en víctima", opina. "Por mucho que le lances, siempre planta cara y sale adelante, que es lo que puede verse en esta historia mejor de lo que se había podido observar en ninguna de las anteriores. Se podrá apreciar su férrea voluntad. No importa cuántas palizas reciba, cuánto la obliguen a retroceder o la pongan de rodillas. Siempre volverá a ponerse en pie y seguirá luchando. Y creo que ese es un sentimiento con el que todo el mundo puede conectar".
La cibermercenaria tatuada Lisbeth Salander es un personaje que, sobre el papel, es un sueño para cualquier actriz: volátil, superdotada, dura, misteriosa y poco convencional en todos los aspectos, pero impulsada por un claro sentido del bien y el mal. Hacer el mal supone desatar su pasión por la justicia, sobre todo si un malhechor se ceba en los más vulnerables. Y dado que Lisbeth es la personificación del superhéroe moderno, encontrar a la persona adecuada para interpretarla fue el principal reto del proyecto, comparable a encontrar al James Bond o Superman adecuados. Por eso Álvarez, junto con Pascal, Cantillon y el resto de los productores de La chica en la Telaraña se mostraron entusiasmados de que la estrella de "The Crown", Claire Foy, una de las intérpretes más cautivadoras en pasar por la pantalla en los últimos años, estuviera deseando tener la oportunidad de meterse en la piel del personaje.
"Esta es una historia de Lisbeth Salander que no habíamos visto nunca en la pantalla, que trae además una nueva interpretación del personaje por parte de Claire Foy", señala la productora Elizabeth Cantillon. "Claire se muestra muy valiente con su aspecto externo, pero es su transformación interna lo que verdaderamente la convierte en Lisbeth, se transforma en una heroína fuerte con vulnerabilidades ocultas".
Álvarez, fan de "The Crown" y de la galardonada interpretación que realiza Foy de la joven reina Isabel II, opina que el raro don de la estrella británica para ofrecer profundas caracterizaciones la hacía perfecta para el trasfondo de Lisbeth Salander. "Desde su primera escena en 'The Crown', me encantó su forma de contar una historia emocional", sostiene Álvarez. "[Posee una gran] capacidad para expresar una ingente cantidad de emociones reprimidas con sólo sus ojos".
Foy ya era fan de las novelas de Millennium y del personaje de Lisbeth. "Me encantaron los libros", recuerda. "Los leí hace unos doce años. Por entonces, era una joven de veintitantos que leía un libro sobre una joven de veintitantos. Lo encontré revelador, la verdad, sobre todo por tratarse de una historia que se centraba en una mujer y que además viniera a ser la persona más interesante a la que seguir en la historia".
La Lisbeth de La chica en la Telaraña es, en opinión de Foy, alguien que ha madurado desde los trascendentales acontecimientos de los tres primeros libros, pero sigue encontrándose en un estado muy frágil en cuanto a de dónde procede y adónde va. Foy explica: "Ya no se encuentra bajo la tutela del estado. Es completamente independiente. Tiene mucho dinero, pero creo que está bastante perdida. Es una luchadora y creo que durante mucho tiempo tenía algo contra lo que luchar, y en esta película la encontramos más o menos sin una meta clara. Así que toma muchas malas decisiones a fin de encontrar una. Pero es más fuerte de lo que parece. Es la clásica persona con la que no hay que dejarse engañar por las apariencias".
Esta película, prosigue Foy, trata directamente sobre la parte de Lisbeth tan afectada por los traumas de su pasado que le cuesta entablar relaciones y al mismo tiempo la manda a emprender una misión ideada para que luzca sus habilidades para eliminar el mal y defender a los agraviados. "Vienen a ser dos facetas de la vida de Lisbeth que convergen y chocan entre sí de una manera espectacularmente espantosa", comenta Foy. "La faceta de ella que se preocupa por la justicia social, deshacer entuertos y también por ser espontánea y tomarse la justicia por su mano, choca en gran medida con una parte sin resolver de su pasado que tiene que ver con su hermana, y el amor que siente por ella, que ha negado y que jamás quiere que se lo recuerden. Así que, en esencia, ella trata de huir de su pasado, pero, al final, acaba alcanzándola".
En lo referente a esa combinación de intensa determinación y disfunción social, comenta Fede Álvarez, contar con Foy sirvió, a su modo de ver, para asegurar que los espectadores se encontrarían con una Lisbeth completamente única. "Claire es la que hace que funcione", opina Álvarez. "Lo que más me fascina de hacer películas es que, al conocer a Claire como persona, no tiene nada que ver con Lisbeth. No podrían ser más diferentes en ciertos aspectos. Eso demuestra lo gran actriz que es, porque podía convertirse en esa persona y entendía al personaje, y podía interpretarlo de una manera que resultaba fascinante de ver cada día".
Para Foy, trabajar con Álvarez resultó ser una experiencia muy amena y reveladora. "Hay mucha gente que ya lo sabe, pero es sinceramente un director muy especial", asegura Foy. "Es muy musical. Entiende el cine de una forma muy especial, es como si fuera a la vez espectador y director, lo que creo que es algo sumamente excepcional. Entiende que hay que cambiar el ritmo de la película para transmitir algo sobre la historia, pero también para mantener interesado al espectador y que además descubra algo nuevo sobre el personaje. Lo planea todo y lo sabe todo de una forma que resulta muy musical".
A la hora de elegir al resto del reparto, tanto si se trataba de personajes familiares de entregas anteriores como de figuras nuevas de la saga Millennium, Álvarez buscó un enfoque que no solo contemplara al mejor intérprete para cada papel, sino que también tuviera en cuenta la autenticidad de los orígenes europeos del relato. Álvarez aporta: "Mi objetivo principal era tratar de encontrar realmente a los mejores actores que pudiera, independientemente de su fama y de quién fuera el actor más conocido. También queríamos que fuera algo legítimo, lo que quiere decir que, si vamos a tener personajes procedentes de distintos países de Europa, vamos a intentar encontrarlos allí. ¡Fue emocionante encontrar a un Mikael Blomkvist que fuera realmente sueco!" (Gudnason es sueco-islandés).
Ese sería Sverrir Gudnason, que acababa de darse a conocer en todo el mundo con "Borg McEnroe: La película", como la leyenda sueca del tenis Bjorn Borg, y que ahora se encargaría de dar vida al intrépido héroe periodista de Stieg Larsson, Mikael Blomkvist, amigo comprensivo y aliado incómodo de Lisbeth Salander. Para Gudnason, Blomkvist es "como Lisbeth, un desfacedor de entuertos", y, en el universo de las historias, "seguramente una de las pocas personas en las que confía Lisbeth. Naturalmente, son muy distintos. Pero tienen los mismos principios morales. Busca justicia".
Gudnason prosigue: "Al principio de la historia, está un poco de capa caída. Bebe demasiado y lo están echando de su propia revista periodistas sensacionalistas. Y hace unos tres años que no ve a Lisbeth. Pero vuelve a irrumpir en su vida pidiendo ayuda y eso despierta algo en él y hace que recupere el interés".
Álvarez considera que Gudnason aporta "una frescura diferentes" al papel de Blomkvist, un personaje al que el director admira por cómo se relaciona con Lisbeth. "No cuestiona a Lisbeth para nada, es asombroso cómo se llevan. Él la acepta tal como es. Es una cualidad muy humana y, cuando conocí [a Sverrir] conectó estupendamente con el personaje. Tenía una química estupenda con Claire ante la cámara. Era maravilloso de ver".
Claire Foy encontró en Gudnason a un verdadero colaborador para descubrir la verdad de una determinada escena. "Está presente y muy comprometido; es un tipo muy inteligente, en cualquier caso", opina Foy. "Es un actor genial, asombroso".
Gudnason, por su parte, no tiene tampoco más que elogios para con Foy y su interpretación de Lisbeth. "No sólo es una actriz genial", opina Gudnason. "Sino que también está muy centrada y resuelta, y se mete de verdad en la piel del personaje. Hizo de Lisbeth Salander su propia Lisbeth. Claire es una persona encantadora, con la que es muy fácil trabajar".
Su admiración también abarca a Fede Álvarez, al que Gudnason califica de "un director genial. Es increíblemente inteligente y tiene una idea muy clara de lo que quiere hacer. Te orienta poco a poco en esa dirección. Por sus películas anteriores, es evidente que sabe aportar mucha tensión al proyecto, así que fue un placer trabajar con él".
A lo largo de la historia, el pasado de Lisbeth Salander regresa de manera significativa en forma de Camilla, su hermana desaparecida hace mucho tiempo. Para interpretar a esta inquietante figura del traumático pasado de Lisbeth, Álvarez eligió a la actriz holandesa que se dio a conocer en "Blade Runner 2049" Sylvia Hoeks. "La vi en 'Blade Runner 2049' y me dejó anonadado", recuerda Álvarez. "Es estupenda, muy intensa, muy diferente y una vez más, muy impredecible como actriz. Siempre busco lo que no te esperas y fue un placer trabajar con ella".
A diferencia de Foy y Gudnason, Hoeks tuvo que encargarse de encarnar a un personaje que no se había visto nunca antes en las historias de Millennium, aunque se había hecho referencia a él en las novelas originales de Larsson, antes de hacer aparición plenamente en La chica en la Telaraña. A la hora de prepararse para interpretar a Camilla, Hoeks se aprovechó del hecho de que se tratara de un personaje nuevo de la saga y se dejó llevar por la imaginación. "Hay muchos espacios en blanco que rellenar", observa. "Eso es lo que me gusta de un personaje del que no sabemos mucho. Pero entendí el mundo de Lisbeth Salander. Y al observarla, te preguntas cómo sería su hermana. Hicimos que su hermana fuera un reflejo de ella, pero al mismo tiempo muy diferente, que desvelara algo sobre Lisbeth que los espectadores estuvieran deseando conocer. Después de verla ser tan impresionante durante tantos años, queremos saber quién era esa chica, cómo acabó siendo como es y cómo habría sido de pequeña. Así que creo que interpretar a Camilla como un reflejo de Lisbeth me pareció una forma muy interesante de crear a un personaje nuevo. Me encanta documentarme. Creo que es una de mis cosas favoritas de ser intérprete, ese aspecto psicológico".
A Hoeks también le gustó la forma de dirigir de Álvarez, que empezó con una idea muy clara de lo que quería, pero siempre dejaba espacio para la colaboración con los actores. "Era muy receptivo a las ideas y puntos de vista de los demás", asegura Hoeks. "E improvisamos mucho. Había mucha libertad en las escenas. Fue una forma sumamente interesante y maravillosa de trabajar con un director".
Para el papel del especialista de la NSA (Agencia de Seguridad Nacional) Ed Needham, un individuo que se encuentra persiguiendo a Lisbeth Salander después de que la hacker se infiltre en un sistema seguro y robe un código importante, Álvarez eligió a Lakeith Stansfield (de la serie de televisión del canal FX "Atlanta" y el filme "Sorry to Bother You"). "Queríamos a alguien más emocionante y diferente", explica Álvarez, que veía en la historia de pez fuera del agua de Needham en Suecia la oportunidad de subvertir aún más las expectativas de los espectadores. "Lakeith se divirtió mucho con eso. Hizo un trabajo excelente y la verdad es que queda patente en la película".
El magnífico reparto internacional reunido por Álvarez se completa con Claes Bang ("The Square"), como una enigmática figura que le sigue la pista a Lisbeth, Stephen Merchant ("Hello Ladies", "Logan") como el genio de la informática Franz Balder, que recluta a Lisbeth para su causa desesperada, Christopher Convery como August, el hijo de Balder, Synnove Macody Lund como Gabriella Grane, jefa de seguridad sueca, y Vicky Krieps ("El hilo fantasma") como Erika Berger, directora de la revista Millennium.
Acerca de la producción
Fede Álvarez empezó a diseñar la imagen de La chica en la Telaraña antes siquiera de que hubiera un solo dibujo del departamento artístico, ni un solo exterior localizado, ni un solo boceto o idea del aspecto que tendría Lisbeth: empezó cuando reunió a su equipo creativo, con la mayoría de los cuales ya había colaborado anteriormente, bien en "Posesión infernal (Evil Dead)" o bien en "No respires", o en ambas. El director de fotografía Pedro Luque Briozzo, S.C.U., el diseñador de vestuario Carlos Rosario y el compositor Roque Baños ya habían trabajado antes con Álvarez, a los que se unieron la nominada al Óscar en cuatro ocasiones Eve Stewart como diseñadora de producción y la nominada al Óscar (por "Yo soy Tonya") Tatiana S. Riegel, como montadora. "La única forma de hacer este trabajo, de colaborar con otras personas para producir una visión única, es reunir a gente cuyo gusto y estilo ya conoces", opina Álvarez. "Tiendo a dejarlos a su aire al principio, considero que es la mejor manera de sacar lo mejor de cada uno y esperar que aporten su propia visión al proyecto. A partir de ahí, puedo hacer ajustes y dirigirlos por un camino concreto, pero si eliges a la gente adecuada, como director tendrás menos que dirigir, dado que ya irán por el camino correcto".
"Fede y yo nos conocemos desde que teníamos 20 años. Empezamos juntos en la industria, cuando él era montador y yo ayudante de cámara", recuerda Luque, que ya ayudó a su amigo en el departamento de cámara en "Posesión infernal (Evil Dead)" y después ocupó el puesto de director de fotografía de "No respires". "Vemos las cosas de la misma manera, nos gusta el mismo tipo de películas. Es un genio, pero además me gusta mucho su forma de trabajar. Nos presiona, hace las preguntas adecuadas, nos hace pensar. Haces eso y, de pronto, todo es mejor".
Como no hay ningún otro héroe como Lisbeth Salander, Luque comenta que Álvarez y él pretendían hacer una película que transmitiera a los espectadores esa sensación tanto como lo expresa cualquier elemento de la historia -contándolo, pero también mostrándolo. "No nos conformamos con lo normal, la propia fotografía debería contar algo sobre la historia y los personajes. Son las localizaciones, el vestuario, la iluminación, el manejo de la cámara, el contraste... debía ser expresivo, incluso impactante. Las escenas de la nieve, cada vez que Claire aparece en pantalla, sus ojos son tan expresivos que es capaz de transmitir emociones estupendamente".
"Hay una contradicción constante en mis películas y en mi enfoque con Pedro", explica Álvarez. "Hay un dicho clásico: 'rueda las escenas de amor como si fueran de muerte y las escenas de muerte como si fueran de amor'. Haz hermosas las escenas violentas o negativas, y viceversa. Quiero que resulte impredecible, conseguir esa reacción del público. Los mantienes en vilo, porque no se encuentran con la escena que se esperaban teniendo en cuenta el aspecto de la misma, sino que se encuentran justo con lo contrario. Como narrador, eso es lo que creo que deberíamos hacer; si el espectador sabe qué va a pasar a continuación o qué aspecto va a tener, has fallado".
Naturalmente, una cosa es sorprender a los espectadores, pero al mismo tiempo hay que tener en cuenta que, al tratar con un personaje como Lisbeth Salander, Álvarez también tenía que ofrecer el aspecto, el ambiente y el carácter que el público espera. Así que la película se desarrolla en Estocolmo y Foy adopta un acento sueco para su personaje.
Todo el que haya estado en Estocolmo sabe que es una de las ciudades más bonitas del mundo, pero Álvarez encontró belleza de una manera que tal vez los espectadores no esperen. "Nos esforzamos mucho por mostrar la cara de Estocolmo que nos interesaba. Esta no es la Europa de los edificios viejos", explica Álvarez. "Es más bien una ciudad moderna, que representa a una Europa muy cosmopolita, y eso es algo que se podrá sentir en la película. Todos los personajes parecen proceder de distintas partes del mundo".
La diseñadora de producción Eve Stewart, especialmente conocida por su labor en películas de época, y nominada al Óscar por su trabajo en "Topsy-Turvy", "El discurso del rey", "Los miserables" y "La chica danesa", disfrutó con la oportunidad de trabajar en un filme con un diseño muy contemporáneo. "Hago muchas películas de época, así que estaba encantada, ya que suponía todo un cambio para mí", asegura. "Además, mis hijos ya son mayores y acababan de ver 'No respires', así que cuando vieron el nombre de Fede ligado al proyecto, me convencieron para que aceptara".
Stewart también sentía curiosidad por trabajar en el género del thriller. "Para mí, ese mundo nórdico, frío y neblinoso posee cierta intriga", aporta Stewart. "Siempre parece mucho más oscuro y siniestro".
"El lado crudo de Estocolmo sigue estando ahí, pero en puntos muy dispares", prosigue Stewart. "He estado bastantes veces en Estocolmo, es una ciudad encantadora, cálida y bonita. Queríamos resaltar ese mundo frío en el que se encuentra Lisbeth cuando se enfrenta al estado. Así que nuestra Suecia tiene colores mucho más fríos y superficies duras que cuesta atravesar. Te sientes un poco encerrado. El individuo se siente un poco más pequeño en contraste con esas paredes".
El aspecto de Lisbeth
Crear el aspecto de Lisbeth también supuso todo un reto para el equipo responsable del proyecto. Para Álvarez, como director, esta fue una de esas ocasiones en las que era importante dar a sus jefes creativos de departamento (y a Foy) libertad creativa para presentar al personaje como estimaran oportuno. "En mis películas, no me preocupa demasiado el aspecto o la indumentaria del personaje. Tienes que tener los tatuajes y los piercings, pero, por lo que respecta al personaje, no es más que otra parte de su caracterización".
Al mismo tiempo, estaba decidido a mostrar a una Lisbeth que los espectadores fueran a reconocer y eso suponía tatuajes y piercings. "Para la mayoría de nosotros, los tatuajes suponen cierto nivel de compromiso. Crees tanto en tus ideas que te las pones en el cuerpo para el resto de tu vida. Pero, para mí, lo más importante es que ella es 'la chica del dragón tatuado', así que [el tatuaje] tiene que estar ahí".
"Es peliagudo. Cuando se escribieron inicialmente los libros a principios de la década de 2000, era un mundo diferente. Si tenías un tatuaje, era un símbolo de rebelión contra todos los demás, estabas dejando huella y siendo diferente. Entonces, Lisbeth parecía alguien peligroso, una anarquista. Pero hoy día todo el mundo tiene tatuajes; no es fácil escandalizar a la gente con eso. Puesto que la película se ambienta en la actualidad, se trataba más bien de dotarla de un aspecto único y especial que de hacer que quedara guay o atrevido".
Con esa idea en mente, el aspecto del personaje fue el resultado de una colaboración entre Heiki Merker, la jefa del departamento de peluquería y maquillaje, Ellen Miorjnik, a quien ficharon para que trabajara en el aspecto del vestuario de Lisbeth, y la propia Foy, y la imagen definitiva tendría que recibir la aprobación final de Álvarez.
"El reto era crear algo nuevo -Claire tiene personalidad propia- pero a la vez emblemático, que encaje con lo que espera la gente", explica Merker. Empezó por crear un "libro de aspectos" con posibles opciones. "Al principio teníamos muchas variaciones", recuerda Merker. "Una versión tenía un lado entero de la cabeza afeitado, y todo cubierto de tatuajes. Al final, nos decidimos por tener el tatuaje del lado del cuello, otro en el tobillo, otro en el trasero, en la mano derecha y en la izquierda, dos en el brazo, como dos frases, y por supuesto el dragón.
"La gran duda era qué aspecto debía tener el dragón", prosigue. ¿Cuál era la posición adecuada? ¿Qué tamaño debía tener? ¿Debería ir de un lado a otro del cuerpo, o debería la cola enroscarse alrededor del cuerpo de Lisbeth?". Y luego estaban las cuestiones técnicas, entre las que se encontraba el hecho de que sería necesario volver a ponerle el tatuaje cada día. Incluso cuando algunas de estas preguntas empezaron a tener respuesta, hubo retoques, mezclando y cambiando cabezas y alas de distintos diseños.
Foy ejerció su propia influencia en el diseño que acabaría resultando efectiva incluso cuando la mayor parte del dragón quedaba oculto bajo su ropa. "Me interesaba que tendiera a un diseño de dragón más bien escandinavo", comenta Foy. "Hubo que hacer muchos dibujos en mi espalda. Quería que el ala del dragón me quedara en el hombro, para que pudiera moverla un poco. Y luego se nos ocurrió la idea de que el dragón escupiera fuego por la boca, que me subiera por la parte de atrás del cuello".
Para ayudar a Foy a crear el acento de Lisbeth, el equipo responsable del proyecto recurrió al tutor de dicción William Conacher, que ya había asesorado anteriormente a Foy para crear su acento real para la reina Isabel en "The Crown". "Crear un acento sirve para dar a la gente otro elemento más que le ayude a creerse la historia. Para esta película, queríamos un ligero acento sueco", comenta. "Fede me envió toda una serie de videos de YouTube de personas con acentos que le gustaban y luego decidimos cuál era el nivel adecuado de acento".
Para crear un acento, explica Conacher: "Lo descompones, identificas ciertos sonidos vocales, o la forma en que la gente coloca la boca o adopta cierta postura física. Normalmente, es cuestión de cinco o seis sonidos vocales distintos, y luego de identificar todas las palabras del guion que contienen esos sonidos vocales".
Foy se aprendería su acento en tan solo diez días.
Una vez que el equipo responsable del proyecto se decidió por el acento que tendría Foy, Conacher trabajó con los demás actores para ayudarles a que sus acentos se asemejaran al de Foy. "Intentamos que encajaran unos con otros", señala. "Sylvia Hoeks, que es holandesa, redujo el acento estadounidense que tanto se ha esforzado por adquirir. En esta película, suena muy parecida a Claire, y por una buena razón, dado que son hermanas; hay una escena hacia el final de la película en la que hablan entre ellas que resultó muy gratificante para mí. Sverrir es sueco islandés, pero también suena bastante estadounidense, así que lo redujimos un poco".
Los piercings de Lisbeth era responsabilidad del diseñador de vestuario Carlos Rosario. "Lo más importante para mí es la primera vez que leo el guión", admite. "En ese momento, no tienes ningún tipo de influencia de nadie, ni la visión del director, ni lo que opina la actriz, ni lo que quieren los productores. No están más que el guión y tú. Y a medida que lo lees, encuentras ciertas palabras que te permiten diseñar el vestuario. Es algo que surge del interior; recurres a tu intuición para sentir el espíritu, la energía de cada uno de los personajes".
Naturalmente, eso no es más que el punto de partida. "Tienes que apoyar la estética de Fede, por supuesto, y lo que quiere la actriz. Tienes que dejar que el proceso creativo fluya de manera natural; es algo muy orgánico. Intento juntar todas las piezas del puzzle".
Lo que hacía única a esta película, en opinión de Rosario, era la idea de que el diseño tomaría como base las películas anteriores, pero al mismo tiempo reflejaría la estética particular de Álvarez. "Es oscura y cruda, sí, pero Fede también quería que [Lisbeth] resultara más accesible de lo que había sido hasta ahora. Queríamos que tuviera más profundidad, para que los espectadores pudieran conectar más con ella. Nos abstuvimos de darle una estética muy gótica y optamos por un aire más de motera. Se cambia muchas veces de ropa en esta película, y cada nuevo conjunto dice algo de ella".
Álvarez le pidió a Foy que eligiera sus piercings, ya que quería asegurarse de que cada uno de ellos tuviera un toque personal. "Le presentamos todas las opciones, reunimos prácticamente todos los piercings falsos del mundo y se los llevamos a su caravana. Claire empezó a ponérselos y eso fue todo. Lo que hicimos fue enrollar cada uno de ellos con alambre, distintos tipos de alambre, distintos colores, distintos trozos de cuero, de modo que cada uno de ellos tuviera una historia, cada uno tuviera su razón de ser y cierta profundidad".
Uno de los elementos de maquillaje más impactantes del filme es la máscara que lleva Lisbeth en la escena en la que los espectadores tienen ocasión de verla por primera vez en la película. "Probamos muchas", recuerda Merker. "¿Debería ser negra, roja o blanca? ¿Una cara completa, media cara, incluir las cejas? Cuando nos decidimos por hacerla blanca e ir difuminándola, pareció una opción natural, como nos podríamos imaginar que se la pondría la propia Lisbeth".
"Quiere darle un susto de muerte a ese tipo", explica Foy. "Es tosca y no especialmente artística. Así que hace lo que cree que dará el mayor miedo posible y adopta un aspecto aterrador para asustarlo. Su máscara de guerrera es para dejarle claro a él que va en serio".
Vestuario y maquillaje adicionales
Sylvia Hoeks también sufriría una transformación sorprendente a través del vestuario, la peluquería y el maquillaje. "La primera vez que la vemos, lleva un vestido muy sexy y corto, con buena parte de la espalda al aire", comenta Rosario. "Ese vestido tenía que ser muy preciso, porque la iluminación de ese plató estaba nublada. Elegí telas que tuvieran el mismo color que el tono de piel de Sylvia".
La gama de colores del filme es blanco, negro y rojo. "Negro para la oscuridad, blanco para la luz y la nieve y rojo para la sangre que gotea sobre la nieve", como señala la responsable del departamento de peluquería y maquillaje, Heike Merker, lo que hace del vestido rojo una elección natural para el personaje de Hoeks al final de la película. Rosario diseñó la ropa de manera que Hoeks pudiera llevar diferentes zapatos según lo que tuviera que hacer, del mismo estilo, pero de diferentes alturas.
Rosario también colaboró estrechamente con Merker para crear un efecto general para Camilla. "Evidentemente, era rubia, eso estaba en el guión. Pero, ¿cómo de rubia? La propia Sylvia quería un rubio tirando a blanco, casi albino. Nos pidió que le blanqueáramos las cejas y el pelo todo lo posible. Y pensé: '¿Por qué no? Un contraste de blanco y negro entre las dos hermanas'. Y es una imagen interesante, sobre todo cuando lleva el vestido rojo". Merker también fue responsable de crear las cicatrices que luce el personaje en su cuerpo.
Acerca de las escenas de acción
El objetivo de Álvarez para las escenas arriesgadas de la película era filmar lo máximo posible de manera práctica, ante las cámaras, recurriendo lo mínimo posible a los efectos visuales. "Teníamos algunas cosas bastante extremas, que no creo que se hagan ya en el cine", argumenta. "La mayor parte de las veces, se utiliza un croma azul. Nos esforzamos mucho por evitar eso en la medida de lo posible, lo que nos puso en algunas situaciones descabelladas".
Pero todo lo que Álvarez pedía hacer a sus actores, también estaba dispuesto a hacerlo él mismo. "Estaba con ella en todas las peleas", afirma. "En cada una de las secuencias de acción, yo manejaba la cámara, pegado a su cara, ayudando con cada puñetazo. Era como un pequeño baile entre nosotros dos, que fue muy divertido de hacer".
"Fede nos pidió que hiciéramos todo tipo de escenas arriesgadas, de la A a la Z", recuerda Florian Hotz, coordinador de especialistas del proyecto. "El guión es inteligente, con giros e imprevistos, pero, mientras lo leía, ya estaba empezando a hacerme una imagen mental de cómo rodar ciertas escenas".
Al igual que a todos los demás jefes de departamento, Álvarez pidió al equipo de especialistas que fueran más lejos de lo habitual. "Había una escena especialmente complicada, en la que dos personas caen unos cinco metros, aterrizan en un tejado de dos aguas, se deslizan cinco o seis metros más, caen otros tres metros hasta el suelo y luego ruedan unos 20 metros colina abajo", recuerda Hotz. "Se me ocurrió un diseño y una forma de rodarlo con múltiples cortes, hasta acabar en la posición final, y luego Fede me pidió que lo hiciéramos en un solo plano continuo".
"No podía decirle que sí en el momento", prosigue Hotz. "Le dije que tendríamos que sentarnos con los técnicos e intercambiar posibles ideas durante un par de días. Pero esa era precisamente la respuesta que esperaba Fede, sabía que si decíamos: 'Claro, no hay problema', sería algo que habíamos hecho antes. Le interesaban cosas que no se hubieran hecho ya". El plano se volvería técnicamente muy complejo, exigiría semanas de preparación y la participación de varios departamentos distintos, entre ellos el de cámara, el artístico y el de efectos especiales, para conseguir llevarlo a cabo, pero lo hicieron, y ahora es una de las principales escenas de acción del filme.
De igual modo, una serie de escenas arriesgadas de persecuciones de coche se hicieron de maneras particulares. "En una escena, el reto era que estábamos en un lugar muy estrecho en invierno, así que había nieve y zonas húmedas", recuerda Hotz. "Los coches se manejan de forma completamente distinta en este entorno que en un lugar seco. Y queríamos rodar todo lo posible con la actriz y meternos entre el tráfico normal. Lo que hicimos fue poner a un 'conductor superior'; es un coche plenamente operativo, pero el que lo maneja se sienta encima de él, mientras que el actor se pone al volante y finge que conduce".
Otra escena arriesgada se hizo posible gracias a las nuevas tecnologías. "Normalmente, los choques de especialistas de Hollywood están hechos con un conductor especialista que conduce tan rápido como puede hasta chocar. Algunas de las mejores escenas de acción parecen rápidas a la velocidad de la película, pero en realidad no son tan rápidas cuando se ven a simple vista. Con las nuevas tecnologías, pudimos contar con un coche que se conducía solo y avanzaba a toda velocidad (creo que iba a más de 140 kilómetros por hora) hasta estrellarse. Eso no se podría haber hecho ni siquiera hace dos años".
Álvarez tenía intención de usar a Foy lo máximo posible en las escenas de acción. "Claire no había hecho hasta ahora muchas escenas arriesgadas", aporta Álvarez, "así que tuvo que realizar una preparación intensa y ponerse en forma para hacer todo lo que exigía la historia".
Por consiguiente, la coreografía de lucha que se aprendió Foy giraba toda en torno al personaje, tal como explica Hotz: "Lisbeth es inteligente, y utiliza esa inteligencia y su firme voluntad para superar a un adversario que puede que sea más grande y más fuerte, o posea mayores conocimientos de artes marciales. Por eso diseñamos peleas brutales, cercanas, es más próximo a la realidad para este personaje".
El Grinch
2018
Duración 90 min.
País Estados Unidos
Dirección Yarrow Cheney, Scott Mosier
El nominado al Oscar® BENEDICT CUMBERBATCH pone voz al infame Grinch en la versión original de la película mientras que es Ernesto Alterio el encargado de encarnar al personaje en la versión en castellano de la cinta. El grinch es un personaje que lleva una solitaria vida en una cueva del Monte Crumpit con su fiel perro Max como única compañía. Aislado en una guarida plagada de inventos e ingeniosos cachivaches para satisfacer todas sus necesidades diarias, el Grinch solo se deja ver por Villa Quién cuando se queda sin comida.
Cada año, en Navidad, los lugareños perturban su pacífica soledad con celebraciones cada vez más desmesuradas, luminosas y ruidosas. Cuando los Quién (entre ellos el siempre sonriente Bricklebaum, con voz de KENAN THOMPSON en la versión original) declaran que ese año van a preparar una Navidad el triple de grande, el Grinch se da cuenta de que solo hay un modo de recuperar algo de paz y tranquilidad: robar la Navidad. Para ello, decide hacerse pasar por Santa Claus en Nochebuena, llegando incluso a capturar a un desganado reno llamado Fred para tirar de su trineo.
Mientras tanto, en Villa Quién, una dulce niña llamada Cindy-Lou (CAMERON SEELY de El gran showman), desbordante de espíritu navideño, planea con sus amigos atrapar a Santa Claus durante su visita en Nochebuena para pedirle ayuda para su trabajadora madre soltera, Donna Quién (RASHIDA JONES en la versión original de la película). Sin embargo, a medida que se acerca la noche mágica, sus buenas intenciones amenazan con chocar con las del Grinch, mucho más perversas. ¿Triunfará la alegría y el optimismo sobre el mal humor y el cinismo?
El ganador de nueve Premios Grammy® PHARRELL WILLIAMS, que logró una nominación al Oscar® por su canción "Happy" de la película de Illumination Gru 2 - Mi villano favorito, es la voz del narrador. La actriz nominada al Emmy® y al Oscar® ANGELA LANSBURY, ganadora de cinco Premios Tony®, seis Globos de Oro® y valedora de un Oscar Honorífico®, nos brinda un inolvidable cameo como alcaldesa de Villa Quién, ambos en la versión original de la película.
En busca del Grinch
Es justo decir que nadie estaba mejor preparado para convertir EL GRINCH en una película de animación en 3D que el director general de Illumination Chris Meledandri. No sólo ha conseguido adaptar con éxito otros dos libros del Dr. Seuss como largometrajes - en 2008, Horton y el mundo de los Quién; y en 2012 El Lorax. En busca de la trúfula perdida - sino que su compañía, Illumination, lleva más de una década dominando el mundo de la animación con personajes dulces y subversivos e historias inesperadas, como La vida secreta de tus mascotas, ¡Canta! y, muy especialmente, Gru y sus Minions en la saga Gru, mi villano favorito, que ha recaudado más de 3700 millones de dólares en todo el mundo.
Meledandri ya ha demostrado en numerosas ocasiones su atracción por personajes encantadores en su imperfección hasta llegar al Grinch. "Desde pequeño, siempre me han atraído los personajes con un lado perverso, sobre todo aquellos que te hacían disfrutar haciendo maldades, aunque también te encantara verlos redimirse luego", confiesa Meledandri. "En muchas películas de Illumination, se capta sin duda una temática recurrente de personajes diferentes o con carácter difícil. ¡Como el Grinch robó la Navidad! es un cuento que es parte de mi infancia. Crecí en un hogar con montones de libros del Dr. Seuss".
Pero fue el célebre especial televisivo de la CBS -que empezó a emitirse en 1966 bajo la batuta de Chuck Jones, con la voz de Boris Karloff- lo que tuvo un mayor impacto en Meledandri. "Ese especial de Chuck Jones era uno de los signos claros de que la Navidad estaba al caer", nos cuenta. "Se convirtió en toda una tradición navideña en casa".
Meledandri extendió esa tradición más adelante con su propia familia cuando tuvo hijos. "Las historias como la de El Grinch las compartes con tus hijos, pero disfrutándolas tú también por ese lado subversivo que tienen, ese aire rebelde. Nunca envejecen. Hay algo muy gratificante en esa clase de humor, independientemente de las veces que lo lea o de las veces que haya visto al personaje".
La decisión de convertir la historia del Grinch en una película parecía un paso natural tanto para Meledandri como para Audrey, la viuda de Geisel. "Audrey Geisel ha sido la productora ejecutiva no sólo de EL GRINCH, sino de nuestras dos películas anteriores", desvela Meledandri. "Adaptar EL GRINCH fue una decisión conjunta que tomamos Audrey y yo. Discutimos el resto de posibilidades, y nos pareció que esta era la mejor historia y el mejor momento para nuestra tercera colaboración".
A la hora de adaptar el libro de 69 páginas de Geisel -que es esencialmente una obra de un solo acto- a una estructura en tres actos para un largometraje, Meledandri, junto con su productora Janet Healy y su equipo creativo, decidieron ahondar más en los personajes, y en particular en el personaje del Grinch, siempre manteniéndose fieles a la narrativa y la intención emotiva del libro.
"Cuando nos propusimos expandir EL GRINCH, nos planteamos como condición irrefutable respetar lo que pensábamos que era el mensaje central de la obra", dice. "Insuflamos nueva vida a elementos clásicos del cuento para que resultaran novedosos, pero, ante todo, intentamos ponernos en el pellejo de Theodor Geisel y buscar la historia que se lee entre líneas".
En el centro emotivo de esa intención estaba la cuestión que decidieron explorar: ¿cómo llegó el Grinch a ser como es? "Todo el proceso creativo fluyó de manera muy orgánica", dice Meledandri. "El centro de la historia es un personaje herido durante su infancia. Se ha propuesto acabar con la alegría de los demás porque a él mismo se le negó experimentarla. Y, aunque eso no forma parte del texto original, a mi parecer era lo que Theodor Geisel quería dar a entender. La manifestación de ese dolor emocional es un personaje que se ha recluido, que ha renunciado a la sociedad que lo rodea. Y hace falta la intervención del personaje más inocente y optimista que uno pueda imaginarse (en este caso, Cindy-Lou Quién), para reengancharlo a la vida, para que se abra y conecte con los demás, para que crea en el bien".
Así fue como emprendieron un sincero viaje psicológico hacia las posibles causas de por qué un personaje decide aislarse en soledad y mostrarse tan reacio, incluso hostil, a la alegría ajena. "Lo más importante era identificar la herida emocional", dice Meledandri. "La mayor parte de nosotros sufrimos las secuelas de algún sufrimiento emocional de nuestra infancia y, a menudo, ese sufrimiento nos lleva a desarrollar mecanismos de defensa".
"Pero claro, nuestros mecanismos de defensa no suelen ser tan extremos como condenarnos al exilio para protegernos de mayores daños. Crecer significa ser capaz de transcender finalmente esos mecanismos de superación y de abrirte a todas las experiencias expansivas que ofrece la vida, una de las cuales es, en el fondo, conectar con los demás. Esa es la trayectoria del Grinch, y lo que descubrimos contando su historia: lo vimos de niño, sufriendo una herida emocional, vimos como reaccionaba a eso y conectamos esa reacción con el personaje que nos encontramos de adulto. Así le explicamos al público por qué llegó a ser como es. Y, de este modo, es fácil congraciarse con el Grinch. Podemos llegar a entender por qué así. Y nos brinda la oportunidad de curarlo en el transcurso de la historia".
Igual de importante resulta ser conscientes de que los otros personajes de la película no conocen el pasado del Grinch. Como es una historia de perdón y redención, los Quién tienen en último término que perdonar al Grinch no solo porque entienden su dolor, sino por una razón mucho más generosa.
"Lo perdonan, básicamente, porque él se lo pide", dice Meledandri. "No necesitan una explicación elaborada de cómo llegó a ser como es para sentir que se ha ganado el perdón".
El resultado, nos cuenta Meledandri, es una película con un mensaje que toca el corazón y permanece contigo mucho tiempo después de salir del cine. "Como he visto la película durante el proceso de creación, me encanta la sensación de esperanza que te deja. Y llegar a ese sentimiento significa que el personaje ha trascendido muchas de las cosas que lo estaban anclando: el deseo de protegerse de sufrir daños y rechazo. Acaba echando abajo ese muro de maldad que él mismo ha erigido".
Para Illumination era muy importante proteger esos elementos de la historia que resultan menos digeribles, haciendo además relevante en la actualidad una historia de hace sesenta años. "Uno de nuestros primeros desafíos fue mirar la historia a través de los ojos de un mundo moderno", dice Meledandri. "Por un lado, queríamos que la narración permaneciese intemporal. Pero Geisel era un tipo muy consciente de su sociedad moderna. No era la típica persona anclada a un periodo histórico del que nunca se desviaba. A medida que la cultura evolucionaba, también lo hicieron las referencias visuales de su obra. Por eso hemos tratado de alcanzar este equilibrio entre los temas modernos y relevantes, y tocar aspectos de la vida contemporánea sin comprometer la naturaleza clásica de los planteamientos".
Villa Quién, por ejemplo, ha sufrido una importante actualización, pasando de ser una aldea bastante insulsa a una pequeña ciudad totalmente desarrollada, moderna y tridimensional, con su propia tienda de alimentación, autobuses y otros transportes automatizados (y lugareños corriendo para cogerlos). Tiendas y negocios de todo tipo llevan a cabo su actividad en mitad de la magia y la fiebre de las fiestas. Hay luces que brillan y resplandecen como nunca. Los típicos grupos cantando villancicos han pasado a ser artistas a capela. Los Quién tienen ahora trabajos reales y, a veces, se las ven y se las desean para llegar a fin de mes, como es el caso de Donna Quién, madre soltera, que está criando sola a sus pequeños gemelos y a su hija Cindy-Lou, cumpliendo con los extensos horarios de su trabajo y con turnos de noche.
Pero, en mitad del bullicio, Meledandri y el equipo estaban decididos a seguir escuchando el latido emocional de la historia que, en muchos sentidos, es aún más relevante en la actualidad de lo que era hace 60 años. "Creo que estamos viviendo una época con más desafíos presentes que cualquier otra que yo haya conocido; desafíos que podrían fácilmente convertirte en una persona cínica o darte la sensación de que no hay esperanza alguna", dice Meledandri. "Sin embargo, la clave para afrontar esos desafíos es conservar de algún modo el optimismo, sentirse conectado y buscar y abrazar la alegría. Y eso ocurre cuando conectas realmente con la gente a tu alrededor. Me atrae contar historias que animan a conservar la esperanza, sean cuales sean las circunstancias inmediatas. Por eso, espero que la película conecte con el publico y, de algún modo, fomente esos sentimientos en el corazón de todos".
Ese mismo deseo lo comparte su compañera productora, Janet Healy. "Espero que la gente se sienta inspirada y esperanzada cuando vea esta película", dice. "Creo que habla mucho en favor de la importancia de nuestras familias, de las comunidades, de la inclusión, y de aceptar la diversidad entre nosotros. Con actos de compasión y bondad podemos mejorar enormemente las vidas de los demás y podemos cambiar el mundo a mejor. El mensaje de que el perdón tiene una capacidad redentora y de que la generosidad es transformadora es válido no solo para las fiestas navideñas, sino para todos nosotros, durante todo el año".
Los directores
Para el equipo de dirección, Meledandri y Healy eligieron a dos directores, Scott Mosier y Yarrow Cheney. Ambos debutan con EL GRINCH dirigiendo una película de animación. "Es bastante habitual en Illumination; ya hemos brindado a muchos directores su primera oportunidad", dice Meledandri.
Cheney lleva trabajando con Illumination desde su fundación, comenzando como diseñador de producción de la primera película del estudio, Gru, mi villano favorito. Luego pasó a ser codirector de La vida secreta de tus mascotas, y también dirigió uno de los famosos cortometrajes del estudio, Minions: Cachorro. "Tiene una imaginación visual increíble, cosa que se hace evidente a lo largo de toda la película", revela Meledandri. "No es sólo su sentido del diseño, sino su don para ver cómo la narración visual puede funcionar en conjunción con el aspecto verbal".
Mosier, en contraste, procede del mundo de la acción en vivo, y ha trabajado con la productora de Kevin Smith View Askew en películas como Cajeros y La otra cara del amor. "Scott afrontó una breve prueba de fuego en el mundo de la animación cuando convirtieron Cajeros en una serie de animación de Disney", apunta Meledandri. "Creo que exponerse a la animación siempre le ha intrigado. Aunque ejerce de productor desde hace tiempo, es en realidad un cineasta por derecho propio. Es un profesional del montaje y un maravilloso narrador. Además, acaparó cierta experiencia produciendo animación antes de venir a trabajar con nosotros. Me pareció que haría muy buen equipo con Yarrow, y la verdad es que se han complementado a las mil maravillas".
Para Mosier y Cheney, El GRINCH ha resultado ser el trabajo de sus sueños, en muchas facetas diferentes. "Ver al personaje del Grinch descubrir la alegría, la compañía y la familia, en definitiva, todo lo que había rechazado, es una historia muy potente", dice Cheney. "Y si envuelves eso en Navidad, nieve y todo el jolgorio de Villa Quién, junto con el diseño de todo un mundo, obtienes como resultado algo verdaderamente mágico. Me encanta la Navidad, así que pasar años haciendo una película de Navidad ha sido para mí un auténtico placer. Ha sido una maravilla participar en esto".
Mosier considera que el proceso le ha ayudado a renovar su admiración por la obra original del Dr. Seuss. "Su mundo es increíble; y no hablo solo del mundo de EL GRINCH, sino del mundo del Dr. Seuss en general: el ritmo, las extrañas criaturas, los mundos inventados y todo eso", afirma Mosier. "Por eso, tener la ocasión de construir nuestro mundo con ese material y sumergirme en todo eso... era algo que no podía pasar por alto".
Según Healy, ese espíritu de colaboración en equipo es lo que hace que los años de duro trabajo en una película como EL GRINCH resulten tan gratificantes. "Hace falta una comunidad de muchos magos creativos y técnicos para llevar a la pantalla estas películas", nos dice. "Cada día de trabajo vemos los asombrosos resultados que produce el talento de los cientos de personas que componen este equipo técnico, que hacen posible actuaciones e imágenes mucho mejores de lo que nunca hubiéramos podido imaginar. Cada artista añade algo totalmente único y el efecto acumulativo es un regalo para los sentidos, que se presentaba ante nuestros ojos a diario a lo largo de toda la producción".
"También hacemos estas películas para nosotros mismos, además de para niños y adultos de todos los países del mundo", dice. "Vemos las imágenes miles de veces, una y otra vez, e incluso después de tantas pasadas seguimos riéndonos de los chistes, nos conmueven las actuaciones y seguimos asombrándonos con las imágenes. Es fabuloso trabajar en películas en las que están implicados tantos grandes artistas, y es un inmenso privilegio diario tener como trabajo el hacer películas que hacen sonreír a los niños cuando recuerdan los mundos imaginarios que hemos creado".
Los personajes
El Grinch - Benedict Cumberbatch
"Cuando nos propusimos elegir a un actor para dar voz al Grinch, sentimos que el baremo estaba muy alto", dice Meledandri. "Queríamos que el elegido fuera alguien que le brindase una credibilidad inmediata a la película; alguien que, en cuanto el público supiera de él, reflejara la ambición y la calidad del proyecto. No sabíamos si Benedict Cumberbatch estaría interesado en el papel, pero tan pronto como empezamos a escuchar su voz mientras mirábamos las imágenes del Grinch, nos dimos cuenta de que nos proporcionaba una versión totalmente inconfundible del personaje; una versión con mucha humanidad y que, al mismo tiempo, podía mostrar una faceta cómica y malvada".
El Grinch de Cumberbatch es más gamberro que cruel, más cascarrabias que malvado. Su motivación para robar la Navidad no es castigar a los Quién, sino simplemente detener toda la locura en torno a las fiestas para no tener que lidiar con ello. Y se enfrenta también a sus propios problemas. Se siente acosado e importunado por todo el caos de las Navidades. Sin embargo, se ve obligado a bajar a Villa Quién porque se queda sin comida. Había acumulado suficiente para pasar las fiestas sin comprar, pero el estrés de la Navidad lo lleva a comer compulsivamente hasta dejar su despensa vacía. A diferencia de lo que ocurre en el especial de televisión de 1966, la relación con su perro Max no sigue una dinámica amo-sirviente, sino que es más bien una amistad fiel, aunque la autoridad esté un poco descompensada. (Este nuevo Grinch es mucho más aseado y tiene una higiene dental mucho mejor).
"Se trata de un personaje que la gente a su alrededor siempre ha percibido como una especie de proscrito", dice Meledandri. "Pero una de mis partes favoritas de nuestra versión de la historia, representada además en las imágenes originales de Theodor Geisel, es la noción de que este personaje elige vivir exiliado. Se opone a todos cuanto lo rodean y desea robarles su momento más feliz del año, pero al final de la historia hay sin duda perdón y redención para el personaje. Esos dos elementos, perdón y redención, son piezas clave de nuestras culturas y sociedades, pero a veces los perdemos de vista".
Cumberbatch se sintió atraído por el papel por dos motivos, principalmente. El primero, según él, es que Illumination estaba detrás del proyecto. "Tienen en su haber montones de películas fabulosas, películas que son ingeniosas, graciosas, conmovedoras y llenas de bondad", dice. "Con esta película, querían honrar el respeto que sentían por el libro original, al igual que yo. Y es fabuloso colaborar con ellos".
La segunda razón era la decisión de los cineastas de ahondar en la historia de trasfondo del Grinch y su formación psicológica. "Para mí era importante que contáramos la historia de alguien que se comporta de ese modo por algo, que antes no era así", cuenta Cumberbatch. "En cuanto entiendes por qué la Navidad le resulta dolorosa, puedes ponerte un poco de su lado". Además, confiesa que interpretar al Grinch fue muy divertido. "Creo que a todo el mundo le hace cierta gracia cómo se comporta el Grinch, ese carácter tan cascarrabias y gruñón", admite. "Es divertido, y esperemos que eso sea lo que la gente recuerde de este Grinch. Es muy ingenioso y consciente de sí mismo. Puede que tenga el corazón un poco frío, pero late con fuerza en esta película".
Meledandri asegura que tanto él como los directores Mosier y Cheney no podrían estar más contentos con la actuación de Cumberbatch ni con su espíritu colaborador. "Ha sido un socio creativo de primera para Scott, Yarrow y para mí mismo", dice Meledandri. "Estamos emocionados de haber podido disfrutar de su increíble talento".
Max
El leal compañero canino del Grinch no habla, pero su devoción hacia su amo permite al público ver la bondad de su carácter. "La relación entre el Grinch y Max es la principal de la película", nos cuenta Mosier. "Cuando el corazón del Grinch crece al final de la película, Max es el único personaje que sabe que siempre ha habido ese potencial en el interior de su amo".
Y, en esta nueva versión, es mucho más que una simple mascota. "Max es el mejor amigo del Grinch", afirma Benedict Cumberbatch. "Max lo es todo para el Grinch. Es su camarero, su sirviente, el que tira del trineo, un amigo, su consuelo, su compañero, su guardián, quien le da vidilla pase lo que pase. Es un perro increíblemente listo. Si hubiera muchos Max en el mundo, estoy convencido de que nuestros problemas estarían solucionados. Tiene un carácter extraordinario y, como la mayor parte de los animales, es probable que robe gran parte del protagonismo. Es adorable, y su lealtad al Grinch resulta conmovedora. Muestra una fidelidad total hacia ese miserable tipejo verde. Al final recibe su recompensa, pero es un largo camino para Max".
Max es, en cierto modo, también un terapeuta para el público. "En el transcurso de la película, aunque percibimos que Max no comparte siempre la actitud del Grinch, se nota que lo quiere muchísimo y que está dispuesto a seguir a su lado a cualquier precio", asegura Meledandri. "Uno de los momentos más dulces de la película es cuando Max descubre, cerca del tramo final, que el Grinch le ha preparado un regalo de Navidad. Scott y Yarrow han conseguido capturar a Max como personaje, otorgándole cualidades de sabiduría y ligeramente antropomórficas, sin renunciar por ello a la realidad de que sea un perro. El público lo percibe en todo momento como lo que es: su perro".
Cindy-Lou Quién - Cameron Seely
Tanto en el libro original como en el especial de televisión, Cindy-Lou Quién es prácticamente una bebé de no más de dos años, cuya interacción con un Grinch disfrazado de Santa Claus se reduce a cuestionar por qué Santa le está robando su árbol de Navidad en mitad de la noche. En esta nueva versión es un poco más mayor y se ha propuesto como misión atrapar a Santa para pedirle que ayude a su madre, que trabaja mucho y está muy cansada. "Queríamos encontrar un personaje que fuera la antítesis del Grinch", dice Meledandri. "Alguien que fuera increíblemente colaboradora y que encarnase el optimismo que la infancia nos concede. Es un personaje muy positivo, pero encierra cierta sabiduría también. Hablamos mucho de cómo iba a cruzarse Santa en su camino (o el Grinch disfrazado, más bien) para darle una misión e intención. Su determinación pone a estos dos personajes en sendas que sabemos que van a chocar".
Esa colisión en último término se convierte en catalizadora del cambio (y crecimiento) que se obra en el corazón del Grinch. "Ella es quien inicia todo el proceso de transformación del Grinch", dice Cumberbatch. "Es una niña muy emocionada que representa todo lo que la Navidad debería fomentar: pensar en los demás, ser generoso y todo eso. Y acaba derritiendo la frialdad del Grinch. No piensa en ningún momento en los regalos que quiere para ella, cosa que al Grinch le impacta. Es la primera pieza del rompecabezas que le ayuda a descubrir los verdaderos motivos por los que se celebra la Navidad".
"Cindy-Lou es la luz", dice Mosier. "Ve lo bueno de todo el mundo y quiere ayudar a su madre más que nada en el mundo. Para ella no quiere nada. Ese altruismo, ese amor, resquebraja todo lo que el Grinch pensaba de los Quién, la Navidad... De todo, en realidad".
Para el papel, los directores escogieron a Cameron Seely, que interpretó a Helen, la hija de PT Barnum en El gran showman. "Cuando haces un casting para niños tienes dos opciones", dice Meledandri. "O eliges realmente a un niño o a alguien mucho más mayor, pero que sepa poner voz de niño. Solemos preferir optar por lo primero, pero supone zambullirse en horizontes mucho más desconocidos y realizar una intensa búsqueda. Por eso, cuando el equipo dio con Cameron, Scott respondió de inmediato a su audición vocal y se puso a trabajar intensivamente con ella. Desde el primer momento que empezó ese proceso, vio el potencial de la actriz, y vaya si acertó. El resultado es el que hubiera conseguido de una actriz profesional con quince años de experiencia, y Cameron no tiene ni diez de edad".
El narrador - Pharrell Williams
El narrador tiene un papel crucial en EL GRINCH, no sólo para ayudar a establecer el tono de la narración, sino para crear contexto esencial alrededor de la propia historia. Es la puerta de entrada que permite al público llegar al corazón y la mente de los personajes, y a los pensamientos y sensaciones del Grinch, en particular. Cuando los cineastas comenzaron a pensar quién sería la persona idónea para cumplir ese cometido, pensaron inmediatamente en alguien como primera opción. Pharrell Williams había compuesto la banda sonora, los temas y las canciones del éxito de 2010 Mi villano favorito -su primera colaboración con el estudio- y, desde entonces, había seguido colaborando con todas las entregas de la saga, componiendo incluso el temazo nominado al Oscar® "Happy" para Mi villano favorito 2.
"El vínculo entre Pharrell e Illumination comenzó con Mi villano favorito, pero se ha acabado convirtiendo en una asociación dinámica", dice Meledandri. "Su trabajo ha jugado un papel determinante a la hora de definir la personalidad distintiva de la saga, y nuestro objetivo colectivo es seguir explorando una expresión creativa nueva para ambas partes. Ahora hemos extendido nuestra colaboración para incluir la exploración de historias que podemos producir juntos. Ha sido un proceso orgánico, dadas nuestras sensibilidades compartidas y el respeto mutuo".
Meledandri le pidió a Williams que fuera la voz narradora de EL GRINCH, papel que hizo célebre Boris Karloff en el especial televisivo; no sólo porque era la elección acertada, sino porque Meledandri sospechaba que abriría una nueva senda creativa entre el artista e Illumination. "La narración de Pharrell le brinda un alma central a la película", asegura Meledandri. "Aunque para el papel utiliza su voz natural, sé que hay incontables voces de personajes dentro de su cabeza esperando manifestarse en futuras películas. Pharrell es un consejero de confianza y un amigo de Illumination, y anticipamos muchas más colaboraciones en el futuro".
Williams nos cuenta que la idea de que él narrase la película es enteramente mérito de la visión de Meledandri y de la fortaleza de su relación como socios. "Chris sigue viendo cosas en mí que ni yo sabía que existían", confiesa Williams. "La idea de que yo narrara la película fue suya. Nunca se me hubiera pasado por la cabeza hacer nada así. De hecho, nunca me hubiera mirado con suficiente objetividad como para darme cuenta de que podía hacerlo, pero creo que eso es lo que pasa con los amigos, con la gente que te conoce de verdad; saben tu potencial. Es alucinante colaborar trabajando con un compañero respetado".
Aunque nunca había narrado una película con anterioridad, Williams dice que se sintió seguro por la experiencia de los cineastas que lo guiaron a través del proceso. "Me supieron dirigir para alcanzar diferentes facetas de mis emociones sin cambiar mi estilo conscientemente", dice. "Me limitada a permitir salir esas emociones en estado puro, que es algo que nunca hago porque soy productor y siempre mantengo el control. Pero he descubierto que lo mejor se obtiene precisamente cuando no tengo el control. Saca a relucir las mejores versiones de mí mismo. Chris es muy inteligente y supo verlo. Estoy muy agradecido por esta experiencia. Crecí viendo EL GRINCH en televisión todas las Navidades. Durante mi infancia en el número 1021 de Atlantis Drive, nunca pensé que algún día esa sería mi voz, la del narrador de esta nueva versión".
Bricklebaum - Kenan Thompson
Nadie adora la Navidad como el vecino más cercano del Grinch, Bricklebaum. "Saca de quicio a cualquiera", bromea Cumberbatch. "No, la verdad es que derrocha una alegría inagotable. Bricklebaum es la típica persona entusiasta, vivaz e irrefrenable que encarna el espíritu de la Navidad. Es totalmente opuesto al Grinch, y representa un obstáculo al deseo de aislamiento y soledad de este, lo cual acaba siendo muy irritante para nuestro protagonista cascarrabias".
Para encontrar a un actor capaz de capturar el desbordante espíritu de Bricklebaum, los cineastas recurriendo a la estrella de Saturday Night Live Kenan Thompson. "Llevo años admirando el trabajo de Kenan Thompson para SNL, y creo que tiene una voz increíblemente inconfundible y divertida", dice Meledandri. "Tiene un don especial para personificar la comedia vocalmente. Muchos actores cómicos dependen visualmente de cómo comunican la comedia, pero en el caso de Kenan, la voz es muy potente. Es fabuloso".
Para Thompson, el papel le permitió ahondar en su lado mas alegre. "Me enseñaron una imagen de Bricklebaum y no hizo falta más", dice Thompson. "¡Es un tiarrón tan imponente, animado, positivo, chispeante y fornido...! Con sólo mirar una vez a ese grandullón, supe exactamente cómo sonaría. Además, no todos los días se tiene la oportunidad de convertirte en un personaje de Seuss, así que no tuve que pensármelo mucho".
Donna Quién - Rashida Jones
Donna Quién es la agobiada pero amorosa madre soltera de tres niños: Cindy-Lou y los gemelos Buster y Bean. Por más que lo intenta, no consigue levantar cabeza y, aunque trata de ocultar su estrés, su hija se da cuenta de lo mucho que se sacrifica. Donna es un nuevo tipo de madre en animación: imperfecta, anclada a la verdad de nuestros tiempos modernos, y un personaje que representa la realidad de muchos de los padres que verán la película. Dar con una actriz capaz de poner voz al personaje con autenticidad y gracia era primordial. Los diálogos de Donna pueden resultar muy sensibleros en manos de la actriz equivocada. Por suerte, los cineastas dieron con la persona perfecta. "Fuimos muy afortunados convenciendo a Rashida Jones para que interpretase el papel", dice Meledandri. "Rashida no falla. Le resulta imposible leer mal cualquier frase que le des. Simplemente mejora cada cosa que hace, y fue un auténtico placer contar con ella en esta película".
Fred
"Fred es uno de los nuevos personajes más inesperados que hemos introducido", nos cuenta Meledandri. Y uno de los nuevos personajes que tiene todas las papeletas para convertirse en el peluche favorito de los niños. Se trata de un reno más bien rollizo que se encuentra con el Grinch cuando este comienza a planear robar la Navidad. El Grinch intenta capturar un reno para que tire de su trineo en Nochebuena, pero, según se acerca a un gran rebaño, el balido de una cabra los espanta a todos. Bueno, a todos excepto a Fred, que justo había dado con un matojo de césped que estaba devorando.
Al igual que Max, Fred nunca habla, pero rápidamente se convierte en un dulce complemento cómico del mal humor del Grinch. "Fred transforma el pequeño núcleo familiar que componen el Grinch y Max y se integra para pasar a formar parte de él", apunta Meledandri. "Pone tan buena intención en todo que se acaba ganado a todo el público incluido el Grinch con humor y emoción. Ya avanzada la película descubrimos algo sorprendente de Fred que implica que no puede ayudar al Grinch en Nochebuena, pero ya han creado un vínculo tan fuerte que, cuando menos lo esperamos, Fred aparece para echar una mano al Grinch en un momento crítico".
Groopert, Izzy, Ozzy y Axl
Groopert, Izzy, Ozzy y Axl son la pandilla de amigos de Cindy-Lou, a quienes esta recluta para ejecutar su plan de atrapar a Santa. "La pandilla de Cindy-Lou es el típico grupo de amigos que todos teníamos de niños y con los que siempre podías contar cuando querías hacer algo, sin cuestionarte", dice Mosier. Groopert es el líder y es quien ayuda a orquestar la arriesgada misión de Cindy-Lou. "Groopert es el mejor amigo de Cindy-Lou y se convierte en co-conspirador en los planes para conocer a Santa Claus", dice Meledandri. Además, tiene un rasgo muy particular que a buen seguro deleitará a los fans de todo el mundo. "Una de las cosas que más me gusta de Groopert es que tiene la mata de pelo más pelirroja que nunca he visto en un personaje de animación", añade Meledandri.
Izzy, la pequeña del grupo, equipada con sus orejeras y una bufanda enorme para ella, "es el cerebro del grupo", en palabras de Mosier. "Es muy organizada y resolutiva. Es la que mantiene a la pandilla centrada en cada tarea y consigue que se hagan las cosas". Con sus gafas, Ozzy "es el graciosillo", nos cuenta Mosier. "Siempre anda mascando un bastón de caramelo, aunque no sea Navidad. Se mete en líos cada dos por tres, así que no le da ningún miedo implicarse en una de las misiones de Cindy-Lou". Y Axl, alto y desgarbado, es el más pachón de todos. "No se deja convencer a la primera", dice Mosier. "Pero, una vez que se decide, lo da todo. Además, como es el más alto de todos, se encarga de todo lo que requiere alzarse más de un metro del suelo".
La alcaldesa - Angela Lansbury
Para el pequeño pero crucial papel del alcalde de Villa Quién (alcaldesa, finalmente), los cineastas necesitaban a alguien con una voz instantáneamente reconocible; una voz que pudiera transmitir madurez, calidez y seriedad. "No era un gran papel, pero en unas cuantas escenas clave el personaje necesita hablar por toda la ciudad y representar a Villa Quién", dice Mosier. No les llevó mucho tiempo acabar pensando en cierta leyenda ganadora de un Tony, que además había protagonizado auténticos clásicos de varias generaciones, como La bruja novata, en 1971, y La Bella y la Bestia, en 1991. "Estábamos manteniendo una sesión y alguien sacó a colación a Angela Lansbury", nos cuenta Mosier. "Inmediatamente, a todos nos pareció fantástico. Absolutamente perfecta. ¿Quién podría ser mejor para dar vida al personaje?".
La cabra gritona
No tiene ni una sola línea de diálogo, y menos tiempo de pantalla que casi cualquier otro personaje, pero una cabra montesa con un balido particularmente horrendo es uno de los puntos más cómicos de la película. Cuando el Grinch va a la caza de un reno para que tire de su trineo en Nochebuena, su plan se ve desbaratado: sin previo aviso, una cabra comienza a balar a grito pelado para alertar a los venados de la presencia de un extraño.
"Ya teníamos una versión de la escena con el Grinch yendo en busca de un reno, y a todos nos parecía que le faltaba algo", asegura Mosier. "Recuerdo que estábamos comiendo y alguien puso un video en Internet de una cabra desgañitándose. El balido estaba mezclado con una canción de Taylor Swift, y no podíamos parar de reír". De pronto, se les ocurrió una idea y decidieron meterla en la escena, para ver lo que pasaba. "Quedó genial", nos dice. "¡Tanto, que decidimos acabar la película con ese sonido!".
Para la película acabada, por supuesto, los cineastas les pidieron a los de Skywalker Sound que crearan un balido de cabra único; uno que, por difícil que pareciera, resultara más enervante (y gracioso) que el de una cabra de verdad. Mejor no preguntar cómo lo consiguieron. "Es un secreto corporativo de Skywalker", dice Mosier.
El diseño
Filosofía y concepto general
Tras dos adaptaciones previas de Seuss, Meledandri y su equipo ya son expertos en amoldar el estilo artístico de Geisel a la animación tridimensional generada por ordenador, pero EL GRINCH es su proyecto más ambicioso hasta la fecha. "Los desafíos que plantea convertir estos libros en un mundo de gráficos computerizados dimensionales son significativos", asegura Meledandri. "Nuestro objetivo es conseguirlo respetando el estilo artístico de Ted Geisel. Se puede apreciar en cada una de nuestras películas con la ausencia de líneas rectas. En cada punto en el que es posible sustituir una recta por una curva lo hacemos, para reflejar la obra de Geisel. En una adaptación como EL GRINCH, es inestimable contar con alguien como Yarrow como uno de nuestros directores. Es un auténtico estudioso de la obra de Geisel y comienza el proceso inspeccionando al detalle cada una de las imágenes del libro. Esas imágenes nos sirvieron de punto de partida para esta interpretación, que evolucionó a partir de ahí".
La ambición del equipo era enorme. Las casas de Villa Quién, dibujadas mediante trazos lineares en una página del libro, debían convertirse en espacios tambaleantes, dinámicos, cautivadores, y los nuevos personajes tenían que dar la impresión de pertenecer al mismo mundo que los que el público ya conocía. "Invertimos mucho tiempo en estudiar a los personajes y, a continuación, dar con la forma de trasladarlos para que dieran la impresión de ser completamente reales y auténticos, pero sin dejar de parecerse a los de los diseños", dice Meledandri. "Es un proceso muy largo. En muchos aspectos es más complicado que comenzar de cero, porque en esos casos dispones de libertad total. Pero Yarrow es un genio en este tipo de interpretaciones. Fue determinante en nuestro modo de proceder para Lorax. En busca de la trúfula perdida. De hecho, no soy capaz de imaginar cómo hubiéramos podido hacer la película sin su enfoque artístico".
Villa Quién
De todos los impresionantes logros de diseño de EL GRINCH, la reinterpretación de Villa Quién es uno de los más espectaculares. "En el libro, Villa Quién consta de unas cinco casas", dice Mosier. "Nos dimos cuenta de que teníamos la oportunidad de interpretar y expandir Villa Quién para crear un mundo tridimensional por el que se moviera la cámara, para transportar al público a otro lugar".
En el transcurso de las conversaciones sobre diseño, los cineastas articularon una visión tan precisa como vívida. "Hablamos de imaginar Villa Quién como un pueblo totalmente idílico, una comunidad de montaña vacacional y feliz. Un lugar accesible y familiar para nosotros, pero también especial de un modo único para las Quién. Que fuera un tanto extravagante y diferente", dice Healy. "Todo lo que se ve en pantalla tiene incorporados los elementos de diseño del Dr. Seuss. Estudiamos todos sus libros y todos sus dibujos para asegurarnos de capturar su lenguaje visual para los personajes, los elementos y las ubicaciones".
Para los colores y las texturas, se inspiraron en el mundo natural (nieve, hielo, cuevas, montañas...) y adoptaron una paleta cálida, saturada, brillante y alegre. "Los Quién son gente acogedora y cálida", nos cuenta Cheney. "Por eso, su ciudad tenía que reflejar eso en las formas y las texturas de sus casas, tiendas, vehículos y jerséis navideños. También era importante que el diseño de Villa Quién marcara un contraste directo con la gélida cueva del Grinch, en el angular y solitario Monte Crumpit".
Villa Quién es ahora una ajetreada y luminosa minimetrópolis, rebosante de colores vibrantes y esplendor visual, y sienta las bases para una visión totalmente desarrollada de la vida diaria de sus ciudadanos. "Los propios Quién inspiraron el diseño de la ciudad", dice Cheney. "A los Quién les apasiona cantar juntos, comer juntos y estar juntos, sea en trineos o en autobuses de tres pisos. Son gente muy gregaria que se reúne todos los años en la plaza para decorar con adornos artesanales un árbol de Navidad gigantesco. Tenemos la esperanza de que todo el mundo desee pasar su Navidad en Villa Quién".
Mosier, Cheney y su equipo de animación crearon todo un modelo en 3D de Villa Quién para asegurarse de que el diseño seguía la misma lógica interna de un proyecto de planificación urbano real. "Conocemos cada rincón de la ciudad: dónde se encuentra la casa de Cindy-Lou en relación con la plaza, la entrada a la ciudad y la tienda de alimentación", dice Cheney. "Si quisiéramos, podríamos construir una Villa Quién real y tendría sentido como ciudad".
En una de las primeras escenas, la ciudad se despierta para vivir un día brillante y soleado. Las tiendas abren. La gente se saluda. Al verlo, es posible que al público europeo le resulte dulcemente familiar. "Una de las grandes inspiraciones para Villa Quién es mi barrio en París", asegura Cheney. "Mi mujer y yo vivimos cerca del principio de una calle llamada rue Mouffetard. Pasábamos muchas mañanas tomando café en las diferentes cafeterías de la plaza o por la colina. Observábamos cómo encienden la fuente, a los vecinos paseando a los perros, a los padres dejando a sus hijos en la escuela y las tiendas más que abriendo, desplegándose en la calle adoquinada. Siempre olía a pan recién hecho y se escuchaba música de artistas callejeros. Nos parecía absolutamente mágico. Y todo rezumaba una sensación de profundidad y comunidad que nos pareció perfecta para Villa Quién".
Aunque nuestra Villa Quién es estilizada, queríamos que pareciese real. Queremos que la gente sienta casi que puede alargar la mano y tocar ese jersey peludito, oler el chocolate caliente y los gofres, y sentir el crujido de la nieve bajo los pies".
El impacto es totalmente asombroso. "Creo que hemos hecho una película preciosa que rinde homenaje a todo lo mágico, especial y misterioso de las fiestas navideñas", dice Healy. "Me encantaba la idea de hacer una película que pudiera capturar la alegría en estado puro que sentía en la infancia bajo el árbol de Navidad, contemplando las luces de colores resplandeciendo y el brillo de los adornos. Sabíamos que podíamos capturar esa riqueza visual única con el talento de nuestro equipo y nuestras perfeccionadas herramientas".
El gran golpe: Artilugios, cacharros y otros chismes
Una de las primeras cosas que los fans notarán al ver la película es cómo la fría y solitaria cueva del Grinch se ha transformado en una guarida de varios pisos llena de cacharros y artilugios de alta tecnología. "Las cuevas, por definición, son oscuras, estrechas y nos dan miedo a la mayoría", dice Healy. "Así que fue un reto encontrar la manera de incorporar la belleza de las cuevas, con esas bonitas bandas onduladas de colores y esa iluminación misteriosa. Nos esforzamos por crear grandes espacios orgánicos que dieran paso unos a otros, con habitaciones amplias y cómodas, mitad naturales y mitad artificiales, donde el Grinch y Max pudieran tener una vida confortable juntos, a su aire, haciendo las tareas del hogar e inventando artefactos extravagantes".
Debido a que el Grinch lleva aislado mucho tiempo, ha dado con sistemas muy ingeniosos para hacerse la vida más fácil. Por ejemplo, tiene un secador de cuerpo completo que lo convierte al instante en una bola de pelo verde y ha sido muy creativo para hacer de Max el perro-mayordomo perfecto. "Por la manera en la que hace café, yo diría que es la cafetera más complicada vista jamás, con todos esos pasos y etapas", comenta Meledandri. "Es lo que Max hace cada mañana, le lleva el desayuno al Grinch", con la ayuda de un montaplatos y un casco-bandeja. "Es claramente un artefacto creado por el Grinch".
Los cineastas decidieron aplicar la misma estética al plan del Grinch de robar la Navidad, elevándolo a la enésima potencia. "Cuando comenzamos a trabajar en el guion, nos dimos cuenta de que, aunque sabíamos que el Grinch roba la Navidad, realmente no sabíamos cómo consigue hacerlo", reconoce Meledandri. "Pensamos que estábamos ante una buena oportunidad, por lo que comenzamos a ver el robo de la Navidad como un grandioso golpe".
Así que, para robar la Navidad, el Grinch tendría que darlo todo. Por ejemplo, diseña una especie de helicóptero-dron para Max, que permite al perro atravesar a toda velocidad las calles de Villa Quién en una misión de reconocimiento. Y el robo en sí merece la pena ser visto. "La película tiene una secuencia casi mágica en la que es Nochebuena y el Grinch está listo para salir. Entonces le vemos pasar por todas y cada una de las casas de la ciudad en cuestión de horas", cuenta Meledandri. Como parte de su vil plan, el Grinch también crea enormes zancos extensibles y un bastón de caramelo gigante con múltiples e increíbles usos.
"Una de las cosas que hicimos muy adrede fue convertir Villa Quién en un pueblo tan grande que pareciera imposible poder robar la Navidad en una sola noche", comenta Cheney. "La aparente imposibilidad de la tarea empuja al Grinch a ser creativo. ¿Cómo llevar a cabo este dificilísimo golpe? Pues con un trineo personalizado, la cornamenta multifunción de Max y un bastón de caramelo gigante que es como una navaja suiza. Ese bastón de caramelo es un lanza-redes, un minihelicóptero, una linterna y un garfio, y tiene unas pequeñas ruedas de menta para frenar el descenso por las chimeneas".
Todo lo cual da lugar a una asombrosa secuencia llena de ingenio y brillantez tecnológica. "Hay muchísima acción mecanizada, todo realizado con artefactos como de cómic", explica Meledandri. "Verlo es electrizante".
El guión
Escribir EL GRINCH obligó a los guionistas Tommy Swerdlow y Michael LeSieur a integrar sin fisuras el lenguaje original de Geisel con la narración y el diálogo nuevos. Swerdlow había trabajado anteriormente con Meledandri en la película Jamaica bajo cero, por lo que Meledandri sabía que era un guionista tan hábil para la poesía como para la prosa. "Contactamos con Tommy cuando buscábamos una nueva rima seussiana, ya que es un poeta excelente", revela Meledandri. "Empezó ayudándonos con el ritmo narrativo, hasta que terminó trabajando en el guión codo con codo con todos nosotros a lo largo de los años".
LeSieur, por su parte, ha sido clave a la hora de crear la estructura y el rumbo de la historia. "Michael se sumó pronto al equipo y durante unos 18 meses nos ayudó con la excavación inicial, definiendo los cimientos de la película", describe Meledandri. "Estos proyectos llevan varios años de trabajo y el equipo que se forma a lo largo de ese tiempo se da cuenta de que la película es como un organismo vivo, que evoluciona".
Para ese equipo fue inestimable la labor de Janet Healy, socia productora de Meledandri desde mucho tiempo atrás. "Hacer este tipo de películas es una tarea hercúlea y tengo la suerte enorme de contar con Janet Healy, que es una socia increíble", confiesa Meledandri. "Juega un papel vital en prácticamente cada faceta de la producción. Además, tuvimos la fortuna de que se uniera una nueva colaboradora, Latifa Ouaou, convertida ahora en una de nuestras productoras ejecutivas, que llegó para centrarse en el Grinch y aportó su maravillosa capacidad narrativa y buen ojo para los ritmos de la comedia. Ha realizado una contribución valiosísima a la película y seguirá trabajando con nosotros en muchos otros títulos".
Healy, que vive en París, explica que ella y Meledandri han creado la alianza perfecta a lo largo de ocho películas y doce años trabajando juntos. "Nos comunicamos diariamente entre Los Ángeles y París, así que nos entendemos a la perfección", asegura Healy. "También tenemos un grandísimo respeto por nuestras habilidades complementarias. Compartimos gustos y un profundo amor por el cine: nos encanta hacer y ver películas". Juntos suman casi 80 años de experiencia, lo que les permite reconocer rápidamente los problemas y tomar las decisiones adecuadas. "Hemos desarrollado un método muy preciso para hacer que, cada semana, el material avance a lo largo del proceso de producción, por lo que siempre sabemos con qué recursos contamos y qué aspectos pueden seguir mejorando", explica Healy. "Ambos somos incansables y queremos que nuestras películas queden lo mejor posible, teniendo en cuenta la perenne limitación de tiempo y dinero. Es enormemente satisfactorio llevar los títulos de Illumination al público de todo el mundo, sin distinción por edades. Puedo decir con toda sinceridad que trabajar con Chris es un privilegio enorme, una aventura maravillosa y una alegría diaria".
La música
La banda sonora
La dilatada y aplaudida carrera de Danny Elfman como compositor incluye una variedad imposible de estilos musicales y títulos -desde Beetlejuice a Batman, pasando por Los fantasmas contraatacan, El joven manos de tijera, Pesadilla antes de Navidad o Spider-Man (Spiderman)-, pero hasta ahora no se había dado la casualidad de que trabajara para Illumination. "La música es la tercera pata de la historia, junto con el guión y la imagen, y para EL GRINCH imaginamos un paisaje musical que fuera totalmente inmersivo", comenta Meledandri. "Durante unos veinte años he hablado con Danny sobre una posible colaboración, pero nunca habíamos tenido la oportunidad de llevarla a cabo. Para EL GRINCH no podía pensar en nadie mejor, cuya música fuera tan evocadora que sostuviera el lado fantasioso del relato, pero que también emocionara y sirviera de apoyo a la comedia". Además de con el guion, la música tenía que mezclarse a la perfección con el estilo de la canción "Welcome Christmas" del especial de televisión y con la nueva versión de "You're A Mean One, Mr. Grinch" y la nueva canción original "I Am The Grinch", ambas firmadas por el rapero Tyler, The Creator.
En otras palabras, era una misión complicadísima y Elfman encarnaba la primera y única opción. "Es un músico extraordinario y lo pasamos muy bien trabajando con él", resume Meledandri. "Mi sueño es que un día podamos hacer una proyección de la película en el anfiteatro Hollywood Bowl con una orquesta en vivo interpretando la música de Danny. Así es de buena".
Elfman asegura que llevaba tiempo deseando trabajar con Illumination y EL GRINCH parecía el proyecto y el momento ideal. "Todos los indicios apuntaban a que esta era la película que debíamos hacer juntos", asegura Elfman. "Me reuní con Chris y tuve buenas sensaciones respecto a Illumination y su visión para el film. Personalmente, además, han pasado 25 años desde que hice la música de Pesadilla antes de Navidad, que estaba inspirada en la historia del Grinch e influenciada por el ritmo y las rimas del Dr. Seuss, así que todo me parecía perfecto, como dos extremos de un círculo unidos por el mismo origen".
De hecho, Elfman mantuvo un contacto estrecho con Theodor Geisel, el Dr. Seuss. Hace años, antes de su fallecimiento en 1991, se vio con él para hablar sobre una versión musical de su libro Oh, The Places You'll Go. "Tristemente, nunca salió adelante, pero siento una especie de vínculo con el Dr. Seuss y su trabajo", confiesa Elfman. "Crecí con él; mi madre me leía sus cuentos en la cama y eran parte de mi mundo interior".
Para la banda sonora, Elfman sabía que los cineastas -incluyendo a los directores Scott Mosier y Yarrow Cheney, con quienes trabajó estrechamente- querían que la música conectara tanto con la nueva versión de la canción "You're A Mean One, Mr. Grinch" como con el clásico villancico "Welcome Christmas", que los Quién cantan en la mañana de Navidad. Cuenta Elfman que, al comienzo, "empecé inventándome maneras de introducir "Welcome Christmas" en la banda sonora, a veces con sutileza y otras veces de manera más obvia. Terminé metiéndome en la canción media docena de veces, cosa que disfruté mucho".
Las partes que Elfman disfrutó más componiendo fueron las correspondientes a las nuevas escenas creadas para la película, que narran la infancia del Grinch, que no fue muy feliz. "Con esas escenas de sus recuerdos fue cuando sentí que debía abrirme y componer de manera narrativa, cosa que disfruto mucho", explica Elfman. "Ese es el tipo de trabajo que realmente me emociona". Se detiene y, tras una carcajada, añade: "Ya sabes, algo que sea muy triste".
You're A Mean One
Los cineastas tenían claro que no querían cambiar el icónico villancico navideño de los Quién, "Welcome Christmas", pero sí deseaban innovar para las nuevas generaciones con la otra canción memorable del especial de televisión, "You're A Mean One, Mr. Grinch". "Queríamos mantener las raíces de la canción, pero crear una nueva versión que sintiéramos como nuestra", describe Meledandri. (Un dato curioso: Boris Karloff no fue el intérprete de la canción original, como muchos creen, sino el actor de doblaje Thurl Ravenscroft, más conocido por prestar su voz al tigre Tony en los anuncios de los Frosties de Kellogg's).
Con esa idea de modernizar la canción, Meledandri y el resto del equipo se pusieron en contacto con el afamado músico, artista y productor Tyler, The Creator. "Tyler, The Creator es un artista que me encanta y el colaborador perfecto para Illumination", asegura Meledandri. "Es increíblemente visual y le interesan las mismas cosas que amamos aquí, como el carácter y el color. Tiene un sentido increíble del color, la forma, la silueta y la melodía".
Elfman se quedó impresionado. "Pensé: "Guau, interesante elección"", reconoce. Más adelante trabajaría con Tyler para coordinar los temas musicales y el ritmo del film con su canción. "Me reuní con Tyler y me dije: "Esto va a funcionar, sí"", rememora. "Cuando presentó su canción, pensé en todas las maneras en las que podría hacer los arreglos para que funcionara bien en la película".
Los directores Mosier y Cheney y la productora ejecutiva Ouaou compartían el entusiasmo de Meledandri y Elfman, especialmente porque suponía una nueva experiencia para el músico. "Estaba aventurándose en un terreno desconocido para él", explica Meledandri. El resultado, "You're a Mean One", hará que la canción sea relevante -y muy atractiva- para toda una nueva generación. "Es la primera nueva canción de la película", dice Tyler. "Y eso mola".
I Am the Grinch
El plan inicial era que Tyler solo escribiría una nueva versión de "You're a Mean One" para la película, pero el rapero estaba inspirado y compuso otra canción completamente nueva, "I Am the Grinch", que acompaña los créditos finales del film. "El plan era hacer una canción, pero al final les di más y parece que les gustó", comenta Tyler. "Espero que las canciones encajen bien en la peli".
Sí que encajan. "Es un tipo increíblemente creativo", asegura Elfman, que fue el primero en escuchar el nuevo tema. "Fui a su estudio a trabajar con él en otras cosas de la película. Me dijo: "Oh, esta mañana he escrito esto" y me tocó la canción. Yo respondí: "Dios, ¿has hecho esto esta mañana? Es genial"".
¡Cómo El grinch robó la Navidad!: Un breve repaso histórico
Theodor Seuss Geisel, que publicaba con el pseudónimo Dr. Seuss, creó al Grinch por primera vez en "The Hoobub and The Grinch" un poema ilustrado de 32 líneas que se publicó en la revista Redbook en mayo de 1955. En ese texto, el Grinch es un timador que convence al Hoobub, que está tomando el sol tranquilamente, para que le cambie el astro rey por un trozo de cuerda verde.
Para entonces, Geisel, de 51 años, ya había escrito -junto a Helen, su esposa de entonces- el documental Design for Death, ganador del Premio Oscar® en 1947, que describe los factores que empujaron a Japón a bombardear Pearl Harbor. Además, Geisel era ya un exitoso ilustrador para revistas y había publicado quince libros, como Y pensar que lo vi en la calle Porvenir, Yoruga la tortuga y otros cuentos y ¡Horton escucha a Quién!. Sin embargo, sus años más productivos y sus trabajos más aclamados estaban aún por llegar.
A comienzos de 1957 terminó El gato ensombrerado y comenzó a trabajar en lo que sería ¡Cómo el Grinch robó la Navidad!. La inspiración de Geisel para el personaje le llegó las Navidades anteriores de alguien inesperado: él mismo. "Me estaba cepillando los dientes en la mañana del 26 de diciembre cuando descubrí un grinchesco semblante en el espejo", contaría más tarde el autor a Rebook. "¡Era Seuss! Así que escribí acerca de mi amargado amigo el Grinch, para ver si yo mismo podía redescubrir algo acerca de la Navidad que obviamente había olvidado".
¡Cómo el Grinch robó la Navidad! narra la historia de un misántropo cascarrabias que vive con su perro Max en una cueva en el monte Crumpit. El Grinch suele evitar a los habitantes de Villa Quién en el valle, pero anualmente las fastuosas celebraciones de Navidad de sus vecinos, especialmente sus canciones -con todo ese "ruido, ruido, ruido, ruido"-, le distraen. Así que decide robar la Navidad y, disfrazado de Papá Noel en Nochebuena, deja a toda la población sin rastro de juguetes, adornos, árboles y espumillón. Pero, sentado sobre su enorme botín en las alturas, en lugar de escucha los lloros de los vecinos de Villa Quién en la mañana de Navidad, lo que eschuca es el sonido de más canciones navideñas. Darse cuenta de que la Navidad significa más que un montón de regalos y objetos decorativos hizo que su corazón se impregnase del espíritu navideño y creciera "tres tallas en solo un día", empujándole a regresar a Villa Quién a devolver todos los regalos y adornos y unirse a los festejos.
Geisel escribió el libro velozmente, en cuestión de semanas. Según la biografía de 1995 Dr. Seuss & Mr. Geisel, escrita por Judith Morgan y Neil Morgan, Geisel dijo que fue el libro más fácil de escribir de su carrera, pero que le costó mucho terminarlo de manera que resultara laico y universal. "Me quedé bloqueado a la hora de sacar al Grinch del lío", explicó Geisel. "Todo lo que escribía sonaba a un predicador de segunda. Finalmente, desesperado, sin trasladar ningún mensaje, mostré al Grinch y a los Quién juntos a la mesa, e hice un juego de palabras con el Grinch cortando la "bestia asada". Hice mil intentonas con mensajes religiosos y después de tres meses me salió así".
Publicado por Random House en 1957, el mismo año que El gato ensombrerado, ¡Cómo el Grinch... fue el primer libro de Seuss en tener a un aparente villano como protagonista y enseguida se convirtió en éxito de crítica. "Incluso si se prefiere al Dr. Seuss por los disparates, debe admitirse que, a la hora de enseñar una moraleja, nadie lo hace con más alegría", dijo el periódico The New York Times en su crítica. "El lector se ve arrastrado por las burbujeantes rimas y las extrañamente divertidas ilustraciones hasta quedar rendido de alivio y lleno de buenos sentimientos cuando el Grinch se reforma". Kirkus Review, por su parte, declaró que el personaje del Grinch era "fácilmente el mejor canalla navideño desde Scrooge".
Casi una década más tarde, el texto se adaptó en un especial de televisión dirigido por Chuck Jones, en el que Boris Karloff prestó su voz al Grinch y fue el narrador. Para este especial, el propio Geisel escribió el ya icónico villancico "Welcome Christmas" y la clásica canción "You're A Mean One, Mr. Grinch".
El especial se emitió por primera vez en la cadena CBS el 18 de diciembre de 1966 y continuaría emitiéndose cada mes de diciembre durante los siguientes 22 años, haciendo que ¡Cómo el Grinch robó la Navidad! formara parte de la cultura estadounidense. En 2004, TV Guide lo aupó al primer puesto de su lista "Los 10 mejores especiales familiares navideños". A lo largo de los años, el especial se convirtió en un acontecimiento televisivo anual para generaciones de familias, una nueva y divertida tradición navideña que también sirvió como un emotivo recordatorio del verdadero sentido de la Navidad: amor, perdón y bondad.
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