Lucky
2017
Duración 88 min.
País Estados Unidos
Dirección John Carroll Lynch
Reparto Harry Dean Stanton, Ed Begley Jr., Beth Grant, James Darren,Barry Shabaka Henley, Yvonne Huff, David Lynch, Hugo Armstrong, Bertila Damas,Ron Livingston, Ana Mercedes, Sarah Cook, Amy Claire, Ulysses Olmedo,Mikey Kampmann, Otti Feder, Mouse, Pam Sparks, Tom Skerritt
Acerca de Harry Dean Stanton
Una leyenda del cine gracias a su protagónico en París, Texas de Wim Wenders y a su trabajo con cineastas de la talla de Francis Ford Coppola, Martin Scorsese y Ridley Scott. Amigo personal de David Lynch, participó en sus películas Corazón salvaje, Una historia sencilla, Imperio y en la serie Twin Peaks. Lucky fue su último trabajo antes de morir, calificado por Variety como “el mejor papel de su vida”.
Acerca de David Lynch
Artista multidisciplinario reconocido por sus películas y especialmente por la mítica serie Twin Peaks, es también un referente en materia de meditación y espiritualidad. Si bien Lucky no es su primera experiencia actoral, sin dudas es su participación más celebrada por sus miles de seguidores alrededor del mundo.
Palabras del director
Me encantó el guión, sus diálogos, sus personajes y ese sentimiento de comunidad. El pequeño pueblo donde sucede la historia avergüenza a todos sus habitantes, incluso a Lucky, nuestro protagonista, que ni siquiera se siente parte de él.
El guión está pensado para ser interpretado por Harry Dean Stanton, es un homenaje a él como actor y como hombre. En esencia es biográfica, las historias de Lucky están escritas a partir de la vida de Harry. Lucky es un hombre solitario. Un amante de los puzles y los juegos. Está orgulloso de sí mismo y decide su propio destino. Es consciente de que es el más inteligente en cualquier circunstancia. Cuando queda en evidencia su vulnerabilidad, su primer instinto es despotricar y ser autosuficiente. Lucky es la historia de un hombre que de repente se deja llevar por su corazón, algo que debió hacer hace mucho tiempo.
Más sobre la película
John Carroll Lynch regala al gran protagonista de “Paris, Texas” una película de despedida que deviene en homenaje póstumo al mejor actor secundario del cine norteamericano.
Afortunadamente, Harry Dean Stanton, que falleció el 15 de septiembre del año pasado, pudo ver acabado este film cuyo guión araña detalles y características de su propia vida. Entre sus desconsolados cómplices delante y detrás de las cámaras, está David Lynch, que lo dirigió varias veces (“Corazón salvaje”, “Twin Peaks: Fire Walk with Me”, “Una historia verdadera” y “Inland Empire”). En Lucky, David Lynch, que no tiene parentesco conocido con John Carroll Lynch, interpreta al más curioso personaje del pueblo: un elegante caballero vestido de blanco que ha extraviado al compañero de su vida… una tortuga.
Harry Dean Stanton, el veterano actor de actores, aparece en paños menores practicando sus ejercicios de yoga matutino. Esquelético, casi parece un muerto en vida, el eterno superviviente. Le vemos solo en su casa distinguiendo entre estar solo y sentirse solo, dos cosas muy distintas. Harry Dean Stanton fue un experto en lo primero. Lo vemos en su bar favorito, callado, filosofando o haciendo gala de su humor cortante. Lo vemos cantando ‘Volver’ con una orquesta de mariachis. Lo vemos fumar sin parar, y lo vemos beber, con su aire tristón de rebelde sin causa.
Sobre el director
John Carroll Lynch (Boulder, 1 de agosto de 1963) es un actor estadounidense, conocido principalmente por interpretar a Norm en la película “Fargo” (1996), cinta dirigida por los hermanos Coen.
Sus participaciones más destacadas en películas y series de televisión fueron en “Face/Off”, “Volcano”, “Mercury Rising”, “60 segundos”, “Gothika”, “Zodiac” y “Gran Torino”.
Como actor, el trabajo de John Carroll Lynch abarca un amplio rango de papeles, desde abogados hasta psicópatas; desde películas de acción hasta cine indie.
Tiene más de cincuenta películas a sus espaldas y ha tenido la suerte de trabajar con directores como Clint Eastwood, David Fincher, John Lee Hancock y Pablo Larrain entre otros.
Ahora se lanza a la dirección cinematográfica con “Lucky”.
Festivales y premios
Festival de Locarno – Selección Oficial
SXSW Austin 2017 – Selección Oficial
Festival de Gijón 2017 – Selección Oficial, Mejor Banda Sonora y Premio AISGE Mejor Actor
Han dicho
"Harry Dean Stanton hace una interpretación para el recuerdo (...) Una actuación maravillosa, sacada con maestría de los restos de una vida llena de actuaciones maravillosas" - David Ehrlich de Indiewire.
"Harry Dean Stanton es una leyenda viva -y como este estudio de personaje demuestra, todavía quedan algunas buenas actuaciones en él" - David Fear, Rolling Stone.
"Una modesta y maravillosa pequeña película sobre nada en particular pero todo lo que es importante" - Joe Leydon, Variety.
"Una actuación maravillosa, sacada con maestría de los restos de una vida llena de actuaciones maravillosas" - David Ehrlich, Indiewire.
Créditos fotos: Stefania Rosini - Magnolia Pictures
Diez menos
2018
País Argentina
Dirección Roberto Salomone, Daniel Alvaredo
Reparto Diego Pérez, Roly Serrano, Jimena Anganuzzi, Daniel Alvaredo, Matias Tapia,Ernesto Claudio, Darío Levy, Ariel Pérez De María, Ramiro Vayo, David Di Nápoli,Soledad García, Atilio Pozzobon, Chang Hung Cheng, Luciana Dulizky,Sebastián Pajoni, Daniela Viagiamari
Así, se suceden una serie de situaciones disparatadas, que le van complicando cada día más la vida a Quique. Cuando todo parece perdido, Quique encuentra al amor verdadero. Esto le dará la oportunidad de reconciliarse consigo mismo y con Dios.
Sobre el director
Roberto Salomone fue Asistente de Dirección en ”Aniceto”, de Leonardo Favio; “Papá se volvió loco” de Rodolfo Ledo. En “Felicidades” de Lucho Benders se encargó de la realización de la estructura dramática del guión. En ”Caballos Salvajes” fue Ayudante de Dirección.
Se encargó de la coordinador de la coproducción con España e Ibermedia “Operación Fangio” de Alberto Lechi. Fue ayudante de Dirección en “Convivencia” de Carlos Galettini, “Buenos Aires me mata” de Beda Docampo Feijoó, en “Carlos Monzón, el segundo juicio” de Gabriel Arbós en “Sin Reserva” de Eduardo Spagnuolo, en “El Destino” de Miguel Pereira, entre otros.
La número uno
2017
Duración 110 min.
País Francia
Dirección Tonie Marshall
Reparto Emmanuelle Devos, Suzanne Clément, Richard Berry, Sami Frey, Benjamin Biolay,Francine Bergé, Anne Azoulay, Bernard Verley, John Lynch
Palabras de la directora
Raphaëlle Bacqué, que colaboró en el guión, me ayudó en mis investigaciones sobre el tema. Organizó encuentros con mujeres que ocupan altos cargos en importantes compañías, y me contaron muchas anécdotas en las que abundaban todas esas pequeñas humillaciones que sufrían todos los días en un entorno predominantemente masculino. Sus testimonios constituyeron un material muy importante. No era fácil y traté de evitar la caricatura, aunque lo cierto es que incorporé a la película casi todas las observaciones que oí tal y como salieron de la boca de personas reales.
Por otra parte, me ha encantado trabajar con Marion Doussot, la coguionista, sobre todo porque no somos de la misma generación. Yo vengo de una generación feliz. A los 20 años estaba segura de que nadie me prohibiría hacer nada. Las mujeres ya habían hecho tanto antes que el camino parecía estar despejado.
A su vez, era importante mostrar bastante las oficinas, ese mundo singular del distrito de negocios de París, cuyas torres albergan las compañías más poderosas. Le pedí a mi director de fotografía, Julien Roux, que estudiara detenidamente la película “Margin Call”. Ese film da mucha importancia a los diálogos y hace referencia a estrategias financieras muy complicadas, pero aunque no entendemos mucho de lo que se habla, no nos aburrimos nunca porque no perdemos jamás el interés por unos personajes que se tambalean y después vuelven a levantarse.
Extracto de entrevista en ABC.es
La cineasta francesa estrena una comedia dramática sobre la dificultad de las mujeres para romper el techo de cristal. Tonie Marshall filma una película apasionante y feminista ambientada en el mundillo de las multinacionales y protagonizada por una formidable Emmanuelle Devos.
Tonie Marshall es una de esas mujeres imprescindibles en los grandes eventos cinematográficos franceses. Reconocida directora, guionista y actriz, ha participado en alguna de las obras más aplaudidas en su país.
La realizadora critica la desigualdad de género en el mundo empresarial y su protagonista tiene peso propio: en una inmensa oficina se reúne el comité ejecutivo de un gran grupo industrial. Alrededor de la mesa se sientan una docena de hombres y una sola mujer marcando desde el inicio un flagrante desequilibrio entre sexos en las altas esferas de poder económico.
Tonie Marshall (la única mujer que ha ganado el Premio César a la mejor dirección, en 2000, por “Vénus Beauté”) es la responsable de una película cautivadora estrenada a escala mundial en Toronto, concretamente en la sección Special Presentations. Para su personaje, una mujer del mundo occidental contemporáneo, todavía dominado por los hombres, aspirar a las más altas responsabilidades de las multinacionales equivale a manifestar una peligrosa ambición que bien puede suscitar paternalismos, misoginia más o menos inconsciente, a la vez de pequeñas humillaciones, presiones, ardides, amenazas y dudas.
Sobre la directora
Tonie Marshall (Neuilly-sur-Seine, 29 de noviembre de 1951) es una actriz, directora de cine y guionista francesa. Después de actuar en varias de las películas de Jacques Demy, incluyendo “A Slightly Pregnant Man” y “La Naissance du Jour”, Marshall cita haber tomado influencia de su dirección en el sentido de crear atmósferas caprichosas y centrar su narrativa en la figura de la mujer.
En cine:
2017: Numéro Une
2014: Tu veux… ou tu veux pas?
2008: Passe-Passe
2003: France boutique
2002: Au plus près du Paradis
1999: Vénus Beauté (Institute)
1996: Enfants de salaud
1994: Pas très catholique
1989: Pentimento
En TV:
2012: Que le manège commence ! (Documental)
2009: X Femmes 2 – Ep. Le Beau Sexe
2004: Les falbalas de Jean-Paul Gaultier (Documental)
1999: Tontaine et Tonton
Entrevista a Tonie Marshall
P: ¿Cómo te documentaste sobre el mundo de los negocios?
R: Raphaëlle Bacqué, que colaboró enel guión y a la que consulté regularmente para dar credibilidad a la historia, me ayudó en mis investigaciones. Organizó encuentros con mujeres que ocupan altos cargos en importantes compañías como Anne Lauvergeon, Laurence Parisot, Claire Pedini, Pascale Sourisse, y otras. Me contaron muchas anécdotas en las que abundaban todas esas pequeñas humillaciones que sufrían todos los días en un entorno predominantemente masculino. Sus testimonios constituyeron un material muy importante para contar la vida de mi protagonista. Las últimas veces me llevé a Emmanuelle Devos conmigo para que pudiera absorber los gestos de estas mujeres, su forma de vestir y de hablar. Una de ellos me dijo: "¡No dudes en hacer que los hombres hablen groseramente!" No era fácil, y traté de evitar la caricatura, aunque lo cierto es que incorporé a la película casi todas las observaciones que oí tal y como salieron de la boca de personas reales.
P: ¿Cómo se desarrolló tu colaboración con Marion Doussot, tu coguionista?
R: Me ha encantado trabajar con Marion,sobre todo porque no somos de la misma generación. Yo vengo de una generación feliz. A los 20 años estaba segura de que nadie me prohibiría hacer nada. Las mujeres ya habían hecho tanto antes que yo y el camino estaba despejado. Sin embargo,desde entonces el espacio abierto a las mujeres se ha ido estrechando y ahora estamos en una fase de regresión muy acusada. Cuando conocí a feministas jóvenes de la edad de Marion, sentí que había una división entre nosotras. Estasmujeres de 30 años están a punto de estallar, ¡y tienen toda la razón! Es cierto que hay más paridad,pero las mujeres están viviendo un auge de cierta mojigatería, junto con la agresión sexual que conllevan las frustraciones. La moralidad y la religión, sean lo que sean, nunca están del lado de las mujeres.
P: ¿De dónde proviene la teoría que revelas en tu película según la cual los tres grandes motores que mueven a los hombres son: el poder, el sexo y el dinero? ¡Y que por lo general, los hombres sólo poseen dos de los tres!
R: Es algo que leímos o escuchamos durante nuestras investigaciones, ¡y creo que es muy cierto!Hay una escena en la que el subordinado humilla al jefe. De hecho, cuando están entre ellos los hombres sostienen siempre relaciones de poder.
P: Gracias a Olympus, una red de mujeres influyentes, Emmanuelle Blachey accede a su puesto. ¿Existen clubs de este tipo?
R: Hay redes de mujeres, pero ninguna tiene verdadero poder, tal y como me dijo uno de los ejecutivos que conocí. Si una mujer quiere alcanzar ese nivel de éxito, debe contar con el apoyo de una red de hombres... Así que me inventé el auténtico poder de ese club, y espero que exista en el futuro... Además, fuimos testigos de una reunión del Club Olympus. Era necesario reproducirlo, mostrar el momento en el que esas mujeres se reúnen y debaten. Hice una audición de actrices para esa escena, pero no me sonaba auténtica. Así que le pregunté a una muy buena amiga feminista,
Sophie Bramly, que me presentara a feministas activas reales, y las filmé usando dos cámaras durante una tarde, cuando estaban debatiendo sobre temas accesibles para el gran público... En una de las versiones editadas, esta escena era más larga y probablemente demasiado documental. Pero al final de la proyección, una gente me dijo: "La película es buena, ¡pero no necesitas esa reunión de Tupperware!" Comprendí en ese momento que nos espera un largo camino por recorrer...
P: ¿Cómo te documentaste sobre el mundo de los negocios?
R: Raphaëlle Bacqué, que colaboró enel guión y a la que consulté regularmente para dar credibilidad a la historia, me ayudó en mis investigaciones. Organizó encuentros con mujeres que ocupan altos cargos en importantes compañías como Anne Lauvergeon, Laurence Parisot, Claire Pedini, Pascale Sourisse, y otras. Me contaron muchas anécdotas en las que abundaban todas esas pequeñas humillaciones que sufrían todos los días en un entorno predominantemente masculino. Sus testimonios constituyeron un material muy importante para contar la vida de mi protagonista. Las últimas veces me llevé a Emmanuelle Devos conmigo para que pudiera absorber los gestos de estas mujeres, su forma de vestir y de hablar. Una de ellos me dijo: "¡No dudes en hacer que los hombres hablen groseramente!" No era fácil, y traté de evitar la caricatura, aunque lo cierto es que incorporé a la película casi todas las observaciones que oí tal y como salieron de la boca de personas reales.
P: ¿Cómo se desarrolló tu colaboración con Marion Doussot, tu coguionista?
R: Me ha encantado trabajar con Marion,sobre todo porque no somos de la misma generación. Yo vengo de una generación feliz. A los 20 años estaba segura de que nadie me prohibiría hacer nada. Las mujeres ya habían hecho tanto antes que yo y el camino estaba despejado. Sin embargo,desde entonces el espacio abierto a las mujeres se ha ido estrechando y ahora estamos en una fase de regresión muy acusada. Cuando conocí a feministas jóvenes de la edad de Marion, sentí que había una división entre nosotras. Estasmujeres de 30 años están a punto de estallar, ¡y tienen toda la razón! Es cierto que hay más paridad,pero las mujeres están viviendo un auge de cierta mojigatería, junto con la agresión sexual que conllevan las frustraciones. La moralidad y la religión, sean lo que sean, nunca están del lado de las mujeres.
P: ¿De dónde proviene la teoría que revelas en tu película según la cual los tres grandes motores que mueven a los hombres son: el poder, el sexo y el dinero? ¡Y que por lo general, los hombres sólo poseen dos de los tres!
R: Es algo que leímos o escuchamos durante nuestras investigaciones, ¡y creo que es muy cierto!Hay una escena en la que el subordinado humilla al jefe. De hecho, cuando están entre ellos los hombres sostienen siempre relaciones de poder.
P: Gracias a Olympus, una red de mujeres influyentes, Emmanuelle Blachey accede a su puesto. ¿Existen clubs de este tipo?
R: Hay redes de mujeres, pero ninguna tiene verdadero poder, tal y como me dijo uno de los ejecutivos que conocí. Si una mujer quiere alcanzar ese nivel de éxito, debe contar con el apoyo de una red de hombres... Así que me inventé el auténtico poder de ese club, y espero que exista en el futuro... Además, fuimos testigos de una reunión del Club Olympus. Era necesario reproducirlo, mostrar el momento en el que esas mujeres se reúnen y debaten. Hice una audición de actrices para esa escena, pero no me sonaba auténtica. Así que le pregunté a una muy buena amiga feminista,
Sophie Bramly, que me presentara a feministas activas reales, y las filmé usando dos cámaras durante una tarde, cuando estaban debatiendo sobre temas accesibles para el gran público... En una de las versiones editadas, esta escena era más larga y probablemente demasiado documental. Pero al final de la proyección, una gente me dijo: "La película es buena, ¡pero no necesitas esa reunión de Tupperware!" Comprendí en ese momento que nos espera un largo camino por recorrer...
P: ¿Cómo has querido reproducir ese mundo de directivos?
R: Era importante mostrar la escena del CAC 40, para enseñar las oficinas, ese mundo singular del distrito de negocios de París, cuyas torres albergan las compañías más poderosas. Le pedí a mi director de fotografía, Julien Roux, que estudiara detenidamente la película "Margin Call". Esa película de J.C. Chandor da mucha importancia a los diálogos y hace referencia a estrategias financieras muy complicadas, pero aunque no entendemos mucho de lo que se habla, no nos aburrimos nunca porque no perdemos jamás el interés por unos personajes que se tambalean y después vuelven a levantarse...
P: El ascenso profesional y la historia personal de Emmanuelle están íntimamente ligados...
R: El día en que Emmanuelle asiste al Foro de Mujeres en Deauville, los servicios de rescate extraen del agua el cadáver de una mujer ahogada. Este acontecimiento sirve para provocar en ella el recuerdo de un dolor interior que la llevará a plantearse preguntas sobre las dificultades que, de una forma u otra, acabaron con la vida de su madre.
Al principio, Emmanuelle siente cierta reticencia hacia la red Olympus pero poco a poco, encuentra su propio camino para abrazar el feminismo. Cuando, en su discurso final, explica que su madre nunca encontró su lugar en la sociedad, Emmanuelle la integra en la defensa de una causa feminista más amplia. En ese punto, su relación con su madre va más allá del trauma infantil.
P: ¿De dónde salió la idea de que su madre murió al ahogarse?
R: Porque perder a un ser querido en el mar es profundamente traumatizante. Yo lo viví en primera persona porque Fanette, hermana del pintor François Arnal, murió ahogada. Mi madre vivía con él en esa época. No encontraron nunca su cuerpo. Y aunque yo no era su hija, fue un accidente tremendamente trágico. Durante años, cuando me bañaba en el mar, estaba convencida de que Fanette estaba allí, flotando justo por debajo de la superficie, con su larga melena negra. Cuando alguien se ahoga y no se encuentra el cuerpo, surge la incertidumbre: ¿Suicidio o accidente? A diferencia de su padre, Emmanuelle cree que su madre se suicidó... Es inevitable que este tipo de acontecimientos vuelvan a ti como un boomerang, no te abandonan nunca.
P: ¿Era importante para ti que supiera hablar chino?
R: Sí, es un recuerdo de los relatos chinos que su madre solía contarle. La madre de Emmanuelle era una mujer brillante y erudita, así que era buena idea que fuera sinóloga. En cualquier caso, transmitió algo de esa cultura a su hija, lo que acaba siendo de gran ayuda para su vida profesional. En la escena del restaurante con los socios chinos, el dominio del idioma obliga a sus colegas masculinos a permanecer callados. Actúan como si estuvieran amordazados mientras Emmanuelle discute fuera con los chinos, fumando un cigarrillo y bebiendo. ¡Disfruté muchísimo filmando esa escena! Después, en el coche, su superior intenta menospreciar su éxito: "Una buena escena de seducción", le dice a Emmanuelle. "No, no lo es; es trabajo, camuflaje...", responde ella. A pesar de sus intentos de aclarar las cosas, durante la conversación le pone la mano en la rodilla con mucha naturalidad... No es un gesto de agresión sexual, sino de ese derecho a roce del amo que también refleja un deseo subconsciente de "controlarla".
P: Las relaciones entre Emmanuelle y su marido son sólidas, pero complejas.
R: Todos los altos cargos mujeres que he conocido me han contado que no podrían tener vida privada e hijos si no tuvieran un verdadero compañero que los entendiera y supiera cómo asumir ciertas tareas... Todas se deshacen en elogios hacia la persona que comparte sus vidas. El marido de Emmanuelle es un abogado cuyo negocio no va muy bien mientras que ella vive un momento de auge en su carrera. Esto es algo muy complicado de manejar en una pareja.
P: ¿Por qué elegiste a John Lynch para interpretar al marido de Emmanuelle?
R: Estaba buscando un actor británico que hablara algo de francés y que tuviera un físico imponente. Vi a John Lynch en The Fall, una excelente serie en la que la protagonista es una mujer policía muy independiente. Me pareció que desprendía un sentimiento de humanidad y virilidad,¡algo muy irlandés! Y no deja dudas sobre el hecho de que Emmanuelle y él tienen una verdadera relación de amor y sexualidad.
P: ¿Qué nos puedes contar del dúo que forman Richard Berry y Benjamin Biolay?
R: Para el personaje de Beaumel, tenía en mente a un tipo bajito, de pelo oscuro, fanfarrón y nervioso, como Nicolas Sarkozy o Henri Proglio (gran empresario francés) de quien me dijeron que era extremadamente amable y atento, que siempre tenía una palabra amable para todos,y no era nada arrogante. Richard simpatizó inmediatamente con el personaje. Es lo que le hacía falta a la película pero también quería que este tipo de persona fuera agradable hasta cierto punto, ni totalmente negro, ni totalmente blanco. En cuanto a Benjamin Biolay, me pareció que era un buen contrapunto para Richard Berry. Forman una pareja genial. Es fácil imaginarlos juntos urdiendo su red política y profesional, saliendo de juerga juntos a conquistar mujeres...
Participación en festivales
2017: Festival Internacional de Cine de Toronto – Presentación especial
2017: Festival Internacional de Cine Francófono de Namur
2017: CIinemania en Montreal
2017: Subtitle European Film Festival en Kilkenny, Irlanda
2018: Franska Filmfestivalen, Suecia
2018: Rendez Vous con el cine francés en Nueva York
2018: Festival de Cine de la Unión Europea de Chicago
2018: Festival Internacional de Cine de Estambul
2018: Festival Internacional de Cine de Minneapolis St Paul
2018: Festival Internacional de Cine de Washington, DC
Han dicho
“Fascinante retrato del poder, donde lo público y lo privado se entremezclan a través de las famosas puertas giratorias y del pago de favores”
Javier Ocaña: Diario El País
“Marshall pone en pie un relato que saca a la luz las miserias y los tejemanejes de los poderosos”
Alberto Luchini: Diario El Mundo
“El miedo, la duda y la vulnerabilidad se entremezclan con la fuerza y la determinación femenina en la sólida interpretación de Emmanuelle Devos”
Janire Zurbano: Cinemanía
“Un estudio minucioso de las influencias y de las eminencias grises que andan en los bastidores de las altas esferas de la república francesa”
Aurélie Dupire: Cine Premiere
“Fascinante retrato del poder, donde lo público y lo privado se entremezclan a través de las famosas puertas giratorias y del pago de favores”
Javier Ocaña: Diario El País
“Marshall pone en pie un relato que saca a la luz las miserias y los tejemanejes de los poderosos”
Alberto Luchini: Diario El Mundo
“El miedo, la duda y la vulnerabilidad se entremezclan con la fuerza y la determinación femenina en la sólida interpretación de Emmanuelle Devos”
Janire Zurbano: Cinemanía
“Un estudio minucioso de las influencias y de las eminencias grises que andan en los bastidores de las altas esferas de la república francesa”
Aurélie Dupire: Cine Premiere
Rosita
2015
Duración 90 min.
País Dinamarca
Dirección Frederikke Aspöck
Reparto Jens Albinus, Lise Baastrup, Mercedes Cabral, Niels Ellegaard, Linda Fallentin,Mikkel Boe Følsgaard, Anders Brink Madsen, Jacob Moth-Poulsen,Marilou Nadonza, Girlie Lou Nielsen, Mads Riisom, Carsten Svendsen,Julie Agnete Vang, Ole Dupont
La noche de 12 años
2018
País Uruguay
Dirección Álvaro Brechner
Reparto Antonio de la Torre, Chino Darín, Alfonso Tort, César Troncoso, Soledad Villamil,Sílvia Pérez Cruz, Mirella Pascual, Nidia Telles
Protagonizada por ANTONIO DE LA TORRE ("Que Dios nos perdone"), CHINO DARÍN ("La reina de España"), ALFONSO TORT ("Era el Cielo") y SOLEDAD VILLAMIL ("el secreto de sus ojos") entre otros.
El guión a cargo también del director, es una adaptación del libro que escribieron tras su cautiverio Mauricio Rosencof y Eleuterio Fernandez Huidobro.
Conocida en principio como "Memorias del Calabozo", es una película sobre hechos biográficos, contados en primera persona por unas personas que fueron despojados durante 12 años de casi todo lo que los constituía como individuos.
Rodada en España y Uruguay, muestra, según palabras del director, "la lucha existencial de tres hombres que en sus horas más oscuras, se aferran a su espíritu para mantener su humanidad y esperanza". Estos tres hombres son:
- José Mujica, interpretado por Antonio de la Torre. Fue elegido diputado y senador, en 2010, y a sus 75 años, se convirtió en el presidente electo por mayoría democrática en Uruguay.
- Mauricio Rosencof, interpretado Chino Darín. Novelista, poeta, periodista y exDirector de Cultura de la Intendencia de Montevideo.
- Eleuterio Fernández Huidobro, interpretado por Alfonso Tort. Fue elegido senador, y posteriormente asumió en 2011 el cargo de Ministro de Defensa de Uruguay. Falleció en agosto de 2016.
Dios en el camino
2018
Duración 111 min.
País Estados Unidos
Dirección Harold Cronk
Reparto Lindsay Pulsipher, Jordin Sparks, LaDainian Tomlinson, Andrew W. Walker,Robin Givens, Makenzie Moss, Kim Delaney, Gary Grubbs, Arthur Cartwright,Madeline Carroll
Milla 22
2018
Duración 95 min.
País Estados Unidos
Dirección Peter Berg
Reparto Mark Wahlberg, John Malkovich, Ronda Rousey, Iko Uwais, Lauren Cohan
Sobre la producción
Con MILLA 22 el director Peter Berg inaugura una nueva ola de cine de acción moderno, que sigue a un grupo de élite que se embarca en una misión de extrema urgencia y peligro para transportar a un agente de inteligencia extranjera desde la embajada estadounidense del Sudeste asiático a una pista de aterrizaje, a 22 millas de distancia. Este funcionario posee información ultrasecreta, que podría evitar ataques terroristas catastróficos, por lo que el equipo emprende una carrera contrarreloj y enfrenta los desafíos que presenta el territorio enemigo, mientras fuerzas militares, policiales y locales los acechan.
Mientras el equipo arriesga su vida en el sudeste asiático, un grupo secreto conocido como Overwatch, liderado por un hombre llamado Bishop, interpretado por el dos veces nominado al premio de la Academia, JOHN MALKOVICH, lo ayuda desde miles de millas. Overwatch es un equipo de alta tecnología que, de forma remota, controla las misiones, la piratería y la información interceptada. Brinda comunicación y supervisión en tiempo real de los agentes involucrados en la operación, se ocupa de la resolución de los problemas y de la navegación para ayudarlos a mantenerse con vida, mientras la acción se desarrolla y la ciudad se convierte rápidamente en un campo de batalla. Milla 22 explora la complicada dinámica entre MARK WAHLBERG y LAUREN COHAN (The Walking Dead, Batman v Superman), como los expertos entre los agentes secretos más preciados y protegidos de la CIA. Han trabajado juntos durante muchos años, por lo que se entienden muy bien. Wahlberg interpreta a James "Jimmy" Silva, el brillante oficial superior y líder de este grupo pequeño pero letal. Es metódico y decisivo. Cuando se trata de trabajo, lo único que le importa es la misión. Se pasa la vida resolviendo acertijos, armando piezas, tratando de estudiar el panorama general; Su cerebro es como un tiburón, siempre en movimiento, siempre en funcionamiento y, aparentemente, incapaz de parar; es incapaz de apartarse de su trabajo. Siente una tremenda responsabilidad de proteger a su país y a su equipo.
Cohan encarna a Alice Kerr, una agente tan capaz como Silva que, a diferencia de él, debe lidiar con las distracciones del mundo exterior, especialmente, al tratarse de una madre divorciada que transita el difícil proceso de la crianza compartida con su agresivo exmarido (interpretado por el director Peter Berg en un breve cameo). Carga con la culpa de tener que mentirle a su familia y no poder estar en los acontecimientos importantes que marcan un hito en la vida de su hija. Además de ser una madre dedicada, Alice también es lingüista y una dotada oficial de inteligencia. Además de tener un vínculo especial con Silva, ella posee la habilidad, el intelecto y una ira concentrada que la mantienen viva y comprometida.
Los demás integrantes del equipo de élite de Silva incluyen a Samantha "Sam" Snow, interpretada por RONDA ROUSEY (Fast & Furious 7) y William Douglas III, encarnado por CARLO ALBAN (21 Gramos).
En su papel revelación, IKO UWAIS interpreta a Li Noor, un oficial de las Fuerzas Especiales locales y fuente de inteligencia para los estadounidenses, ya que posee la clave para acceder a la información ultrasecreta que podría prevenir un ataque terrorista en los Estados Unidos. Noor ofrece información vital a cambio de ser trasladado de forma inmediata a un refugio norteamericano, donde finalmente entregará la información. El equipo de Silva tiene la tarea de transportar a Noor en una misión muy peligrosa, a un avión militar que espera en una pista de aterrizaje a 22 millas de distancia. Como Noor, Uwais exhibe un estilo de combate intenso y explosivo que ya pudimos ver en The Raid. El personaje se convierte en objetivo de deseo, mientras el equipo de Silva emprende una carrera contra el tiempo para transportarlo al punto de extracción para poder, finalmente, desbloquear la información.
Los eventos de la película son en gran medida un reflejo de la nueva realidad política, caótica y volátil, en la que estamos inmersos hoy en día, tanto dentro como fuera del país, repleta de innumerables amenazas diarias a nuestra democracia. La primera opción para evaluar y responder a estas amenazas es la diplomacia. La segunda opción es el ejército. Cuando esas opciones fallan, Overwatch es la tercera opción.
La historia
Si bien la película conforma la cuarta colaboración entre el director Peter Berg y el protagonista Mark Wahlberg, marca la primera vez que se asocian para abordar una narrativa completamente original, que no es ni una secuela ni una adaptación de una obra existente. En lugar de un espectáculo de CGI, nos brindan un thriller de acción moderno, intenso, inteligente y enérgico, que redefine el género del cine de acción.
Es una película de acción, a menudo cruel, que te deja sin aliento, sobre un pequeño grupo de estadounidenses que debe transitar 22 millas a través de una ciudad extranjera mientras lucha para eludir las fuerzas de una potencia extranjera, que lo asedia. En una carrera contra el tiempo y el lugar para completar su misión, debe sobrevivir a las bombas, los tiroteos y el despiadado combate cuerpo a cuerpo, mientras sufre enormes pérdidas y convierte la ciudad en un campo de batalla.
Peter Berg y el thriller moderno
Después de haber hecho tres películas seguidas basadas en hechos reales, el director Peter Berg quería divertirse un poco y hacer una película de acción. "Ese era el espíritu con el que todo comenzó", cuenta Berg.
En las primeras etapas de la evolución de Milla 22, el director Peter Berg estaba motivado inicialmente por su reacción a las películas de The Raid, de Gareth Evans, ambas protagonizadas por Iko Uwais. "Recuerdo haber escuchado sobre ellas", recuerda Berg. "Generalmente, no consumo películas de peleas, pero eran muy comentadas, la dirección de Gareth estaba siendo muy aclamada en los festivales y la gente hablaba de este joven como el 'próximo Bruce Lee'. Entonces fui a ver la primera The Raid y me quedé hipnotizado por Iko y el alma de la película, la textura, la emoción y su brutalidad física. Se comía la película. Uno puede ver a cien tipos luchando, pero uno de ellos sacude tu alma.
Definitivamente, Iko tenía ese don". Berg inmediatamente pensó que quería trabajar con la talentosa estrella de acción, pero en ese momento no sabía en qué, cuándo ni dónde.
Estilísticamente, en Milla 22, Berg se centró en la creación de una película que considera parte de una nueva ola de cine de combate, una representación de lucha y acción brutalmente realista que no depende de los efectos tecnológicos. "Nunca fui una persona muy tecnológica", admite Berg. "Las películas por las que suelo inclinarme son menos tecnológicas, más reales. Entonces, en cuanto a las acrobacias, las peleas y la acción, las abordo desde el punto de vista de cómo podemos hacerla lo más real posible y limitar la cantidad de pantallas verdes gigantes que tenemos en el set, que es algo que no me entusiasma para nada".
Sobre sus cuatro colaboraciones con Wahlberg, Berg, que no tiene hermanos, considera la amistad entre ellos como una hermandad. "Nos llevamos tremendamente bien", dice. "Mi familia se lleva bien con la suya. Mis amigos se llevan bien con sus amigos. Sinceramente, lo pasamos muy bien". El director también cita la famosa ética de trabajo de Wahlberg como inspiración. "Probablemente, la ética laboral de Mark sea mejor que la mía, ¡y creo que la mía es bastante intensa! Es sumamente trabajador. Confío en que siempre puedo contar con él, y creo que el sentimiento es mutuo".
Berg cita a la leyenda del cine independiente John Cassavetes por haber sido la fuente de inspiración de su método de improvisación. "Con Cassavetes nunca se sabía lo que iba a suceder", dice Berg. "Había un guión y había una trama e historia, y los personajes tenían relaciones identificables, pero dentro de esos parámetros los actores podían hacer o decir lo que quisieran. Y siempre me gustó eso. Me parecía algo mágico y real. Uno siempre tenía que estar atento. Por lo tanto, siempre trato de alentar a los actores a improvisar proporcionándoles un entorno seguro donde tanto ellos como el resto del equipo puedan sentir que pueden jugar".
Berg comparte que una cosa de la que se enorgullece con Milla 22 es que la película ofrecerá exactamente lo que la gente espera. "Somos lo que decimos que somos", afirma. "Son 95 minutos súper intensos de negocios despiadados, donde nadie bromea. Si quieres 95 minutos de negocios reales e intensos, eso es lo que tenemos para ti. Si quieres ver una película de acción verdadera que sepa exactamente lo que quiere ser, ésta lo es".
Creando el equipo artístico. El reparto
MARK WAHLBERG
El dos veces nominado al premio de la Academia® Mark Wahlberg se reúne con Peter Berg para su cuarta colaboración, después de El sobreviviente, Marea negra y Día de patriotas. Milla 22 marca su primera labor en conjunto para una película que no se basa en hechos reales; en su lugar, se han unido nuevamente para crear lo que podría convertirse en una nueva franquicia de suspense. Wahlberg interpreta a James 'Jimmy' Silva, el oficial superior de un equipo oficiales de élite de la División de Actividades Especiales de la CIA, conocido como Ground Branch, expertos que se especializan en todo tipo de guerras, tanto convencional como no convencional.
"Jimmy Silva es, principalmente, un intelectual", explica Wahlberg. "Sentí que ya habíamos visto al tipo de hombre antihéroe de pocas palabras, así que esta vez escuchamos a un tipo sumamente testarudo que le gusta conversar. Es el tipo de persona que cuando su equipo obtiene luz verde decide quién vive, quién muere y qué ocurre en el medio. Es un personaje genial e interesante a quien no le importa si está bien o mal o quién empezó la pelea. Simplemente hace su trabajo, y eso es todo".
"Cuando comenzamos a trabajar en el proyecto, siempre tomaba como referencia a Tommy Lee Jones en El fugitivo, un tipo sin remordimientos, a quien no le importaba lo correcto o incorrecto; tiene una tarea que hacer y la va a hacer. Nada ni nadie va a impedir que la haga", explica Wahlberg. "Sin embargo, Jimmy disfruta mucho más y, obviamente, es mucho más elocuente en el hecho de que, una vez que se pone en marcha, una vez que tiene luz verde, es lo principal para él, y creo que, en cierto modo, le gusta jugar a ser Dios, cosa que obviamente es muy peligroso, ya sabes, el poder, obviamente, puede ser adictivo y algo contraproducente. Pero creo que al público les encantará este personaje porque entienden que cuando estás envuelto en este tipo de situaciones, las reglas que normalmente se aplican no lo hacen. Se trata de supervivencia. Lo que sea que tengamos que hacer para proteger a nuestra gente. Entonces, cuando lidias con gente mala, las reglas cambian".
Cuando se le pregunta sobre qué impulsa a Jimmy Silva, Wahlberg comenta: "Su educación, su juventud, su adolescencia y, luego, su compromiso con el trabajo. No tiene familia, no tiene vínculos con nadie. Sólo está comprometido con su trabajo", afirma el actor. "Es un tipo de situación en el que no importa quién o quiénes mueren. La misión es lo primero. Por lo tanto, para este trabajo se requiere gente con un tipo de habilidad muy singular".
LAUREN COHAN
Lauren Cohan, conocida por interpretar a Maggie Greene en la exitosa serie The Walking Dead, interpreta a la oficial Alice Kerr, del equipo Ground Branch de la CIA, miembro clave del equipo de operaciones especiales de Silva y alguien con quien comparte un vínculo personal muy especial.
Alice es una madre divorciada con una hija de ocho años, que vive en los Estados Unidos con su agresivo exmarido, Lucas (interpretado por el director de Milla 22, Peter Berg en un breve cameo). A menudo se esfuerza por mantenerse enfocada en la misión, distraída por las dificultades de la paternidad compartida y la culpa de ser una madre ausente. "Alice es muy dedicada y capaz de hacer su trabajo, pero no está segura de sí quiere continuar haciéndolo", observa Cohan. "En realidad, los vínculos desgastados que está experimentando con su hija y su vida hogareña lo dejan al descubierto. Pero en última instancia, todos estos personajes tienen que mantenerse enfocados, incluso con todas las dificultades que se presentan en su camino". Cohan señala que la historia de su personaje ilustra uno de los temas centrales de la película, la maternidad, que se refleja de diversas maneras en todo momento. "El hecho de ser cuidado, vigilado", señala.
"Existe una yuxtaposición entre ser agresivo y ser desgarrador". Cohan se sintió atraída por la oportunidad de retratar a un personaje que combina un tremendo intelecto con una tenacidad mental y emocional y habilidades físicas. "Habla una gran cantidad de idiomas, es capaz de involucrarse en diferentes situaciones y salir de ellas, por lo que me resultaba una persona sumamente atractiva para abordar", reflexiona la actriz.
Cohan ya estaba sumamente preparada físicamente gracias a su exigente papel en The Walking Dead, por lo que estaba a la altura del entrenamiento para convertirse en un comando paramilitar letal, tremendamente peligrosa tanto en la lucha cuerpo a cuerpo como con un arma. "Alice cuenta con todas esas habilidades que fue un verdadero placer aprender. Creo que mi mayor desafío con esta película fue llevar la emoción a la pelea. Soy una actriz muy emocional y tengo el físico, el entrenamiento y el estilo de pelea bien marcados, pero soy consciente de que al final todo se reduce a lo que necesito y lo que tengo que hacer. Entonces, cuando pienso en la coreografía, el objetivo no es albergar la pelea, sino liberar al luchador".
El personaje de Cohan llega a ver un lado de Silva que la mayoría de los demás no lo ve, gracias al vínculo emocional que comparten. "Él es un mentor, un hermano mayor, un jefe, un déspota, como quieras llamarlo", explica Cohan. Cohan agrega que, aunque Milla 22 es una historia de ficción, sus personajes se basan en agentes reales que salen y trabajan de ese modo. "Tuvimos la suerte de aprender sobre ellos y representarlos en una película de acción realmente divertida y emocionante".
IKO UWAIS
Milla 22 marca el debut cinematográfico norteamericano de la estrella de acción y genio de las artes marciales Iko Uwais, conocido por sus papeles principales en la aclamada saga The Raid. Uwais interpreta a Li Noor, un oficial de las Fuerzas Especiales locales del país ficticio de Indocarr.
"Li Noor es un personaje que ha perdido la confianza en su propio gobierno y que acude a la CIA con información ultrasecreta", cuenta la guionista Lea Carpenter. "Debido a su trabajo en las Fuerzas Especiales tiene un caché de información increíble. Pero lo ha bloqueado de tal manera que no se puede desbloquear a menos que obtenga lo que quiere, salir del país".
Según el director de Milla 22, Peter Berg, "Iko es una gran razón para querer hacer esta película; probablemente sea lo que la motivó. Un cineasta muy talentoso llamado Gareth Evans hizo dos películas: The Raid y The Raid 2, e Iko fue la estrella de ambas. Estas películas de bajo presupuesto fueron rodadas en Yakarta, Indonesia, y recuerdo haber oído hablar de ellas. En general, no veo películas de peleas, pero esta película estaba comenzando a llamar la atención, y la dirección de Gareth era muy aclamada en los festivales de cine. Se hablaba del "próximo Bruce Lee" que surgía de Indonesia: Iko Uwais".
"Vi la película y me fascinó el alma, la textura, la emoción y la brutalidad física de él. Tenía mucho potencial. Puedes ver a cientos de tipos pelear, pero en cierto modo, uno de ellos te llega al alma e Iko definitivamente tiene esa cualidad", entusiasma Berg. "Así comenzó todo. En ese momento pensé, 'Quiero trabajar con ese tipo. No sé cómo, ni en qué, ni cuándo ni dónde, pero Iko es especial'". Poco después, Berg comenzó a formular planes para una película de acción para llevar a Uwais a una audiencia mundial. Esa película se convirtió en Milla 22: el escape.
Berg y Uwais compartían la ideología de que la acción de la película pareciera realista. "Nada parece falso", dice Uwais. "Cada escena de lucha, cada escena de acción debe ser realista y creíble. No se trata sólo de los efectos". Uwais dice que su colaboración durante el rodaje no podría haber sido más intensa. "Era como parte de una familia, no como un jefe. Nuestra relación era muy cercana. No había egos. Fue un honor para mí trabajar con él. Lo pasamos de lo mejor".
Wahlberg dice que lo pasó de maravillas trabajando con la estrella de acción. "Es espectacular", se entusiasma Wahlberg. "Además es un encanto de hombre". Muy divertido y muy dulce. Nos reímos mucho. También me encantó juntarme con su equipo. Él me enseñaba indonesio y yo le enseñaba mucha jerga en inglés". A Wahlberg le impresionaba la capacidad de Iko para aprender el idioma y sentirse cómodo en un ambiente de mucha improvisación.
RONDA ROUSEY
Ronda Rousey es ampliamente conocida por ser la luchadora campeona de peso gallo del UFC. Más recientemente, ha mostrado su destreza física, tanto en el ring para WWE, como en pantalla en Fast & Furious 7 y Los indestructibles 3. En Milla 22, desafía las expectativas en el papel de la oficial de Ground Branch Samantha 'Sam' Snow, miembro del equipo de élite de Jimmy Silva.
"Pusieron el guión en mi regazo y para mí era un rol totalmente nuevo y diferente, y me encantó", se entusiasma Rousey. "Mi papel no dependía tanto en lo corporal y pelear; era algo completamente opuesto. Pete dijo, 'No quiero que participes en ninguna pelea. No quiero que hagas nada estilo Ronda'. En realidad [él] quería darme la oportunidad de no recurrir a la parte física. De hecho, me encanta el hecho de que mi personaje sea genial con las armas y que no se involucre demasiado en la lucha cuerpo a cuerpo, así que fue algo muy diferente para mí".
Rousey dice que la película le proporcionó el desafío que necesitaba en su vida para evitar que se estancara. "Me encanta el proceso de dominar una nueva habilidad desde cero; es lo más estimulante para mí. He aprendido muchas cosas nuevas y me han llevado fuera de mi zona de confort, con Pete, Mark, Carlo y Lauren que me guiaban a través de todo esto y eran sumamente pacientes", dice Rousey.
JOHN MALKOVICH
El nominado a dos premios de la Academia® John Malkovich vuelve a juntarse con su director de Marea negra Peter Berg y la coestrella Mark Wahlberg en Milla 22, en el papel de Bishop, el oficial superior de Overwatch. Junto con su equipo de expertos tecnológicos (conocidos por los nombres de las piezas de ajedrez: Rey, Reina, Caballo, Torre y Alfil), Bishop supervisa y está en constante comunicación con el equipo Ground Branch de Silva, dirigiéndolos y proporcionándoles información en tiempo real para guiarlos a través de su misión.
Bishop es una figura enigmática, incluso para sus colegas; es reservado y educado, pero usa toda la inteligencia bajo su mando para tomar decisiones rápidas de vida o muerte. "Bishop tiene muchísima experiencia y es, en general, bastante tranquilo", dice Malkovich. "Previamente, ha trabajado junto con el personaje de Mark y su equipo en misiones anteriores, pero la película no entra en esos detalles. Obviamente, ellos se conocen; Bishop se refiere a Silva como 'Mi viejo amigo'. Eso es todo lo que sabemos".
Cuando estaba creando los personajes de Silva y Bishop, la guionista Lea Carpenter se basó en sus propias experiencias y relaciones con miembros de la comunidad de Operaciones Especiales. Por ejemplo, sabía que ambos serían estudiantes de historia muy inteligentes. "Creo que esta idea del poeta guerrero está muy viva", dice ella. "Mis amigos en Operaciones Especiales son increíblemente buenos lectores, considerados, estudiantes de historia, literatura y filosofía", dice Carpenter, citando al novelista, naturalista, escritor y agente de la CIA Peter Matthiessen como uno de sus modelos para Bishop. "Era un monje Zen, pero también era escritor. Pensé que Bishop podría ser un estudiante de historia que ha dedicado toda su vida a matar gente".
En cuanto a Bishop y Overwatch, Malkovich es muy claro. "Estas personas son contratadas, no para el gobierno de EE. UU. como tampoco como empleados de ninguna de nuestras agencias de inteligencia o por los militares, para llevar a cabo ciertas actividades. A los fines de la misión, no tienen ninguna lealtad a ningún estado, país, bandera o regla alguna. Son fantasmas, no dejan historia ni trazabilidad ni a los actores ni a los actos que tienen lugar durante las operaciones".
El actor también elogió enormemente a su director. "El estilo de Peter es como una demolición controlada. Está interesado en la poesía de lo real. Está súper presente. Toma lo que haces y lo mueve para aquí, y luego toma eso y lo pone por aquí, todo de maneras muy inesperadas", dice Malkovich. "Es súper colaborador y un excelente director. Hace muchos cambios, cosa que te mantiene muy vivo, muy despierto. Te hace estar metido en la historia, en el momento".
La fotografía
El director de fotografía Jacques Jouffret fue quien ayudó a dar vida a la visión de Berg. Para Milla 22, Jouffret decidió emplear el estilo documental que empleó en sus otras películas con Berg, un método que ambos aprecian por su aspecto natural. "Mi enfoque para el cine es tener la mayor libertad posible para disparar en cualquier dirección en cualquier momento", comparte el director. "Cuando alguien me pregunta qué intento hacer con el cine, digo que espero que la gente que lo vea sienta que lo que está sucediendo es real, que están viendo un documental".
El estilo cautivador de la cinematografía de Jouffret era una mezcla perfecta con el enfoque improvisado de Peter Berg para dirigir a los actores, lo que permite una tremenda libertad para probar diferentes opciones. Jouffret y su equipo emplearon una amplia gama de cámaras para capturar la intensidad cinética de la acción de la película y las secuencias de conducción. "Tomé la decisión de usar múltiples cámaras para dar ese aspecto de realidad y que cualquier cosa puede suceder", dice Jouffret.
Para asegurarse de lograr la apariencia que él y Berg querían, Jouffret eligió siete de las nuevas cámaras Millennium DXL 8K de gran formato de Panavision equipadas con lentes anamórficas de la serie T, que le proporcionaron un formato más grande que las lentes esféricas normales, creando así una experiencia más visceral. Advierte que ésta es la primera vez que usa estas cámaras en una película de Peter Berg.
Berg insistía en que los eventos de la película tuvieran lugar a la luz del día, por lo que el rodaje en Bogotá presentó un gran desafío: el clima, que afectó tremendamente su enfoque para determinar la imagen de la película. "La primera vez que fui a Bogotá durante el proceso de exploración inicial, noté cuán nublado estaba el cielo y las nubes amenazantes cambiaban constantemente", explica Jouffret. "De ahí surgió la idea de que esta película tendría un aspecto más sombrío y austero de lo que había planeado originalmente". Con un clima subtropical durante todo el año debido a su posición geográfica en la montaña norte de los Andes y una altitud de 2640 metros sobre el nivel del mar, el cambio de clima y la nubosidad de Bogotá fueron el mayor desafío de Jouffret, ya que mantener la consistencia de la luz exterior significaba largas esperas. El uso de multicámaras fue fundamental para que la producción cumpliera con un ajustado calendario de rodaje: toda la película fue rodada en tan sólo 42 días.
El rodaje en Bogotá
Para sentar las bases para rodar una película de acción de esta escala, que implicaría múltiples cierres de calles, persecuciones de automóviles, disparos y explosiones, los realizadores comenzaron por hablar con funcionarios del gobierno colombiano en junio de 2017. Uno de los permisos especiales más importantes que los cineastas tenían que conseguir era el permiso para el rodaje aéreo en lo que normalmente eran las zonas de exclusión de la ciudad. Como toda la misión estaría monitoreada por drones operados por el equipo Overwatch, implicaba la colocación de cámaras en el aire casi todos los días de rodaje para obtener el metraje de "vigilancia" necesario.
"El gobierno sirvió de gran apoyo durante todo el proceso y fue imprescindible para hacer las cosas que necesitábamos hacer", dice Miguel Tapia, el gerente de locación de Colombia. "Todos querían que fuera un éxito. Me reuní con el presidente en septiembre de 2017 y con otros funcionarios del gobierno hasta llegar a los principales ministros de la ciudad", recuerda el productor ejecutivo Stuart Besser. "Ésta es la primera película basada en los EE. UU. que ha llegado a Bogotá, filmada en el medio de la ciudad, y que no tiene nada que ver con el tráfico de drogas. Eso fue algo sumamente significativo para ellos. Y su entusiasmo al respecto, así como su creciente deseo de promover Colombia y Bogotá como un lugar bueno para rodajes, un lugar amigable para trabajar, así como una ciudad segura, fue vital para que lo consideraran".
Mientras estaban en Bogotá, la película se asoció con la productora local Dynamo, una de las productoras más importantes de Latinoamérica, que proporcionó servicios de producción y equipo para trabajar codo a codo con el equipo estadounidense en todos los departamentos de la película, desde locaciones, seguridad y transporte, a los directores asistentes, peinado, maquillaje y vestuario.
Tanto el entonces presidente colombiano Juan Manuel Santos como el alcalde de Bogotá Enrique Peñalosa extendieron la alfombra roja para los cineastas, incluyendo la cooperación de la policía nacional, la autoridad de tránsito y el ejército. "Fue notable cómo el presidente Santos y su gobierno abrieron la ciudad para nosotros", dice Peter Berg. "Básicamente nos dieron las llaves de la ciudad. Nos permitieron tener acceso en su equivalente a Times Square y cerrarlo durante 10 días y hacer algunas cosas bastante agitadas. El hecho de que pudiéramos utilizar la mismísima ciudad e interactuar con la ciudad real nos ayudó a darle la imagen que estábamos buscando".
Pie pequeño
2018
Duración 96 min.
País Estados Unidos
Dirección Karey Kirkpatrick, Jason Reisig
La noticia de este "humano" le trae la fama y la oportunidad de conseguir a la chica de sus sueños.
Asimismo, provoca una conmoción en la sencilla comunidad de Yetis al preguntarse qué otras cosas pueden existir más allá de su aldea nevada.
Slender Man
2018
Duración 92 min.
País Estados Unidos
Dirección Sylvain White
Reparto Joey King, Annalise Basso, Javier Botet, Julia Goldani Telles, Jaz Sinclair,Kevin Chapman, Michael Reilly Burke, Alex Fitzalan, Kayla Caulfield, Jessica Blank
En verano de 2017, un grupo de cineastas comenzaron a buscar localizaciones en varios pueblos al noroeste de Boston. Estaban preparándose para hacer una película sobre un misterioso ser que todos pensaban conocer bastante, aunque cuando fueron interrogados, todos admitían no saber casi nada de él. Mientras tanto, encontraron un reparto perfecto y crearon un pequeño pueblo realista con casas, instituto, hospital, cementerio y bosques, y así poder adentrarse en el terrorífico mundo de SLENDER MAN.
Una noche durante la producción, los productores, el director y los actores se sentaron alrededor de una fogata virtual para compartir sus miedos y sentimientos sobre este personaje paranormal y hablar sobre cómo el mito se había alimentado de las esperanzas y miedos del siglo XXI.
"Slender Man tiene una altura antinatural y una forma fantasmagórica. Está asociado con la desaparición de personas, casi siempre niños, en áreas suburbanas y bosques, y nadie sabe qué fue de ellos" explica el productor Brad Fischer. "A veces se le puede ver en fotografías. Al principio puede que no lo veas, pero luego lo reconoces de repente en una esquina de la foto. Su aparición se puede comprender como un 'Ten cuidado con lo que pides', una advertencia para todos, pero especialmente para los niños del suburbio que se aburren y se sienten atraídos por el lado oscuro. ¡Pues ahora sí que se van a encontrar de frente con algo que da miedo!".
"Es un tipo alto con traje, pero que no tiene cara" comenta la productora Sarah Snow. "Es una figura de autoridad que va a por ti, y eso puede ser algo espeluznante".
"Creo que la imagen es terrorífica" admite la actriz Julia Goldani Telles, quien interpreta a la cuerda y estable Hallie. "Como no tiene expresión, puedes inventarte lo que quieras que vaya ahí. En la película, todas las chicas tienen un concepto distinto sobre lo que Slender Man es. En internet hay foros sobre lo que cada uno piensa. Se ha convertido en una comunidad, una forma en la que la gente se desquita de sus miedos. Y también los desarrollan. Hay gente que disfruta creando historias. Otros proyectan sus propios miedos. Se convierte en algo obsesivo".
"Siendo una adolescente sin las cosas muy claras todavía, me cuesta encontrar la verdad en este mundo actual en el que es tan fácil estar perdido" continúa la actriz Annalise Basso, quien interpreta a la triste y creativa Katie. "Pienso que Slender Man es una metáfora del peligro de ser consumido por la duda. Las cosas no son blanco o negro, hay muchos grises, pero es complicado navegar por un mundo de grises para una persona que todavía no se ha desarrollado puesto que no puede ver más allá de la niebla. Tienes que estar armado con las herramientas necesarias para sortear toda esa confusión, y eso es muy difícil".
"Slender Man es muchas cosas" explica Jaz Sinclair, quien interpreta a la dulce y sensible Chloe. "Es un tipo en el bosque y es la mítica criatura cuyo objetivo es tu debilidad. No lo puedes atrapar ya que vive dentro de tu cabeza".
"Creo que la gente siente curiosidad por las cosas que no conoce" dice Alex Fitzalan, quien interpreta al popular Tom. "Slender Man es el primer personaje de terror real nacido en internet, algo que me parece genial. Es una creación completamente original que desde el principio ha inspirado muchísimas historias. Es como el Freddie Krueger de nuestra generación. El atractivo reside ahí, que pertenece a nuestra generación y a ninguna anterior".
El actor español Javier Botet interpreta al personaje que da nombre a la película. "Slender Man es como un papel en blanco. Ese es el poder del personaje, ya que puedes verter en él todos tus miedos. Cuando me enteré de que interpretaría a Slender Man estuve encantado, ya que de todo el trabajo que he hecho estos últimos años en terror, he disfrutado mucho cuando algo sólo se insinúa. Me encanta cuando hay algo ahí, sientes que hay algo, pero sólo eres capaz de verlo durante unos instantes. La gente necesita ese espacio para rellenarlo con sus propios miedos".
Slender Man puede que tenga elementos autosugestionados, pero según el productor ejecutivo Louis Sallerson, sin duda bebe de conceptos mitológicos existentes. "Está el flautista de Hamelín y otros cuentos medievales y modernos en los que alguien viene a llevarse a los niños. De alguna forma creo que lo que da más miedo es esencialmente el desgaste de la sociedad. La idea de que algo pueda llevarse a tus hijos, dejarles irreconocibles o directamente sacarlos del mapa de formas en las que no puedes ni imaginar que ha pasado con ellos, no es sólo algo terrorífico para ti, sino para la sociedad en global".
El creador de Slender Man, Eric Knudsen, más conocido como Victor Surge, colaboró con el reparto y cineastas para aportar su visión del personaje. "Describirlo es fácil y difícil al mismo tiempo. Es fácil describir su apariencia y, hasta cierto punto, también lo son sus métodos, pero es imposible describir sus motivos. ¡Ese es el quid de la cuestión! Es como una criatura escrita con código abierto. Puedes añadirle lo que sea que te dé miedo. Y eso creo que es lo que atrae a la gran masa. Crees saber cuáles son las normas, a por quién va a ir o cómo va a ir a por ti, pero entonces puede que dé la vuelta al guion y hago todo lo contrario. Y eso es lo que lo hace tan terrorífico. Es no saber qué es lo que quiere… ni porqué lo que hace".
"No sabemos sus motivos. Si vemos sus acciones como algo terrorífico entonces es algo terrorífico. Si alguien lo ve como algo seguro y bueno, entonces es como ella lo percibe. Quiero que Slender Man esté por encima de estos conceptos, por encima del bien y del mal. Lo horroroso es lo desconocido que es para todos".
"Es como un virus que infecta tu ordenador" añade Joey King, quien interpreta al inadaptado social Wren. "Pero puedes llevar tu ordenador a la Apple Store y ahí te lo arreglan. Se desharán del virus y tu ordenador estará bien. Pero no hay ninguna tienda que se puede deshacer de un virus en tu cerebro. Si vas a un hospital y dices que estás viendo a Slender Man no van a intentar averiguar qué le pasa a tu cerebro, te van a meter en un psiquiátrico, y hagas lo que hagas seguirá estando ahí. Es como un virus del que no te puedes deshacer".
"Me gusta el concepto 'viral', entendido tanto en virus como en algo que se hace viral" añade la productora Sarah Snow. "No puedes librarte de un virus común. Una vez que lo coges, está ahí para siempre. Puede que hayan formas de controlar cómo te afecta, pero no con Slender Man. Una vez que te encuentra, te tiene. Imagínatelo así, Slender Man existe dentro de internet, y hasta que le dejas entrar en tu vida, pertenece sólo al mundo de internet. Una vez has hecho esta conexión con él, se hace real. Pasa a formar parte del mundo real a tu alrededor, de la esencia de tu vida. Ya sea una percepción o sea algo físico, él estará de pie en una esquina de tu habitación".
Orígenes
El personaje de Slender Man fue creado por Eric Knudsen, más conocido en internet como Victor Surge, como parte del concurso del foro de internet Something Awful. "Básicamente, el concurso consistía en coger una foto existente y añadirle algo paranormal" comenta el productor ejecutivo, Louis Sallerson. "No creo que se requiriese un texto, pero Eric se lo añadió de todas formas. Envió dos imágenes y se creó una historia de fondo en la que hubo un incendio en un colegio o biblioteca y nunca encontraron la mitad de los cuerpos. Después escribió otro texto en el que detallaba la experiencia de alguien que había sido abducido por Slender Man. Creo que las palabras exactas fueron, 'sus brazos abiertos nos fascinaron, nos consolaron y nos aterraron al mismo tiempo'"
"Allá por junio de 2009, hubo un hilo en Something Awful llamado '¡Creemos Imágenes Paranormales!'" explica Knudsen. "En ese momento el hilo todavía llevaba poco tiempo, sólo había unas tres o cuatro páginas de entradas. Mientas ojeaba algunas de las entradas y sus imágenes, pensé que eran muy buenas y que yo también podría crear alguna imagen terrorífica. Entonces me puse a crear un personaje y a pensar en qué es lo que me daba más miedo. Me vino a la cabeza el Mad Gasser de Matton, que fue un extraño suceso de histeria colectiva que ocurrió en Illinois a mediados de los años 40. También pensé en videojuegos como Silent Hill. Me imaginaba algo desconocido y muy amenazante acechando en la oscuridad. Y también pensaba en H. P. Lovecraft. Estoy muy interesado en la mitología Cthulth de Lovecraft sobre terrores desconocidos en los que no puedes discernir los motivos. Creé las primeras dos imágenes de Slender Man que estoy seguro casi todo el mundo conoce. Más tarde pensé que no quería crear sólo una imagen, así que escribí un pequeño texto de ficción. Escribí una descripción de la foto, para hacerla más interesante, y la respuesta fue instantánea. A todo el mundo le pareció aterradora pero muy guay, así que continué haciendo entradas. Creo que en total fueron nueve o diez, en las que creé una historia de fondo que enganchó a todo el mundo. Y así empezó a crecer con rapidez el mito de Slender Man".
"Slender Man se hizo tan famoso que se convirtió en viral. Hay algo sobre él que es incontrolable y que de alguna forma pertenece a internet" observa la productora Sarah Snow.
La Historia/Los Personajes
"Es una historia típica sobre cuatro chicas que se interesan por Slender Man y acaban cayendo por la madriguera del conejo" explica el director Sylvain White. "La noche empieza con una fiesta de pijamas normal, una reunión de chicas como muchas otras, pero esta noche van a intentar hacer algo que han oído que harán los chicos, la absurda idea de conjurar a Slender Man en internet. Curiosas, siguen todos los enlaces pero sin darle mucha importancia. Es sólo otra noche divertida, y después de ver el extraño video no tienen ni idea de que ya son víctimas de las consecuencias".
"Unas semanas más tarde, las cuatro amigas Hallie, Wren, Chloe y Katie, van de excursión con el colegio a un viejo cementerio" continúa el productor Brad Fischer. "Katie se comporta de manera extraña y acaba desapareciendo, y es durante la búsqueda de su amiga que el resto de chicas empiezan a creer que Slender Man podría estar detrás de todo. Y entonces ellas también empiezan a caer por la misma madriguera que su amiga".
"La historia trata sobre la relación entre estas chicas, cada una con distinta personalidad y sentimientos que las llevarán a creer en Slender Man y a caer en sus manipulaciones" explica Julia Goldani Telles, quien interpreta a la sensible Hallie. "Trata sobre la lucha de cada chica consigo misma y con el resto mientras intentan descubrir qué es real y qué es mentira. Trata sobre la histeria colectiva, sobre como un lenguaje secreto del subconsciente puede llevar a creencias histéricas que se originan en tu cerebro".
"Las cuatro amigas deciden invocar a Slender Man una noche. Es algo que se parece a la Ouija y ellas piensan que no funcionará" observa Joey King. "Por supuesto, una semana más tarde cosas extrañas empiezan a ocurrir. Dan mucho miedo y ocurren de forma gradual, ya que no queríamos impactar a la audiencia tanto en los primeros 20 minutos de película. Se ve a cuatro grandes amigas cuyos mundos se desmoronan mientras son presas del pánico".
"Las chicas se conocen desde hace mucho tiempo. Crecieron en un pequeño pueblo industrial del este de Estados Unidos que tuvo su apogeo en los años 50 y 60, pero que ahora está algo abandonado" explica el director Sylvain White. "Tiene una alta tasa de desempleo. Es un pueblo en apuros, y vemos como esta generación de niños crece en ese entorno. Lo que les une y su objetivo principal es salir del pueblo en busca de algo mejor. El aburrimiento del entorno les empuja a buscar cosas más emocionantes, y es esta curiosidad la que les conduce a Slender Man y a su verdadero destino".
Slender Man/Javier Botet
"Slender Man es un ser muy alto con brazos muy largos que aparenta llevar traje y corbata"explica el productor Brad Fischer. "Aunque no tiene cara ni facciones sabes perfectamente cuándo te está mirando, lo que creo que es lo que lo hace más terrorífico. También tiene tentáculos que le salen por la espalda, lo que hace que cuando se acerca a ti parezca que está colgado de una horca".
"En general a Slender Man se le conoce por ser sólo un hombre con traje" dice Sylvain White. "Aunque existen algunas teorías que dicen que vino de otra dimensión o reino ya que hay algo en él que parece de otro mundo, y yo prefiero pensar eso que la simple idea del tipo con traje. De hecho, creo que es muy interesante que al final se revele que en realidad eso no es un traje, es algo distinto".
"La representación de Slender Man en la película entra dentro de la imagen que siempre he tenido de él" dice Knudsen. "Como se encuentra en la periferia de tu consciencia o percepción, puede parecer un simple hombre con traje. Es un poco alto, pero cuanta más atención le prestas e interaccionas más directamente con él, más aparente se hace su verdadera naturaleza. Así que, al igual que en la película, una vez te involucras del todo y te encuentras cara a cara con Slender Man, puedes ver el verdadero terror. Así es como lo retraté. Un hombre con traje representa la estructura de poder que tenemos hoy en día, el patriarcado, una estructura social orientada al hombre. Puede que cuando Slender Man apareciese en el pasado tuviese una apariencia distinta. Igual en la Edad Media aparecía con atuendo de monje, o en Japón con armadura de samurái, cualquier cosa que representase la autoridad, o una autoridad amenazante".
"Cuando buscamos quién interpretaría a Slender Man queríamos a alguien muy alto y delgado, aunque por supuesto eso no era todo" explica Sylvain White. "Queríamos a alguien que fuese capaz de crear el personaje a través del movimiento y su cuerpo. Y no hay nadie mejor que Javier Botet para expresar ese tipo de morfología que buscábamos. Es un artista increíble capaz de transmitir con su cuerpo de forma única, al mismo tiempo que retrata una personalidad específica. Nos decía que creía haber nacido para interpretar este papel, y eso nos lo tomamos muy en serio".
"Lo primero de todo es que Javier es un increíble actor con un gran control sobre su cuerpo"observa el productor Brad Fischer. "Habiendo interpretado a otras criaturas en el pasado, tiene una buena relación técnica con la cámara y un entendimiento intuitivo de lo que necesita hacer para traer a la vida a un personaje tan complicado de la forma más terrorífica. No es tan simple como ser maquillado y plantarse delante de la cámara. Es un proceso muy riguroso que requiere mucha disciplina y estamos encantados de tener a Javier. Conseguirle a ha sido en realidad uno de nuestros mayores logros".
"Cada monstruo es un reto distinto" confiesa Botet, quien The Hollywood Reporter nombró el monstruo más buscado desde Boris Karloff. "Como todos los personajes, es siempre distinto en muchas formas. Tratas de entender el trasfondo del monstruo porque cada uno te afecta de forma distinta. Algunos personajes son agresivos y violentos. Algunos tienen más miedo de ti que tú de ellos, como un animal que defiende su espacio. Y otros personajes, como por ejemplo Slender Man, son más fluidos. Tiene mucho estilo, es frío y fluye mucho en nuestras mentes. No tiene miedo porque él es el miedo. Él es otra dimensión. Está en tu mente. Así que intento no titubear con sus movimientos, pero tampoco aproximarme de forma violenta, porque él no es una criatura violenta. No muevo nada las piernas porque no necesito estar en posición ofensiva, no necesito saltar rápidamente y no necesito escapar. Y a medida que crece el miedo de los protagonistas, la energía que recibe es mayor".
Botet interpreta y crea el personaje prácticamente sin ayuda de efectos especiales. "Me encanta cuando los efectos especiales ayudan a la interpretación, no cuando los efectos son todo. Slender Man está creado en su mayoría con mi actuación, cuerpo, traje, maquillaje y prótesis (creadas por Adrien Morot y su equipo). Pero los tentáculos por ejemplo están hechos en gran parte por ordenador. Podrías intentar hacerlos de forma real, pero creo que sería una locura mover tantos tentáculos".
"La apariencia de Javier es terrorífica" dice Joey King. "Cuando le conoces es un tío muy majo, un encanto. Ya de por sí tiene una gran presencia, es un hombre muy, muy alto y muy, muy delgado. Y ya cuando se pone el disfraz, se te hielan los huesos. Tiene unos dedos súper largos y mueve el cuerpo de una forma que me dan escalofríos y me tiemblan hasta los huesos".
"Fue muy emocionante para mí dar con el diseño de Slender Man" confiesa Sylvain White. "Así que le puse muchas ganas y esfuerzo. Investigué mucho y junto con un artista conceptual cogimos mis ideas y les dimos forma. Una vez alcanzamos un concepto con el que estaba contento hablamos con el equipo de Adrien Morot y empezaron a trabajar en la reproducción de nuestro concepto artístico".
El Director Sylvain White
"Sylvain es fantástico contando historias de forma visual" comenta el productor Brad Fischer. "Hay una tendencia dentro de este género de películas por esforzarse el mínimo, asustar a la gente sin más. Pero Sylvain quiere sobresalir, algo que no debería ser la excepción a la regla. Tiene grandes ambiciones en esta película y creo que al final ha dado sus frutos. Lo que podría haber sido un trabajo de efectos visuales, él lo hace funcionar en cámara, y eso creo que ayuda enormemente a asustar a la gente de verdad".
"Sylvain creó un video de demostración específico para este proyecto que nos mandó y nos pareció brillante" recuerda la productora Sarah Snow. "Uno de los grandes retos a los que nos enfrentamos al buscar director fue encontrar a alguien que entendiese a Slender Man de verdad y pudiese representar lo terrorífico que es. Sólo al ver el video de demostración, entendimos inmediatamente que Sylvain entendía a Slender Man".
"En cuanto a la imagen y sensación de la película, hemos hecho lo posible por alejarnos de la típica estética del género" dice Sylvain White. "He intentado darle un aire europeo, casi indie, pero al mismo tiempo manteniendo la esencia de terror puro. Así que he intentado balancear las dos cosas. La colaboración con Luca Del Puppo, que es europeo como yo, ha sido determinante para darle este aire. Intentamos abordar el problema de lado, no de frente, y hemos sido capaces de crear algunos encuadres muy interesantes que podrían considerarse algo artísticos para este género, pero hemos seguido por esa línea y estamos muy contentos con el resultado. Hemos comprendido que la película es oscura pero al mismo tiempo preciosa. Hay un punto de surrealismo importante y la principal referencia para mí, en términos de cómo veía la película desde el principio, es un antiguo cortometraje de Luis Buñuel en el que colabora con Salvador Dalí llamado Un Perro Andaluz. Ese fue mi mayor referente visual para esta película".
"Era importante para nosotros, y en especial para Sylvain, que la película pareciese real, no como Scream con sus mansiones en suburbios de clase alta" comenta el productor ejecutivo Louis Sallerson. "Era importante que los personajes pareciesen americanos normales, que representasen problemas de la vida cotidiana, porque vemos a Slender Man como una vía de escape para estos personajes, una bastante oscura, pero una vía de escape al fin y al cabo".
"Me encantó la idea de que el rodaje fuese a tener lugar en Nueva Inglaterra" confiesa Knudsen. "He llegado a pensar que Nueva Inglaterra está llena de terrores interdimensionales". H. P. Lovecraft, una de las inspiraciones de Knudsen, vive en Providence.
Sangre blanca
Duración 96 min.
País Argentina
Dirección Bárbara Sarasola-Day
Reparto Eva De Dominici, Alejandro Awada
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