Un coronel norteamericano (Bruce Willis) entrena a pilotos chinos para que combatan contra el ejército japonés. El temperamento de algunos hace que su trabajo sea más complicado de lo que había previsto cuando le asignaron la misión, pero no por ello pierde la confianza en los jóvenes soldados que le han sido asignados. Mientras tanto, un pequeño grupo de espías y de refugiados transportan un descodificador a través de zonas rurales devastadas con la esperanza de que sea el artilugio definitivo para que la contienda llegue a su fin. Por el momento, las fechas de estreno confirmadas son el 4 de octubre en Holanda y el 26 en China y Estados Unidos.
Damon Herriman no tiene miedo a que le encasillen. Comentamos que el actor ha sido elegido por Quentin Tarantino para dar vida a Charles Manson en 'Once Upon a Time in Hollywood' y hoy nos enteramos que Herriman también será Manson en la segunda temporada de 'Mindhunter', la formidable serie que cuenta con David Fincher como productor y director.
Su versión del personaje debe ser impresionante para que dos de los mejores directores del mundo hayan considerado que era el mejor actor para el papel. Según Collider, fue Fincher quien acertó con el casting ya que Herriman rodó este verano sus escenas para 'Mindhunter 2'. Parece que Tarantino vio el metraje y pensó que no iba a encontrar a nadie a su altura. Será interesante ver la creación de Herriman en dos trabajos tan diferentes, en cuestión de meses.
La nueva temporada de 'Mindhunter' tiene lugar entre finales de los 70 y principios de los 80; Herriman encarna a Manson ya en prisión, al final de sus 40 años (de hecho, el intérprete tiene 48). En 'Once Upon a Time in Hollywood' el actor retomará el personaje unos años antes, aún en libertad, cuando su clan comete los terribles crímenes por los que se hizo famoso.
Damon Herriman es australiano y su papel más destacado hasta la fecha es el de Dewey Crowe en 'Justified', la serie de FX. Lleva actuando desde principios de los 80 y acumula cerca de 100 títulos en cine y televisión a sus espaldas. Pero no cabe duda que, a partir de 2019, será conocido por dar vida a Charles Manson para Fincher y Tarantino.
Ya podemos echar un primer vistazo a lo nuevo de Paul Verhoeven después de la aclamada 'Elle' (2016). Pathé Films y SBS Productions han compartido la primera imagen oficial de 'Benedetta', un biopic sobre la controvertida monja italiana del siglo XVII. El proyecto, titulado originalmente 'Blessed Virgin', se rodó este verano en Italia y se estrenará en 2019.
La historia narra el ascenso y la caída de la abadesa Benedetta Carlini, una figura relevante de la Iglesa católica tras proclamar haber tenido visiones y estigmas. Más tarde fue acusada de haber inventado sus milagros, de relaciones homosexuales con otras monjas y otros cargos, siendo encarcelada durante cerca de cuatro décadas. Un material muy prometedor para Verhoeven...
'Benedetta' está protagonizada por Virginie Efira y se basa en la novela de no ficción 'Inmodest Acts: The Life of a Lesbian Nun in Renaissance Italy' ("Actos Impúdicos: la vida de una monja lesbiana en la Italia renacentista"), de Judith C Brown.
La adaptación ha sido escrita por Gerard Soeteman, guionista habitual de Paul Verhoeven desde sus inicios; 'Delicias holandesas' ('Wat zien ik', 1971), 'El cuarto hombre' ('De vierde man', 1983), 'Conquista sangrienta' ('Flesh+Blood', 1985) o 'El libro negro' ('Zwartboek', 2006) se encuentran entre sus colaboraciones. Desde ya, uno de los estrenos más esperados de 2019.
Siempre se produce un gran cataclismo cuando un actor anuncia las ganas de irse de un proyecto. Más aún cuando hablamos de una de las protagonistas de la que a día de hoy es la serie más veterana de todas las que emite Showtime. Emmy Rossum ha anunciado que dejará el elenco de 'Shameless' en esta novena temporada.
Así lo ha anunciado a través de una emotiva carta de despedida en su perfil de Facebook. La actriz, que interpreta a Fiona Gallagher la hija mayor y responsable de la familia, confía además en la continuidad de la serie, cuya nueva temporada arranca el próximo domingo 9 de septiembre.
En el comunicado, Emmy Rossum deja claro que la decisión es personal y que confía en que la serie continúe sin su presencia. De hecho, si nos fijamos en el tráiler, parece que los caminos de Fiona empiezan a separarse más de los del resto del clan debido a su ascenso como mujer de negocios inmobiliarios.
'Shameless' sigue siendo una serie de éxito y no cabe duda de que la serie podría continuar perfectamente sin Emmy Rossum, debido al protagonismo que en los últimos años han ido desarrollando el resto de hermanos. Esto no significa que no sea una pena que se marche uno de los pilares de la serie, pero es cierto que toda cosa tiene su ciclo y el de Fiona Gallagher estaba llegando a su fin.
En HBO tienen un compromiso con sus clientes para ofrecerles productos de calidad, algo de lo que incluso se han vanagloriado a lo largo de los años. Cada vez más siguieron sus pasos y ahora toca ir probando con cosas diferentes como 'My brilliant friend', la nueva serie italiana de la compañía de la que acaba de lanzar su tráiler.
Basada en la novela de Elena Ferrante, la serie se ha rodado en italiano para contarnos la amistad que surge entre Elena Greco y Raffaella “Lila” Cerullo, dos niñas que estudiaron durante los años 50 del siglo pasado en Nápoles. Se da la particularidad de que Elena Ferrante es el seudónimo de una escritora que ha preferido mantener su anonimato, aunque habrá que ver si sigue siendo posible en el caso de que la serie se convierta en un gran éxito, que ya ha habido varios intentos por desvelarlo.
Cerca de 9.000 niñas se presentaron al casting de la serie y las elegidas finalmente para protagonizar 'My brilliant friend' fueron Elisa Del Genio y Ludovica Nasti, mientras que la puesta en escena de los 8 episodios que dan forma a la primera temporada corre a cargo de Saverio Costanzo -'La solitudine dei numeri primi'-.
La novela cuenta con tres secuelas literarias cuyas adaptaciones también están confirmadas por HBO. Una apuesta muy decidida sin saber cómo va a funcionar la primera, pero quizá Ferrante puso como condición contar la historia completa para aceptar vender los derechos. 'My brilliant friend' se estrena este próximo mes de noviembre.
Resulta chocante que una joya mayúscula del cine español, considerada una obra maestra del humor negro casi desde su estreno, que no gustó al franquismo pero recibió premios internacionales como el FIPRESCI en Venecia, aún no se hubiera visto en su versión íntegra. Pero la Filmoteca Española ha localizado una copia en buen estado y procedente del Centro Sperimentale di Cinematografia de Italia (de donde era nativo Marco Ferreri, su director), donde sí se estrenó íntegra. Será proyectada el próximo 21 de septiembre.
Los cambios son, como siempre en los casos de censura, sutiles, pero maquiavélicos. En el guión original de Rafael Azcona, y en lo rodado por Ferreri en 1960, el personaje de Pepe Isbert, Anselmo, mataba a toda su familia para conseguir su ansiado motocarro. De hecho, llegaba a ver salir los ataúdes de la casa, en una imagen de humor negro estremecedora. Fue demasiado para la censura, que prefirió eliminar esa imagen e incluir una llamada de teléfono en la que la familia está viva, y él en busca y captura por haber robado unas joyas para comprar el vehículo.
De este modo, el hilarante y ridículo final tiene más sentido, y es mucho más oscuro. Anselmo es detenido por una pareja de la Guardia Civil, que le obliga a volver a casa, y este pregunta "¿Me dejarán tener el cochecito en la cárcel?". Los motivos del encierro pasan de la tonta ingenuidad de la versión censurada a un terrible retrato de un asesino enajenado en la versión original, más acorde con la visión oscura y desesperanzada que Ferreri y Azcona demostraron en todas sus películas juntos: 'El pisito', 'El cochecito', 'La gran comilona' y 'Touche pas à la femme blanche'.
Se trata de un cambio de sólo unos pocos segundos, pero le da todo el sentido a la película. Ferreri y Azcona ya habían tenido tropiezos con la censura: sus dos primeros guiones, 'Los muertos no se tocan, nene', que en 2011 acabó dirigiendo José Luis García Sánchez, y 'Un rincón para quererse', no llegaron a rodarse. Eso fue lo que les llevó a rodar esta pequeña coletilla, sabiendo que el homicidio múltiple era demasiado para la censura.
Durante los últimos días, el colectivo gitano ha copado infinidad de titulares y comentarios en redes sociales relacionados con la polémica derivada de un monólogo de Rober Bodegas —miembro del dúo cómico Pantomima Full—; quien ha recibido quejas, duras críticas e incluso amenazas de muerte después de una actuación tildada de racista al usar estereotipos como recurso humorístico.
Con el caso Bodegas prácticamente enfriado, la comunidad gitana ha vuelto a ser protagonista de una nueva controversia, esta vez relacionada con el mundo del cine y que ha afectado al largometraje 'Carmen y Lola', de la realizadora debutante Arantxa Echevarría; un filme que explora la relación homosexual entre dos adolescentes gitanas mientras se enfrentan a las férreas tradiciones de su cultura.
Más allá de lo estrictamente cinematográfico —de hecho ha recibido críticas bastante templadas en cómputo global— 'Carmen y Lola', que se estrenará en salas españolas el próximo 7 de septiembre, ha trascendido gracias al enfrentamiento entre su directora y, particularmente, la asociación Gitanas Feministas para la Diversidad, desde donde afirman que "ser gitana y lesbiana es difícil en un mundo payocentrista y heteronormativo, no sólo en la comunidad gitana como pretende mostrar la película".
Echevarría se ha desmarcado de las acusaciones comentando, según recoge El País, que se documentó moviéndose "en todos los foros LGTB para contactar con lesbianas gitanas y conocer sus historias". Además, ha remarcado, refiriéndose al bronco enfrentamiento con Gitanas Feministas, que "no hay debate posible cuando se ha llegado a la descalificación personal y el insulto", matizando que no quiere "un enfrentamiento público con ellas".
Estas palabras hacen alusión a una larga disputa que se remonta a la pasada edición del Festival de Cannes, donde se acusó a 'Carmen y Lola' de fomentar los estereotipos hacia su raza o de invisibilizar la realidad tras pasarla por su filtro feminista payo. Todo esto sin haber visto la cinta, basándose únicamente en su tráiler y entrevistas a su autora.
Lejos de cerrarse con el episodio en Cannes, la polémica con 'Carmen y Lola' ha llegado hasta el marco de la Muestra de Cine y Mujeres de Pamplona. Certamen que retiró el largo de su programación —de forma consensuada con la cineasta— a causa de las presiones de colectivos feministas gitanos y tras el anuncio de la participación de Gitanas Feministas por la Diversidad en una mesa redonda posterior a la proyección en la que Echevarría se negó a participar.
La bilbaína, según comenta, expuesta a "escupitajos, insultos y recriminaciones por la calle y por las redes", explicó su decisión y la situación que la llevó a tomarla de este modo a través de un comunicado:
"El Instituto de Promoción y Estudios Sociales llamó a la asociación de gitanas explicándoles que yo no quería entrar en el debate. Estas le contestaron que irían al cine, que movilizarían a todo el mundo con pancartas, con manifestaciones en mi contra y de la película. El IPES, por miedo a las represalias, me comentó que lo mejor era quitar la película de la programación. Me pareció lo más correcto tal y como estaba desarrollándose toda esta montaña de sinsentidos".
Por su parte, el colectivo de gitanas feministas ha asegurado haber sido vetado por la directora del proyecto, según queda recogido en un comunicado titulado "Vetadas Gitanas Feministas por la directora de 'Carmen y Lola'" y del que pueden extraerse las siguientes lineas:
"La directora se niega a contrastar su obra, su guión recitado por indígenas a quienes dice dar voz, con las propias gitanas. Se niega a que el público vea que nuestra realidad es mucho más rica que su caricatura comercial. (...) La superpaya está detrás de la cámara y nosotras somos las exóticas, las sensuales, las oprimidas y las manipuladas a las que viene a rescatar de nuestro pueblo de salvajes y villanos, sin dejarnos salir ni una coma de su guión. Somos el último modelo de muñeca hinchable".
'Carmen y Lola', dirigida por Arantxa Echevarría y protagonizada por Moreno Borja, Carolina Yuste, Rosy Rodriguez, Zaira Morales y Rafaela León se estrenará el próximo viernes 7 de septiembre en salas españolas.
Los fans de 'Depredador' ('Predator') están de enhorabuena. Queda muy poco para ver una nueva película de la franquicia y tiene una pinta increíble. 20th Century Fox ha lanzado hoy el fantástico tráiler final de 'Predator' ('The Predator'), dos meses después de presentar el segundo adelanto.
Shane Black —'Iron Man 3', ' 'Dos tipos peligrosos' ('The Nice Guys')— dirige esta nueva secuela que también ha escrito en colaboración con Fred Dekker —'El terror llama a su puerta' ('Night of the Creeps'), 'Escuadrón Antimonstruos' ('The Monster Squad')—. Boyd Holbrook, Thomas Jane, Jacob Tremblay, Keegan-Michael Key, Olivia Munn, Sterling K. Brown, Alfie Allen, Trevante Rhodes, Yvonne Strahovski y Jake Busey encabezan el peculiar e interesante reparto.
Desde lo más profundo del espacio exterior hasta las calles de una pequeña ciudad: la caza vuelve a casa con la reinvención de la saga 'Predator'. Después de mejorar sus capacidades con ADN de otras especies, los cazadores más letales del universo son más fuertes, inteligentes y mortíferos que nunca. Cuando un chico activa accidentalmente su regreso a la Tierra, sólo un dispar grupo de exsoldados y una profesora de ciencias desencantada pueden evitar el fin de la raza humana...
'Predator' llega a los cines el próximo 14 de septiembre. Inicialmente, se iba a estrenar en marzo pero retrasaron la fecha porque Shane Black necesitaba cambiar el último acto. Black explicó que rodar de día es más barato pero el Predator no tenía el aspecto terrorífico que buscaba así que tuvieron que cortar parte de la historia (lo cual dejó fuera a Edward James Olmos) para realizar los reshoots de noche sin disparar el presupuesto:
"Para nuestro disgusto, y fue culpa mía, al ver el metraje durante el día, el Predator no luce bien durante el climax de la película. No tiene un aspecto aterrador. Entonces decidimos agilizar la trama para poder volver al set por la noche y concentrarnos realmente en los elementos de terror. Así que literalmente, como dicen, la diferencia es el día y la noche. Sacamos todo lo que estaba de día y lo pusimos en la oscuridad."
A continuación dejamos los últimos carteles y un par de videos de la divertida visita del equipo de la película al show de Conan O'Brien, el mes pasado:
Las expectativas en torno a 'Kidding', la reunión de Jim Carrey y Michael Gondry 15 años después de que coincidieran en la absolutamente perfecta 'Eterno resplandor de una mente sin recuerdos' ('Eternal Sunshine of the Spotless Mind'), eran altas. En este tiempo, ambos han seguido caminos más o menos lógicos: Gondry ha explorado un universo personal en películas más pequeñas (la fantástica 'Rebobinados') o más grandes (la infravalorada 'The Green Hornet').
Y Carrey ha ido convirtiéndose en un actor extrañísimo, martirizado por abundantes problemas privados. Pero se puede decir sin demasiado temor a equívocos que 'Eterno resplandor de una mente sin recuerdos' fue un encuentro memorable y una película que suponía un punto de encuentro inesperado entre dos sensibilidades ante la vida aparentemente opuestas.
'Kidding', del que Showtime acaba de presentar el primer episodio, parece tener a simple vista algo de los dos: el Carrey reflexivo de los últimos tiempos, teórico demencial acerca del papel del humor y el arte, y cómo eso impacta en la vida de los demás. Y el Gondry artesanal, naïf, analógico, capaz de elaborar potentes metáforas vitales con felpa y confetti.
El resultado de esa esperada reunión, 'Kidding', al menos en su primer capítulo, es algo más irregular que la película de 2004, aunque es lógico: en sólo treinta minutos pone sobre la mesa una gran cantidad de temas, algunos de una densidad considerable, y sólo comienza a desarrollar alguno de ellos. La superación de las tragedias personales a través de la entrega desbocada es uno, pero hay mucho más, del escapismo pop infantil y su industrialización a la doble vida de los actores, felices ante las cámaras e infelices en su faceta privada.
El más interesante, por suerte, es también el más complejo y al que más atención se le dedica en este primer capítulo. Carrey da vida al presentador de un programa infantil desde hace treinta años que ha pasado por una reciente tragedia familiar: uno de sus hijos murió y el duelo y el sufrimiento precipitó su divorcio. Pero pretende no sólo superarlo y reencontrarse con su mujer y su problemático hijo adolescente, sino usar el sufrimiento para transmitir una valiosa lección a sus espectadores.
El tema del duelo es nuclear, al menos en este arranque, y Gondry lo solventa argumentalmente de forma única: el presentador del programa al que da vida Carrey quiere hacer un programa explicando la muerte a sus jóvenes espectadores. Ese momento de extrañeza suma, con marionetas estupefactas ante el discurso de Carrey, contando cómo metió a su hijo muerto en una caja como si fuera un peluche perdido en una mudanza, es perfecto, conciso y terrible pero quizás se difumina en una marea de ideas muy diversas.
'Kidding': no uses una palabra fea si puedes usar una bonita
Los avances que habíamos visto hasta ahora (y la idea preconcebida que tenemos de sus dos responsables) parecían prometer una película semi-onírica, con abundancia de muñecos y códigos de ocio infantil pervertidos para hablar de temas muy adultos. Algo de eso hay, pero en una frecuencia mucho menos fantasiosa de lo que cabría pensar: el giro final de este primer episodio, que anticipa escenas lindantes con la sitcom, hace temer posibles problemas de tono y ritmo.
Puede que sea muy pronto para determinarlo. De momento el tono amargo de 'Kidding' está perfectamente sostenido por Carrey y un perfecto plantel de secundarios (de Frank Langella a la siempre fantástica Catherine Keener, que proporciona la secuencia más impactante del episodio) que hacen equilibrios muy interesantes entre la frivolidad y la ternura. Ese equilibrio es esencial para que Gondry siga ahondando en los temas a los que ya apunta: la necesidad de una sinceridad genuina que salga de lo más hondo, por doloroso que sea, para superar los problemas.
'Kidding' apunta una serie de temas que habrá que ver si desarrolla adecuadamente, pero de momento ya ha proporcionado algunas sorpresas y un Carrey perfecto, emotivo pero excéntrico, sereno pero alucinado, perfecto para un personaje imprevisible y altamente emocional como éste. No todo pueden ser siempre peleas a puñetazos con muñecos gigantes de felpa. Aunque no lo descartemos del todo. 'Kidding' tiene potencial para ser aún, literalmente, cualquier cosa.
Narra la campaña presidencial del senador estadounidense Gary Hart, que tuvo lugar en 1988, momento en el que los medios de comunicación difundieron un escandaloso romance extramatrimonial del político. Tras perder la candidatura democrática contra Walter Mondale en 1984, Gary Hart (Hugh Jackman) hizo un regreso triunfal a la candidatura a Presidente en 1987, en un momento en que su partido estaba desesperado por arrebatarle el poder a los republicanos después de dos mandatos de Reagan. Hart tenía todo para él: inteligencia, carisma y experiencia como abogado, director de campaña y senador, sin mencionar a una Primera Dama ideal en su adorable esposa Lee (Vera Farmiga). Pero todo comienza a desmoronarse cuando corre la voz de que Hart es un mujeriego, un rumor seguido rápidamente por informes de que ha tenido una aventura con Donna Rice (Sara Paxton). La cinta será estrenada el 21 de noviembre en Estados Unidos luego de su paso por los festivales de Toronto y Londres.
Tarde o temprano llega a las plataformas un punto de inflexión en el que ven que necesitan el equivalente seriado a un buen blockbuster. Y Amazon Prime Video, que tenía un perfil más indie y "de autor" en sus propuestas originales, ha llegado a este punto con el estreno de 'Jack Ryan', la serie basada en el personaje de Tom Clancy.
Y, de hecho, se nota que la intención de Amazon es que 'Jack Ryan' sea su serie insignia a corto/medio plazo: procurando un lanzamiento global, una renovación temprana por una segunda temporada y una gran campaña de marketing que culmina en el estreno, este viernes 31 de agosto, de la serie.
En esta ocasión es John Krasinski quien interpreta al ex marine Dr. Jack Ryan quien, después de servir en Afganistán, es analista en la unidad antiterrorista de la CIA. La llegada del nuevo jefe, James Greer (Wendell Pierce), con encontronazo incluido, será el punto de partida de la trama de esta temporada.
Así, en el primer episodio de 'Jack Ryan', nuestro protagonista se encuentra ante una serie de movimientos bancarios sospechosos. Ante la práctica certeza de que es un método sofisticado de financiar a ciertos líderes terroristas, Ryan se encontrará desempolvando sus habilidades en el terreno intentando frenar la próxima conspiración de los islamistas radicales.
Lo más importante que hay que saber al enfrentarse al visionado de 'Jack Ryan' es que es una serie que no engaña. Es acción y espionaje alrededor del mundo... y a partir de ahí el que entremos o no en su juego y en su tejemaneje de intrigas depende de nosotros.
Aquí hay que reconocer que Carlton Cuse y Graham Roland, asociados a la marca JJ Abrams y creadores de la serie, han querido ir al thriller de espías y terrorismo internacional más "clásico", por así decirlo. Casi nada más comenzar uno curtido en este tipo de producciones ya sabe por dónde van los tiros.
Y es que si algo podemos decir sobre 'Jack Ryan' es que es bastante convencional. Pero lo es en el buen sentido: la historia está bien hilada y creo que equilibra bien los tiempos de más acción y los más tranquilos. Simplemente que, en una época en la que este género nos ha dado joyas como 'Homeland', la nueva serie de Amazon queda rezagada.
Es en el desarrollo de personajes donde flaquea un poco. Si bien Krasinski logra sostener con todo su saber hacer un personaje bastante plano, uno no termina de interesarse por el supuesto "héroe" de la historia. Algo que, por lo general, puede aplicarse a la mayoría de protagonistas de la serie.
Esto no quiere decir que no sea interesante o que no funcione, porque lo hace muy bien. Además, aprovecha el metraje para indagar en el lado de "los malos" y ofrecernos escenas con mucha tensión y fuerza (con un magnífico papel de Dina Shihabi, por ejemplo).
La pena es que al navegar en un mar de convencionalismos del género, la temporada de 'Jack Ryan' se vuelve bastante predecible y da poco lugar a la sorpresa. Pero, independientemente de esto, la nueva serie de Amazon es bastante sólida y entretenida. Y a veces con esto basta.
Birdee Pruitt (Sandra Bullock) parece tenerlo todo: lleva años felizmente casada con el apuesto novio que se echó en el instituto, tiene una buena casa, y una hija despierta y sensible. Pero cuando su espléndida vida se desmorona a su alrededor, Birdee tendrá que comenzar de cero. Sin ningún otro lugar al que dirigirse, nuestra antigua reina de la belleza, acompañada de su hija Bernice (Mae Whitman) toma de nuevo el camino de Smithville (Texas), su hogar. Allí todo se le complica aún más. Tendrá que lidiar con una madre (Gena Rowlands), a la que, en realidad, ha de empezar a conocer ahora; ocuparse de una hija que añora desesperadamente a su padre; y enfrentarse a la perspectiva de volverse a enamorar. Pero a medida que Birdee, dominada por el desasosiego, emprende su nuevo camino, empezará a encontrar las fuerzas que necesita para reconstruir su vida.
Que Woody Allen es uno de los autores más prolíficos en activo no es ninguna novedad. Tras estrenar en 1982 su undécimo largometraje, titulado 'Comedia sexual en una noche de verano', el mítico cineasta neoyorquino no ha descansado un sólo año, estrenando —como mínimo— una película anualmente hasta este 2018 en el que debería salir a la luz su 'A Rainy Day in New York'.
Pero los últimos rumores apuntan a que Allen podría verse obligado a tomar su primer descanso en los últimos 35 años. Una pausa forzada en su carrera que, según informa The Page Six, podría deberse a los serios problemas por los que estaría pasando el director a la hora de encontrar financiación para sus proyectos en desarrollo.
The Page Six sugiere que esta falta de apoyos financieros podría estar ocasionada por las acusaciones por abuso sexual que Allen lleva cargando a sus espaldas desde hace una larga temporada, aún en primera plana debido al movimiento #MeToo. Así lo explica el medio norteamericano:
"El movimiento #MeToo, irónicamente encabezado por su hijo Ronan Farrow, ha herido al autor, quien fue acusado por su hija adoptiva, Dylan Farrow, de abusar de ella hace 26 años. Allen nunca fue formalmente acusado de ningún crimen, aunque un juez en el caso de la custodia de los hijos de Allen contra Mia Farrow tildó el comportamiento de Allen hacia Dylan de 'sumamente inapropiado'".
Según un productor de Hollywood anónimo citado por el artículo original, "Woody siempre tuvo grandes actores. Estrellas que trabajarían porque eso les daría prestigio, pero con el movimiento #MeToo, ahora es tóxico". Una afirmación que encaja perfectamente con las acciones de Timothée Chalamet, Griffin Newman y Rebecca Hall; quienes anunciaron que donarían sus sueldos de 'A Rainy Day in New York' a varias organizaciones de apoyo a víctimas de abusos sexuales.
Viendo los tiempos que corren no sería descabellado que la importancia mediática del movimiento #MeToo sea la principal razón que podría dejar a Woody Allen en dique seco por primera vez en tres décadas y media; aunque también es cierto que el cineasta ya tuvo problemas en el pasado en cuanto a producción se refiere.
Según ha matizado la fuente de la información: "Sus películas [de Allen] no son rentables. Durante años ha estado saltando de un inversionista a otro. Incluso fue a Europa, pero se ha quedado sin opciones".
Sea como fuere, todo indica que 2019 será el primer año sin un largometraje de Woody Allen en cartelera desde el 82, aunque este tenga firmado un contrato con Amazon, negociado en 2016, que aseguraba la continuidad del realizador con el estudio durante tres producciones más tras 'A Rainy Day in New York'. No obstante, según rumoreó The Hollywood Reporter el pasado enero, en Amazon podrían estar planteándose romper el contrato por resultar "más problemático de lo que habían pensado".
Amazon parece estar dispuesta a crecer en cuanto a su oferta de contenidos audiovisuales en streaming y estaría preparando actualmente, según The Information, un nuevo servicio de video gratuito y con anuncios publicitarios sólo disponible para los usuarios de Fire TV.
Este servicio que podría recibir el nombre de Free Dive y sería totalmente independiente de Prime Video, estaría pensando para aumentar los ingresos de la compañía gracias a la publicidad según la información.
El hipotético Free Dive ofrecería, según se señala, series y películas con cierta relevancia en el pasado, sin contar con contenidos exclusivos, estrenos o producciones originales de ningún tipo. Al menos, por ahora.
Amazon quiere comerse una parte del pastel de la publicidad televisiva
De acuerdo con las informaciones publicadas, Amazon está en conversaciones con los principales estudios con el objetivo de licenciar viejas producciones de televisión que incluir en su oferta.
Esto significa que pese a que estemos hablando de un servicio de streaming, no sería una plataforma de video bajo demanda similar a Prime Video, Netflix o HBO, ni tendría los mismos objetivos, dada su gratuidad. Perseguiría ser una alternativa a esos usuarios que no pagan por servicios de suscripciones, pero sí consumen televisión.
Con ello, la compañía buscaría hacerse un hueco en el goloso mercado publicitario televisivo. Estaría intentando atraer a los anunciantes que sí compran espacios en las emisiones de televisión tradicional.
De hecho, las informaciones sobre este servicio en supuesto desarrollo lo comparan con Roku Channel, otro servicio gratuito con publicidad para dispositivos Roku y televisores inteligentes, que funciona de forma similar. Esta empresa ha defendido que los ingresos por publicidad de su canal han sido un impulsor clave de su creciente negocio, que generó 90 millones de dólares el pasado trimestre.
The Information asegura que Amazon también está aumentando la publicidad durante las transmisiones deportivas que realiza y este movimiento apuntala la hipótesis sobre estrategia que estaría tejiendo con Free Dive: tomar una parte del pastel de la publicidad televisiva.
En un pequeño pueblo marino cerca de Marsella, Angèle, Joseph y Armand vuelven a la casa que construyó su padre. Angèle es actriz y vive en París. Joseph está enamorado de una chica mucho más joven que él. Armand es el único que se quedó en Marsella para llevar el pequeño restaurante familiar. Es el momento de descubrir qué ha quedado de los ideales que les transmitió su progenitor, del mundo fraternal que construyó en este lugar mágico en torno a un restaurante simple y popular. Tal vez por no haberse olvidado de aquellos valores, encuentren allí ese propósito digno y noble que los haga sentir bien.
Más sobre la película LA CASA JUNTO AL MAR es una película que nos muestra sutilmente que nuestros caminos, o el de cualquier otro ser humano, pueden dar un giro cuando menos lo esperamos
En esta ocasión, el sociólogo y director marsellés Robert Guédiguian, hijo de padre armenio y madre alemana, quien ha dirigido películas como Marius y Janette, Lady Jane, Mi padre es ingeniero y Las Nieves del Kilimanjaro, nos muestra de una manera sublime, delicada e impactante, que no siempre tenemos los mismos objetivos en la vida y que cuando creemos saberlo todo y nos encontramos ya establecidos, podemos tropezarnos con cualquier tipo de acontecimiento que puede cambiar nuestros parámetros; demostrando que hay aspectos más importantes que la gloria, la fortuna, la edad o nuestro aspecto físico, como lo son el amor, la compasión, la empatía y el perdón.
LA CASA JUNTO AL MAR tuvo su estreno internacional en el pasado Festival de cine de Venecia, donde el jurado SIGNIS le otorgó su premio por ser “un tratado contemporáneo sobre el mundo en que vivimos”.
Fragmento de artículo en El cine en la sombra
Palabras del director
Desde un principio decidimos rodar toda la película en la "calanque" (cala) Méjean, próxima a Marsella, que siempre me ha recordado a un teatro. Las casitas de colores que ascienden por la colina se asemejan más a un decorado compuesto solo de fachadas que a la realidad... Un viaducto pasa por encima y, desde abajo, los trenes parecen de juguete. La absoluta apertura hacia el mar transforma el horizonte en un telón de fondo, una tela pintada, sobre todo con la luz del invierno, cuando ya no hay nadie. Se convierte en un plató abandonado, maravilloso y melancólico.
En esta "burbuja" al aire libre, un grupo de personas formado por hermanos y hermanas, padre y madres, amigos y amantes habla de amores pasados y amores venideros. Todos ellos, mujeres y hombres, comparten el mismo sentimiento.Han llegado a un punto de su vida en que son plenamente conscientes del paso del tiempo, del mundo cambiante...Los caminos que abrieron antaño se cierran poco a poco. Hace falta un trabajo constante para mantenerlos o, en todo caso, deberán abrirse nuevos. Saben que su mundo desaparecerá con ellos. También saben que el mundo seguirá sin ellos. ¿Será un mundo mejor, peor?¿Gracias a ellos, por ellos?¿Qué quedará de ellos cuando ya no estén?
Y en esta situación, algo ocurre inesperadamente que quizá dé la vuelta a todos estos sentimientos, como una especie de revolución a lo Copérnico: unos niños, supervivientes de una patera naufragada, se esconden en las colinas. Son dos hermanos y una hermana algo mayor, un eco lejano de Joseph, Armand y Angèle. De pronto, la sensación de fraternidad vuelve a invadir la escena y deciden quedarse con los niños. Creo en este encuentro. Hay algo en la "globalización" que enlaza naturalmente con el mañana.
Aunque sea una exageración, me atrevo a decir que hoy en día no podría hacer una película sin hablar de los refugiados: vivimos en un país donde hay gente ahogándose en el mar a diario. Escojo la palabra "refugiados" deliberadamente. Me da igual que sea debido al cambio climático, la guerra o cualquier otra razón. Vienen buscando un refugio, un hogar.
¿Quién sabe si con la llegada de estos tres niños no renacerá la "calanque"? Angèle, Joseph y Armand se quedarán para criar a los niños, intentando que el restaurante, la comunidad de la colina y su mundo sobrevivan. Se esforzarán en preservar la comunicación entre las personas, y así, mantener la paz.
Robert Guédiguian
Entrevista a Robert Guédiguian
De Thibaut Grégoire realizada en Bruselas el 14 de noviembre de 2017 para la revista Le Rayon Vert"
P: En sus películas, los personajes suelen plantearse preguntas políticas. En La casa junto al mar es algo que forma parte de sus identidades. Ha confrontado esta idea, esta reflexión interior, esta nostalgia con un presente más brusco y más duro mediante los emigrantes que aparecen al final de la película. ¿Es una forma de poner a prueba la ideología, las convicciones del momento actual?
R: La idea de LA CASA JUNTO AL MAR era desarrollar a personajes de unos sesenta años a los que les falta material para seguir haciendo política y ser activos, para trabajar en algo más universal que su vida. Se sienten desposeídos de la acción política. Es algo bastante sintomático de mi generación. Antes hacíamos cosas en el seno de una asociación, de un sindicato, pero hoy en día ya no sabemos qué hacer ni dónde. Quería trabajar sobre esto en una especie de teatro, en esa cala que da al mar por un lado y a la colina por el otro. Es comparable a un escenario con mucha más profundidad, pero sigue siendo un espacio cerrado. Rodamos ocho semanas sin poner un pie fuera. Podíamos rodar cuando nos apetecía, con cualquier tipo de luz, a la intemperie o al sol. Pero antes, mientras escribía el guion, pensé que el mundo entero debía entrar en la cala y apareció enseguida el tema de los refugiados. El refugiado, como valor absoluto, como abstracción, demuestra que vivimos en un solo mundo. En este mundo único, la diferencia entre ricos y pobres incrementa, es lo que cuenta esencialmente la figura del refugiado. Mis personajes se preocupan por temas como la emancipación del ser humano, mejorar el mundo, etcétera, y como su padre les enseñó a pensar así desde pequeños, buscan una causa a la que entregarse. Y la causa acaba apareciendo. El hecho de ayudar a estos jóvenes refugiados les pone de nuevo en el buen camino. Por fin vuelven a tener algo por lo que luchar.
P: En una escena, Joseph, al que da vida Jean-Pierre Darroussin, dice: "Era mejor antes". Siempre es una frase ambigua, problemática incluso, pero toma otra dimensión en el contexto de la película, porque la dice este personaje concreto y también porque es un guiño a otra escena en la que nos enseña un extracto de una película que rodó hace más de treinta años, Ki lo sa? (1985), planteando realmente la relación con el pasado y la nostalgia.
R: Sí, desde luego. Pero no es exactamente así. Dice: "Era mejor antes. Desde luego, era mejor para esto". Además, contesta a alguien que le dice: "¿No me dirás ahora que era mejor antes?" Créame si le digo que trabajé mucho estas frases, hubo un sinfín de versiones. Es un diálogo peliagudo. Obviamente, no me parece que era mejor antes, pero tampoco que sea mejor hoy. Más bien creo que no es ni tan malo ni tan bueno como tendemos a creer. Creo que en el mundo, sea como sea, hace falta luchar para que sea mejor. Para mí, lo ideal sería que todos nos preguntásemos permanentemente qué podríamos mejorar. ¿Más justicia? ¿Más igualdad? ¿Más verdad? Siempre queda algo por mejorar. Pero una crítica del presente implica echar una mirada hacia el pasado. Pasolini decía: "El pasado es la única crítica completa del presente". ¿Dónde pueden encontrarse los elementos para criticar el presente si no es en el pasado? Nos vemos obligados a buscar propuestas en el pasado. Por ejemplo, en el Programa del Consejo Nacional de la Resistencia en Francia, porque contenía ideas bellas en torno a la Historia del mundo, o al menos así me lo parece. Puedo volver a ese texto, leerlo de nuevo y sacar lo bueno. Pero no significa que sienta nostalgia por ese periodo histórico, solo es un método válido para criticar el presente. Por eso describiría la nostalgia que habita en los personajes de LA CASA JUNTO AL MAR como una nostalgia combativa. De hecho, la nostalgia siempre es revolucionaria. Los que viven demasiado en el presente, convencidos de que el presente es evidente, los "pragmáticos", son auténticos reaccionarios. Me considero a mí mismo como un nostálgico y un revolucionario.
P: Hay un encadenamiento, en el centro de la película, entre tres escenas muy potentes: el descubrimiento de los cuerpos de los vecinos, cuando los personajes encajan el golpe y, por fin, el extracto de Ki lo sa? Le sirve para cambiar totalmente el ánimo con un surgimiento de lo "sentimental", en el sentido noble de la palabra.
R: Sí, es un momento bisagra en la película. Lo escribí así en el guion, sabía que incorporaría esa secuencia de Ki lo sa? rodada en la misma cala. No surgió durante el montaje. Pienso que había que yuxtaponer el momento en que los dos mayores deciden desaparecer con su mundo y el momento en que los otros tres estaban llenos de esperanza y deseo años antes. Además, los tres personajes principales están exactamente entre esos dos momentos, entre la muerte y el principio de la vida. Pensé que sería sorprendente. El tema de LA CASA JUNTO AL MAR es el paso del tiempo, la huida de la vida, el mundo que cambia. Estas tres secuencias casi son el espejo de la película, su resumen.
P: Hablaba de la cala como de un teatro al aire libre. La teatralidad se cuela en algunos diálogos, en la interpretación y, sobre todo, en las escenas entre Benjamin y Angèle. El juego de seducción de Benjamin parece una escena de teatro, pero a la vez es un reflejo porque hablan de teatro.
R: Sí, quise trabajar la escena en la que él se declara como si fuera una escena de teatro. Y el personaje la interpreta así. Adora a esa mujer desde que era niño, desde la primera vez que la vio en un escenario. Me pareció que no era un error que se declarara de forma teatral. Por lo tanto, debía rodarla con teatralidad. Implicó hacer planos más abiertos, muy encuadrados y concretos, como en el teatro. Aun así, hay bastantes primeros planos; estamos en el cine y apetece ver sus reacciones, seguir sus miradas. Pero la secuencia habría podido funcionar perfectamente solo con planos abiertos.
P: El hecho de que la cala esté desierta le da un aspecto algo fantasmal.
R: En la película hay un flashback de una Navidad en la cala de hace unos años donde se ve la solidaridad y la vida en común. La oposición entre ese momento y el resto de la película es determinante. En el flashback hay muchísima gente, toda la cala está iluminada, pero en el presente todo está desierto, ya casi nadie vive allí fuera de temporada. Era necesario ese ambiente desolado. Un poco como en los westerns, cuando el héroe llega a un pueblo desierto, con hierba seca empujada por el viento y las puertas de la cantina batiendo. Hubo vida, pero se fue, solo quedan rastros. Cuando el personaje de Angèle llega a la cala en taxi, al principio de la historia, el plano general muestra un paisaje desolador, y más aún porque el día que rodamos hacía mal tiempo, lo que nos vino muy bien. Era una ciudad fantasma, con los ecos de lo que había sido, lo que vemos en el flashback.
P: ¿La noción de fantasmagórico, dentro de su dimensión fantástica, ya formaba parte de su idea desde el principio?
R: Menos que la de pueblo abandonado. Pero en cierto modo, a los personajes les persiguen ideas que defendían sus padres y que estaban vigentes cuando la cala aún vivía. No han superado ni la época ni las ideas. No soportan que haya desaparecido la idea de compartir con los demás. No les persiguen espíritus, sino ideas, una ideología.
P: Pero hay una dimensión fantástica en el último plano de la película, cuando unos ecos lejanos hacen "revivir" brevemente al padre inmovilizado en su sillón de ruedas, como si un hechizo le hubiera devuelto la vida.
R: Es un final simbólico, poético, nada realista, desde luego. Los tres hermanos, Angèle, Joseph y Armand, se ven reflejados en los tres hermanos recién llegados. Es el momento de un renacimiento encarnado y simbolizado en el padre que no se ha movido en toda la película y que, de pronto, gira la cabeza como si quisiera oír esas voces a lo lejos. Pero es un final de cine.
P: Y como la película acaba así, es posible dar crédito a esta hipótesis fantástica e interpretar el plano de un modo u otro.
R: Sí. No dudo que algunos espectadores creerán que la salud del padre va a mejorar. Pero eso se debe al increíble optimismo del ser humano.
P: Siempre juega con esa tendencia al optimismo...
R: Desde luego. No concebí un final realista, sino teatral. No creo que el padre pueda mejorar, pero me gusta mucho dejar al espectador la posibilidad de creer otra cosa.
P: El optimismo del espectador solo es posible si la película lo permite.
R: Claro. También creo que la capacidad del espectador a la hora de creer lo que se le cuenta es de suma importancia y totalmente determinante. El espectador debe seguir creyendo en lo que ve para que el cine, el teatro y la literatura puedan seguir viviendo.
P: En esa búsqueda del optimismo, me parece que siempre quiere salvar a los personajes de un modo u otro, sean quienes sean.
R: No siempre ha sido así, pero reconozco que lo hago desde hace un tiempo. En la época actual, aunque se describan cosas algo sombrías, me parece que no enseñar lo poco que no va mal sería inaceptable. Me molesta la complacencia en la desgracia. Personalmente, no voy al cine para que me muestren lo que no funciona si ya soy consciente de ello. Lo sé leyendo la prensa, informándome. No necesito que los cineastas me informen del estado del mundo. No me interesa esa faceta del cine. Voy al cine porque quiero ver un espectáculo con personajes, fricciones, emociones, alguna que otra resistencia al mundo tal como es hoy, aunque sea microscópica. En LA CASA JUNTO AL MAR, los personajes han tenido días mejores. Dos de ellos se suicidan y los tres protagonistas no están en plena forma. Pero quién sabe si, después de conocer a los tres niños, no estarán mejor. Me alegro de que haya esperanza en la película. Como espectador, me alegraría porque si solo contempláramos el malestar de los tres personajes principales, podría ser tedioso. Voy al cine para ver una crítica de los tiempos actuales, desde luego, pero también para ver el inicio de tiempos nuevos, a modo de profecía. Una simple observación naturalista no me interesa.
P: Muestra de forma paralela - o quizá por oposición - la trayectoria de dos parejas compuestas, en ambos casos, por personajes de generaciones muy dispares. Me refiero a Angèle/Benjamin y Joseph/Bérangère. Una pareja se forma y la otra se separa. Si solo hubiese enseñado el declive de una, podría concluirse prematuramente que consideraba una situación así como imposible. Pero al crear otra en la situación inversa, desmiente esa primera idea.
R: Exacto. Del mismo modo que antes he dicho que el pasado no era ni mejor ni peor que ahora, tampoco tengo una idea fija de las parejas de edades diferentes. Sé que hay, y solo deseaba decir que no emito ningún juico de esas situaciones. Ahora bien, desde un punto de vista dramático, me interesaban personajes con trayectorias opuestas e invertir la edad en ambas parejas. La idea del amor transgeneracional me gusta porque evoca profundamente el paso del tiempo. También conlleva historias de cuerpos, de salud, de vitalidad, de cambio de prácticas. Por lo tanto, tratándose de historias de amor de este tipo, se plantea la cuestión del tiempo y del envejecimiento, uno de los temas principales de la película.
P: En LA CASA JUNTO AL MAR vuelven a aparecer sus temas y obsesiones, pero llevados por algo nuevo, como si se dirigiera hacia una especie de apogeo de su cine, como si fuese una recapitulación. ¿Tuvo esa impresión cuando escribió el guion?
R: No, la verdad, no. Pero sí sé que me basé en algo muy personal. Es más, Ariane Ascaride me dijo que la película era como un diario íntimo. Hay mucha ficción, desde luego; no conozco personalmente el tema de los refugiados o del suicidio. Todo está muy disfrazado porque no soporto las películas que carecen de ficción. Siempre trabajo con una construcción inmediata de un relato. No digo que no me interese un cine no narrativo, pero me parece inaccesible para un público amplio. Y como quiero dirigirme a un público amplio, la primera regla para conseguirlo es que la película sea legible de forma inmediata para todos. Creo que incluso alguien que jamás haya ido al cine en toda su vida será capaz de entender esta película. Pero también es verdad que tuve la sensación de hacer una película en la que hablaba directamente, en el sentido de que me reconozco en todo lo que dicen los tres personajes de mi generación. Son cosas que quizá pensé o dije. Cuando hice una película de la historia y la memoria del genocidio armenio, también fue algo muy personal, por mi compromiso y mis recuerdos, pero no era lo mismo. Las bases de LA CASA JUNTO AL MAR son unas pocas palabras que llevaba dentro de mí. Por ejemplo, utilicé una frase que había escrito un año antes para la presentación de un libro de fotografías de Marsella. La película nació a partir de eso, de frases mías que incluí en los diálogos y que puse sobre todo en boca de Jean-Pierre Darroussin. Vista así puede decirse, en cierto modo, que es un compendio de mis pensamientos actuales en forma de ficción.
Sobre el director
Robert Guédiguian
Es el guionista, director y productor de:
2017 – LA CASA JUNTO AL MAR (Venecia, Sección Oficial)
2015 – UNA HISTORIA DE LOCOS (Cannes, Sección Oficial)
2014 – EL CUMPLEAÑOS DE ARIANE
2011 – LAS NIEVES DEL KILIMANJARO (Cannes, Una Cierta Mirada)
2009 – L’ARMÉE DU CRIME (Cannes, Sección Oficial)
2008 – LADY JANE (Berlín, a concurso)
2006 – LE VOYAGE EN ARMÉNIE (Toronto, Sección Oficial)
2005 – PRESIDENTE MITTERRAND (EL PASEANTE DEL CHAMP DE MARS) – (Berlín, a concurso)
2004 – MI PADRE ES INGENIERO (San Sebastián, a concurso)
2002 – MARIE-JO Y SUS DOS AMORES (Cannes, a concurso)
2001 – LA CIUDAD ESTÁ TRANQUILA (Venecia, a concurso – Toronto, Sección Oficial)
2000 – ¡AL ATAQUE! (Toronto, Sección Oficial)
1998 – A LA PLACE DU COEUR (San Sebastián, Premio Especial del Jurado, Mejor Guion, Premio OCIC)
1997 – MARIUS Y JEANNETTE (UN AMOR EN MARSELLA) (Siete nominaciones a los Premios César, Mejor Actriz: Ariane Ascaride)
1995 – A LA VIE À LA MORT! (Toronto, Sección Oficial)
1993 – EL DINERO DA LA FELICIDAD
1990 – DIEU VOMIT LES TIÈDES
1985 – KI LO SA ?
1984 – ROUGE MIDI (Cannes, Quincena de Realizadores)
1981 – DERNIER ÉTÉ (Cannes, Quincena de Realizadores)
Festivales
2017: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes
2017: Premios César: Nominada a Mejor actriz secundaria (Anaïs Demoustier)
Dijo la crítica
“Cautivadora”
Diario El País
“Un retrato lleno de esperanza”
Variety
“Luminosa, optimista y sentimental”
Diario ABC
“Observadora e inteligente”
The Hollywood Reporter
“Bellísimo equilibrio entre el pesimismo y una voluntariosa esperanza”
Diario El Mundo
Los vagos
2017
Duración 92 min.
País Argentina
Dirección Gustavo Biazzi
Reparto Agustín Ávalos, Ana Clara Lasta, Emanuel Gómez, Juan Pablo Vitale,Marcelo Enríquez, Walter Casco, Bárbara Hobecker
Son finales de la década del 90. Ernesto y Paula, novios desde la adolescencia, nacidos y criados en Misiones, ahora estudian en Buenos Aires. Durante las vacaciones, vuelven al verano tropical de Misiones a reencontrarse con familia y amigos. Al llegar a su tierra natal, Ernesto se deja arrebatar por las andanzas de “Los Vagos”, sus amigos de la infancia, que se empeñan en prolongar la adolescencia en lugar de asumir la adultez. Ernesto descuida la relación con Paula como si buscara el fracaso del noviazgo. Una torpeza será el desencadenante del final de la pareja. Inmerso en la decepción, la culpa y la nostalgia, regresará a Buenos Aires a seguir su vida sin Paula, pero también a empezar a mirarse a sí mismo y a Los Vagos desde un lugar distinto.
Notas del director
El tema central de la película gira en torno a los vínculos humanos y las consecuencias por la falta de cuidado en una relación de pareja. Como una advertencia que dice: el que no cuida lo que tiene lo pierde. Pero este enunciado no se manifiesta de manera explícita, como si fuera un manual de conducta. Porque de esa manera carecería de interés y sentido poético. Esta idea central atraviesa la película de un modo silencioso. Ernesto no sabe cuidar a su novia y termina perdiéndola. Pero es necesario observarlo y acompañarlo en toda su imperfección humana para poder comprenderlo. La película es el retrato de una época y fue ambientada a final de la década del 90 y principio de los años 2000. Del mismo modo que elegimos el vestuario, los objetos, la música, y otros elementos que dan coherencia estética al conjunto, elegimos el tipo de comportamiento de los personajes. Ese comportamiento es el que genera el conflicto de la película. Así aparece la tensión que impulsa la acción dramática. Y el punto de vista está puesto en tratar de comprender ese comportamiento contradictorio del personaje, propio de una época, y una etapa de la vida, como el paso de la adolescencia a la adultez.
Sobre el director
Gustavo Biazzi es un reconocido y premiado Director de Fotografía. Desde ese rol y también como colorista y camarógrafo ha acompañado el desarrollo del cine independiente argentino de las últimas décadas, dándose espacio para dirigir y producir sus propias obras. Entre sus trabajos de Director de Fotografía se destacan: La patota/Paulina (Gran Premio Semaine de la Critique – Cannes 2015), de Santiago Mitre. El cielo del Centauro, de Hugo Santiago. Los dueños, de Toscano/ Radusky ( Semaine de la Critique – Cannes 2013). El estudiante, de Santiago Mitre (2011- Locarno,Toronto, NYFF) por la que obtuvo el Premio ADF Mejor Fotografía en BAFICI 2011. Un mundo Misterioso, de Rodrigo Moreno (Berlinale 2011). Castro, de Alejo Moguiyansky, (Premio Kodak Mejor Fotografía en BAFICI 2009). Fue camarógrafo en Carancho, de Pablo Trapero (Un Certan Regard – Cannes 2010).
A fines de 2009 estrenó El remanso, documental que realizó en su Misiones natal y que exhibió de manera independiente en diferentes espacios del país. Ha dirigido tres cortometrajes: Flash, Basura y Mi consentida.
Festivales
Festival Internacional de Cine de Mar del Plata 2017 –
Competencia Argentina
Rotterdam Film Festival 2018 – Bright Future
Dijo la crítica
“Gustavo Biazzi logra que tomas de una gran exigencia técnica se vean fáciles, digno de esperarse de uno de los fotógrafos jóvenes de mayor renombre. Un nuevo autor a considerar en las filas del cine argentino.”
León, compañero de Flavia desde hace ocho años, murió. Como Flavia llora su pérdida, también está confundida, abrumada por las tareas diarias y las situaciones que la hacen sentir frágil e incompleta. Su misma vida es desconocida. Lucía, la hija de León con su ex esposa, irrumpe en la vida de Flavia en busca de la figura paterna que ya no está.
Demonio de medianoche
2016
Duración 95 min.
País Estados Unidos
Dirección Travis Zariwny
Reparto Gabrielle Haugh, Lin Shaye, Robert Englund, Logan Creran, Grayson Gabriel,Emily Haine, Summer H. Howell, Callie Lane, Keenan Lehmann, Louise Linton,Abigail Pniowsky, Meredith Rose, Michael Sirow, Kyle Strauts, Luca Villacis
Alex vive en una antigua mansión donde cuida a su abuela, Anna, quien padece una enfermedad mental. Mientras busca un espejo de su abuela, Alex y su amiga Miles encuentran una caja en el ático. Con gran curiosidad la abren, sólo para descubrir un juego dentro. Las dos deciden jugarlo y seguir las reglas leyéndolas en voz alta… y a medianoche. Pero el juego no es una broma, pues han despertado a un Demonio que vuelve realidad sus peores miedos. Alex y Miles intentarán desesperadamente encontrar la forma de vencerlo en su propio juego mortal, mientras descubren la verdad detrás de la mansión y la abuela de Alex.
Yanka y el espíritu del volcán
2018
Duración 85 min.
País Argentina
Dirección Ivan Abello
Reparto Ivan Abello, Hugo Arana, Lucia Arroyo, Laura Azcurra, Chela Cardalda, Martín Conti,Leto Dugatkin, Enrique Dumont, Manuel Faillace, Maite Lanata, Juan Palomino,Gastón Pauls, Marcelo Peralta, Florencia Rosemblit, Luciano Rosso,Aymará Rovera, Matías Scarvacchi, Ezequiel Volpe
Yanka es una niña de trece años que vive en la ciudad junto a su padre. Su madre los abandonó diez años atrás, dejándole a ella como único recuerdo un collar con tres piedras. Según testigos, la madre se perdió en el bosque del Copahue la noche en que el volcán entró en erupción por última vez y nunca más se volvió a saber de ella. Tras intensos meses de búsqueda las autoridades la dieron por muerta. Yanka nunca creyó en esta version y siempre sostuvo que su madre estaba viva. El dia del casamiento del padre, Yanka se revela y, mientras su padre se va de luna de miel, ella decide ir al bosque a buscar a su madre. Pero el bosque es un lugar lleno de trampas y seres extravagantes. Entre ellos, el malévolo Kú, secuaz de Pillán, que utilizara sus poderes para tratar de detenerla. Yanka será ayudada por Chucao, un duende del bosque tan simpático como mentiroso, y por Lihuén, un joven morador del bosque que conoce sus secretos. Ambos la ayudarán a sortear las trampas de Kú y de Pillán. A lo largo de esta travesía fantastica, Yanka descubrirá que es la última descendiente de la dinastía de los Gwen Winkul , y deberá enfrentarse a Pillán para detener su furia, antes de que se complete el eclipse de luna.
Teatro de guerra
2018
Duración 82 min.
País Argentina
Dirección Lola Arias
Documental innovador que revela las historias personales de ex soldados británicos y argentinos cuyas vidas se vieron profundamente afectadas por la guerra de las Malvinas.
Un año de danza
2018
Duración 83 min.
País Argentina
Dirección Cecilia Miljiker
Todos los años, alrededor de 200 chicos de entre 8 y 12 años, se presentan en la Escuela de Danza del Teatro Colón (una de las escuelas de ballet más exigentes de Latinoamérica) para rendir el examen de ingreso a primer año. El examen dura tres días y es sumamente competitivo. Algunos chicos se presentan dos o tres veces para lograr entrar. A los que logran ingresar, les espera un año duro, donde se tendrán que acostumbrar a dormir poco, cambiar sus hábitos diarios y dejar de lado muchos aspectos de su vida de niño.
Todos lo saben
2018
Duración 130 min.
País España
Dirección Asghar Farhadi
Reparto Penélope Cruz, Javier Bardem, Ricardo Darín, Eduard Fernández, Inma Cuesta,Bárbara Lennie, Elvira Mínguez, Ramón Barea, Carla Campra, Saadet Aksoy,Sergio Castellanos, Sara Sálamo, Roger Casamajor, Nella Rojas, Jaime Lorente
Laura viaja con su familia desde Buenos Aires a su pueblo natal en España para una celebración. Lo que iba a ser una breve visita familiar se verá trastocada por unos acontecimientos imprevistos que cambiarán por completo sus vidas.
Sección Oficial del Festival Internacional de Toronto.
Una película del director iraní Asghar Farhadi, de la que también es guionista. Protagonizada por Penélope Cruz, Javier Bardem, Ricardo Darín, Eduard Fernández, Bárbara Lennie, Inma Cuesta, Elvira Mínguez, Ramón Barea y Carla Campra.
El rodaje de la nueva cinta del director ganador de dos Oscar a la mejor película extranjera por Nader y Simín y por El viajante se llevó a cabo en diferentes localizaciones de Madrid.
La monja
2018
Duración 96 min.
País Estados Unidos
Dirección Corin Hardy
Reparto Taissa Farmiga, Demian Bichir, Bonnie Aarons, Charlotte Hope, Ingrid Bisu,Jonas Bloquet, Jonny Coyne, Manuela Ciucur, Jared Morgan, Sandra Teles,Boiangiu Alma, Laur Dragan
Cuando una joven monja en una abadía de clausura en Rumanía se suicida, un sacerdote con un pasado poseído y una novicia a punto de tomar sus votos son enviados por el Vaticano para investigar. Juntos descubren el profano secreto de la orden. Arriesgando no sólo sus propias vidas sino su fe y hasta sus almas, se enfrentan a una fuerza maléfica en forma de la misma monja demoníaca que anteriormente ya horrorizó a la audiencia en "El conjuro 2", donde la abadía se convierte en un campo de batalla de horror entre los vivos y los condenados.
El realizador James Wan, director de los éxitos que han batido récords "El conjuro" y "El conjuro 2", explora otro rincón oscuro de ese universo con "THE NUN" de New Line Cinema. Encabezado por el galardonado director Corin Hardy ("The Hollow"). Produce Wan con su productora Atomic Monster, junto con Peter Safran, que ha producido todas las películas de la franquicia "The Conjuring".
"The Nun" está protagonizada por el actor nominado a un Oscar, Demian Bichir ("Una vida mejor") como el Padre Burke, Taissa Farmiga ("American Horror Story" en TV) como la Hermana Irene, Jonas Bloquet ("Elle") como Frenchie, el habitante local del pueblo, Charlotte Hope ("Juego de Tronos" en TV) como la Hermana Victoria en la abadía, Ingrid Bisu ("Toni Erdmann") como la Hermana Oana, y Bonnie Aarons, repitiendo su papel en "El conjuro 2", en el papel que da título a la película.
Gary Dauberman y Todd Williams son los productores ejecutivos, con Michael Clear como coproductor.
Junto con Hardy, tras las cámaras estarán la directora de fotografía Maxime Alexandre ("The Voices," próximamente "Annabelle: Creation"), la diseñadora de producción Jennifer Spence ("Cuando las luces se apagan" las películas de "Insidious"), el director de montaje Michel Aller ("Cuando las luces se apagan" "Paranormal Activity: Dimensión fantasma"), y la diseñadora de vestuario Sharon Gilham ("Black Mirror" en TV).
Cuenta la historia de un veterano de guerra con trastorno de estrés post traumático (Hayden Christensen) que luego de establecer una relación con un dudoso Mesías (Harvey Keitel) abandona su vida cotidiana y comienza a entrenarse de una manera extrema en un refugio subterráneo. Todos dudan de su integridad mental pero cuando él mismo empieza a planteárselo algo extraordinario sucede.
