El repostero de Berlín
2017
Duración 104 min.
País Alemania
Dirección Ofir Raul Graizer
Reparto Zohar Shtrauss, Sarah Adler, Tim Kalkhof, Roy Miller, Stephanie Stremler,Tagel Eliyahu, David Koren, Sagi Shemesh, Gal Gonen, Tamir Ben Yehuda,Sandra Sadeh, Eliezer Shimon, Iyad Msalma
Localizado en un melancólico Jerusalén, y basado en una experiencia personal, EL REPOSTERO DE BERLÍN nos habla de personajes que desean dejar de lado su nacionalidad, sexualidad y religión, en una historia llena de amor a las personas, a la vida, a la comida y al cine. EL REPOSTERO DE BERLÍN es mi historia. La película viaja de Berlín a Jerusalén, de este a oeste, del pasado al presente. En este viaje a Israel Thomas, que busca una cura para una pérdida personal, encontrará un conflicto interior religioso, pero también secular. El tema del kosher, la importancia del Shabbat o el lugar que tienen la tradición dentro de la sociedad secular se convierten en una barrera para la absolución de Thomas, le llevan a dudar de cada aspecto de sí mismo y le proporcionan nuevas perspectivas de sus recuerdos amorosos. La cura metafórica a la herida provocada por esa tragedia personal es la repostería. Se convierte en un acto sensual, visual y erótico que me transporta a la infancia y la vida familiar con el aroma de la levadura inundando la casa los viernes por la mañana. Para los judíos la acción de hacer pan tiene un significado especial en recuerdo de la época del hambre. Además el Judaísmo conlleva todo un sistema de reglas para hacer pan que definen lo que está permitido y lo que está prohibido. Thomas y Anat deben desafiar esas reglas y, además, desafiar su entorno para sobreponerse al dolor y a la furia y encontrar el sendero hacia el perdón y la reconciliación.
Entrevista con el director
P: EL REPOSTERO DE BERLÍN es una historia muy íntima pero con un gran mensaje político ¿Por dónde empezaste cuando te proponías escribir el guión?
R: Las ideas para las películas, normalmente, me vienen de un enfado o una frustración personal respecto a un tema político, religioso o social. EL REPOSTERO DE BERLÍN fue para mí una historia muy personal sobre gente corriente en una realidad en la que el aspecto político no les afecta directamente en su día a día pero sí está presente y de alguna manera les acaba salpicando. Esto es algo que conozco por mi propia experiencia: mi padre es muy religioso pero mi madre no, así que crecí en medio de estas dos identidades y están muy presentes en mi vida hasta el día de hoy. Pero no quería que esto fuera por delante ya que lo que realmente es importante en la historia es la tragedia íntima y personal de estas tres personas.
Esta realidad religiosa y política es algo esencial en la vida. Ser judío o secular en Jerusalén o ser alemán en Israel, ser gay o ser gay en una familia religiosa… siempre quise contar una historia sobre gente que no quiere que la definan por su identidad política, sexual o nacional. A esta gente le gustaría decir: “me da igual esta identidad; soy quien soy. Quiero amar a alguien porque necesito estar cerca de esa persona y no porque sea homosexual o heterosexual”.
Entrevista con el director
P: EL REPOSTERO DE BERLÍN es una historia muy íntima pero con un gran mensaje político ¿Por dónde empezaste cuando te proponías escribir el guión?
R: Las ideas para las películas, normalmente, me vienen de un enfado o una frustración personal respecto a un tema político, religioso o social. EL REPOSTERO DE BERLÍN fue para mí una historia muy personal sobre gente corriente en una realidad en la que el aspecto político no les afecta directamente en su día a día pero sí está presente y de alguna manera les acaba salpicando. Esto es algo que conozco por mi propia experiencia: mi padre es muy religioso pero mi madre no, así que crecí en medio de estas dos identidades y están muy presentes en mi vida hasta el día de hoy. Pero no quería que esto fuera por delante ya que lo que realmente es importante en la historia es la tragedia íntima y personal de estas tres personas.
Esta realidad religiosa y política es algo esencial en la vida. Ser judío o secular en Jerusalén o ser alemán en Israel, ser gay o ser gay en una familia religiosa… siempre quise contar una historia sobre gente que no quiere que la definan por su identidad política, sexual o nacional. A esta gente le gustaría decir: “me da igual esta identidad; soy quien soy. Quiero amar a alguien porque necesito estar cerca de esa persona y no porque sea homosexual o heterosexual”.
P: ¿Cómo encontraste a los actores?
R: Hace seis años ya supe que quería trabajar con Sarah Adler y con Zohar Strauss y Sandra Sade, todos ellos actores muy conocidos en Israel. Tenía sus fotos en mi escritorio como inspiración. Me llevó casi ocho años terminar la película y cuando ellos aceptaron participar en ella fue como un sueño hecho realidad. Para el papel de Thomas estuve buscando actores mucho tiempo e incluso tuve dos que encajaban con el papel pero no se sentían cómodos interpretándolo. Hasta que por casualidad, a través de internet, di con Tim Kalkhof, hicimos dos audiciones y se decidió. Tenía buenas vibraciones con él. Era evidente que tenía mucho talento. No es una gran estrella pero seguro que lo va a ser. Verdaderamente comprendió lo que yo estaba buscando.
P: Las partes rodadas en Berlín son muy distintas a las que suceden en Jerusalén desde un punto de vista estilístico y emocional ¿cómo lo hiciste?
R: Cuando Thomas llega a Jerusalén viene de un lugar muy triste y melancólico. Pero al colarse en la vida de Anat es como si ella le diera una nueva oportunidad ya que encuentra un lugar y una familia en la que es bienvenido y en la que le permiten ser creativo y elaborar sus dulces. Es una alternativa a la fría y cuadriculada vida alemana. Además, la forma en que rodamos la película en Alemania estaba mucho más estructurada y utilizamos cámaras y lentes distintas a las utilizadas en Israel, donde todo era mucho más alocado e improvisado.
P: Un aspecto muy interesante en tu película son los planos largos. Podemos incluso intuir cuando la mayor parte de directores cortarían pero tu mantienes el plano uno o dos segundos mas, lo que es crucial para la forma en que percibimos a los personajes en su soledad ¿Por qué lo hiciste así?
R: Me gusta planear las cosas y que los personajes se muevan por donde yo les digo. Pero también me gusta mucho el aspecto documental. Siempre tenía la lucha entre si lo que quería obtener debía ser más comercial o más de autor. Para mí estos planos ofrecían la posibilidad de acercarnos a los personajes de una manera documental aunque estuviesen colocados en un escenario en el que todo estuviera planeado. Era una estrategia para convencerme de no pensar en la película en términos comerciales o de autor. Lo mejor era hacerlo según mi propio instinto. Ese instinto me decía que todo estaba listo así que mejor no parar ni cortar sino tomarnos el tiempo que fuera necesario. En el montaje me encontré con que también teníamos la opción de cortar pero quedaba bien tal y como yo lo tenía en mente. Me siento orgulloso de haber conseguido pelearlo y mantenerlo.
P: Respecto a la paleta de colores utilizada en la película, hay un equilibrio entre un uso realista y un uso estético ¿Cómo fue el trabajo con el director de fotografía?
R: Conocí a Omri Aloni, mi director de fotografía, en la escuela de cine. Hicimos dos cortos juntos y trabajamos en la misma dirección. Quise crear a través de los colores y de otros recursos un cambio en el punto de vista de la película, comenzando con colores que mostraran el romanticismo de la historia de amor del protagonista para después hacer un cambio brusco con su llegada a Jerusalén. Allí todo es frío, abrupto y granulado. Pero Jerusalén poco a poco empieza a ser parte de la vida de Thomas y la realidad también empieza a cambiar para el personaje de Amat, cuya vida se vuelve más agradable, colorida y vibrante aunque permanezcan algunos recuerdos oscuros. En los flashbacks que nos llevan de vuelta a Alemania aparecen colores cálidos y eso me encanta. He tenido la suerte de poder rodar con diferentes cámaras en Berlín y en Jerusalén con lo cual ha sido perfecto para conseguir los distintos efectos del montaje final.
P: También haces un uso del zoom que en los primeros 20 minutos se centra en el protagonista para luego detenerse. Media hora después aparece de nuevo ese zoom ¿por qué?
R: Para mí el zoom es una de las herramientas más sorprendentes en el cine. Es puramente cinematográfico. No lo tienes en ningún otro arte, únicamente en el cine, sobre todo en los clásicos italianos de la década de los 70. En la época dorada del cine italiano, los grandes cineastas allí utilizaban el zoom continuamente y creo que nunca volveremos a ver películas como aquellas. El zoom llega desde lejos para meterse en los personajes, en sus ojos y en su alma en una única toma. Siempre que hay un momento en el que el personaje está saliendo de su zona de confort aparece un zoom. Son momentos en los que el personaje muestra una cierta comprensión de la realidad. Esto es para mí el momento más sorprendente en el que poder utilizar esta preciosa herramienta. Me encanta.
Biofilmografía de Ofir Raul Graizer
Ofir Raul Graizer es un director de cine Israelí. Tras trabajar durante años en diferentes sectores completamente distintos decidió estudiar cine en Sapir College, al sur de Israel. Mientras estudiaba dirigió varios cortos que se presentaron en numerosos festivales y por los que recibió elogios a nivel mundial. Tras graduarse co-dirigió “La Discoteque”, proyectada en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes y en otros muchos festivales internacionales. En paralelo, ha participado en talleres cinematográficos para Agora Film Market, el Nipkow Program o Berlinale Talents entre otros. EL REPOSTERO DE BERLÍN es su primer largometraje. Actualmente vive entre Alemania y Jerusalén, dando clases de cocina de oriente medio y trabajando en sus próximos proyectos cinematográficos.
La Discotheque (2015) - Cortometraje
Minyan, the gathering of the ten (2015) - Video Documental Experimental
Dor (2009) - Cortometraje
A Prayer in January (2007) - Cortometraje
Festivales y Premios
– 9 Nominaciones Festival de Cine Israelí 2018
Incluyendo Mejor Película y Mejor Director
–
Festival de Karlovy Vary: East of the West – Premio Especial del Jurado
– Selección “Culinary Zinema” Festival de Cine de
San Sebastián 2017
– Festival de Cine Judío de Berlín: Ganadora Mejor
Película y Mejor Director
– 2 Nominaciones: Festival de Cine de Chicago
– Festival de Cine de Montreal: Ganadora Premio
del Jurado Mejor Director
– Festival de Cine de Jerusalen: 2 Premios
incluyendo Mejor Director
Dijo la prensa :
“Una clase magistral de un extraño lirismo.”
Jeannette
Catsoulis: The New York Times
“Una interesante reflexión sobre la sexualidad, la
religión y las relaciones humanas.”
Alejandro Sosa: Cine Premiere
“Peculiar drama intimista que cuenta con aparente
discreción una historia transgresora con una puesta en escena aparentemente
funcional y la solidez interpretativa de sus protagonistas.”
Alberto Bermejo: Diario El Mundo
“Graizer demuestra con este sencillo drama que no
se precisan ingredientes exóticos para completar un buen plato. En su debut,
rompe tópicos del cine romántico y culinario. Puntuación: 4(sobre 5)”
Federico Marín Bellón: Diario ABC
“Aunque el dolor por la pérdida y los secretos que
la muerte hace aflorar son ingredientes dramáticos algo clichés, es la
habilidad al usarlos lo que otorga a ‘El repostero de Berlín’ un sabor
distintivo.”
Nando Salvá: Diario El Periódico
Kerem, hasta la eternidad
2018
Duración 105 min.
País Turquía
Dirección Çagan Irmak
Reparto Engin Akyürek, Hilal Altinbilek, Serif Sezer
Kerem, arquitecto e hijo de una familia de clase alta de Estambul, está casado con Yeşim. Su mayor tristeza es no poder tener un bebé. Luego de varios intentos para que su esposa pueda concebir, ambos –totalmente desesperanzados – encaran un viaje. Pero de camino ocurrirá algo que lo hará experimentar situaciones dramáticas que cambiará por siempre su vida.
Sobre Engin Akyürek
Nació el 12 de octubre de 1981 en Ankara, Turquía. Es un actor turco que logró gran notoriedad entre 2010 y 2012 por su papel de Kerim en la novela que presentó Telefé en Argentina: “¿Qué culpa tiene Fatmagül?”, que batió todos los records de rating durante el 2015; y por interpretar a Omar en “Kara Para Aşk”, papel por el que ganó varios premios como el galardón a Mejor actor en el Seoul International Drama Awards 2015 y la nominación a Mejor actor en los Premios Emmy Internacional, que se llevan a cabo en New York, Estados Unidos. Dedicado también a la literatura, escribe artículos para la revista Kafasına Göre.
Se graduó de la Universidad de Ankara en 2002, donde se especializó en Lenguas e Historia, y trabajó durante varios años como profesor hasta que se dio cuenta de que su pasión era actuar. Su carrera profesional en la actuación se inició luego de su participación en el reality de talentos de 2004, “Estrellas de Turquía” (Türkiye’nin Yıldızları) donde quedó en el primer lugar y le dieron un rol en la serie “Yabancı Damat”. En el 2007 actuó en la obra de teatro “Romantika”, en la que interpreta el rol principal: Ceto.
Engin Akyürek tiene numerosos fans en Turquía, pero también en Oriente Medio, Asia Cercano e incluso América Latina.
Filmografía:
2004-2007: Yabancı Damat (Serie de televisión)
2006: Kader (Película)
2007-2008: Karayılan Nizipli (Serie de televisión)
2009: Bir Bulut Olsam (Serie de televisión)
2010-2012: Qué culpa tiene Fatmagül? (Serie de televisión)
2014: Bi Küçük Eylül Meselesi (Película)
2014-2015: Kara Para Aşk (Serie de televisión)
2017: Ölene Kadar (Serie de televisión)
2018: Kerem, hasta la eternidad (Película)
Acerca del director
Çağan Irmak (nacido el 4 de abril de 1970 en Esmirna, Turquía) es un director de cine turco, también productor y guionista. Se graduó en la universidad del Egeo en el Departamento de Radio, TV y Cine.
A pesar de su corta edad, logró captar el interés en su país por las series de televisión “Çemberimde Gül Oya” y “Asmalı Konak”, y por las películas “Mustafa Hakkında Herşey”, “Babam ve Oğlum” y por “Issız Adam”.
Filmografía:
2001: Bana Şans Dile
2004: Mustafa Hakkında Herşey
2005: Babam ve Oğlum
2007: Ulak
2008: Issız Adam
2009: Karanlıktakiler
2010: Prensesin Uykusu
2011: Dedemin İnsanları
2013: Tamam mıyız?
2014: Unutursam Fısılda
2015: Nadide Hayat
Nadide Hayat (2015)
Benim Adım Feridun (2016)
Çocuklar Sana Emanet (2018)
Latidos en la oscuridad
2018
Duración 110 min.
País Estados Unidos
Dirección Dean Devlin
Reparto David Tennant, Kerry Condon, Jacqueline Byers, Robert Sheehan, Lisa Brenner,Carlito Olivero, Delpaneaux Wills, Chris Ihlenfeldt, Tony Doupe, P.E. Ingraham
Una pareja de ladrones da con una mujer que está secuestrada en una casa que intentan robar.
Cenicienta y el príncipe oculto
2018
País Estados Unidos
Dirección Lynne Southerland
La educación del rey
2017
Duración 96 min.
País Argentina
Dirección Santiago Esteves
Reparto Germán de Silva, Jorge Prado, Mario Jara, Matías Encinas, Martín Arroyo,Walter Jakob, Esteban Lamothe
Festivales internacionales
San Sebastian IFF 2017. Horizontes Latinos.
Sao Paulo IFF 2017. New Directors Competition.
Pyngyao IFF 2017. Crouching Tigers Competition.
La Havana IFF 2017. Concurso de Óperas primas.
Palm Spings IFF 2018. Iberoamerican Competition.
Chicado Latino FF – Official Selection.
Toulouse Cinelatino IFF – Official Selection.
Bafici IFF 2018 – Óperas Primas.
MOOOV IFF 2018 (Bélgica) – Iberoamerican Selection.
Palabras del director
“La película es un relato de iniciación dentro de la clase armada de nuestra época: los guardias de seguridad y los ladrones. Filmada en la ciudad de Mendoza, atravesada por el desierto y los cerros, toma elementos del policial y del western. Pero sobre todo, intenta poner en escena la relación entre un hombre al final de su camino y otro que recién empieza a transitarlo”.
Sobre el director
Santiago Esteves nació en Mendoza en 1983. Licenciado en Psicología, estudió
Dirección en la Universidad del Cine, al tiempo que trabajaba como montajista junto a directores como Pablo Trapero, Mariano Llinás y Juan Villegas, entre otros.
Escribió y dirigió los cortometrajes Los crímenes (Mejor Cortometraje Iberoamericano en Huesca 2011) y Un sueño recurrente (Bafici 2013). La educación del Rey, su ópera prima, ganó el Premio Cine en Construcción en el Festival de San Sebastián en 2016, y fue estrenada en la sección Horizontes Latinos del mismo festival en 2017, iniciando un extenso recorrido internacional.
Dijo la crítica extranjera
“Una potente combinación de policial y relato social, de melodrama y thriller”.
LE MONDE – FRANCIA
“Delicado e intenso, una bella lección de educación”.
LE FIGARO – FRANCIA
“Un thriller potente y árido como el paisaje donde se desarrolla”.
LA VANGUARDIA – ESPAÑA
“Germán De Silva, espléndido”
PREMIERE – FRANCIA
“Santiago Esteves, un nuevo talento a seguir”.
L’OBSERVATEUR – FRANCIA
Mi mejor amigo
2017
Duración 90 min.
País Argentina
Dirección Martín Deus
Reparto Angelo Mutti Spinetta, Lautaro Rodríguez
necesita para romper los estrictos moldes en su cabeza y dejar fluir sus instintos y pasiones más reprimidas.
Elenco
ANGELO MUTTI SPINETTA
(Primavera / Un viaje a la luna / Anagramas)
LAUTARO RODRÍGUEZ
(Este es su real debut actoral y cinematográfico. Es un talentoso tatuador y luchador de artes marciales mixtas de zona Sur del Gran Buenos Aires. Fue descubierto y elegido por el propio Martín Deus para protagonizar la película. Luego formó parte del elenco del largometraje Acusada (con Lali Espósito) y del de Simona en TV.
MORO ANGHILERI
(Aballay / Buena vida delivery / El pasado / Ronda Nocturna / Sábado /
Medianeras / Lifting de corazón)
GUILLERMO PFENING
(Wakolda / Nacido y criado / Paco / El resultado del amor / No te enamores de mí /El patrón / Radiografía de un crimen/ Nadie nos Mira)
Recorrido de Festivales y premios:
2018 — Roze Filmdagen | Amsterdam LGBTQ Filmfestival (noche de apertura)
OUTshine Film Festival, Miami
33 Lovers Film Festival, Torino
Puerto Rico Queer Film Fest
Cine Las Américas International Film Festival, Austin
Cannes Écrans Juniors 2018 (ganador del 1er premio)
Frameline 42, San Francisco
OutFilm, 31st Connecticut LGBT Film Festival
Premio Sebastiane Latino
Dicho premio es entregado en el marco del Festival de San Sebastián a aquella película latina que mejor haya representado la diversidad sexual y de género durante el año.
La película se encuentra entre las cinco nominadas a obtener el galardón.
Acerca del director
Martín Deus nació en La Plata, Argentina. Es egresado de la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños, Cuba. Con sus cortometrajes (Amor Crudo, El Prisionero, La Escala Benzer, Nocturno, Besos sin Futuro) ha participado en más de cincuenta festivales del mundo, entre los que se destacan el Festival de Sundance, Clermont Ferrand, Biarritz, Seattle, Sapporo, Bafici y Mar del Plata. Ha ganado premios en el festival Reeling de Chicago, en el FLRV de Rosario y en Telefé Cortos.
Sus videoclips para bandas como Tan Biónica, Bersuit Vergarabat, Bahiano o El Otro Yo suman en total más de cuarenta millones de visitas.
Es profesor de guión en la Universidad del Cine. En 2015 inició su carrera de
dramaturgo y director teatral con Los Enanos, obra que estuvo cinco meses en cartel en el circuito off porteño y que fue vista por más de mil espectadores.
Sobre las productoras
Pensa&Rocca Cine es una compañía cinematográfica proveedora de servicios y equipamiento para la producción de largometrajes. Nace en el año 2001, con la producción de su primera película “Arizona Sur”, co-dirigida por Miguel A. Rocca y Daniel Pensa; socios fundadores de la empresa.
Desde entonces lleva realizados más de 13 largometrajes de ficción, los cuales han recorrido algunos de los festivales más importantes del mundo. Pensa&Rocca ha trabajado en co-producción con países como Brasil, Uruguay, Venezuela, Alemania y España; con este último en cinco oportunidades.
De entre sus últimas producciones se destacan “Maracaibo” (Dir. Miguel A. Rocca, 2017), “Mi Mundial” (Dir. Carlos Morelli, 2017), “Colonia Dignidad” (Dir. Florian Gallenberg, 2016), “Boca de Pozo” (Dir. Simón Franco, 2014), “Caídos del Mapa” (Dir. Nicolás Silbert y Leandro Mark, 2014), “Carne de Neon” (Dir. Paco Cabezas, 2011) y “La Mala Verdad” (Dir. Miguel A. Rocca, 2011); premiada por el público en el Festival de Málaga.
Pensa&Rocca también ha producido al reconocido director Eliseo Subiela, en sus películas “Lifting de Corazón”, “Rehén de Ilusiones” y “No Mires Para Abajo” que obtuvo premios a mejor dirección y mejor película en los Festivales Internacionales de Leidla, Madrid, Montereal y Guadalajara.
Oh My Gómez nació en Buenos Aires en 2007, proyecto de un grupo de amigos muy distintos entre sí pero con ganas de hacer buen cine. Hoy es una compañía aún joven que cree en encontrar modelos de cine sustentable y talentos con proyección internacional, y la diversidad sigue siendo su marca distintiva.
Su primer largometraje hecho de forma independiente, PLAN B -Opera Prima de Marco Berger- fue presentado en las selecciones oficiales de varios festivales internacionales, como el Festival Internacional de Cine de Roma, el London BFI, Toulouse Film Fest y Festival de Cine de La Habana. Con AUSENTE llega el primer premio internacional: el Teddy Award en el Festival de Berlin de 2011. En MARIPOSA, estrenada en Panorama de Berlinale 2015 y premiada en el Festival de San Sebastián del mismo año con el premio Sebastiane Latino, comienza el trabajo en conjunto con el INCAA.
Hoy Oh My Gomez, dirigida por Pablo Ingercher, Ramiro Pavón y Mariano Contreras continúa trabajando en proyectos largos y cortos, comerciales e independientes que mantienen el foco en proyectos audiovisuales que apoyan la diversidad sexual y la inclusión en todas sus facetas.
Palabras del director
Mi Mejor Amigo trata de la mirada piadosa de un adolescente correcto y educado sobre un chico de su edad que no ha tenido la misma suerte en la vida y que, si nadie le da una mano, va camino a la autodestrucción. San Francisco domesticando al lobo. Pero también el lobo encendiendo la chispa del instinto salvaje y rebelde en San Francisco.
Vivimos tiempos en los que la sociedad apunta más que nunca su riguroso dedo acusador hacia aquellos jóvenes de clase humilde, que no estudian ni trabajan, tienen problemas de conducta o, en casos extremos, conflictos con la ley. Esta película busca ir más allá del cuestionamiento ético, del retrato social, para cavar hacia el núcleo emocional de una familia que tuvo que emigrar al Sur para sanarse, pero que no deja de reencontrarse con ovejas negras de su propio rebaño.
¿Cómo invocar justicia o castigo cuando el culpable es de los nuestros?
¿Cómo ponerse en la piel de los que se portan mal?
Mi Mejor Amigo es también una historia sobre el conmovedor proceso de autoaceptación por el que todo chico tiene que pasar para ser feliz. Me interesa plantear cómo en un contexto de apertura ideológica y mayor aceptación de la diversidad sexual, sentirse distinto sigue provocando resistencias, crisis existenciales. Asumirse como lo que se es, convivir con eso y llegar a disfrutarlo, sigue siendo una lucha contra uno mismo y un ritual de iniciación inevitable y desbordante de emociones.
Sobre los personajes
Lorenzo es un adolescente que termina su secundaria en un pueblo del sur de la Patagonia, donde vive una vida tranquila. Es un buen hijo y alumno aplicado que vive con sus padres y su hermano. Un día su padre acerca una noticia que rompe con la rutina familiar: un viejo gran amigo porteño está pasando un mal momento. Uno de sus hijos acaba de ser internado en terapia intensiva y por lo tanto le pide por favor alojen a Caíto, su otro hijo, por un tiempo mientras solucionan su situación.
Caíto viaja al sur y se muda a la casa de Lorenzo. Tienen casi la misma edad, y el padre le encarga a Lorenzo la tarea de acompañar y ayudar a Caíto a acomodarse, a la vez que estar atento a él, ya que no lo conocen aún…
Caíto demuestra en poco tiempo que no es alguien fácil, ni dócil, y un día le confiesa a Lorenzo la verdadera razón por la cual tuvo que dejar su casa…
Una historia que acompaña la adolescencia de alguien estructurado que encuentra en su polo opuesto un impulso para atreverse a dar grandes pasos en la vida, en lo emocional y hasta en el descubrimiento del sexo.
24 cuadros
2017
Duración 114 min.
Abbas Kiarostami
Biografía de Abbas Kiarostami
Abbas Kiarostami nació en Teherán en 1940 y cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes. En 1969, fundó el departamento de cine en el Instituto para el desarrollo intelectual para niños y adultos jóvenes, de donde surgiría posteriormente la Nueva ola iraní. Fue el productor de prácticamente todas sus películas hasta 1992, incluyendo su primer cortometraje Nan va Koutcheh (The Bread and Alley) en 1970 y su primer largometraje Mossafer (The Traveller) en 1974. Llamó la atención del público con su trilogía: ¿Dónde está la casa de mi amigo? (Khane-ye doust kodjast?), 1987, Zendegi va digar hich (Life an Nothing More…), 1992, y Detrás de los olivos (Zire darakhatan zeyton), 1994, en Competición en el Festival de Cannes. Con El sabor de las cerezas (Ta’m e guilass) recibió la Palma de Oro en 1997 y con El viento nos llevará (Bad ma ra khahad bord) ganó el Premio especial del jurado en Venecia en 1999. Regresó a Cannes en Competición con Diez (Ten), 2002, Copia certificada (Copie conforme), 2010, que valió un premio de interpretación a Juliette Binoche, y Like Someone in Love, 2012. La obra de Kiarostami es multifacética: sus fotos e instalaciones de video se exhiben en todo el mundo y sus poemas han sido traducidos a diez idiomas. También dirigió la puesta en escena de Tazieh, en el Teatro di Roma en 2003, así como la ópera Cosi fan Tutte con motivo de la 60ª edición del Festival d’Aix-en-Provence. Por otra parte, durante diez años, animó talleres de creación cinematográfica para jóvenes artistas. Murió en París el 4 de julio de 2016, a sus 76 años.
Filmografía seleccionada
1970: El pan y la calle (Nân va kuché / Bread and Alley – Irán – 10’)
1972: El recreo (Zang-e tafrih / Recess – Irán – 11’)
1973: Experiencia (Tachrobé / The Experience – Irán – 53’)
1974: El viajero (Mosafer / The Traveler – Irán – 70’)
1975: Dos soluciones para un problema (Do Rah-e hal bará-ye yek masalé / Two Solutions for One Problem – Irán – 4’)
1976: Un traje para la boda (Lebás-i bará-ye arusí / The Wedding Suit – Irán – 54’)
1977: Gozaresh (The Report – Irán – 112’)
1982: El coro (Hamsarayán / The Chorus – Irán – 17’)
1983: Conciudadanos (Hamshahrí – Fellow Citizen – Irán – 52’)
1984: Párvulos (Avvalihá – First Graders – Irán – 85’)
1987: ¿Dónde está la casa de mi amigo? (Jané-ye dust koyast? – Irán – 80’)
1989: Deberes (Mashgh-e shab – Homework – Irán – 90’)
1990: Close-Up (Namá-ye nazdik – Irán – 100’)
1992: Y la vida continúa (Zendegí var digar hich / Life, and Nothing More… – Irán – 92’)
1994: Detrás de los olivos (Zir-e derajtán-e zeytún / Through the Olive Trees – Irán – 108’)
1995: A propósito de Nice, la suite (À propos de Nice, la suite – Francia – 100’), junto a otros directores
1995: Lumière y compañía (Lumière et compagnie – Francia – 88’), junto a otros directores
1997: El sabor de las cerezas (Ta’m-e gilás / The Taste of Cherry – Irán – 98’)
1999: El viento nos llevará (Bad ma ra jahad bord / The Wind Will Carry Us – Irán – 115’)
2001: ABC Africa (Irán, Francia – 85’)
2002: Diez (Dah – Ten – Irán, Francia – 91’)
2003: Five Dedicated to Ozu (Irán – 74’)
2004: 10 sobre diez (10 on Ten – Irán – Francia – 88’)
2005: Tickets (Italia, Gran Bretaña – 115’), junto a Ermanno Olmi y Ken Loach
2007: A cada uno su cine (Chacun son cinéma – Francia – 111’), junto a otros directores
2008: Shirín (Irán – 92’)
2010: Copia Certificada (Copie conforme – Runevesht barabar-e asl – Francia – 106’)
2010: No (Irán – 8’)
2012: Like Someone in Love (Raiku samuwan in rabu – Japón – 109’)
2016: Víctor Erice: Abbas Kiarostami: Correspondencias (junto a Víctor Erice, España 2016)
2017: 24 frames (Irán-Francia, 2017)
Sobre 24 Cuadros – Palabras de su productor
La fotografía siempre tuvo un lugar especial en la vida de Abbas Kiarostami. Apenas se graduó de la Escuela de Bellas Artes de Teherán en 1960, y cuando todavía imaginaba una carrera como cineasta, comenzó a capturar imágenes, tomando el camino de la fotografía, capturando paisajes iraníes. Nunca abandonó este estudio formal, y mientras esta obra crecía, acumuló miles de fotografías que se mostraron en una exhibición especial en el Centro Pompidou y en el MoMA, en 2007. En su último film, 24 cuadros, Abbas Kiarostami asumió un reto único: crear un diálogo entre su trabajo como cineasta y como fotógrafo, construyendo puentes entre las dos expresiones artísticas a las que dedicó su vida. El proyecto 24 cuadros nació de un interrogante que fue a la vez artístico y metafísico: ¿qué sucede en los momentos anteriores y posteriores a tomar una fotografía? Para responder a esas preguntas, Abbas Kiarostami inventó un notable dispositivo visual: seleccionó veinte fotos de su colección personal, que él animó. Usando herramientas digitales, discretos inserts en 3D y pantallas verdes, él le dio una nueva vida a esas imágenes del pasado y trató de redescubrir las emociones que sintió cuando las tomaba. En una compleja puesta donde se juegan por igual su genio y su delicada mirada poética, Abbas Kiarostami muestra grupos de turistas frente a la Torre Eiffel, caballos pastando en campos nevados, y bandadas de pájaros volando sobre paisajes industriales. Más allá de la emoción estética generada por esas imágenes con reminiscencias de su obra maestra experimental Diez, el film existe como una meditación sobre el tiempo pasado, la transformación de los territorios, y la fragilidad de la existencia. Melancólicas y luminosas, solemnes y lúdicas, esas cortas secuencias nos proveen de un sutil retrato de Abbas Kiarostami. Realizada durante tres años por un equipo de técnicos iraníes,24 cuadros quedará como el trabajo final de su autor, que murió en París el 4 de julio de 2016, a los 76 años. Es el raro e invaluable legado de uno de los cineastas fundamentales del cine contemporáneo.
2017
País Irán
La última película del maestro iraní, presentada en Cannes 2017. “Siempre me pregunto en qué medida los artistas tratan de representar la realidad de una escena. Los pintores y los fotógrafos solo capturan una imagen, pero nada de lo que sucede antes o después”, dijo Abbas Kiarostami. 24 cuadros, fotografías o videos, y, para cada uno de ellos, el desarrollo de esa posible realidad que los completa. Testamento poético de uno de los mayores cineastas de las décadas recientes.
El 23 de agosto, la distribuidora 996films estrena en exclusiva en el Cine Cosmos UBA 24 cuadros, el film póstumo del maestro Abbas Kiarostami, estrenado mundialmente en una proyección especial en el Festival de Cannes 2017. Se trata de una serie de 24 cuadros, entre melancólicos y luminosos, solemnes y lúdicos, que nacen de la inquietud del director por la observación de la vida cotidiana. El film fue realizado durante tres años por un equipo de técnicos iraníes, y se terminó y estrenó tras la muerte del director. 24 cuadros es el raro e invaluable legado de uno de los cineastas fundamentales del cine contemporáneo. Esta película se proyectó por única vez en la Argentina durante la apertura del FIDBA, Festival Internacional de Cine Documental de Buenos Aires, en 2017.
“Un día en que no tenía nada que hacer, compré una Yashica barata y salí a la naturaleza. Quería fundirme en ella. Al mismo tiempo, quería compartir con otros esos placenteros momentos que yo presenciaba. Por eso comencé a sacar fotos. Para, de alguna manera, esos momentos de pasión y de dolor”
Dirección Abbas Kiarostami
El 23 de agosto, la distribuidora 996films estrena en exclusiva en el Cine Cosmos UBA 24 cuadros, el film póstumo del maestro Abbas Kiarostami, estrenado mundialmente en una proyección especial en el Festival de Cannes 2017. Se trata de una serie de 24 cuadros, entre melancólicos y luminosos, solemnes y lúdicos, que nacen de la inquietud del director por la observación de la vida cotidiana. El film fue realizado durante tres años por un equipo de técnicos iraníes, y se terminó y estrenó tras la muerte del director. 24 cuadros es el raro e invaluable legado de uno de los cineastas fundamentales del cine contemporáneo. Esta película se proyectó por única vez en la Argentina durante la apertura del FIDBA, Festival Internacional de Cine Documental de Buenos Aires, en 2017.
“Un día en que no tenía nada que hacer, compré una Yashica barata y salí a la naturaleza. Quería fundirme en ella. Al mismo tiempo, quería compartir con otros esos placenteros momentos que yo presenciaba. Por eso comencé a sacar fotos. Para, de alguna manera, esos momentos de pasión y de dolor”
Abbas Kiarostami
Biografía de Abbas Kiarostami
Abbas Kiarostami nació en Teherán en 1940 y cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes. En 1969, fundó el departamento de cine en el Instituto para el desarrollo intelectual para niños y adultos jóvenes, de donde surgiría posteriormente la Nueva ola iraní. Fue el productor de prácticamente todas sus películas hasta 1992, incluyendo su primer cortometraje Nan va Koutcheh (The Bread and Alley) en 1970 y su primer largometraje Mossafer (The Traveller) en 1974. Llamó la atención del público con su trilogía: ¿Dónde está la casa de mi amigo? (Khane-ye doust kodjast?), 1987, Zendegi va digar hich (Life an Nothing More…), 1992, y Detrás de los olivos (Zire darakhatan zeyton), 1994, en Competición en el Festival de Cannes. Con El sabor de las cerezas (Ta’m e guilass) recibió la Palma de Oro en 1997 y con El viento nos llevará (Bad ma ra khahad bord) ganó el Premio especial del jurado en Venecia en 1999. Regresó a Cannes en Competición con Diez (Ten), 2002, Copia certificada (Copie conforme), 2010, que valió un premio de interpretación a Juliette Binoche, y Like Someone in Love, 2012. La obra de Kiarostami es multifacética: sus fotos e instalaciones de video se exhiben en todo el mundo y sus poemas han sido traducidos a diez idiomas. También dirigió la puesta en escena de Tazieh, en el Teatro di Roma en 2003, así como la ópera Cosi fan Tutte con motivo de la 60ª edición del Festival d’Aix-en-Provence. Por otra parte, durante diez años, animó talleres de creación cinematográfica para jóvenes artistas. Murió en París el 4 de julio de 2016, a sus 76 años.
Filmografía seleccionada
1970: El pan y la calle (Nân va kuché / Bread and Alley – Irán – 10’)
1972: El recreo (Zang-e tafrih / Recess – Irán – 11’)
1973: Experiencia (Tachrobé / The Experience – Irán – 53’)
1974: El viajero (Mosafer / The Traveler – Irán – 70’)
1975: Dos soluciones para un problema (Do Rah-e hal bará-ye yek masalé / Two Solutions for One Problem – Irán – 4’)
1976: Un traje para la boda (Lebás-i bará-ye arusí / The Wedding Suit – Irán – 54’)
1977: Gozaresh (The Report – Irán – 112’)
1982: El coro (Hamsarayán / The Chorus – Irán – 17’)
1983: Conciudadanos (Hamshahrí – Fellow Citizen – Irán – 52’)
1984: Párvulos (Avvalihá – First Graders – Irán – 85’)
1987: ¿Dónde está la casa de mi amigo? (Jané-ye dust koyast? – Irán – 80’)
1989: Deberes (Mashgh-e shab – Homework – Irán – 90’)
1990: Close-Up (Namá-ye nazdik – Irán – 100’)
1992: Y la vida continúa (Zendegí var digar hich / Life, and Nothing More… – Irán – 92’)
1994: Detrás de los olivos (Zir-e derajtán-e zeytún / Through the Olive Trees – Irán – 108’)
1995: A propósito de Nice, la suite (À propos de Nice, la suite – Francia – 100’), junto a otros directores
1995: Lumière y compañía (Lumière et compagnie – Francia – 88’), junto a otros directores
1997: El sabor de las cerezas (Ta’m-e gilás / The Taste of Cherry – Irán – 98’)
1999: El viento nos llevará (Bad ma ra jahad bord / The Wind Will Carry Us – Irán – 115’)
2001: ABC Africa (Irán, Francia – 85’)
2002: Diez (Dah – Ten – Irán, Francia – 91’)
2003: Five Dedicated to Ozu (Irán – 74’)
2004: 10 sobre diez (10 on Ten – Irán – Francia – 88’)
2005: Tickets (Italia, Gran Bretaña – 115’), junto a Ermanno Olmi y Ken Loach
2007: A cada uno su cine (Chacun son cinéma – Francia – 111’), junto a otros directores
2008: Shirín (Irán – 92’)
2010: Copia Certificada (Copie conforme – Runevesht barabar-e asl – Francia – 106’)
2010: No (Irán – 8’)
2012: Like Someone in Love (Raiku samuwan in rabu – Japón – 109’)
2016: Víctor Erice: Abbas Kiarostami: Correspondencias (junto a Víctor Erice, España 2016)
2017: 24 frames (Irán-Francia, 2017)
Sobre 24 Cuadros – Palabras de su productor
La fotografía siempre tuvo un lugar especial en la vida de Abbas Kiarostami. Apenas se graduó de la Escuela de Bellas Artes de Teherán en 1960, y cuando todavía imaginaba una carrera como cineasta, comenzó a capturar imágenes, tomando el camino de la fotografía, capturando paisajes iraníes. Nunca abandonó este estudio formal, y mientras esta obra crecía, acumuló miles de fotografías que se mostraron en una exhibición especial en el Centro Pompidou y en el MoMA, en 2007. En su último film, 24 cuadros, Abbas Kiarostami asumió un reto único: crear un diálogo entre su trabajo como cineasta y como fotógrafo, construyendo puentes entre las dos expresiones artísticas a las que dedicó su vida. El proyecto 24 cuadros nació de un interrogante que fue a la vez artístico y metafísico: ¿qué sucede en los momentos anteriores y posteriores a tomar una fotografía? Para responder a esas preguntas, Abbas Kiarostami inventó un notable dispositivo visual: seleccionó veinte fotos de su colección personal, que él animó. Usando herramientas digitales, discretos inserts en 3D y pantallas verdes, él le dio una nueva vida a esas imágenes del pasado y trató de redescubrir las emociones que sintió cuando las tomaba. En una compleja puesta donde se juegan por igual su genio y su delicada mirada poética, Abbas Kiarostami muestra grupos de turistas frente a la Torre Eiffel, caballos pastando en campos nevados, y bandadas de pájaros volando sobre paisajes industriales. Más allá de la emoción estética generada por esas imágenes con reminiscencias de su obra maestra experimental Diez, el film existe como una meditación sobre el tiempo pasado, la transformación de los territorios, y la fragilidad de la existencia. Melancólicas y luminosas, solemnes y lúdicas, esas cortas secuencias nos proveen de un sutil retrato de Abbas Kiarostami. Realizada durante tres años por un equipo de técnicos iraníes,24 cuadros quedará como el trabajo final de su autor, que murió en París el 4 de julio de 2016, a los 76 años. Es el raro e invaluable legado de uno de los cineastas fundamentales del cine contemporáneo.
La masacre de Texas. El origen de Leatherface
2017
Duración 90 min.
País Estados Unidos
Dirección Alexandre Bustillo, Julien Maury
Reparto Sam Strike, James Bloor, Lili Taylor, Nicole Andrews, Stephen Dorff, Finn Jones,Jessica Madsen, Vanessa Grasse, Simona Williams, Julian Kostov
¿Quién mató a los Puppets?
2018
País Reino Unido
Dirección Brian Henson
Reparto Melissa McCarthy, Elizabeth Banks, Maya Rudolph, Joel McHale,Leslie David Baker, Jimmy O. Yang, Cynthy Wu, Colleen Smith, Pamela Mitchell,Mitch Silpa, Brian Palermo, Drew Massey, Dorien Davies, Bill Barretta, Jen Sung, Brekkan Spens, Allison Bills
El justiciero 2
2018
Duración 120 min.
País Estados Unidos
Dirección Antoine Fuqua
Reparto Denzel Washington, Ashton Sanders, Pedro Pascal, Bill Pullman, Melissa Leo,Jonathan Scarfe, Sakina Jaffrey, Lexie Roth, Caroline Day, Donald Cerrone,Abigail Marlowe, Alin Halajian, Annie Pisapia, Joseph Oliveira
Sobre la película
"Creo que a la gente le gusta la idea, el mito, de que un tipo como Robert McCall exista. McCall es como un ángel oscuro, el ángel que todos querríamos que bajase e impartiese justicia a la gente que se lo merece" comenta Antoine Fuqua. Fuqua se reúne con Denzel Washington por cuarta vez en THE EQUALIZER 2, después de haber colaborado en Training Day (Día de Entrenamiento), Los Siete Magníficos y la primera entrega de The Equalizer (El Protector). "Ha encontrado su propósito en la vida, convertirse en justiciero. Hasta ahora, siempre ha impartido justicia a gente anónima. Pero cuando matan a alguien muy cercano, McCall buscará venganza".
Para Washington, el atractivo de McCall es evidente. "Se esconde tras la fachada de un tipo corriente" comenta el oscarizado actor. "Pero esta vez va un paso más allá. En vez de vender mejoras para el hogar, ahora es conductor de Lyft. El ángel vengador que tanto ha luchado por otros ahora se encontrará con la batalla más personal hasta la fecha. Cuando vemos a McCall por primera vez, está ayudando a gente indefensa, pero todo acaba convirtiéndose en algo muy personal".
Lo más increíble de THE EQUALIZER 2 es que marca la primera secuela en la carrera de Denzel Washington. "He estado en la industria más de 40 años, pero nunca he interpretado a alguien dos veces" explica Washington. "Siempre me emociona hacer algo nuevo. Con respecto al guión, la novedad es la relación con Susan, el personaje de Melissa Leo, y la relación con el joven Miles, interpretado por Ashton Sanders. La película es un viaje más personal para McCall porque trata sobre gente cercana. Era un hombre que no quería a nadie en su vida, y ahora que se abre a un par de personas, ocurre algo malo".
Según Fuqua y los productores de la película, lo que impulsa la trama es la implicación personal de McCall en las peleas. "En la primera película me pareció normal que la gente viniese a ver a Denzel, pero me sorprendió mucho que lo que más gustase fuese la idea de hacer justicia" dice Fuqua. "Creo que la gente siente no tener control sobre su vida y le gustaría tener a alguien como McCall que lo arreglase todo. No necesariamente que resuelva todos sus problemas, pero sí que encarrilase sus vidas".
"The Equalizer fue el origen" dice el productor Jason Blumenthal. "Robert McCall había conseguido salir del punto de mira y deseaba vivir una vida tranquila, hasta que ya no pudo aguantar más las injusticias que veía a su alrededor".
"Pero como sabemos, el pasado siempre vuelve" dice el productor Todd Black. "Si la primera película trataba sobre un hombre buscando un propósito en la vida, esta trata sobre cómo ejercita ese propósito, la búsqueda de venganza y aceptar el pasado. Cuando empezamos a hablar sobre THE EQUALIZER 2, no pensábamos en investigar sobre quién era Robert McCall y su pasado. Afortunadamente, a nuestro guionista Richard Wenk se le ocurrió una trama que encajaba de forma natural con este capítulo de la historia".
"Curiosamente, una de las cosas que gustó más a la audiencia en la primera película fue el misterio alrededor del protagonista, así que siempre contemplé ahondar más en su vida si hacíamos una segunda parte" explica Wenk.
En THE EQUALIZER 2, se revelan muchos de los secretos de McCall, cosas de su entrenamiento, sus habilidades, su mujer y su relación con Susan Plummer. "McCall todavía sufre por su pasado, su camino, la muerte de su mujer y sobre lo que solía ser" comenta Fuqua. "Se encuentra con un camino que le puede convertir en lo que era antes, pero a veces ese es el camino más difícil de recorrer. A veces tienes que pasar por una tormenta antes de encontrar paz".
Denzel Washington y el director Antoine Fuqua
"Denzel Washington no tiene una única destreza, aporta todo como actor" comenta Antoine Fuqua. THE EQUALIZER 2 es la cuarta vez que Denzel Washington y Fuqua trabajan juntos. Sus anteriores títulos, Training Day (Día de Entrenamiento), Los Siete Magníficos y The Equalizer (El Protector), fueron aclamadas por la crítica y un éxito en taquilla. Denzel Washington se llevó el Oscar a Mejor Actor por Training Day (Día de Entrenamiento). "Me fascina ver a Denzel hacer su trabajo. Está continuamente superándose e intentando hacerlo mejor. Pensarías que alguien como él se relajaría más, pero ¡es Denzel Washington! Él no se comporta así. Denzel es el primero que te diría que no es una estrella de cine, es un actor. Me hace superarme, me inspira".
Fuqua, quien tampoco había hecho una secuela antes, está convencido de que había muchas razones para hacer esta película. "Creo que Denzel disfruta con los guiones de Richard y le gusta el misterio que rodea a Robert McCall" confiesa el director. "Nos lo pasamos muy bien con Robert McCall en la primera película. Es extravagante, y creo que Denzel siempre está buscando algo distinto a él en ese sentido".
"Pero Robert McCall personalmente se parece mucho a Denzel" continúa Fuqua. "Denzel no querría que hablase de eso, porque no le gusta ponerse medallas, pero hace mucho por otra gente. Me enseñó algo que aprendió de Nelson Mandela: un pastor guía el camino del rebaño desde atrás. Él aplica esa idea y va ayudando a gente por el camino. Creo que era importante expresar esto en Robert McCall".
Esto se puede observar en la elección de lectura de McCall. El personaje está leyendo Entre el Mundo y Yo, de Ta-nehisi Coates, y le sugiere al joven Miles, interpretado por Ashton Sanders, que lo lea también. Según el guionista Richard Wenk, este hecho está inspirado en la vida real. "Mientras trabajábamos con el guión, Denzel me dio una copia del libro" explica Wenk. "Me gustó mucho, tanto que decidimos remplazar el libro original que se estaba leyendo Robert McCall por este. De hecho, parecía esencial hacerlo. Ha sido un honor poder usar su ensayo, una guía para hombres negros en Estados Unidos, y ha permeado maravillosamente dotando al personaje de Denzel de una consciencia social que se ve claramente en su relación con el personaje de Ashton. Denzel y Ashton tienen una excelente relación mentor-alumno, tanto en la pantalla como fuera de ella. El libro parece diseñado para ir siendo pasado de generación en generación. Las palabras del Sr Coates han influido profundamente en los personajes. Ha encajado perfectamente con la narrativa general de la película".
Wenk, que hizo el guión tanto para The Equalizer como Los Siete Magníficos, confiesa sentirse motivado por Washington y Fuqua para ser más creativo, más visual y más listo. "Le quieres dar a Antoine un lienzo de trabajo como ningún otro para que lo pueda mejorar, aunque su estilo visual no tenga competencia. Y con Denzel, que es uno de los mejores actores de nuestra generación, piensas todo el rato en él cuando estás escribiendo escenas con diálogos y distintos planos".
El productor Todd Black ha colaborado con Denzel Washington desde que este hiciese su debut directoral con Antwone Fisher. " Antoine y Denzel se respetan y tienen mucha confianza. Creo que es esencial respetarse mutuamente para crear una buena relación. Denzel puede centrarse en la interpretación sabiendo que Antoine ha resuelto toda la acción, y Antoine sabe que Denzel puede hacer tres tomas distintas increíbles para tener más opciones en la sala de edición".
"Antoine y yo tenemos mucho éxito juntos, aunque no sólo comercial" dice Washington. "Sabe como hacer este tipo de películas a la perfección".
"La acción que crea Antoine es única, y cuando mezclas eso con una buena historia, se crea magia" comenta Black. "Es casi como tocar el acordeón. Antoine sabe cuándo juntarlo y cuándo separarlo, sabe cuándo tocar fuerte y cuándo flojo".
Fuqua y el coordinador de efectos especiales han creado unas escenas de acción basadas en los talentos y habilidades únicas de Washington. "Robert McCall va muy rápido, así que tenemos que grabar todo con muchos cortes. Si lo hace todo en una única toma no seríamos capaces de ver todos sus movimientos" explica Dashnaw. "Denzel es muy rápido con las manos y aprende las coreografías de acción en un minuto. Ha boxeado casi toda su vida adulta, así que añadimos algo de eso también para que manejase varias disciplinas. Aparte de eso, el coreógrafo de peleas Mick Gold tiene alguna técnica especial que ha introducido en la película para hacerla un poco distinta".
Para llevar a la audiencia al mundo de Robert McCall, Fuqua usa algo que llama "visión-Equalizer". "Su corazón se ralentiza, sus pupilas se dilatan, recibe más luz y su visión se agudiza. Se hace con el control de todo lo que pasa en la habitación. La violencia es su zona de confort" dice Fuqua. "Es un hombre que puede valorar una situación al instante. Sabe cuál es tu punto débil y dónde están las armas. Y todo puede ser un arma, un bolígrafo, un trozo de papel o una pizarra".
Para Fuqua, THE EQUALIZER 2 ha sido una oportunidad para explorar cómo sería la vida de un hombre así. "Si la violencia es tu zona de confort, ¿cómo balanceas eso en tu vida? Si dejas sueltos por el mundo a hombres violentos, ¿quién está ahí para ayudarles? Para McCall esa sería Susan Plummer. Ella le entiende, le saca de la oscuridad y le da todo lo que necesita para vivir. Él la quiere, la única persona a la que quiere aparte de su mujer. Por lo que se toma su muerte de forma muy personal".
El reparto de la película
En el centro de la trama se encuentra la relación entre McCall y Susan, interpretada por Melissa Leo, y su marido Brian, interpretado por Bill Pullman.
"En esta película, Susan y McCall siguen siendo mejores amigos y ahora tienen una discreta pero activa relación profesional" explica Black. "Ella es un miembro activo del gobierno y le da a McCall toda la información que necesita para ser The Equalizer".
"En la primera película, fue Susan la que le dio a McCall el consejo que necesitaba: es bueno ayudando a gente, es bueno arreglando injusticias y le sugiere que ayude a la gente" comenta Leo. "En esta película, McCall tendrá que centrarse en sí mismo y ver como puede arreglar su propia vida".
"La oportunidad de volver a THE EQUALIZER 2 fue maravillosa por lo divertido que había sido trabajar en la primera" continúa Leo. "Lo mejor de todo son los dos hombres que están al timón, Antoine Fuqua y Denzel Washington. Antoine nunca hace la misma película dos veces, cada vez apunta más alto. Y esta película será mejor que la primera. Antoine tiene la habilidad de hacer eso cuando cuenta una historia".
Bill Pullman retoma el papel de Brian Plummer, el marido de Susan Plummer.
"Tengo cierta debilidad por tramas como esta, donde el personaje central es humilde, no busca atención y tiene ética" comenta Pullman. "Es como una película del oeste, donde el personaje principal se atiene a sus principios aunque a veces le perjudique".
"Y además mi personaje se lleva un trocito del pastel de las escenas de acción" bromea Pullman.
Con la idea de conectar más con la gente que le rodea, Robert McCall se ha mudado de Chelsea a un apartamento al lado de la Avenida Massachusetts, una arteria que pasa por el centro de Boston. Es simpático con sus vecinos y forja una amistad con un adolescente llamado Miles que vive con su madre en el mismo complejo.
"Cuando McCall conoce al joven talentoso Miles, se da cuenta de que está algo perdido" dice Richard Wenk. "McCall detecta que el joven está siendo abducido por la gente incorrecta y adopta una postura paternal".
"Me interesaba mucho la historia paterno filial entre McCall y el joven, en cómo le ayuda a navegar por la vida" explica Washington. "Vi la oportunidad a través de esta relación de hablarle a los jóvenes de hoy en día".
"Denzel me llamó un día y me comentó que la película en realidad trataba sobre un padre y su hijo" dice Black. "Robert McCall tiene que aprender a ser padre. Tiene que tratar a Miles como a su hijo y tiene que guiarle. Esa es la esencia de la película, no podíamos olvidarlo".
"Esta relación es parte de la historia de fondo de McCall" comenta Washington. "Realmente no ha permitido que nadie entrase en su vida, y los que sí han entrado los ha acabado perdiendo. Así que no tiene claro si debe meter a este chico en su vida, pero finalmente lo hace".
Ashton Sanders, que atrajo la atención de la crítica por su papel en la oscarizada Moonlight, acabó quedándose con el papel de Miles.
"Ashton nos dejó alucinados" admite Blumenthal. "Su lectura fue real, cruda y honesta. Con Ashton no sólo conseguimos a un joven actorazo, sino también una relación verdadera y auténtica con el personaje de Denzel. Y esas dos palabras, verdadera y auténtica, son palabras que Antoine Fuqua ha utilizado cada uno de los días en los que hemos debatido la película".
"Miles es un buen chico, pero está empezando a meterse en un tipo de vida que potencialmente puede ser fatal. Le faltan referentes positivos, y McCall se convierte en uno"comenta Sanders.
"En la primera película, McCall se dedica a salvar al resto de la comunidad, así que creo que está haciendo lo mismo con Miles. Le quiere salvar" continúa Sanders.
A medida que McCall empieza a vengarse de la gente que mató a Susan, empieza a entrar en contacto otra vez con la gente que tenía más cerca en el pasado: sus antiguos compañeros de operaciones. "Pertenecían a un operativo de cinco individuos encargados de viajar, matar o secuestrar a objetivos importantes" explica Wenk. "Son los asesinos más habilidosos de la tierra. Robert McCall era parte del equipo junto con otros cuatro hombres. Pero después de perder a su mujer, McCall decidió dejarlo. Un coche bomba explotó y aprovechó la oportunidad para desaparecer y hacer creer a la gente que estaba muerto".
"Pero incluso después de la muerte ficticia de McCall, los otros cuatro continuaron sus vidas. ¿Qué fue de ellos? Los consejeros técnicos de la película han sido el SAS y los Navy SEALs, y todos cuentan las mismas historias. Uno de ellos me dijo, 'Nos entrenan para matar, pero nunca lo desaprendemos. ¿Qué hacemos entonces? ¿Qué ponemos en nuestros currículos? ¿Asesino?'"
"Era una fraternidad" dice Blumenthal. "Vieron e hicieron cosas que la mayoría de la gente no puede ni pensar. Es por eso que estos cinco tipos estaban dispuestos a morir los unos por los otros".
A Washington le pareció importante separar a McCall del resto del grupo. "Para Denzel era importante que no fuese simplemente un tipo con un arma que dispara a gente. Quería ser más listo que el típico tipo negro de una banda" dice Blumenthal. "McCall está muy por encima de eso. El grupo que formó Susan Plummer son la élite de la élite".
Así pues, cada miembro del grupo tiene su propia especialidad. "Sólo porque hagas lo mismo que otra persona no significa que tengas las mismas habilidades" dice Washington. "Has podido entrenar como todo el resto de boxeadores, pero eso no significa que todos puedan ser campeones del mundo".
El grupo de operaciones está compuesto por York, interpretado por Pedro Pascal y más conocido por su papel en Narcos; Resnik, interpretado por Jonathan Scarfe (Van Helsing); Ari, interpretado por Kazy Tauginas; y Kovac, interpretado por el primerizo Garrett A. Golden.
"La prueba de Pedro fue distinta de la del resto, ya que aportó un toque cálido y amigable al personaje que nadie había hecho" dice Blumenthal.
"York, mi personaje, y McCall fueron compañeros en el pasado" dice Pascal. "Son parte de un misterioso grupo de soldados de élite entrenados por el gobierno, uno de los grupos más secretos. Los dos estuvimos en la misma explosión de la que yo sobreviví y él presuntamente no. York ha llorado su muerte durante siete años, convencido de que estaba muerto. Les conecta una relación de amistad, confianza, compañerismo y aprendizaje. Diría que es la relación más profunda de mi personaje".
Pascal estaba encantado de tener la oportunidad de interpretar junto a Washington un thriller tan intenso. "Diría que lo mejor de THE EQUALIZER 2 es que tienes al actor más cañero haciendo el papel más cañero. Es un asesino altamente entrenado que usa todo lo que sabe para el bien".
"Es muy difícil encontrar a alguien que pueda actuar junto a Denzel Washington" admite Fuqua. "Necesitas a un actor que le pueda plantar cara y no se sienta intimidado".
Hay muchas formas de ser intimidado. "En mi primer día de rodaje, todavía no había conocido a Denzel, pero tuvo el detalle de venir a mi tráiler y presentarse a primera hora de la mañana. Estuvimos hablando durante una hora y media antes de empezar a rodar. La primera escena que rodamos fue en la que mi personaje ve a McCall otra vez y tiene que procesar rápidamente que no está muerto. Denzel completó la escena con un fuerte abrazo, aunque no se vea el complejo proceso que es ver al hombre más importante de tu vida. Lo difícil que es esconder todas las emociones que saldrían a borbotones en el momento en que me llamase por mi nombre".
Recreando un huracán de categoría cinco
"Cuando leí por primera vez el guión y vi escrito huracán, pensé, ¿en serio? ¿Cómo voy a hacer eso?" bromea Fuqua.
El guionista Richard Wenk pensó que la tercera parte de la película debía de tener lugar durante un huracán de categoría cinco. "En la primera película, la acción ocurre en Home Mart entre cuatro paredes. Para esta, queríamos algo más grande, así que surgió la idea de que el protagonista volviese a su ciudad natal durante un huracán. Y como todo el mundo ha sido evacuado, no habría daño colateral con todo lo que McCall tiene planeado para sus objetivos".
La producción decidió emplazar el huracán en el barrio de Marshfield en Brant Rock, que está al sur de Massachusetts, a una hora de coche del centro de Boston. Puesto que el fenómeno ocurre durante el día, se tardó casi un mes en rodar todas las escenas del huracán.
"Nos hicimos con el pueblo entero" comenta Fuqua. "Lo llenamos todo de cosas, encima de los coches, enormes ventiladores que había que mover todo el rato, tanques gigantes de más de 10 metros que creaban olas que chocaban contra un muro, escombros volando por todos lados, actores empapados… y como es un huracán, no se puede ver el sol, así que siempre que salía había que dejar de grabar. No se pueden oír los diálogos por el ruido de los ventiladores, pero aún así los actores tienen que interpretar".
A pesar del reto, Fuqua capturó con la cámara todo lo que pudo en las secuencias. "No sabes si los de efectos visuales serán capaces de capturar todos los pequeños detalles que tienes en mente. Si te fijas, cada una de las contraventanas del pueblo golpean y se mueven. No quería tener que depender de los efectos visuales para eso".
El coordinador de efectos especiales, Jeremy Hays, y su equipo fueron los responsables de crear un huracán verosímil. "Estuvimos viendo muchos videos del Huracán Sandy, que por cierto ocurrió en Brant Rock. Las olas y el viento fueron el elemento clave de la historia". El equipo entero estuvo viendo cientos de horas de videos en YouTube de huracanes reales mientras se preparaban para crear el suyo propio.
"Antoine quería crear una ola tras otra, así que ideamos un sistema que nos permitiera llenar conos individuales constantemente que se usaban para disparar los cañones de agua" continúa Hays. "Además usamos compresores de aire 1.600 CFM que aportaban aire a los tanques de presión. En total teníamos 24 cañones individuales que unimos entre sí para poder apuntarlos en direcciones distintas, dependiendo de dónde se encontraba la cámara".
Para crear el viento, Hays y su equipo usaron maquinaria de potencia similar. "Usamos 12 maquinas de aire puestas por todo el pueblo" dice Hays. "El ventilador más grande que usamos era de 480 voltios y se suele usar para despejar túneles y puede llegar a velocidades de 130 km/h. Para el efecto de escombros volando, usábamos entre dos y tres bolsas de 200 litros de hojas en cada toma".
Más tarde, los de efectos visuales añadieron escombros de mayor tamaño para incrementar la fuerza del huracán. "Esta es mi quinta colaboración con Antoine y cada vez es mejor por todo lo que nos conocemos" dice el supervisor de efectos visuales Sean Devereaux. "Si le enseño algo que estoy ideando, el dice '¡Eso es justo lo que quiero!' y entonces lo creamos. Ha llegado un punto que entiendo su visión perfectamente y el equipo funciona bien".
Aún así, Hays y Devereaux piensan que estarán satisfechos si el espectador no se da cuenta de su trabajo, puesto que estarán inmersos en el drama de la batalla.
En lo que respecta a trabajar con enormes ventiladores apuntándote mientras se ven barcos desperdigados por la carretera, Pedro Pascal piensa que le ha ayudado mucho en su interpretación. "Brant Rock parecía devastada y te sumergías en la historia totalmente. Cuando decían '¡acción!' yo sólo me preocupaba en no salir volando mientras daba un par de pasos hacia la cámara. No me podía parecer más real".
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