Bajo el sol
2015
Duración 123 min.
País Croacia
Director Dalibor Matanic
Reparto: Tihana Lazovic, Goran Markovic, Nives Ivankovic, Mira Banjac, Slavko Sobin, Dado Cosic, Trpimir Jurkic, Lukrecija Tudor, Stipe Radoja
La primera historia se desarrolla en 1991, justo antes del comienzo de la guerra, y hay un alto grado de tensión que no es terreno fértil para el amor y mucho menos si se trata de dos jóvenes de pueblos vecinos, pero de diferentes nacionalidades. Diez años más tarde, la guerra ha terminado pero no se ha olvidado. Los protagonistas tienen que enfrentarse a las heridas que tardan en curarse. En la tercera historia, ambientada en 2011, ya no hay amenazas o tensiones, pero las dudas no se han disipado. Aunque quizás sea el momento de comenzar de nuevo.
Veloz como el viento
2016
Duración 119 min.
País Italia
Director Matteo Rovere
Reparto: Stefano Accorsi, Matilda De Angelis, Roberta Mattei, Paolo Graziosi, Tatiana Luter,Rinat Khismatouline, Lorenzo Gioielli, Giulio Pugnaghi
12 horas para sobrevivir
2016
Duración 105 min.
País Estados Unidos
Director James DeMonaco
Reparto: Elizabeth Mitchell, Frank Grillo, Mykelti Williamson, Edwin Hodge, Joseph Julian Soria, Kyle Secor, Betty Gabriel
Tres años atrás, el mundo reaccionó con entusiasmo a The Purge: La noche de las bestias, un provocador concepto en el que una noche al año el gobierno permite que cualquier crimen, incluido el asesinato, sea legal para preservar el crecimiento económico y el bienestar social del país. The Purge: La noche de las bestias y Anarchy: La noche de las bestias, estrenadas en 2013 y 2014 respectivamente, electrificaron al público y recaudaron 200 millones de dólares en la taquilla mundial.
12 HORAS PARA SOBREVIVIR cuenta un nuevo capítulo de las aterradoras doce horas de anarquía anual. El thriller especulativo nos lleva a un futuro distópico en vísperas de unas elecciones presidenciales que han dividido a la nación entre los que defienden la Purga y los que desean abolirla.
Los Nuevos Padres Fundadores de América (NPFA) gobiernan el país y aprueban anualmente la Purga con el fin de asegurar que la criminalidad se mantendrá por debajo del 1% el resto del año. Por otra parte, se gesta una revolución. Algunos están convencidos de que La Purga es un truco ideado por los líderes con el fin de deshacerse de los más pobres e indeseables para que sólo permanezca la élite.
Durante el transcurso de una noche caótica y violenta, seguimos a un grupo de improbables aliados que se unen por casualidad en Washington DC durante la fatídica Purga. A medida que se destapa la terrible conspiración ideada por los NPFA, los líderes que prometieron dar una vida mejor a los ciudadanos, cinco héroes descubrirán de lo que son capaces por proteger sus principios y a sus seres queridos.
Ha llegado la hora de hacerse con las calles de la capital de Estados Unidos; y esta noche, el alma del país está en juego.
Han pasado dos años desde que Leo Barnes (FRANK GRILLO, Anarchy: La noche de las bestias, Capitán América: El soldado de invierno, La noche más oscura) se detuvo antes de llevar a cabo una venganza que le habría pesado eternamente, en la apasionante Anarchy: La noche de las bestias. Hoy en día, Leo es el jefe de seguridad de la senadora Charlie Roan (ELIZABETH MITCHELL, las series "Lost" y "Once Upon a Time"), y su único cometido es protegerla durante la peligrosa y controvertida carrera presidencial.
Al igual que Leo, la senadora debió enfrentarse a la pérdida de sus seres queridos. Fue el único miembro superviviente de toda su familia después de una noche de Purga hace muchos años, y ha dedicado su vida a intentar abolir un ritual que, como ha descubierto, está diseñado para deshacerse de los pobres e inocentes. Ahora, en plena campaña electoral, su pacifismo despierta la ira de muchos a medida que aumentan sus seguidores.
En una zona de Washington DC no frecuentada por los políticos - a menos que deseen hacerse una foto para quedar bien -, Joe (MYKELTI WILLIAMSON, Forrest Gump, la serie "Justified") tiene una pequeña tienda donde van los vecinos habitualmente. Acaba de enterarse de que la prima anual del seguro que le protege contra la Purga ha subido descontroladamente. Ya no puede permitirse el lujo de pagar una protección reservada a los ricos. Solo, sin apenas medios, no le queda más remedio que enfrentarse a las duras calles de la capital para proteger su pequeño negocio y a su familia adoptiva.
Marcos (JOSEPH JULIAN SORIA, Crank: Alto voltaje, la serie "Army Wives"), que trabaja con Joe desde hace años, consiguió salir de un país devastado por la guerra y emigrar a Estados Unidos para hacer realidad sus sueños. Se pone del lado de su jefe, y a medida que el caos invade las calles, los conocimientos que adquirió en otros tiempos son de gran ayuda.
Laney (BETTY GABRIEL, Experimenter) es una mujer dura con un pasado casi impensable. Sus violentas hazañas le han hecho famosa entre los Purgadores, pero consiguió cambiar de vida con la ayuda de Joe, al que respeta como a un padre, y ahora intenta expiar su pasado conduciendo una furgoneta para ayudar a las víctimas de la violencia de la Purga. Solo quiere salvar a la gente y redimirse.
Un enemigo se infiltra en el equipo de seguridad de la senadora Roan, obligándola a pasar la terrible noche en las calles sin ayuda de nadie, pero Joe, Laney y Marcos se unen a Leo para impedir que la asesinen. Los inesperados aliados se unirán para luchar, e incluso matar, mientras huyen por la ciudad, perseguidos por fuerzas oscuras. Si consiguen mantener con vida a la senadora hasta el amanecer, habrán salvado la única esperanza que tiene el país de eliminar la Purga... y encontrar la paz que tanto anhelan.
Vuelven a colaborar con el creador de la serie, JAMES DeMONACO (guionista y director de Purge: La noche de las bestias y Anarchy: La noche de las bestias), los productores de las dos entregas anteriores, JASON BLUM (las franquicias Insidious y Ouija, La visita), de Blumhouse Productions; MICHAEL BAY, BRAD FULLER y ANDREW FORM (Ninja Turtles, la franquicia Ouija y La matanza de Texas), de Platinum Dunes, y SÉBASTIEN K. LEMERCIER (Asalto al distrito 13, Four Lovers), productor y habitual colaborador del guionista y director James DeMonaco.
Para la tercera entrega, el director se ha rodeado de un equipo técnico de primera, compuesto por el director de fotografía JACQUES JOUFFRET (El único superviviente, la franquicia La noche de las bestias); la diseñadora de producción SHARON LOMOFSKY (Man on Wire, A por todas); la diseñadora de vestuario ELISABETH VASTOLA (Stake Land, Cold in July), y el compositor NATHAN WHITEHEAD (la franquicia La noche de las bestias, la serie "The Last Ship").
La producción ejecutiva de 12 HORAS PARA SOBREVIVIR corre a cargo de los habituales colaboradores de la serie, LUC ETIENNE, JEANETTE VOLTURNO y COUPER SAMUELSON.
En defensa de la grandeza de América: Empieza 12 HORAS PARA SOBREVIVIR
En la entrega de Anarchy: La noche de las bestias, los espectadores se quedaron sorprendidos ante la aparentemente sencilla premisa que había escogido el director James DeMonaco, que reconoce haberse inspirado en libros clásicos como La lotería, de Shirley Jackson, y El juego más peligroso, de Richard Connell.
Las entregas de La noche de las bestias describen el derrumbe de la sociedad cuando un gobierno corrupto alienta a los ciudadanos a dar rienda suelta a sus instintos más bajos y atacar al eslabón social más débil, y la reacción de la gente que participa en el desenfreno.
Después del éxito de las dos primeras películas, James DeMonaco regresa a su explosivo universo con el tercer capítulo de la franquicia, pero esta vez a una escala mucho mayor. El director creó la serie como si se tratara de una alegoría planteándose algunas preguntas: "¿Y si nuestros gobernantes intentasen obligarnos a que nos despedazásemos mutuamente y a destruir al estrato más vulnerable de la sociedad? ¿Qué haría yo, seguirles el juego o alzarme contra ellos?"
En el mundo de la producción, un mismo director no suele dirigir las tres entregas de una franquicia, pero James DeMonaco dice: "La idea subyacente en La noche de las bestias siempre fue combinar varios géneros, y esta vez más que nunca. Hay mucha acción, terror, ciencia-ficción, elementos futuristas utópicos y distópicos, además de un mensaje político".
La fecha de estreno del thriller no fue intencionada, tal como explica el director: "Nos ha venido muy bien, pero escribí el guión en 2014, ha sido una casualidad. La película no se basa en ningún candidato, pero con lo que está pasando en estas elecciones, es comprensible que se saquen ciertas conclusiones".
Tanto para James DeMonaco como para su habitual colaborador Sébastien Lemercier, 12 HORAS PARA SOBREVIVIR es una evolución natural en una franquicia que crece con cada estreno. Purge: La noche de las bestias transcurría en el hogar de una familia acomodada en una urbanización selecta; Anarchy: La noche de las bestias dejaba al descubierto una conspiración gubernamental llevando el planteamiento a las calles de la ciudad desde el punto de vista de un hombre corriente.
12 HORAS PARA SOBREVIVIR va mucho más allá, al mismo corazón de la corrupción, y a las mentes y hogares de los gobernantes del universo que hemos creado", explica Sébastien Lemercier. "El resultado de sus decisiones ya está llamando a sus puertas".
Para este tercer episodio, la empresa Blumhouse Productions, de Jason Blum, decidió encabezar el equipo. Los productores supieron desde un principio que el gran éxito de las dos primeras entregas se debió al instinto del director-guionista y estaban totalmente seguros de que iría aún más lejos con esta nueva película.
Jason Blum, el productor de éxitos de la talla de las franquicias Paranormal Activity e Insidious, además de una primera y reciente colaboración con M. Night Shyamalan, Los Huéspedes, es conocido por su capacidad para convertir películas de presupuesto reducido en auténticos taquillazos, como evidencia la recaudación de las dos primeras entregas de La noche de las bestias, que forman parte del acuerdo de opción preferente inicial entre Blumhouse y Universal Pictures.
"Como guionista y director, James es un maestro del suspense con películas apasionantes que incitan a la reflexión", dice el productor Jason Blum. "Y con esta tercera entrega, James ha soltado todas las amarras. Ha querido ampliar su horizonte y explorar una enorme conspiración procedente de los mismos gobernantes debidamente elegidos por los ciudadanos".
Jason Blum siempre intenta trabajar con cineastas experimentados como James DeMonaco y darles total libertad para que plasmen su visión en la gran pantalla, mientras él se asegura de que la película se mantiene dentro del presupuesto y del calendario previsto. "Hace tiempo me di cuenta de que las producciones de bajo presupuesto dan pie a una continua creatividad y energía durante el rodaje", explica. "Al ser el guionista y director de las tres entregas, James no solo conoce al dedillo cada uno de los elementos de una historia tan especial, también sabe perfectamente cómo funciona una producción de este tamaño. Es un genio creando aspectos muy diferentes para cada una de las películas sin olvidar los temas centrales comunes a las tres que actúan como puente".
Blumhouse vuelve a asociarse con Platinum Dunes, de Michael Bay, para esta entrega. Brad Fuller, uno de los tres socios de Platinum Dunes, estaba totalmente de acuerdo en seguir con la historia subversiva de la Purga anual organizada por los NPFA con la oposición de sus detractores y cree que el público volverá a responder positivamente al terrible mundo imaginado por el director: "James tiene toda la razón cuando dice que la película reúne varios géneros. Mezcla terror, acción y thriller con un mensaje político. En esta entrega hay mucho más en juego. No se trata solo de que un grupo de personas sobreviva a la aterradora noche, sino de la propia supervivencia de la Purga; más aún, de la conciencia de una nación".
Andrew Form, también de Platinum Dunes, dice que James DeMonaco se centra ante todo en contar una historia absorbente y convincente: "James escribe con mucha empatía sobre personas corrientes atrapadas en situaciones extraordinarias, y lo hace de forma creíble, por eso sus historias son tan fascinantes".
El thriller cuenta lo que representa ser una familia en la tremenda época en que se sitúa la franquicia. "Los personajes son muy creíbles, es fácil identificarse con ellos, y luego está la dinámica típica de una familia entre Joe, Laney y Marcos", explica Andrew Form. "Es un elemento nuevo bastante inesperado para una película perteneciente a la Noche de las bestias".
El director usa a dos personajes que funcionan como el eslabón de unión en la trilogía, el Extraño de la primera entrega que se refugia en casa de los Sandin y que vuelve a aparecer en Anarchy tiene un papel clave en la nueva película. James DeMonaco explica que la evolución de La noche de las bestias puede verse a través de la mirada de Dante Bishop (EDWIN HODGE, The Purge: La noche de las bestias y Anarchy: La noche de las bestias): "En la primera película es una presa que huye desesperada, pero en la tercera es un líder revolucionario que sale a cazar al candidato presidencial del NPFA".
Leo, el policía decidido a vengarse al final de la segunda película, también regresa como protagonista en esta entrega. "Leo estuvo a punto de caer en la trampa de la Purga, conoce el interior de la tripa de la bestia, sabe el mal que hace la Purga en el país", comenta el director. "Hará lo que sea con tal de que la senadora llegue a la Casa Blanca, donde abolirá la Purga de una vez por todas".
¿De qué lado estarás?. El reparto del thriller
Con 12 HORAS PARA SOBREVIVIR, James DeMonaco deseaba ofrecer al público un atrevido thriller que no sacrificara el desarrollo de los personajes. Para conseguirlo, dedicó mucho tiempo durante la escritura a crear, para cada uno de los personajes, una situación única que vamos descubriendo a medida que se acerca la terrible noche. "Los espectadores deben conocer a los personajes y encariñarse con ellos", dice. "También quería protagonistas masculinos y femeninos fuertes que no solo luchan por sobrevivir, sino por quitar el poder a los que lo han usurpado".
Frank Grillo, el actor que saltó a la fama en Capitán América: El soldado de invierno, vuelve a meterse en la piel del héroe atormentado. "Al contrario de muchos actores con los que he trabajado, Frank es un tío duro en la vida real, y eso se nota en la pantalla", comenta el realizador. "Crecí viendo películas de actores como Charles Bronson y Steve McQueen, que también eran tíos duros. Además, Frank domina las artes marciales y es perfectamente comparable a esos grandes actores de los años setenta. No finge, y me parece que es una de las razones por las que sus papeles gustan tanto al público".
Fran Grillo, que también protagonizó Anarchy: La noche de las bestias, estaba entusiasmado por volver a trabajar con James DeMonaco en esta entrega, sobre todo cuando descubrió que contenía un trasfondo político. "James es el guionista y director de las tres películas, entiende a la perfección el mundo que ha creado", dice el actor. "Tiene una idea muy clara de lo que quiere y eso siempre es una gran ventaja para un actor".
Las numerosas secuencias de lucha de la película también atrajeron al actor, que se empeñó en realizar una gran parte, especialmente las peleas cuerpo a cuerpo. "En esta entrega hay el doble de peleas que en la anterior", dice, y añade riendo: "Puedo demostrarlo por la cantidad de hematomas que tengo".
Para eliminar a la senadora y ganar las elecciones, los NPFA han cambiado las reglas de la Purga: por primera vez, los políticos elegidos no están a salvo. A pesar de dar la impresión de que ahora la Purga es totalmente igualitaria, sin importar que se sea rico o pobre, en realidad los NPFA solo quieren asesinar a la senadora.
Se infiltran en el equipo de seguridad de la senadora, y aunque Leo consigue hacerla escapar, son perseguidos por mercenarios contratados por el gobierno de los NPFA, entre los que está Earl (TERRY SERPICO, la serie "The Inspectors"), que no se detendrá hasta haber matado a la senadora.
"Tardamos cinco horas en rodar una brutal pelea con navajas entre Leo y Earl que dura exactamente un minuto y medio en la pantalla, y ya habíamos pasado diez horas ensayando", explica James DeMonaco. "Frank es un luchador talentoso con movimientos muy rápidos de las manos. Había especialistas dispuestos a sustituirle, pero en casi toda la secuencia son ellos dos peleando".
Cuando buscaban a una actriz para hacer el papel de la inquebrantable senadora Roan, una mujer decidida a impedir que vuelva a haber otra Purga, los productores y el realizador se inclinaron por Elizabeth Mitchell. Además de encarnar un papel femenino muy fuerte, a la intérprete le gustó ser el equilibrio moral de la película.
"James y yo hablamos de que no se puede ser bueno sólo cuando conviene", explica Elizabeth Mitchell. "La senadora siempre es buena, por eso me gustó el papel. No quiere que maten a nadie para salvarla porque sería llegar a la presidencia con sangre en las manos en vez de tener un comienzo puro".
La senadora se pasea sin temor entre la muchedumbre durante la campaña electoral, por mucho que Leo le recuerde que es muy peligroso. La noche de la Purga prefiere no unirse a la élite de la sociedad y encerrarse con los demás. Se queda en casa, lo que significa un plus para su campaña. Pero debido a una terrible traición, se encuentra en primera línea de fuego.
"Está dispuesta a darlo todo con tal de ganar", dice la actriz. "El dolor de las pérdidas que han sufrido por culpa de la Purga son el motor de Leo y de Roan. Ella ha dedicado toda su vida a acabar con esa terrible noche. Todo lo que hace gira en torno a ese objetivo y por eso es tan valiente".
Al igual que Frank Grillo, estaba más que dispuesta a participar en las escenas de acción. "Me encanta la acción, quiero hacerlo todo hasta donde me permiten", explica. "En general no hago cosas peligrosas, pero si solo se trata de unos cuantos golpes, me dejan".
A continuación, los productores y el director buscaron al actor ideal para encarnar a Joe (Mykelti Williamson), la figura paternal de la película. El actor dice, hablando de su familia adoptiva: "Marcos es el hijo que nunca tuvo y Laney es como su hija".
Cuando unos turistas asesinos (la Purga se ha convertido en una popular y lucrativa atracción turística) tienen atrapados a Leo y a Roan, Joe y Marcos (Joseph Julian Soria) acuden a ayudarlos. Al principio, Joe no quiere ayudar a la senadora y tampoco confía en Leo. "Joe no cree en los políticos e incluso le dice a la senadora que hace tiempo que ha perdido la fe en los representantes del pueblo", comenta Mykelti Williamson. "Les ayuda porque son seres humanos, pero solo por eso".
Para encarnar a Marcos, los productores y el realizador escogieron al actor de televisión Joseph Julian Soria, que se sintió atraído por la complejidad del personaje. Cada día que pasó en Juárez fue como vivir una Purga para Marcos, tuvo que luchar para sobrevivir y está dispuesto a usar sus habilidades para defender a las personas que le importan, especialmente a Joe. "Marcos tiene mucho corazón, pero en el pasado hizo cosas que prefiere callar", explica el actor. "Todos tenemos a una persona por la que daríamos la vida, y esa persona es Joe para Marcos".
Para encarnar a la durísima Laney, escogieron a la poco conocida Betty Gabriel. Laney es una luchadora con un pasado peligroso, como demuestran sus cicatrices. Ahora se opone a la Purga conduciendo una camioneta para ayudar a las víctimas de la violencia. "Sabe que hizo cosas terribles en el pasado e intenta redimirse, pero a su manera", dice la actriz. "Es un personaje genial porque desconoce el miedo".
Betty Gabriel también agradeció que el guión explorara el lado más oscuro del ser humano. "Todos somos capaces de cometer actos violentos, y la Purga nos da permiso, por eso es tan aterrador", explica. "Son crímenes premeditados durante doce horas de anarquía. Hay personas que nutren el odio y esperan el momento de vengarse".
Laney consigue echar a los Purgadores y lleva a Joe, a Marcos y a la senadora a un centro subterráneo donde hay personal médico que protesta contra la Purga ayudando a los pobres y a las personas más vulnerables, además de curar las heridas de los que han sido atacados. Curiosamente, hay una regla no escrita entre los Purgadores: no se toca a esos médicos.
Para encarnar al malo, James DeMonaco escogió al candidato de los NPFA a la presidencia. El ministro Owens (KYLE SECOR, la serie "Resurrection") cree a pies juntillas que la Purga es lo que engrandece a América y la defiende en nombre de Dios y de la nación. "Me documenté viendo viejos programas de telepredicadores como Kenneth Hagin, que decía tener el don de las lenguas, para crear el personaje", explica James DeMonaco. "Predica que el asesinato es la nueva religión y que la Purga purifica el alma. El ministro representa el lado más oscuro de la religión y que nuestras creencias pueden llevarnos a lugares muy peligrosos.
La construcción de una nueva nación: Detrás del escenario
Diseño y localizaciones
Para dar la sensación de un país gobernado por los NPFA, la diseñadora de producción Sharon Lomofsky empezó creando un país realista aunque totalmente distópico: "Rodamos en Providence, Long Island. La ciudad es acomodada, pero los extrarradios eran perfectos para las zonas pobres. Encontramos una zona a las afueras de un pueblo cercano a Providence. Es típicamente americano, pero sin el esplendor de la capital".
La directora de producción y su equipo se ocuparon de diseñar y encontrar los decorados que requería la película. Además de la agradable casa de la senadora, estaba la tienda de Joe, un pequeño comercio que lucha por sobrevivir entre casas abandonadas.
"Queríamos que fuera la típica tienda de antaño, un lugar donde el tiempo se ha parado y la gente va a pasar un rato, como en tantos pequeños comercios de los grandes centros urbanos", explica Sharon Lomofsky. "En la pequeña ciudad donde rodamos la tienda de Joe, muchos comercios estaban vacíos y cerrados, pero nos sorprendió ver que cada día regaban las jardineras colgantes llenas de flores".
En un universo bajo dominio fascista donde impera la ley, excepto la noche de la Purga, la diseñadora quiso dejar patente la ausencia de libertad individual y de expresión. "Mantuvimos las calles limpias, vacías, sin el menor detalle expresivo", explica. "Era una sensación rara, daba escalofríos. Estamos acostumbrados al ruido y a los carteles en nuestros entornos urbanos, especialmente en los barrios marginales del centro de las ciudades".
El ministro Owens y sus seguidores celebran la Purga con un sacrificio humano en una de las escenas clave de la película, y la diseñadora y el realizador buscaron el decorado perfecto. "James quería crear un mundo utilitario, y cuando vimos la catedral, nos dimos cuenta inmediatamente de que era el lugar ideal", comenta Sharon Lomofsky.
Para esta escena, donde la élite de los NPFA defiende el asesinato como gesto purificador, James DeMonaco y Sharon Lomofsky se inclinaron por usar colores provocativos. "Queríamos mostrar la yuxtaposición de la belleza y del horror, además de los actos totalmente incomprensibles que tienen lugar la noche de la Purga", explica. "El trasfondo de temas como la hipocresía y la violencia debía quedar patente".
El vestuario del thriller
La experimentada diseñadora de vestuario Elisabeth Vastola se encargó de vestir a los actores asegurándose de que la ropa encajaba con los personajes y las circunstancias que les rodean.
A pesar de que la película transcurre en el futuro, la diseñadora y su equipo tuvieron mucho cuidado de que el vestuario no alejara a los protagonistas de los espectadores: "Todos los personajes son muy diferentes, no se parecen en nada. Era importante que fueran reconocibles como un grupo con el que el público no solo se identificara, sino que también creyera en su recorrido durante esa noche de caos total", comenta. "Decidí que el vestuario sería práctico, con colores discretos".
Para Marcos y Joe, escogió un vestuario quizá algo más sobrio de lo que exigiría su vida profesional. "Las camisas abotonadas de Marcos debajo de su mandil de dependiente demuestran que quiere ascender en la escala social", dice. "Joe también viste bien, se siente orgulloso de su tienda; además, su ropa refleja claramente que representa una figura paterna".
Laney, una joven profesional, lleva una ropa que expresa claramente su fuerza e intensidad; por ejemplo, un par de elegantes pantalones con acabados de cuero. "Hay cierta dicotomía en su vestuario, lo que refleja su complejidad", añade la diseñadora.
Vistió a la senadora con elegantes trajes de línea clásica: "Es fácil ver el paralelismo entre sus trajes serios y el control que demuestra como política en una situación realmente caótica".
Leo lleva un traje moderno algo más elegante de lo que podría esperarse. "Leo es un hombre seguro de sí mismo, inteligente y de una gran lealtad", explica. "Nos pareció que si vestía con elegancia también daría a entender el giro que ha dado su vida desde que le vimos en Anarchy: La noche de las bestias. Al principio pensamos en ropa más deportiva, pero nos dimos cuenta de que ver su silueta sin los bultos formados por los bolsillos le aportaba fuerza. Siempre que pudiera moverse libremente y no llamar demasiado la atención, las acciones y elecciones de Leo comunicarían su heroísmo mucho mejor que unos pantalones de color caqui".
El buen amigo gigante
2016
Duración 117 min.
País Estados Unidos
Director Steven Spielberg
Reparto: Mark Rylance, Ruby Barnhill, Penelope Wilton, Jemaine Clement, Rebecca Hall, Bill Hader, Rafe Spall, Adam Godley, Matt Frewer, Ólafur Darri Ólafsson, Haig Sutherland, Michael Adamthwaite
Cuenta la historia de una niña y el gigante que le enseña las maravillas y peligros del País de los Gigantes.
La historia
En medio de la noche, cuando todos los niños y todos los adultos duermen profundamente, todas las cosas oscuras salen de su escondite y tienen el mundo para ellos solos. Eso es lo que le han contado a Sofía, una precoz niña de 10 años, y eso es lo que cree mientras descansa sin pegar ojo en su cama en el orfanato en Londres donde vive. Mientras todas las demás niñas del dormitorio sueñan, Sofía se arriesga rompiendo una de las muchas normas de la señora Clonker al salir de su cama, ponerse las gafas, asomarse a la ventana y ver qué aspecto tiene el mundo bajo la silenciosa luz de la luna a la hora de las brujas. Fuera, en la luz fantasmagórica, plateada, las calles familiares parecen más una aldea de hadas que el pueblo que conoce, y de la oscuridad sale algo largo y alto… muy, muy alto. Esa cosa es un gigante que agarra a Sofía y se la lleva su muy, muy lejano hogar. Afortunadamente para Sofía, el gigante no se parece en nada al resto de los habitantes del País de los Gigantes. Con una altura de más de 7 metros, con enormes orejas y un gran olfato, es tan bobo como tierno y pasa la mayor parte de su tiempo solo. Sus hermanos son el doble de grandes y el doble de terroríficos, y se conoce que han comido humanos, pero este gigante es vegetariano y se conforma con una verdura asquerosa que se llama pepinasco.
A su llegada al País de los Gigantes, Sofía tiene miedo del misterioso gigante, pero no tarda en darse cuenta de que es delicado y encantador, y como nunca había conocido a un gigante antes, tiene un montón de preguntas. El gigante lleva a Sofía al País de los Sueños donde colecta sueños y los envía a los niños, enseñándole todo acerca de la magia y el misterio de los sueños. Habiendo estado cada uno en su mundo hasta ahora, una amistad inesperada surge. Pero la presencia de Sofía en el País de los Gigantes ha llamado la atención de otros gigantes, que se han vuelto cada vez más molestos. Sofía y su nuevi amigo gigante no tardan en viajar a Londres para ver a la reina y advertirla de la precaria situación, pero primero han de convencerla de que los gigantes existen. Juntos, idean un plan para deshacerse de los gigantes malos para siempre.
Película de aventuras y fantasía EL BUEN AMIGO GIGANTE, la primera adaptación cinematográfica de este cuento infantil de Roald Dahl, acerca de la magia de los sueños y la extraordinaria amistad entre una niña y un gran gigante amigable. Dirigida por el tres veces nominado al Premio de la Academia Steven Spielberg, la película vuelve a juntar al director con su colaboradora de E.T. El extraterrestre, también nominada al Oscar, Melissa Mathison, que adaptó esta aventura atemporal para la gran pantalla. EL BUEN AMIGO GIGANTE está producida por Spielberg, Frank Marshall y Sam Mercer, y cuenta con Kathleen Kennedy, John Madden, Kristie Macosko Krieger y Michael Siegel como productores ejecutivos.
La película está protagonizada por el actor ganador de tres Premios Tony, dos Premios Olivier y el Oscar, Mark Rylance, como el amigable gigante; Ruby Barnhill como Sofía, la huérfana que se convierte en su amiga y entra en un mundo de irascibles gigantes; Penelope Wilton como la Reina de Inglaterra; Jemaine Clement como Zampamofletes, el gigante más fiero del País de los Gigantes; Rebecca Hall como Mary, la doncella de la Reina de Inglaterra; Rafe Spall como el señor Tibbs, el mayordomo de la Reina, y Bill Hader como Bebesangres, otro feroz gigante del País de los Gigantes.
El equipo creativo está compuesto por algunos de los colaboradores de toda la vida de Steven Spielberg, entre ellos encontramos al director de fotografía ganador de dos Oscars Janusz Kaminski, el diseñador de producción ganador de dos Oscars Rick Carter, el editor ganador de tres Oscars Michael Kahn, ACE y la diseñadora de vestuario nominada al Oscar Joanna Johnston. Además de la colaboración del legendario compositor ganador de cinco Oscars John Williams que, con esta película, suma 24 partituras para películas dirigidas por Spielberg.
Junto a ellos están el ganador de dos Oscars Robert Stromberg como diseñador de producción y el ganador de cuatro Oscars Joe Letteri de Weta Digital, la compañía de efectos visuales fundada por Peter Jackson, como supervisor jefe de efectos visuales.
Comienza la aventura
Durante más de 40 años, Steven Spielberg ha compartido sus historias con públicos en todo el mundo, introduciendo un gran abanico de personajes extraordinarios a la cultura y llevando a generaciones a mundos que son a la vez fascinantes, aterradores, encantadores y reales. El cuento de Roald Dahl sobre la amistad entre una niña y un misterioso gigante parecía estar en perfecta sintonía con la obra del director y, aunque Sofía y su amigo el gigante parecían destinados a encontrar su camino hacia el mundo de Spielberg, pasarían décadas entre la publicación del libro y el comienzo de esta aventura.
El Gran Gigante Bonachón se publicó por primera vez en 1982, el mismo año que la historia de Spielberg sobre una amistad inusual y transformadora, E.T. El extraterrestre, capturó los corazones y la imaginación de niños y adultos. El autor británico es uno de los narradores más creativos, traviesos y exitosos del mundo, es alguien que entiende la vida interior de los niños y tiene talento para crear personajes con los que se pueden identificar los niños e historias que les enganchan.
Su habilidad para combinar lo fantástico con lo aterrador y situar a los niños como héroes en sus innovadoras historias y a los adultos como villanos no tiene parangón en el mundo literario. Mientras que las historias de Dahl aceptan que la vida puede ser difícil y a veces aterradora, que hay cosas buenas y malas, nunca es condescendiente con sus lectores.
El productor Frank Marshall (Jurassic World y las películas de la franquicia Bourne) comenta:"las historias de Dahl nos son fantasías edulcoradas. Tienen mucho humor, pero también tienen un lado oscuro. Anda en el límite. Dan un poco de miedo, y creo que eso es lo que atrae a la gente".
Spielberg está de acuerdo, afirma: "era muy valiente por su parte introducir esa combinación de oscuridad y luz". El poder dar un poco de miedo y esperanza al mismo tiempo, y enseñar una lección, una lección duradera, a todos es una cosa maravillosa que ha logrado Dahl, y fue una de las cosas que me atrajeron para dirigir este libro de Dahl".
El gran gigante bonachón es la historia de dos almas solitarias que, al encontrarse, crean su propio hogar en el mundo, algo que es muy común en la obra de Spielberg. "Steven siempre se ha sentido atraído por historias sobre familias, y esa es una de las razones por las que sus películas han movido a tantas personas", dice la productora ejecutiva Kathleen Kennedy (Star Wars: El despertar de la fuerza y la saga de Indiana Jones).
Kennedy y Marshall estaban familiarizados con otros libros de Dahl como Charlie y la fábrica de chocolate, James y el melocotón gigante y Matilda, que han vendido más de 200 millones de copias en todo el mundo, pero ninguno había leído El gran gigante bonachón. No fue hasta que por un encuentro casual en el set de Eligiendo mamá en 1993 que Kennedy leyó la historia y se dio cuenta de que Spielberg, su amigo, colega y colaborador desde hacía años, era la persona ideal para apreciar lo lúdico y creativo del libro de Dahl.
Spielberg ha sido fan de Dahl durante años y, de hecho, había leído el libro a sus hijos cuando eran más pequeños. "Es una historia sobre la amistad, es una historia sobre la lealtad y proteger a tus amigos, y es una historia que demuestra que incluso una niña pequeña puede ayudar a un gran gigante a solucionar sus problemas", dice.
Dahl creaba historias para contarlas a sus hijos y nietos, pero siempre se resistía a escribirlas, algo que el director podía entender. "Cuando les contaba historias a mis hijos que les gustaban especialmente, me suplicaban que hiciese una película de ellas", dice Spielberg."Afortunadamente Dahl acabó compartiendo sus historias con el mundo, algo que nos ha beneficiado a todos".
El gran gigante bonachón es enormemente popular en todo el mundo, y hasta la fecha se ha publicado en 41 idiomas. También era la favorita de Dahl de todas sus historias. Cuando el autor falleció en 1990 con 74 años, los productores establecieron una relación con su viuda y mantuvieron muchas conversaciones sobre lo importante que ese libro fue para Dahl y si hacer una película era una idea realista. "Hablamos mucho sobre si sería mejor una película de animación o una de imagen real, porque en esa época la tecnología de la que estamos hablando ahora ni siquiera existía", explica Kennedy.
Pero primero, los productores necesitaban un guionista para convertir este libro deliciosamente sencillo de Dahl en un guión para un largometraje, alguien con una habilidad especial e instinto para historias infantiles, y por eso recurrieron a su amiga y colega Melissa Mathison (El corcel negro, La llave mágica). "Melissa fue la primera y única guionista en la que pensamos", dice Kennedy. "Sus dones como escritora y su particular sensibilidad fueron esenciales para dar vida a la visionaria historia de Dahl".
Cuando leyó el libro de Dahl, la guionista se fijó en la conexión entre Sofía y el gigante. "Es una relación muy dulce", dice. "Pero realmente empieza de manera tormentosa y el uno sospecha del otro e incluso tienen sus pequeñas luchas de poder. Pero desde el momento en que tienen un plan y avanzan como socios, hay tanto amor entre ellos. Es una pequeña historia de amor maravillosa".
Mathison visitó Gipsy House, la casa de Dahl en Buckinghamshire (Reino Unido), en varias ocasiones, y tuvo acceso a la biblioteca y estudio del autor. Ahí, exploró la vida y la obra de este extraordinario escritor y navegó su propio camino hacia el paisaje salvaje, gracioso y rico de su imaginación, lo cual le dio la base para capturar el espíritu de la aventura de Dahl, y así perfeccionar el ambiente de un lugar y capturar la relación en su esencia de manera que honrara El gran gigante bonachón.
De suma importancia para los cineastas fue mantenerse fieles a la voz de Dahl, ser consistentes con el ritmo y lenguaje del autor, así como la interacción entre los personajes, que eran absolutamente suyos. "Intenté usar la máxima cantidad de diálogo original como fuera posible", dice Mathison. "No queríamos jugar con el tono".
La guionista se encontró con muchos retos, sin embargo, "de una manera extraña, no ocurre mucho en el libro porque realmente va sobre su relación", dice Mathison. "No hay un motor dramático. Su decisión de intentar deshacerse de los gigantes ocurre con bastante facilidad y rapidez, y los personajes tenían una cualidad épica. Los acontecimientos no dirigían la historia, así que necesitamos crear una narrativa".
Tal y como anticiparon los cineastas, Mathison tuvo una aproximación personal al material, manteniendo la relación entre la huérfana y el gigante en su gran aventura. "Mi imaginación se implicó con ambos", dice. "Todo se tenía que centrar en su relación".
"Melissa cogió el libro de Dahl e hizo la traducción más extraordinaria y fiel, con una magia que sólo tiene Melissa", dice Spielberg.
Una vez que el guión estaba completado, Mathison seguiría trabajando en la película a lo largo del rodaje. Spielberg de vez en cuando necesitaba hacer cambios en el guión mientras rodaba y quería que la voz de la escritora estuviera ahí para dar vida a los personajes."Melissa estuvo ahí en el set de E.T. todos los días, y estuvo ahí todos los días en el set de EL BUEN AMIGO GIGANTE", dice Spielberg. "Así que he tenido mucha suerte de estrechar nuestra amistad con dos historias que vinieron de su corazón".
Añade, "No he podido completar mi duelo por Melissa, porque ha sido tan vibrante y auténtica conmigo, durante la edición, la composición musical, en el estudio de sonido; siempre ha estado ahí conmigo, así que por eso va a ser muy difícil cuando tenga que dejar que siga su camino EL BUEN AMIGO GIGANTE, porque en ese momento también tendré que dejar que se vaya Melissa".
El casting para EL BUEN AMIGO GIGANTE
Durante el primer día de rodaje de El puente de los espías, el dramático thriller de Spielberg ambientado en la guerra fría, el director se dio cuenta de que había encontrado su gigante. El reconocido actor de teatro Mark Rylance, cuyos méritos incluyen la serie de televisión Wolf Hall y las producciones para teatro críticamente aclamadas Noche de Reyes y Jerusalem, entre otras, estaba interpretando al espía soviético Rudolf Abel, un personaje muy distinto al dulce pero bobo gigante de EL BUEN AMIGO GIGANTE. El director ya era consciente del grandísimo talento del actor y, de hecho, había estado siguiendo su carrera desde hace tiempo, pero ese día algo hizo click.
"Mark se transformaba completamente en su personaje cuando la cámara estaba rodando", dice Spielberg. "A pesar de era una de los mejores actores de teatro, fue lo que mostraba Mark entre tomas lo que realmente me conmovió. Fue entonces cuando supe que podría hacer cualquier cosa".
Spielberg añade: "podría haber hecho EL BUEN AMIGO GIGANTE con actores en sets gigantes y medios digitales, pero quería que los gigantes parecieran más allá de humanos. La única manera en la que podía captar la magia con los gigantes era animándolos y hacer que la animación fuera súper-realista".
Midiendo más de 7 metros de altura, el gigante al que interpreta Rylance es el más pequeño de los gigantes en el País de los Gigantes (sus hermanos van de los 11 a los 16 metros), pero también es el más amable y caza sueños que comparte con niños cuando duermen. "Es un gigante vegetariano y pacífico", dijo la guionista Melissa Mathison. "A pesar de que detesta los pepinascos, los come, casi como una compensación porque sus compañeros gigantes comen niños".
Rylance se sintió inspirado al instante por el guión de Mathison y dice: "Melissa añadió algunos giros y hace que la historia original de Dahl sea mucho más dramática, de manera que te da más oportunidad de ver el desarrollo de la amistad".
"Simplemente no le entienden", comenta Rylance. "El gigante y Sofía son seres aislados, y encuentran un amigo que les entiende, quizá mejor de lo que se entienden a sí mismos, y esos son los mejores amigos. Eso es parte del gran amor y amistad que tienen".
Buscando a Sofía
El pulso central de la historia es la relación entre el gigante y Sofía. La novata Ruby Barnhill interpreta a Sofía, la curiosa y empática huérfana que es raptada de su cama y llevada al País de los Gigantes, pero encontrar a una joven actriz que interpretara un rol tan significativo era una tarea hercúlea.
El personaje de Sofía, nombrada así en honor a la primera nieta de Dahl, no se deja amedrentar. "Creo que es uno de los personajes femeninos más fuertes que he tenido en una de mis películas", dice Steven Spielberg. "Da tanta esperanza y motivación".
Durante 6 meses los cineastas vieron miles de chicas de distintas edades y distintos niveles de experiencia, pero cuando el director vio a Barnhill de 9 años, una estudiante de Knutsford en Cheshire (Reino Unido), se quedó de piedra. "Tenía algo", dice Spielberg. "Es fascinante y tiene un talento increíble, y perfecta para este papel".
Los cineastas prepararon un reunión con Barnhill y Mark Rylance en la que se pasaron hora y media improvisando, y supieron que habían encontrado a su Sofía. "Conectaron inmediatamente y tienen una química maravillosa juntos", dice la productora ejecutiva Kathleen Kennedy. "Jugarían al pimpón y baloncesto entre tomas y se hicieron inseparables".
Según Barnhill, "Hice unas cinco audiciones en Londres y Berlín donde fingía ser Sofía, así que fue increíble cuando me enteré de que me habían dado el papel. Casi no podía respirar".
A la joven actriz le gustó la relación entre su personaje y el amistoso gigante. Explica: "Su amigo gigante tiene el corazón roto, y está bastante triste la mayor parte del tiempo. Y, obviamente, sus hermanos se portan fatal con él y le vapulean todo el rato e insultan. Sofía se siente también sola en el mundo… ambos son huérfanos en cierto sentido".
El productor Frank Marshall está de acuerdo, dice: "El amigable gigante en el fondo no tiene a nadie y cree que no necesita a nadie, y Sofía se siente igual. Y no es hasta que se juntan que los dos se dan cuenta de que realmente necesitan a otras personas".
"Ruby es una joven con mucha imaginación y una actriz innata", dice Rylance. "Aprendí de ella, como pasa con toda la gente joven. Su habilidad para escuchar órdenes complejas de Steven y seguirlas de manera natural es milagrosa, impresionante".
El sentimiento era mutuo. "Trabajar con Mark fue maravilloso. Siempre tiene una sonrisa en la cara y es bueno conmigo todo el rato", dice Barnhill. "Y creo que tenemos una buena relación, casi como Sofía y su amigo gigante".
"Ruby es fantástica", añade Kennedy, "Pero ese siempre ha sido uno de los dones de Steven: su habilidad para encontrar a niños actores y reconocer las cualidades que el público encuentra cautivadoras".
El director crea una atmósfera segura y cómoda para los niños. El director cuenta: "No les hablo como si fuera el director de su colegio o un padre estricto, básicamente conversamos. Simplemente hablamos, no sobre el trabajo, sino sobre cómo se sienten o qué estaban haciendo. Les hace sentir que están en un lugar familiar. Y esa es la mejor manera de sacar autenticidad de un niño actor".
Los guisantes humanos
La primera y única persona que Steven veía como la Reina de Inglaterra era la actriz Penelope Wilton (El exótico Hotel Marigold, Orgullo y prejuicio). Estaba entusiasmado con su interpretación de Isobel Crawly en la serie de enorme éxito de la PBS Downton Abbey y sabía que sería perfecta.
Wilton se sintió honrada por haber sido considerada para el papel. "Estaba un poco asombrada porque no sabía que Steven Spielberg sabía que existía", ríe Wilton. "Pero me encantaría trabajar con él en cualquier momento. Steven te deja sola para que hagas tu trabajo… no te dice qué hacer, crea el clima para que hagas lo que haces. Te da un empujoncito cuando haces algo que le gusta y si estás haciendo algo demasiado, te da otro empujoncito".
La Reina es un componente esencial en el plan de Sofía, que quiere contar con su apoyo para deshacerse permanentemente de los gigantes malos. Wilton estaba especialmente impresionada con el guión de Mathison y comenta: "el contenido emocional entre los personajes es tan real. Y es increíblemente ingenioso".
La actriz Rebecca Hall (El regalo, Iron Man 3), quien interpreta a Mary, la doncella, está de acuerdo: "me encantó cómo Melissa consiguió ser absolutamente fiel al espíritu de El Gran Gigante Bonachón y a la vez añadir muchos pequeños detalles personales".
Hall tiene una conexión muy fuerte con el libro de Roald Dahl. "De niña fue el primer libro que pude leer yo sola. Al mismo tiempo también hice un programa de televisión en Londres donde interpretaba un personaje llamada Sofía, y a pesar de que no tuviera nada que ver con el libro tengo recuerdos de fantasear con ser la Sofía del libro".
Para el rol del señor Tibbs, el mayordomo, los cineastas ficharon al actor británico Rafe Spall (La gran apuesta). El señor Tibbs, que está casado con la doncella de la reina, Mary, hace que el gigante se sienta como en su casa en el Palacio de Buckingham, creando una silla para él hecha de relojes, un piano y una mesa de pimpón. Curiosamente, el actor ya había trabajado con Wilton y Hall en el pasado en dos proyectos separados, lo cual hizo que hubiera un ambiente cómodo en el set. Además, las escenas del Palacio de Buckingham se rodaron hacia el final del rodaje, así que los tres actores estaban trabajando con un equipo establecido.
Spall explica: "Ha sido muy agradable sumarme hacia el final de la producción. Hay una energía realmente maravillosa en el set y funciona de manera extraordinariamente eficiente, eso también se debe al hecho de que los jefes de departamento en el equipo de Steven trabajan mucho con él".
Los gigantes
Desde la cueva del gigante en el País de los Gigantes, Sofía ve por primera vez a los nueve gigantes feroces. Este grupo de bestias míticas que rondan el mundo zampándose guisantes humanos dieron todo tipo de oportunidades para la invención, creatividad y diversión terrorífica a Steven Spielberg, sus actores y su equipo creativo.
De todos los gigantes malvados que habitan el País de los Gigantes, los nueve hermanos del nuevo amigo de Sofía, son los peores. Sustancialmente más grandes, tratan a su hermano con crueldad y desdén pero, al puro estilo Roal Dahl, también están ahí para hacernos reír. El mismo Dahl era algo gigante en la vida real, ya que medía casi dos metros de altura.
Zampamofletes, interpretado por el actor, comediante y artista musical Jemaine Clement (Los Conchords), mide casi 16 metros, tiene un ego gigante y una cabeza muy pequeña. Aunque es el líder, el macho alfa, en verdad es un abusón y un cobarde y no es el más listo del lugar."Mi personaje es una montaña de músculos sin más", dice Clement.
El actor y cómico Bill Hader (Y de repente tú, Intensa Mente) es Bebesangres, el cerebro de la pandilla. Mide 13 metros, tiene una barba enorme y siempre le encontramos junto a Zamapamofletes diciéndole qué hacer. "Realmente, Bebesangres no quiere saber nada de los otros gigantes… quiere que le dejen en paz", dice Hader.
El actor británico Adam Godley (Charlie y la fábrica de chocolate) es Machucahombres, el gigante más lento y flaco. Es el que menos hace y el que más piensa en sí mismo.
Con algo menos de 12 metros de altura, Tragamollejas es el más bajito de estos 9 gigantes. Interpretado por Chris Gibbs (Reign), es el que mantiene las cosas apacibles en el grupo e idolatra a Zampamofletes.
Michael David Adamthwaite (Destino final 5) interpreta a Revientahuesos, es el más joven del grupo y siempre causa problemas, con frecuencia poniendo a los demás en peligro.
Picacarnes, interpretado por el actor canadiense Paul Moniz de Sa (The Flash), es el bromista de la pandilla y le encanta cazar niños.
Jonathan Holmes (Los descendientes) interpreta a Estrujaniños, el mejor amigo de Picacarnes. Es el más apuesto del grupo, y por eso siempre está preocupado por su apariencia.
El actor islandés Ólafur Ólafsson (El último cazador de brujas) es Aplastadamas, el más estiloso del grupo. A pesar de ser muy masculino en sus gestos y apariencia, también está en contacto con su lado femenino.
El Pequeño Carnicero, interpretado por Daniel Bacon (Ultimátum a la Tierra), es cojo como resultado de una pelea con Picacarnes, que le dejó parcialmente paralizado. Le encantaría algún día ser el jefe pero sabe que eso nunca ocurrirá, y siente algo de rencor por ello.
Para intentar hacer de los nueve actores una tribu cohesionada, la producción contó con Terry Notary, que anteriormente había trabajado con Cirque du Soleil, como el coreógrafo de movimiento. Como gigantes enormes, se mueven de manera distinta, y Notary usó una combinación de pesos y cuerdas para construir la fuerza y flexibilidad de los actores y ayudarles a que se sintieran pesados, como si se movieran a través de algo espeso, para crear una sensación de escala en sus interpretaciones.
"El proceso que uso da a los actores la libertad para que puedan dar la personalidad que quieran a sus personajes y afinar así sus interpretaciones", explica Notary. Las interpretaciones de los actores se filmaron con tecnología de captura de movimiento para que pudieran ser creadas digitalmente después en posproducción.
Según los actores iban trabajando en los aspectos físicos de sus personajes, las personalidades de los gigantes y la dinámica de grupo surgió de manera orgánica. "Todos hablamos sobre cómo asegurarnos de que todos los gigantes fueran graciosos, pero al mismo tiempo tenían que ser terroríficos y amenazantes", dice Hader. "Trabajamos duro para encontrar ese equilibrio, desarrollando nuestros personajes para que cada uno fuera distinto y tras semanas de entrenamiento cada actor había encontrado sus andares, gestos particulares y su propio modo de moverse".
Al mismo tiempo, la diseñadora de vestuario Joanna Johnston (Lincoln, Caballo de Guerra) trabajó con maquetas de más de dos metros modelados como los gigantes, vistiéndoles para hacerse una idea de cómo se deberían construir los trajes y cómo responderían. A pesar de que los gigantes se fueran a crear digitalmente, Johnston diseñó trajes para cada uno. Estos trajes acabarían inspirando y guiando a los actores y ofreciendo un modelo detallado en la vida real a los animadores que los iban a dar vida.
"Joanna hizo un trabajo excelente con los trajes para los gigantes", dice Steven Spielberg."Eran tan creativos y tan bonitos".
Además de dar forma a la imagen de los personajes virtuales, la creatividad y el detallismo de Johnston ayudó a que los actores pudieran tener una fundación para mejorar sus interpretaciones. "Los trajes de Joanna ayudaron enormemente", explica Hall. "Realmente es una de las diseñadoras de vestuario más detalladas y brillantes con las que he trabajado. Tiene tal precisión, con todo, hasta la ropa interior".
Spall está de acuerdo, "La primera vez que me puse el traje de Joanna, inmediatamente supe lo que iba a hacer porque el traje estaba hecho a la perfección… podías sentir tu rol".
"Lo que me pareció interesante es que empecé a andar como la Reina de Inglaterra una vez que me puse mi traje", añade Wilton
A la hora de diseñar el vestuario de Wilton, Johnston buscó pequeños detalles que ayudasen a articular la línea sutil entre una fantasía infantil y el palacio real. Wilton dice: "Como estos personajes existen en otro mundo, mi personaje lleva collares, pendientes y diademas que son algo más grandes que los que se usarían en la vida real".
La diseñadora de vestuario le puso una peluca a Wilton que era una réplica exacta de la que usa la actual Reina de Inglaterra y los guantes fueron hechos por la misma persona que hace las de la reina y el bolso igual. "Los detalles fueron extraordinarios", cuenta emocionada Wilton.
"Todas estas cosas fueron muy importantes para nosotros", dice el productor Frank Marshall, "ya que nos ayudaron a crear una sensación de realidad que contrastaba con el mundo de fantasía".
Con el reparto seleccionado, los cineastas empezaron a centrarse en adaptar el libro a la gran pantalla, lo cual fue un reto tecnológico que estimuló la imaginación del director. En la superficie, el puzle logístico presentado por la historia es a penas perceptible. Pero El Gran Gigante Bonachón necesitó mucho más que nuevos mundos sintetizados en un ordenador. Esta singular historia de amistad entre dos personajes muy distintos, una pequeña y el otro muy grande, una real y otro fantástico, inspiraría la creación de una manera totalmente nueva de fusionar elementos de fantasía y elementos reales.
EL BUEN AMIGO GIGANTE
Steven Spielberg lleva tiempo ocupando un lugar singular en la intersección entre contar historias y la tecnología. Ha sido conservador en cuanto a prácticas fílmicas tradicionales y, a la vez uno, de los principales motores tras las nuevas tecnologías fílmicas, dando forma y perfeccionando herramientas que han dado nueva vida a la imaginación narrativa de generaciones distintas de públicos.
Para llegar a la mejor manera de filmar acción real y elementos de captura de movimiento simultáneamente a lo largo de la película y tenerlos integrados a la perfección, los cineastas crearon una versión pre-visualizada de toda la película antes de que comenzara el rodaje.
Spielberg reunió a varios miembros de su equipo creativo y a un puñado de asistentes de producción en el garaje de su casa de verano y coreografió, bloqueó y filmó cada escena en el mundo digital. Usando una cámara pequeña, con asistentes en trajes de captura de movimiento y animación básica, el metraje de baja resolución se renderizó en 3D para que se pudiera desmontar y analizar una vez que estuviera completa.
"Se convirtió en mi prototipo para la película y me ayudó a crear la historia y determinar la mejor manera de contar la historia", cuenta Spielberg. "Fue uno de los ejercicios de ensayo más valiosos que he hecho jamás, y me ayudó a entender el alma más profunda de la historia".
Tecnología punta
La fotografía principal de EL BUEN AMIGO GIGANTE comenzó en la primavera de 2015 en las afueras de Vancouver en un viejo almacén donde una serie de espacios enormes y oscuros se convirtieron en los escenarios en los que se construyeron los sets.
Con EL BUEN AMIGO GIGANTE, los cineastas imaginaron una aproximación totalmente nueva a los horizontes narrativos, al crear un puente entre la vida de la acción real y las ilimitadas posibilidades de las tecnologías digitales contemporáneas. Fue un proceso que se guió exclusivamente por lo las necesidades de Spielberg a la hora contar la historia.
En vez de capturar los esqueletos de los intérpretres por separado y después mezclarlo con interpretaciones humanas y digitales en posproducción, decidieron contar con el apoyo de Joe Letteri de Weta Digital y su equipo de artistas para pensar un proceso completamente nuevo que fuera lo más cercano posible al rodaje de acción real.
Como resultado, la producción de EL BUEN AMIGO GIGANTE fue un híbrido que usaba una mezcla de acción real y técnicas de captura de movimiento para dar vida a los fantásticos personajes de la historia, todo en sets reales que se construyeron específicamente para le película.
Según Letteri (Batman v. Superman: El amanecer de la justicia, Avatar), cuya relación con Spielberg se remonta a 1993 y Parque Jurásico, cuando trabajó como artista gráfico,"Queríamos que Steven pudiera trabajar como Steven, para usar todos los elementos que aporta al proceso: su equipo creativo, sets de rodaje, iluminación y vestuario, mientras crea un mundo virtual".
Añade: "Durante gran parte de la película, Sofía es una niña pequeña en este mundo de fantasía habitado por gigantes, pero le dimos a Steven la habilidad de rodar la película como si todo fuera acción real para salvar la distancia entre los mundos virtuales y los mundos digitales". Otras películas con tecnología de captura como Avatar o Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio se rodaron con un set muy austero donde los actores tenían que imaginar sus alrededores.
El director también se apoyó en Simulcam, una idea creada por el director James Cameron en Avatar. Simulcam es el proceso de combinar actores y sets del mundo real con actores y sets generados por ordenador. Letteri explica: "con Simulcam podemos pre-grabar una interpretación y después reproducirla a través del monitor de la cámara de manera que los operadores de cámara pueden ver la interpretación virtual en tiempo real según van fotografiando la escena de acción real. Al combinar las dos, pueden tomar decisiones y enmarcar y hasta dirigir las acciones basados en lo que está ocurriendo en el mundo virtual".
Este nuevo proceso le permitió al director tener la oportunidad de grabar a los actores en trajes de captura de movimiento actuando en el mismo set que los personajes humanos, y fue especialmente importante para Spielberg que Ruby Barnhill y Mark Rylance pudieran interactuar.
Estableciendo contacto humano entre los personajes reales y virtuales
A lo largo de su carrera, Steven Spielberg ha demostrado gran destreza a la hora de crear las condiciones necesarias para que florezcan las interpretaciones, incluso en medio de las circunstancias más difíciles. Preparar el escenario para la amistad entre un gigante de 7 metros de altura y una niña de menos de metro y medio necesitaba una visión clara y años de imaginación e innovación. "Los actores se necesitan para actuar juntos", dice el director."Todo se reduce a si los actores son capaces de mirarse a los ojos".
Mark Rylance añade: "Es por el mismo motivo por el que miramos a los ojos a los demás cuando hablamos con ellos. Si hablas con alguien que no puedes ver, es mucho más difícil saber cómo poner en palabras o cómo expresarte".
En el centro del reto de la producción para hacer que los personajes pudieran actuar en el mismo ambiente, estaba el veterano diseñador de producción Rick Carter (Avatar, Forrest Gump). "El objetivo era crear un espacio tan íntimo como fuera posible donde Steven pudiera trabajar con los actores y que los actores pudieran entenderse, para que la tecnología no fuera un obstáculo a la dirección de Steven o restar autenticidad de las interpretaciones", dice.
Como resultado, Carter y su co-diseñador de producción Rob Stromberg (Alicia en el país de las maravillas, La brújula dorada) se esforzó enormemente para acomodar tres mundos diferentes para tres seres de tamaños diferentes, en algunos casos replicando los sets hasta tres veces. Había un set para los gigantes de más de 15 metros, uno para el gigante protagonista de 7 metros y un set enorme de dimensiones desproporcionadas para que Sofía aparentara ser pequeña.
Afortunadamente, Rylance tiene una gran fe en la historia y en Ruby Barnhill, una tremenda fe en su imaginación. "Entre la fe que Mark tenía en la historia y cómo interpretar la historia, y la creencia de Ruby en que todo es posible, ambos actores hicieron que este mundo de tecnología avanzada desapareciera para que pudieran darse las interpretaciones más auténticas".
Para escenas del set desproporcionado con Sofía y su amigo gigante en el mismo plano, los cineastas construyeron unos andamios de la altura de dos pisos en los que Rylance pudiera ponerse con una cámara flotando en frente de su cara para que hubiera contacto visual e intercambio real.
Incluso los sets de captura de movimiento se construyeron para acomodar la diferencia en tamaños entre el amable gigante y sus malvados hermanos, de manera que Jemaine Clement, Bill Hader y su pandilla de goliats se agacharon y comprimieron para entrar en el modelo de la cueva de su hermano, actuando junto a un gigante del tamaño de una muñeca mientras Rylance actuaba detrás de la cámara (o si lo permitía el espacio se agachaba y tenía contacto visual con sus compañeros de reparto).
Como resultado, Spielberg se movía constantemente entre set y set, equilibrando una variedad de técnicas fílmicas en escenarios diferentes en un espacio de más de 900 metros cuadrados. Entre el montaje de los sets, se metía en una de las dos pequeñas tiendas montadas en los escenarios donde se ubicaban una docena de pantallas. Ahí, el cineasta podía diseñar, construir y enmarcar sus planos usando la pequeña cámara en mano. La habilidad y entusiasmo del director no tardó en convertir esas dos tiendas en un núcleo de descubrimiento que salvó la distancia entre modos tradicionales y los procesos digitales del siglo XXI.
Los sets
Los ambientes creados en estos enormes escenarios en el almacén necesitaban mucho más que acomodar las diferentes escalas de los personajes. El diseñador de producción Rick Carter y su equipo trabajaron realmente duro para asegurarse de que los ambientes en los que tenían lugar las interpretaciones fueran tan hermosos, terroríficos y ricos como fuera posible. Joe Letteri explica: "Cuando Mark Rylance está en el set actuando, actúa en una versión del mundo real, en su cueva con su chimenea y mesa, su silla y su barco, en el que duerme".
Según la productora ejecutiva Kristie Macosko Krieger (Puente de los espías, Lincoln), "La cuestión más importante para Steven era que los actores creyesen donde estaban y que pudieran excluir de su visión periférica todo lo que pasaba a su alrededor".
Una de las funciones del diseño de producción es crear ambientes y lugares que evocan algo, no solo de la historia y los personajes, sino de los temas de la película también. Como tal, la producción creó mundos dentro de mundos donde Spielberg pudiera crear su visión para la historia de Dahl. "Steven empezó con un proceso íntimo, sólo un ordenador y unas pocas personas en una habitación", explica Carter, "y después llegamos a un gran espacio y lo expandimos mientras intentábamos mantenerlo tan íntimo como fuera posible".
Incluidos en los sets tradicionales y caros estaban los altos techos y los majestuosos tonos rojos y dorados del Palacio de Buckingham, el pintoresco hogar escandinavo donde Sofía y su amigo gigante viajan para repartir buenos sueños a un niño pequeño y su familia, el orfanato oscuro y olvidado en una calle empedrada de Londres, llena de tiendas pequeñas y luz de gas, y el interior solitario del dormitorio donde comienza la aventura de Sofía. Y estos sets estaban todos a unos pasos los unos de los otros. "Fue como tener acceso a tu propio Disneylandia", dice Macosko Krieger.
Para la productora ejecutiva Kathleen Kennedy, los sets daban una sensación atemporal, que sintonizaba a la perfección con la historia original de Roald Dahl. "Dahl contaba una historia universal, y una de las razones clave por las que construimos estos sets fue para dar a la película esa cualidad onírica", dice. Puede que reconozcas la esquina de una calle o un edificio o veas un estilo arquitectónico que parezca familiar, pero no puedes ubicarlo exactamente, y eso es lo que te permite escapar a este mundo de fantasía".
"Rick Carter hizo un trabajo asombroso", dice Spielberg. "Diseñó todo, desde las calles empedradas al estilo de la Inglaterra de Dickens hasta el gran salón de baile en el Palacio de Buckingham, que prácticamente construimos".
Penelope Wilton añade: "Es una réplica absoluta del salón de baile real, con la misma moqueta y pinturas que hay en el palacio mismo. Pero también diseñaron el dormitorio de la reina, que implicaba una labor de ebanistería y dorados en escayolas, y es absolutamente maravilloso".
Rylance también apreció el gran cuidado y detallismo con el que se elaboraron los sets, algunos de los cuales se crearon exclusivamente para dar a los actores y los cineastas una sensación táctil de los mundos que exploraban. "Mucho de lo que se creó nunca lo va a ver el público", comenta Rylance. "Simplemente estaba ahí para motivarnos a jugar, y para Steven también".
Igual de impresionante fueron todos los adornos mágicos e inventivos de cada set, algunos existían en dos y, a veces, tres tamaños diferentes. Cosas como un banco hecho de las alas de avión, una espada que se usa como una aguja, un tridente y una pala como tenedor y cuchara, una bañera como un bol, una manguera como un cinturón, una claraboya como una lupa, el mango de una escoba como una pluma, etc.
"Había tanto amor puesto en cada cosa", dice Spielberg, "todo se pensó tanto, en cosas tan sencillas como las bolsa del gigante, que Rick creó para que pareciese el maletín de un médico. Por supuesto la bolsa lleva sus sueños, pero los sueños son como medicina para los niños que los necesitan, y la bolsa se cosió a lo Frankenstein para que pareciese patchwork".
Junto con los sets tradicionales, sets que el público va a ver exactamente como se rodaron e iluminaron, estaban los sets parcialmente reales. Estos fueron los espacios que habita Sofía su amigo gigante, que luego se completarían y acentuarían en el proceso de posproducción. Estos incluían: la tierra mágica y nublada conocida como el País de los Sueños, donde Sofía y su amigo van a cazar sueños; una paisaje de monte con enormes raíces de árboles cubiertos de musgo, y el terrorífico y oscuro País de los Gigantes, desolado, yermo y lleno de los restos de los expolios de las incursiones letales de los gigantes en el mundo de los guisantes humanos.
"A pesar de que creamos un mundo virtual, hay una parte de acción real para todo lo que hacemos también", dice Joe Letteri. "Así que es genial poder trabajar con gente como Rick Carter que saben cómo diseñar un mundo fantástico y hacer que funcione en un sentido físico y también poder aplicarlo en un set virtual".
Los efectos mágicos de luz
Si los cineastas hubieran intentado hacer EL BUEN AMIGO GIGANTE cuando salió el libro de Roald Dahl en 1982, hubiera sido una película completamente distinta. Pero con la tecnología de captura y fotografía digital actuales, el director ha sido capaz de crear una relación especial entre la joven huérfana Sofía y el gran amistoso gigante de la manera que se merecía.
Es, en parte, gracias a las extraordinarias contribuciones del director de fotografía Janusz Kaminski (El puente de los espías, Rescatando al soldado Ryan) que la magia en la pantalla sea tan hermosa. Kaminski fue fundamental a la hora de iluminar todos los sets donde se rodaron las escenas de acción real y los sets virtuales para rodar las escenas de captura de movimiento, de manera que todo estaba perfectamente integrado.
"Trabajar con Janusz ha sido genial porque hay una gran riqueza en su fotografía, y realmente se refleja en lo que ves en pantalla", dice el productor Frank Marshall. "Ayudó a guiar mucho de lo que estábamos haciendo para crear este mundo y realmente unir todo para que se convirtiera en un único mundo según te movías fotográficamente entre los dos".
"Janusz es alguien que ve la luz de una manera diferente a cualquier persona que haya conocido, y de una manera que no acabo de entender", añade Joe Letteri. "En nuestras conversaciones acerca de qué aportar a esta película eran a niveles que le permiten ver más allá de la oscuridad, y después ver su relación con la luz y después encontrar las sutilezas entre los dos en cuanto a dónde la luz y las sombras interactúan realmente".
Añade: "Janusz pinta con la luz, y cuando todo el mundo vio los sets iluminados, fue realmente mágico. Eran mejor de lo que jamás nos hubiéramos imaginado".
Todos los videos por Disney Studios LA
Cazafantasmas
2016
País Estados Unidos
Director Paul Feig
Reparto: Melissa McCarthy, Kristen Wiig, Leslie Jones, Kate McKinnon, Cecily Strong, Chris Hemsworth, Andy Garcia, Michael Kenneth Williams, Neil Casey, Matt Walsh, Nate Corddry, Mark Burzenski, Pat Kiernan, Nick Austin, Bill Murray, Ernie Hudson,Sigourney Weaver
Columbia Pictures presenta en asociación con Village Roadshow Pictures, una producción de Ivan Reitman, CAZAFANTASMAS. Protagonizada por Melissa McCarthy, Kristen Wiig, Kate McKinnon, Leslie Jones, Charles Dance, Michael Kenneth Williams y Chris Hemsworth. Dirigida por Paul Feig. Producida por Ivan Reitman y Amy Pascal. Escrita por Katie Dippold & Paul Feig. Basada en el filme de 1984 "Los cazafantasmas", una película de Ivan Reitman, escrita por Dan Aykroyd y Harold Ramis. Paul Feig, Jessie Henderson, Dan Aykroyd, Tom Pollock, Joe Medjuck, Ali Bell y Michele Imperato Stabile son los productores ejecutivos. Robert Yeoman, ASC, es el director de fotografía. Jefferson Sage es el diseñador de producción. Brent White, ACE y Melissa Bretherton son los montadores. Peter G. Travers es el supervisor de efectos visuales. Efectos visuales especiales de Sony Pictures Imageworks. Jeffrey Kurland es el diseñador de vestuario. La música es de Theodore Shapiro. Erica Weis se ha encargado de la supervisión musical.
Más de 30 años después del estreno de la película original... más de 25 años desde la última vez que se cazaron fantasmas en la gran pantalla… la larga espera toca a su fin. CAZAFANTASMAS regresa a los cines, con un nuevo equipo y nuevos personajes en una nueva aventura.
La nueva película empezó con el director Paul Feig que, como creador de "Freaks and Geeks" y director de "La boda de mi mejor amiga", "Cuerpos especiales" y "Espías", ha acumulado una impresionante filmografía cómica, con algunas de las comedias más innovadoras, memorables y de más éxito de los últimos años. Dada la oportunidad de relanzar la franquicia, fue Feig quien vio una forma de trasladar al siglo XXI una de las comedias que lo influyeron personalmente. "Fui un gran entusiasta de 'Los cazafantasmas' cuando se estrenó originalmente", asegura. "La vi en el cine el fin de semana de su estreno y sinceramente no había visto nunca una comedia hacer lo que esa película hizo con los espectadores. La gente, yo mismo incluido, se volvió loca, no solo porque era graciosa. Tenía a la gente más graciosa, a todos nos encantaban Bill Murray, Dan Aykroyd, Harold Ramis y Ernie Hudson, así que verlos juntos, a este supergrupo de tipos divertidos, la hacía aún mejor. Pero lo que la ponía por encima de todo era el contexto de un mundo enorme en el que se combatía a los fantasmas con tecnología... era la mejor idea del mundo. Es una de esas cosas que te hacen decir: 'Ojalá se me hubiera ocurrido a mí esa idea'".
Naturalmente, ya se llevaba bastante tiempo dándole vueltas a la idea de hacer otra película de Cazafantasmas, una secuela. "Siempre he querido hacer otra secuela", afirma Ivan Reitman, que dirigió y produjo las dos primeras y emblemáticas entregas de la franquicia, y ahora se encarga de producir la nueva película con Amy Pascal. "Se trata de una de esas películas que se merecían un repaso y la verdad es que esperaba poder hacerlo yo. Pero a menos que todos nos pusiéramos de acuerdo en algo, no podría salir adelante. Conseguir poner de acuerdo a cuatro personas, especialmente a estas cuatro personas, era prácticamente imposible. Y entonces, por desgracia, perdimos a Harold".
Con la muerte de Harold Ramis en 2014, el estudio y Reitman empezaron a buscar a nuevos talentos cómicos que tomaran las riendas de una futura película. Entonces fue cuando entró en escena Feig. "Sabía que llevaban mucho tiempo buscando la forma de hacer una secuela", comenta Feig. "Empecé a devanarme los sesos. Gente graciosa enfrentándose a lo paranormal sigue siendo la mejor idea del mundo, y me pareció que aún quedaba mucho por explorar más allá de los mundos de los dos primeros filmes. Me planteé: '¿Cómo lo haría yo?' Bueno, pues lo haría con las cuatro mujeres más graciosas que conozco. Eso me entusiasma, porque lo convierte en algo nuevo".
"Paul lleva tiempo empeñado en hacer una gran superproducción con mujeres, pero no era fácil decidir cuál podía ser la película más adecuada, con el reparto adecuado, la química tenía que ser la correcta en todos los aspectos", agrega la productora ejecutiva Jessie Henderson, socia en la producción de Feig. "Hicimos una primera intentona con 'Espías', pero su idea de Cazafantasmas suponía una oportunidad de llevarlo aún más allá, con efectos especiales, efectos visuales y un reparto coral".
Reitman también estaba encantado con las posibilidades cómicas que ofrecía la idea de Feig."Lo verdaderamente interesante de la idea de Paul es que no era una cuestión de sexo", comenta. "Es sobre la amistad de cuatro personajes concretos mientras hacen algo extraordinario".
Con el respaldo de Reitman y del estudio, Feig colaboró con Katie Dippold para coescribir el guion. "Solo había una persona con la que quisiera escribir esto, y esa era Katie", asegura Feig sobre su coguionista de "Cuerpos especiales". "He trabajado con ella en otros proyectos y sé que le encantan las historias de fantasmas. Le encantan las películas de miedo. Era una combinación ideal".
"Al principio, pasamos mucho tiempo hablando de cómo queríamos que fuera el guion", recuerda Dippold. "Mantuvimos muchos debates creativos distintos: ¿Qué elementos de la original querías volver a ver? ¿Qué debería parecer nuevo? Luego hablamos de la historia y los personajes. Nadie quería hacer una nueva versión de los personajes originales, Venkman siempre será Venkman. Así que se nos ocurrieron cuatro personajes nuevos propios".
"Paul estaba empeñado en hacer una película que estuviera a la altura del espíritu de la original, pero tuviera una nueva razón de ser", explica Amy Pascal. "Siempre acaba siendo cuestión de los personajes, y eso es algo que siempre se le ha dado estupendamente a Paul crear".
Feig abordó de ese modo la película como una historia completamente nueva, en la que un nuevo equipo responde a la llamada. "Quería que la película empezara con nuestro mundo actual, un mundo que nunca ha visto fantasmas de forma demostrable", comenta Feig."Nuestras Cazafantasmas han dedicado sus vidas a demostrar científicamente que los fantasmas existen, pero las consideran unas chifladas, porque no hay pruebas físicas. Pero, cuando por fin consiguen ver de verdad los fantasmas que han estado intentando encontrar todas sus vidas, demostrarán que han hecho bien en dedicar su vida a eso. Todas tienen ese objetivo común y se complementan unas a otras".
Así pues, Dippold y Feig crearon personajes nuevos que encajaran bien como equipo. "Abby es la experta en lo paranormal", explica. "Ha dedicado su vida a estudiar a los fantasmas. Erin es la física, que intenta aportar una base científica. Holtzmann, la ingeniera, que puede tomar los conceptos que se les ocurren a Abby y Erin y crear el equipo físico para combatirlos. Y por último, Patty se une al grupo como la recién llegada, que se conoce hasta el último recoveco de Nueva York, lo que será una de las claves para descubrir dónde están los fantasmas y qué le está sucediendo a Manhattan".
"Hemos visto a hombres haciendo de cerebritos en comedias, pero desde Elaine May en 'Corazón verde', no hemos visto a mujeres interpretando a científicos graciosos", aporta Pascal. "Era un enfoque novedoso y original del material que había que contar".
"Creo que la razón por la que Melissa es una de las cómicas de más éxito del panorama actual es porque dota a su trabajo de una cualidad de persona corriente", opina Reitman."Aporta una gran energía, una gran sinceridad, posee la cualidad de ser muy graciosa y muy real. A la gente le encanta porque está ahí para representarlos".
A la hora de elegir actriz para el papel de Erin, Feig recuerda que, como ya contaba con McCarthy, la siguiente elección más obvia era su compañera de reparto de "La boda de mi mejor amiga". "El nombre de Kristen surgía una y otra vez", comenta Feig, "pero ni siquiera sabía si le interesaría hacerlo, porque últimamente ha estado demostrando lo gran actriz que es en muchos dramas. Entonces, casualmente, mi mujer estaba hablando con Kristen y dijo: 'Oh, sé que Paul está haciendo 'Cazafantasmas' así que, si quiere que haga algún papelito en ella, lo haría encantada'. Fue como música celestial, porque Kristen sería fantástica para ese papel. Es verdaderamente una de las personas más graciosas del mundo, me hace reír, siempre lo ha hecho".
"Para el papel de Jillian Holtzmann, necesitábamos a una actriz que pudiera salirse de lo normal", afirma Reitman. "Vi los extraordinarios sketches en los que Kate McKinnon interpreta a Justin Bieber, y captaba su esencia de una forma totalmente original y desternillante. Para CAZAFANTASMAS, aporta una energía cómica diferente y extravagante a su papel, que resulta perfecta. Kate posee una vis cómica innegable".
Para el último papel, a Feig se le encendió una bombilla. "La primera vez que vi a Leslie Jones, fue en un segmento [de "Saturday Night Live"] de 'Weekend Update'. Cuando no llevaba más que un minuto, me incorporé y le dije a mi mujer: 'Esa es una de nuestras Cazafantasmas'", recuerda Feig. "Nos conocimos y congeniamos gracias al hecho de que los dos empezamos como cómicos monologuistas más o menos a la vez, en los 80. Tiene una gran personalidad, pero es sincera, y siente una gran pasión por todo lo que hace. Llena la pantalla como Patty Tolan".
Pero otra razón por la que estas cuatro actrices eran las adecuadas para esos papeles iba más allá de sus respectivos talentos, Feig sabía que encajarían bien como equipo, para crear un todo aún más fuerte que la suma de sus partes. "Por eso era importante elegir actores que fueran amigos en la vida real, porque, cuando haces eso, consigues un nivel de camaradería, autenticidad y afecto entre ellos que a veces no se consigue cuando juntas actores que no se conocen", prosigue Feig. "Siempre ha sido importante para mí; es una de las razones por las que creo que 'La boda de mi mejor amiga' funcionó tan bien. Kristen y Melissa trabajaron juntas en Groundlings, hicieron 'La boda de mi mejor amiga' y 'Saturday Night Live' juntas. Kate y Leslie están en 'Saturday Night Live' ahora mismo. Las cuatro han trabajado juntas en diversos proyectos, y todas tienen un sentido del humor muy distinto que se complementan entre sí: a Kristen se le da muy bien esa comedia neurótica y contenida que sabe hacer con tanta gracia, Kate es una cómica muy física, pero posee una excentricidad interior, que proporciona a la película una energía extraña, Leslie es como una explosión que se produce en el set y Melissa es la cabecilla del grupo. La verdad es que se trata de cuatro personajes muy diferentes, cuatro personalidades muy diferenciadas, que resulta que también son capaces de machacar a un montón de fantasmas".
Acerca de los personajes
ABBY YATES siente gran pasión por lo paranormal y la ciencia en general. Siempre ha sido una creyente, ha renunciado a mucho por esas creencias y no va a permitir que los no creyentes la desanimen.
El papel está interpretado por Melissa McCarthy, que colabora con Feig por cuarta vez.
"Abby siempre ha sido la creyente", explica McCarthy. "No importa que la gente se ría de ella, lo que siempre han hecho. No importa que nadie más crea. No importa que la gente la tome por loca. Siempre ha creído en lo paranormal. Me encanta que no haya desesperado nunca, pasara lo que pasara".
En su guion, Dippold y Feig crearon una amistad entre Abby y Erin, que está interpretada por Kristen Wiig. "Nuestros personajes eran amigas durante todo el instituto, eran dos chicas excéntricas que creían en fantasmas y en lo paranormal", prosigue McCarthy. "Pero acabaron separándose, porque Erin no quería seguir defendiéndose, así que siguió un camino más académico. Ahora, en la película, vuelven a juntarse. Al principio hay un cierto roce, pero se nota que ahí hay una historia. Y eso es fácil de interpretar con Kristen, porque la conozco desde hace mucho tiempo y es una de las mejores personas que conozco".
Esa química se extiende a todo el cuarteto, afirma McCarthy. "Kate McKinnon es extraordinaria, es como una especie de científica loca de verdad, a la que me encanta ver. Y decir que adoro a Leslie Jones es quedarse corta… es verdaderamente genial y nadie más en el mundo podría haber hecho lo que ha hecho ella con Patty".
Sobre el cuarteto junto, comenta: "Quedó muy bien. La primera vez que hicimos una escena las cuatro juntas, tenía sentido. Fue muy, muy divertido".
Uno de los momentos más memorables para McCarthy fue probarse por primera vez el equipo de protones. Ahí no había nada de la magia del cine, McCarthy asegura que el aparato, por mucho que sea de atrezo, es tan pesado como parece. "Sobre todo para lo que tenemos que hacer con ellos, nos tiramos, corremos y peleamos. Cada vez que algo nos hace saltar por los aires y caemos de espaldas... son metálicos, irregulares y con picos", explica McCarthy."Por otro lado, odio cuando se nota que alguien está corriendo con algo ligero, así que me alegra que en esta película no pase eso. Parece que nos cuesta cargar con ese peso, porque así es".
Esta película permitió a McCarthy hacer muchas de sus escenas de acción. "Me encantan todas esas escenas arriesgadas", admite. "Siempre pido ser yo a la que lancen contra las cosas. Intento hacer todo lo que me permitan. Y de vez en cuando Paul tendría que decir: 'No, no vas a hacer eso. No te vamos a soltar sobre un coche desde más de 7 metros de altura'. Y cuando lo dice, pienso: 'Sí, tiene razón, tiene sentido', pero lo que me oigo decir es: '¿Por qué no?' A lo que Paul respondería: 'Estás loca', y se marcharía".
Una de las escenas que McCarthy pudo hacer ella misma fue saltar desde el escenario y hacer crowdsurfing en un concierto de rock. "No lo había hecho nunca", comenta. McCarthy señala que el trabajo de especialistas a veces exige aparejos complicados o cables, y le preguntó al coordinador de especialistas, Walter Garcia, cuál era la mejor manera de saltar desde el escenario. "Me dijo: 'La mejor forma de hacerlo es correr hasta el borde del escenario y lanzarse'. De acuerdo. Hagamos eso. En la primera toma, me sentía un poco vacilante pero, una vez lo hice, supe que estaba en buenas manos. Naturalmente, soy consciente de que había diez especialistas esperando para cogerme, así que no creo que se me ocurriera probarlo en la vida real, pero fue divertidísimo".
ERIN GILBERT creía en fantasmas de niña pero, a medida que fue progresando en su carrera de física, se dio cuenta de que su fascinación por lo paranormal la estaba frenando y dañando su credibilidad. Decide dejar atrás esa antigua vida y labrarse una nueva carrera como científica legítima... hasta que su pasado regresa para perseguirla.
El papel está interpretado por Kristen Wiig. "Erin creció creyendo en los fantasmas, incluso vio un fantasma de verdad cuando era niña, pero nadie la creyó salvo Abby. Eso la asustó mucho. Quería llevar una vida en la que no fuese la rara, así que dejó atrás el mundo de lo paranormal y se metió en el mundo académico, convirtiéndose en profesora de la Universidad de Columbia. Naturalmente, se reencuentra con Abby y conoce a Holtzmann y Patty. Resulta que son cuatro inadaptadas que se encuentran la una a la otra. Me encantan ese tipo de historias".
Al igual que McCarthy, Wiig disfrutó con la oportunidad de hacer escenas de acción para la película. "No tenía nada que ver con ninguna otra cosa que hubiera hecho nunca. Estábamos deseando empezar con los ensayos de esas escenas".
Wiig estaba igualmente encantada con la química entre las cuatro Cazafantasmas. "Siempre es una experiencia estupenda cuando consigues encontrar el proyecto adecuado para trabajar con tus amigos y gente a la que adoras", comenta. "Conozco a Melissa desde hace muchísimos años, nos conocíamos desde hacía casi 10 años antes de 'La boda de mi mejor amiga'. Es sumamente divertido trabajar con ella y nos pasamos el rato riendo, así que fue muy agradable volver a estar juntas. Leslie me hace reír un montón con todo lo que hace; cada vez que Leslie decía algo, no podía aguantarme la risa. Es un personaje muy divertido, pero ni siquiera tengo palabras para explicar lo que hace con cada línea, es sumamente específica y le sale directamente de ella. Y Kate... Kate es la mejor. Me parece muy interesante. No le tiene miedo a nada, se arriesga en cada escena. Hace lo inesperado y siempre resulta divertido. Me encanta verla".
JILLIAN HOLTZMANN siempre ha sido un bicho raro. Piensa de forma diferente, no sigue las normas sociales y le encanta montar cosas, inventar. No juzga a los demás, pero le encanta pinchar a la gente estirada, en especial a Erin.
La destacada cómica de "Saturday Night Live", Kate McKinnon, interpreta a la ingeniera. "Me encantaba la idea de hacer de científica", comenta. "Me gusta interpretar a un personaje femenino cuya historia no gire en torno a un romance, algo raro en una película. Me alegra mucho haber podido disfrutar de esa oportunidad".
"Holtzmann es un genio", explica McKinnon, al describir a su personaje. "Holtzmann es la friki de la tecnología del grupo, que por la general suele ser el más friki entre los frikis. Se ocupa de perfeccionar la maquinaria que les permite cumplir su misión. Es una criatura esencial. Es extraña. Es estrafalaria. Está llena de alegría. Soy yo. Sí, es el personaje más parecido a mi yo real que he interpretado nunca, si es que eso indica algo".
"Kate fue en realidad la primera persona en la que pensé para esta película", admite Feig."Teníamos el papel de Holtzmann, un personaje muy chalado y extraño y, si conoces a Kate, es encantadora, pero es chalada y extraña en el mejor sentido. Empezamos la selección del reparto preguntando: '¿Quién podría lucirse en este papel?' Kate se ha estado luciendo en 'Saturday Night Live', pero aún no lo ha hecho en el cine. Tiene algo que resulta muy carismático, es una estrella de cine. Parece que el papel podría ser un buen escaparate para ella, así que fue una decisión sumamente sencilla".
"Holtzmann es la más puramente científica, es la persona que se ocupa de los aspectos prácticos", explica Feig. "Ni siquiera sé si a Holtzmann le interesan los fantasmas, lo que verdaderamente le apasiona es descubrir cómo interactuar científicamente con los fantasmas, cómo capturarlos y cómo usar su habilidad para interactuar con ellos. Es la chalada del hardware, y una vez empieza a perfeccionar su hardware –sus equipos de protones, sus sincrotrones y todo eso– pierde totalmente la cabeza. Soy un gran apasionado del hardware, así que fue muy divertido inventar todo ese armamento nuevo tan alucinante y contar con el personaje de Kate para hacerlo".
PATTY TOLAN nació y se crió en la ciudad de Nueva York. Siempre le ha encantado leer, sobre todo material de no ficción e historia de Nueva York, así como descubrir cosas nuevas, incluido lo paranormal, de modo que en realidad es una especie de historiadora aficionada de Nueva York, con tantos conocimientos como cualquiera de las otras tres. Después de ver un fantasma mientras está trabajando, no solo sabe a quién llamar, sino que se une al equipo para aportar su pericia.
Leslie Jones, otra estrella de "Saturday Night Live" que se ha hecho popular en las dos últimas temporadas, interpreta el papel. "Llevo en este negocio el tiempo suficiente para no creerme nada hasta que veo que sucede de verdad", bromea Jones. "Así que, cuando me hablaron de CAZAFANTASMAS, pensé: 'Eso no va a pasar'. Luego, cuando supe que Paul podría quererme para la película, me dije: 'Eso no va a pasar, elegirá a Queen Latifah'. Posteriormente, recibí una llamada para decirme que Paul quería quedar conmigo, y me reuní realmente con él justo el mismo día en que se anunció que iba a ser miembro del reparto de 'Saturday Night Live'. E incluso cuando estaba reunida con Paul, no podía evitar pensar: 'Se va a dar cuenta de quién soy en realidad y no me va a meter en esta película'. Pero dijo: 'Eso es lo que quiero. Te quiero a ti'. Todavía me parece estar soñando. No dejo de pensar que me voy a despertar en mi apartamento de Santa Clarita, donde estaba antes de que sucediera todo esto, me voy a levantar y a pensar: 'Ha sido un sueño genial, en serio'".
En cuanto a su personaje, Jones explica: "Me interesaba mucho crear algo que resultara realista. Si iba a ser la única del grupo que se mete en todo esto sin ser científico, sería la que serviría como punto de vista de los espectadores. Soy la que se encarga de meter a los espectadores en esta situación, como una persona normal, y la observamos juntos. Se van a poner a hablar de ectoplasma, corrientes, fantasmas y portales y alguien se tiene que ocupar de preguntar: '¿Qué es un portal? ¿Dónde va? ¿Por qué?' Patty aporta la normalidad, lee muchos libros, lo sabe todo sobre Nueva York, es como una esponja de datos y mantiene una mentalidad abierta. Era importante para Paul y para mí que Patty fuera la que dijera lo que la gente va a decir entre el público".
Al igual que McCarthy, Jones también tuvo la oportunidad de lanzarse desde el escenario."Fue muy divertido", asegura. "Lo alucinante fue que Paul hizo la escena antes que yo; estábamos completamente dispuestos a hacerlo, aunque me ponía un poco nerviosa saltar sobre las colchonetas. Así que Paul dijo: 'No pienso dejarte hacer algo que yo mismo no haría'. Y de pronto, con traje y todo, se lanza sobre la colchoneta. Así que pensé: 'Si este hombre puede hacerlo con su traje, yo también'. ¡Y fue muy divertido! Me salió a la segunda toma, pero quise intentarlo un par de veces más. Y el público estuvo alucinante, se mantuvieron en todo momento llenos de energía, entonando Cazafantasmas, Cazafantasmas. Yo pensaba: 'No me puedo creer que esto esté pasando de verdad'".
Naturalmente, una vez que las Cazafantasmas se establecen por su cuenta, necesitan algo de ayuda en la recepción. Y qué mejor ayuda podrían pedir que un recepcionista atractivo, aunque algo lelo. Puede que KEVIN ande algo corto de luces, pero es encantador y buena persona, y a la hora de la verdad, es otro Cazafantasmas de corazón, otro inadaptado que encuentra un hogar.
Para el papel, Feig explotó el inesperado talento para la comedia de Chris Hemsworth. Y aunque sus compañeras de reparto eran todas profesionales de la comedia, quedaron impresionadas con la habilidad del actor australiano. "Es uno de los mejores improvisadores con los que he trabajado nunca", asegura Melissa McCarthy. "Eso me desorientó por completo, porque estábamos haciendo tomas de 18 minutos durante la escena de la entrevista y nunca se quedó descolocado. Decía cosas de lo más extrañas, sin salirse en ningún momento del personaje, tuvimos que parar durante cuatro minutos mientras Kristen y yo intentábamos dejar de llorar de la risa. Incluso se puso a cantar una vez y tuve que pararlo… supongo que simplemente es biónico".
"Kevin es como un gran cachorro de perro tontorrón", comenta Hemsworth sobre su personaje. "Está lleno de entusiasmo y ambición, pero es completamente ingenuo y ve el mundo desde un punto de vista absolutamente distinto al de todos los demás. Es divertido interpretar a alguien tan poco consciente de la realidad".
"Hicimos de Kevin una especie de zoquete adorable que ha salido adelante gracias a su físico, pero que quiere de todo corazón formar parte del grupo", aporta Feig. "Le cuesta un poco pillar las cosas –Kevin es algo corto de entendederas– pero, cuando lo capta, lo capta. Chris lo convirtió en un personaje tridimensional y destornillante".
¿Hasta qué punto está Kevin en las nubes? Tomemos como ejemplo sus gafas. "Desde el principio, quería llevar gafas y a Paul le pareció bien. Pero el problema es que las lentes reflejaban las luces, así que quitamos las lentes, como si nadie se fuera a dar cuenta. Y entonces, a mitad de escena, empecé a rascarme el ojo, y Melissa se echó a reír y dijo: 'Tienes que hacerlo otra vez, yo intentaré no reírme'. Y cuanto más lo pensamos, más perfecto nos pareció; las lentes no paraban de ensuciarse, así que se las quitó. Es una reacción práctica genial, pero solo si ves el mundo desde una perspectiva diferente al resto del mundo. Es un individuo muy particular".
Acerca de los artilugios, utilería y vehículos
Parte del encanto de la película original es la mezcla de tecnología rudimentaria y sofisticada, tecnología de vanguardia que parece como si alguien se la hubiera hecho en su garaje a base de piezas sueltas.
Así que, a la hora de abordar el aspecto de los artilugios, las armas, los vehículos y la utilería, el diseñador de producción Jefferson Sage colaboró con Paul Feig para dotar a esta nueva entrega de una estética similar: aunque no hay duda de que el aspecto se ha puesto al día, todo sigue conservando esa apariencia casera, como si Holtzmann realmente los estuviera montando ella misma. "Queríamos crear tanta tecnología extra como pudiéramos que fuera diferente a la de la película original, y traerla a la actualidad, sin perder su espíritu casero –todo parece estar hecho a base de piezas sacadas de contenedores de basura de tiendas de electrónica o universidades", explica Feig. "Queríamos que la gente que la viera, pensara: 'Si yo fuera lo bastante listo, podría construir algo así'".
"El concepto es que estas armas están hechas en su propio taller", prosigue Sage."Holtzmann es una ingeniera brillante, pero no es una diseñadora. Descubre cómo hacer que el arma funcione, y luego la envuelve en algún tipo de revestimiento; es un simple receptáculo para la tecnología, más que algo diseñado con esmero. Ese fue nuestro punto de partida, tuvimos que sumergirnos en la mente de Holtzmann. Tuvimos que pensar como pensaría ella".
A medida que se sumían en lo más profundo de la disparatada mente de Holtzmann, los diseñadores empezaron a centrarse en objetos rescatados y otros materiales que se pudieran adaptar a los propósitos de Holtzmann. "Es la clase de persona que se encuentra unas viejas cañerías en la calle y se imagina el cañón de un arma", prosigue Sage. "Si te fijas en las armas, piensas: 'Bueno, eso parece una lata, pero han hecho algo con ella'. La idea era combinar lo familiar con el nuevo uso que Holtzmann habría ideado para ese trasto".
Otra forma de transmitir esa sensación de aparato casero en la nueva película era mostrar la evolución y mejora de los inventos, como explica McKinnon. "La evolución del equipo de protones es una trama secundaria en sí misma", plantea la actriz. "Al principio, hay un prototipo, que acabará convirtiéndose en una máquina de protones de talla mundial. Se pueden apreciar los cambios que va sufriendo la tecnología como consecuencia del empeño y el genio de Holtzmann. En un primer momento, cuando bajan al metro en busca de su primer fantasma, Holtzmann va empujando un enorme carrito y tiene que ponerle a Erin un horroroso collar eléctrico de perro para que pueda disparar; ese es realmente el primer equipo de protones. Luego, con el tiempo, Holtzmann descubre cómo reducirlo todo y hacerlo más compacto, para poder llevarlo a la espalda. Aun así, los equipos de protones siguen sin ser pequeños. No son ligeros. No son prácticos. Pero son portátiles".
"A Paul le interesaba mucho cómo representábamos la tecnología", prosigue Sage. "Es evidentemente ficticia, pero Paul quería que pareciera real, como si pudiera existir de verdad. Conseguimos ponernos en contacto con un par de físicos del MIT, que pudieron explicarnos en detalle la ciencia real que podría haber detrás de esos dispositivos ficticios; eso fue estupendo y se lo pasaron bomba. Nos dieron un montón de ideas reales, que nos proporcionaron un fundamento real para todo lo que utilizan las Cazafantasmas".
Sage no bromea, el físico de partículas James Maxwell, que se encontraba realizando un posdoctorado en el Instituto Tecnológico de Massachusetts, dejó de lado temporalmente las grandes preguntas sobre la formación del universo para convertirse en el asesor técnico del filme y ayudar a dotar a la utilería de la película de una cierta verosimilitud.
Ninguna película de Cazafantasmas estaría completa sin el Ecto-1, así que, naturalmente, el vehículo de los Cazafantasmas está presente en el filme. Pero, al igual que se han puesto al día las armas de la cinta original, también se ha hecho lo mismo con el coche. La película original de 1984 utilizaba una ambulancia Cadillac de 1959 modernizada y, para la nueva versión, el equipo creativo eligió un coche igualmente anticuado. "Encontramos un coche fúnebre de Cadillac de 1981-83", comenta Feig. "Queríamos que fuera tan divertido como el Ecto-1 original, pero dándole nuestro propio toque. Me encantó el aspecto que tenía, sus líneas elegantes, pero también que es un vehículo muy grande. Además, un coche fúnebre me pareció apropiado para trabajar con los no muertos. Una vez conseguimos el coche, Jefferson Sage y su equipo lo convirtieron en un vehículo alucinante; me gustaba la idea de que el Ecto-1 tuviera un techo rojo. La historia es que el coche es del tío de Patty, así que decidimos que querría que la gente abandonara este mundo con estilo y por eso tiene un techo rojo. Me encanta el aspecto que tiene".
"Nuestra idea era que el Ecto-1 es el laboratorio móvil de Holtzmann", aporta Sage. "Un ilustrador de diseños realizó varios borradores del coche y del aspecto que podría tener, desde los más disparatados (provisto de antena parabólica, etc.) a los más discretos y contenidos. En última instancia, decidimos que no querrían que pareciera demasiado sofisticado, una vez más, para dar la impresión de que Holtzmann lo podría haber creado ella misma".
Pero Sage no se paró en el exterior. "También diseñamos el interior del Ecto con piezas y recambios, y equipo colgando", prosigue Sage. "Incluimos sitios donde colgar el armamento, y los equipos de protones se colocan en una rejilla que se desliza hacia dentro y hacia fuera". Eso es un guiño a la película original, en la que los equipos de protones se deslizan hacia dentro y hacia fuera de la camilla de la ambulancia.
Una vez más, James Maxwell aportó sus conocimientos y su pericia, explicando algunos de los conocimientos científicos reales que Holtzmann necesitaría conocer cuando elige la tecnología que llevará sobre el terreno para enfrentarse a lo paranormal.
Un ayudante de dirección artística se ocupó en exclusiva del coche durante semanas, instalando en el techo una serie de artilugios con pinta de máquinas, arneses, tubos, tanques, una sirena, un altavoz, antena, baterías y más cosas, hasta transformarlo en el Ecto-1.
Esta entrega de Cazafantasmas también presenta un nuevo vehículo: la moto de Kevin, el Ecto-2. Y si los diseños de Holtzmann tienen pinta de estar hechos en casa, al menos están hechos en casa por un ingeniero cualificado y con un doctorado. Por otro lado, la moto casera de Kevin refleja su particular mente en acción. Y como Kevin no tendría la formación en ciencias ni la pericia que posee Holtzmann, se decidió que el auténtico físico Maxwell no interviniera en la creación de la moto.
Acerca del diseño y las localizaciones
El diseñador de producción Jefferson Sage fue responsable del aspecto general del filme, incluidos los sets y las localizaciones.
En cuanto al cuartel general de las Cazafantasmas, el equipo responsable del proyecto pretendía hacer un guiño a la película original, a la vez que aportaba algo de su propia cosecha. Las Cazafantasmas estudian un antiguo parque de bomberos, pero lo consideran demasiado caro, y acaban abriendo sus oficinas en Chinatown, sobre un restaurante.
"Cuando las Cazafantasmas andan escasas de dinero, alquilan el piso de arriba de un restaurante chino ruinoso", aporta Sage. "Encontramos un edificio independiente interesante, que daba sensación de aislamiento, lo que reforzaba la idea de que nuestras Cazafantasmas son marginadas", prosigue Sage. "Transformamos el edificio, lo pintamos entero y le añadimos un garaje extra para albergar el Ecto-1. El interior se filmó en un plató, y la arquitectura del decorado de dicho plató reproducía fielmente la localización real, de modo que pareciera que siempre estás en el edificio real. La fachada era una reproducción exacta, lo que permitía colocar la cámara fuera del set y filmar a través de la ventana".
El set interior se inspiró en la localización del restaurante chino. "Tiene el típico aspecto de un restaurante chino. Nos permitió utilizar mucho color y una decoración interesante, como figuras chinas, tejados y dragones", explica Sage. "Diseñamos una gran puerta con un aspecto chino característico, pero, naturalmente, se supone que está abandonado, así que no está en muy buen estado. Se pueden ver la cocina y los servicios del restaurante".
Sage explica que esa localización tan extravagante sirvió para darle otro toque más de humor al filme. "Encontramos documentación muy bonita sobre un restaurante chino abandonado y nos dio ideas sobre cuáles serían los elementos básicos. Eso nos dio la idea de crear una zona de bufé con un elemento decorativo de tejado, que se convierte en el laboratorio principal de Holtzmann. Nos permitió combinar su tecnología y su ciencia con la arquitectura algo frívola del restaurante que ya venía con el lugar".
Ciertamente, el espacio va evolucionando a medida que Holtzmann lo convierte en su laboratorio. "Cuando se instalan en un primer momento, todavía están adaptando el espacio a sus necesidades", explica Sage, "pero a lo largo de la historia, va apareciendo más equipo. Por ejemplo, crean un puesto en un armario en el que se pueden colgar de la pared los equipos de protones y enchufarlos a las fuentes de energía y las fuentes de nitrógeno que permiten recargar los equipos".
Otra localización clave de la película es la mansión Aldridge, la supuesta mansión encantada (que resulta estarlo de verdad). Mientras que el exterior se filmó en el Boston University Castle, un destacado edificio cercano al campus, el interior se grabó en la mansión Ames, una finca que ahora es propiedad del estado de Massachusetts y lo ha convertido en un parque. Sage comenta que la localización fue un telón de fondo divertido en el que las Cazafantasmas tienen su primer encuentro con el más allá. "El Boston University Castle es una mansión estilo neotudor construida alrededor de 1915, y la mansión Ames se erigió en la década de 1920. Nos dieron una gran sensación de historia de fantasmas, que serviría para poner en marcha la acción de la película. Pudimos basar este diseño en el familiar mundo de las historias góticas de fantasmas", comenta.
En particular, el interior de la biblioteca de la mansión era un espacio estupendo para que lo exploraran las Cazafantasmas. "La biblioteca de la mansión Ames es una biblioteca personal preciosa de dos plantas", aporta. "Hay una galería superior que da la vuelta a toda la sala, y allí se guardan los libros viejos de la familia. Pero también hay una extraña mezcla de diferentes épocas, mobiliario, sillas, sofás, una preciosa mesa de mapas... todo desentonando ligeramente de una forma que nos encantó. La biblioteca está llena de obras de arte personales de la Sra. Ames, cuadros de sus amigos que eran artistas destacados de la zona por aquel entonces. Parecía muy personal, menos como un museo de una época concreta y más como un museo de una familia".
Para la secuencia ambientada en el metro, en la que Patty tiene su primer encuentro espectral, Sage considera que diseñar ese set era una gran oportunidad para que un diseñador pudiera volverse como loco documentándose. "Los metros están, en cierto modo, llenos de capas, hay elementos de los años 20, de los 40 y de la renovación que se produjo en los 90", explica el diseñador. "Incorporamos todas esas capas, para darle al túnel un aire realista. Creo que si el túnel parece más real, el fantasma que aparece en él parecerá más real". El departamento artístico construyó un set de casi 40 metros, con un andén y un poco de túnel, y se valieron luego de técnicas de ampliación digital de decorados para extenderlo.
Uno de los lugares más emblemáticos de Boston, el Wang Theatre, se convierte en el escenario de un concierto de rock en el que las Cazafantasmas afrontan su primera lucha de verdad con un ser del más allá. "Se trata de una escena clave, porque las Cazafantasmas reciben por fin una llamada para atrapar a un fantasma. Así que el objetivo era combinar una secuencia de acción con una secuencia de humor", prosigue Sage. El heavy metal encajó a la perfección con la escena. "El fantasma anda suelto por la sala y, sin querer, se mete en el auditorio, donde están dando un concierto. Las Cazafantasmas se ven obligadas a subir al escenario a luchar", explica Sage.
Y el teatro en sí no fue el único que ofreció un entorno evocador y estremecedor, también lo hizo su sótano. "Las Cazafantasmas tienen que internarse en las entrañas del teatro para encontrar a los fantasmas. El Wang Theatre tiene pasillos largos, estrechos y espeluznantes que decoramos y abarrotamos de cosas. Apagamos las luces para que, cuando las Cazafantasmas estuvieran ahí abajo, pareciera que se encontraran en un espacio extraño, tipo cripta. Se convirtió en parte de lo que hizo del Wang Theatre una localización perfecta para esa parte de la película".
La batalla final del filme tiene lugar en Times Square y, para rodarla, el equipo de la película encontró el lugar perfecto… en South Weymouth, Massachusetts. Para crear el set, el equipo necesitaba un amplio espacio abierto y lo encontraron en una base aérea de la Armada abandonada. Establecido originalmente como una base para dirigibles de la Armada durante la Segunda Guerra Mundial, el lugar siguió siendo un aeródromo operativo de la Armada estadounidense desde 1942 hasta 1997.
Para crear el efecto, el equipo construyó un gran decorado con un exterior de edificios y otros elementos, que envolvieron con un fondo verde, para que el equipo de efectos visuales lo rellenara más tarde… y no solo una, sino dos veces. "Parte del gran efecto durante el enfrentamiento final con el villano y todos los fantasmas es que hace un barrido de Times Square y de pronto se transforma y vuelve a estar como en la década de 1970", describe Sage. "Se convierte en una gran demostración visual de su poder, devolver Times Square a los antiguos 70. En el departamento artístico diseñamos el aspecto de los edificios de los 70 y los contemporáneos, mientras que los artistas digitales se encargaron de crearlos por ordenador".
Acerca de los fantasmas y los efectos visuales
Para traer a los fantasmas a nuestro mundo, Paul Feig sabía que tendría que recurrir a artistas digitales para crear efectos visuales. Y aunque quería crear un espectáculo, quería hacerlo de modo que encajara con la estética general de la película que estaba haciendo.
"Muchísimas películas con efectos digitales se crean todos por ordenador, mientras que los actores interpretan con una pelota de tenis sujeta a un palo", explica Feig. "Yo no quería eso, quería interacción con los actores. Quería que mis fantasmas parecieran personas, sobre todo porque esta película es una comedia".
A Feig también le influyó el aspecto del filme original de 1984, en el que los fantasmas se filmaron todos mediante técnicas y trucos de la vieja escuela. Aunque la nueva versión utilizaría sin duda efectos visuales modernos, Feig admiraba ese aspecto de la vieja escuela e intentó emularlo.
El supervisor de efectos visuales Peter G. Travers explica que, aunque la película representa una mezcla de técnicas modernas y antiguas, eso no es tan insólito. "Las técnicas de la vieja escuela sobre cómo rodar una escena no han cambiado", agrega. La diferencia, prosigue, estriba en que ahora los cineastas disponen de muchas más opciones para retocar una escena después de haberla grabado. "Hasta dónde podemos llegar ahora, y lo que podemos hacer, o realzar, o sustituir, ha aumentado de forma exponencial".
Captar lo máximo posible con la cámara también era sumamente importante para Travers, porque así era como los efectos visuales se podían adaptar al estilo de dirección de Feig, y no viceversa. "Paul tiene una capacidad increíble para hacer comedias muy atractivas y de gran éxito comercial. Y gran parte de eso consiste en dejarle a él, junto al director de fotografía Robert Yeoman y a los actores, descubrir el humor en múltiples tomas, a veces bastante largas. El humor no deja de evolucionar, incluso en posproducción. Por otro lado, los efectos visuales exigen una gran preparación previa. Así que la cuestión era cómo incorporar los efectos visuales a su estilo de dirección", plantea Travers. "Eso fue lo más peliagudo. No podíamos hacer múltiples pasadas, teníamos que dejar a Paul, el director de fotografía y el diseñador de producción decidir qué era lo que querían. La toma que acaba en la película puede ser la toma 10 o la 15, pero nosotros teníamos que asegurarnos de estar listos para trabajar en cada toma".
El mejor ejemplo del modo que tuvo el departamento de efectos visuales de proporcionar a los cineastas las herramientas para descubrir el humor de manera creativa son los haces de protones, en opinión de Travers. "Pusimos luces LED en las puntas de las armas de protones", explica. "Eso creaba una luz interactiva. Las chicas podían incluso disparar las armas y salía luz por la punta del arma. Podían controlar cuándo disparaban, había una suave luz roja que indicaba hacia dónde estaban apuntando. Paul podía cambiar el diálogo, o el ángulo de cámara y todo seguiría funcionando".
En cuanto a los propios fantasmas, el primer paso fue que el departamento artístico de Jefferson Sage diseñara el aspecto de los espectros. Una vez hecho eso, los artistas de efectos visuales, principalmente de Moving Picture Company, Sony Pictures Imageworks, Iloura y ZeroVFX, bajo la supervisión de Travers, les dieron su toque especial a los fantasmas.
"La primera pregunta que tuve para Paul fue: '¿Los fantasmas brillan?'", recuerda Travers."Si brillaban, y resulta que sí lo hacían, eso suponía tener que seguir cierto camino para conseguir ese efecto".
La razón por la que el brillo de los fantasmas era tan importante era sencilla: la luz. Una de las partes más difíciles de la animación digital es hacer que parezca que siempre estuvo ahí, e iluminar los planos de manera práctica es especialmente complicado. No solo es que los fantasmas tienen que verse iluminados por la luz de ambiente de la escena, sino que el brillo que emiten debería reflejarse en todo lo que los rodea. "Los efectos digitales tienen que tener una relación simbiótica con la escena que se filma en el set", comenta Travers. "Así que, si los fantasmas brillaban, tenía que parecer que los fantasmas formaban parte de la escena, desde el punto de vista de la iluminación interactiva".
Con ese efecto presente, el equipo responsable del proyecto encontró una forma de hacerlo."Tomamos a actores reales y los iluminamos con efectos de luz y luces LED, para poder grabar su interpretación", explica Feig. "Luego, lo llevamos al plano etéreo para hacerlo fantasmal y añadir efectos. Pero parte de la base de una cualidad humana y una interpretación humana".
Para conseguir eso, el equipo de efectos visuales colaboró estrechamente con el equipo de vestuario, dirigido por el diseñador de vestuario Jeffrey Kurland. "Primero diseñamos la ropa, y luego creamos trajes de luces que los actores llevaban bajo la ropa, para que el brillo la atravesara", recuerda Kurland. "Hubo que crear el tejido de la ropa, porque tenía que ser lo bastante fino para dejar pasar el brillo, y al mismo tiempo tenía que seguir pareciendo el tejido real de cualquiera que fuera la ropa que se suponía que estaba llevando el fantasma".
"Fue un desafío interesante, desde el punto de vista del diseño, no solo incorporar el diseño de un efecto de época, sino tener luego que iluminarlo", prosigue Kurland. "Fue genial trabajar conjuntamente con el personal de efectos visuales, fue una gran experiencia hacer algo que exigía tanta colaboración con otros departamentos del equipo de la película. Habría sido imposible filmar CAZAFANTASMAS sin un buen trabajo de equipo".
Buen ejemplo de ello es Gertrude, el primer fantasma con el que se encuentran las Cazafantasmas. "Se eligió a Bess Rous para interpretarla, Jeffrey Kurland diseñó su ropa y luego el departamento de vestuario se encargó de coserle luces LED en dicha ropa", recuerda Travers. "Cuando filmamos la escena, Bess estaba en una plataforma que subía y bajaba, y pusimos ventiladores en su vestuario para darle un aspecto etéreo, como si estuviera flotando en el aire, y, más tarde, podíamos ir al ordenador y reemplazar lo que hubiera que reemplazar para convertirla en un fantasma. Glenn Melenhorst supervisó al equipo de Iloura para conseguir ese efecto".
"No solo hicimos el vestido de Gertrude", aporta Kurland, "sino que el miriñaque y el corsé que llevaba debajo estaban iluminados; era un vestido de luces, que emitía un brillo que podía verse a través de su vestuario".
Al mezclar técnicas de efectos de la vieja escuela con animación digital de última generación, el filme contó con lo mejor de ambos mundos. "En el rodaje, como Bess estaba allí presente, las Cazafantasmas sabían dónde mirar, sabían dónde tenía la cara, las emociones que expresaba, las Cazafantasmas también expresan sus emociones… Todo funciona. Otro ejemplo estupendo de esto es la escena del túnel del metro, donde el fantasma presente en el set, interpretado por David Gruber Allen, estaba cubierto de luces LED y servía como fuente principal de luz del oscuro set del túnel. Y luego ZeroFX, de Boston, se hizo cargo del fantasma en forma digital, en algunos casos ocupándose por completo de la interpretación, además de ampliar el decorado y de crear un tren completamente digital".
Una vez más, el equipo de Kurland estuvo presente para ayudar. "El uniforme de presidiario a rayas se pulió hasta reducirlo a una tela sumamente fina, de modo que se pudiera ver la luz a través de ella", explica Kurland.
Ninguna película de Cazafantasmas estaría completa sin Moquete, así que, por supuesto, el popular fantasma aparece en este nuevo filme. Aunque en la versión final de la película, Moquete sería una creación enteramente digital (creada bajo la supervisión de Daniel Kramer en Sony Pictures Imageworks), el personaje empezó de igual manera a como lo hizo en el rodaje de la película de 1984, con un muñeco de Moquete. "Los personajes digitales han avanzado muchísimo desde entonces", observa. "El muñeco no podía ser ni mucho menos tan expresivo como lo podía ser su versión digital. Pero resultó muy útil contar con algún tipo de representación en el rodaje, si hubiéramos decidido utilizar un Moquete digital y no hubiéramos contado con ninguna representación del fantasma en el set, no habría quedado tan bien como queda en la película final".
En la primera llamada de las Cazafantasmas, reciben el encargo de exorcizar a un fantasma volador de un concierto de rock. "Teníamos un dron con luces LED sobrevolando el lugar, que después sustituimos por el fantasma del concierto", explica Travers. "Una vez más, toda la multitud miraba en la dirección correcta, ya que sabían exactamente dónde mirar. Y cuando el fantasma se acercaba a una pared, las luces LED ofrecían un fantástico reflejo verde. Nuestro fantasma brillante, incluso cuando está flotando en lo alto, cerca del techo, parece que está verdaderamente presente en ese escenario. De esa labor también se ocupó Iloura, en Australia".
Otros de los favoritos de Travers son los fantasmas de los globos del desfile. "Son del desfile de los almacenes Macy's de los años 20, son gigantescos y resulta que brillan, algo que no sería nada habitual", explica. "Conseguimos globos de luz de verdad que movíamos por el set de rodaje, para intentar conseguir la sincronización correcta. Eso nos permitió hacernos una idea bastante clara de cómo funcionarían los reflejos de las ventanas y cómo respondería todo lo que los rodea a la iluminación. En la película no se llegan a ver en ningún momento esos globos reales, pero fue absolutamente necesario usarlos como referencia". Imageworks se encargó de crear luego globos totalmente digitales, con simulaciones y todo para crear ese aspecto de estar medio controlado y medio arrastrado por el viento. Las explosiones de los globos exigieron una capacidad de proceso enorme por parte de los ordenadores.
En última instancia, en el clímax de la película, hay más de 1000 fantasmas descendiendo sobre Nueva York. Toda esa secuencia corrió a cargo de Moving Picture Company, bajo la supervisión de David Seager. "Aquí es donde la película alcanza enormes dimensiones, y MPC invirtió muchísimo esfuerzo en los detalles", comenta Travers. Travers y su equipo tenían 20 diseños básicos de fantasmas para la película, muchos de los cuales se podían variar, mezclar y combinar para crear un gran número de posibilidades.
Acerca del vestuario
Además de diseñar, vestir e incluso iluminar a los personajes no muertos, el diseñador de vestuario Jeffrey Kurland también fue responsable de vestir a los personajes vivos.
"Era importante para mí que los personajes tuvieran personalidades muy diferentes", explica Paul Feig, refiriéndose al aspecto de las protagonistas de la película. "No quería que fueran caricaturas, sino sin duda gente que te llama la atención. Aunque estamos manteniendo la película con una base real, me gustaba la idea de que pudieran tener unas personalidades excéntricas y eclécticas".
Como con el resto del diseño en general, el vestuario debía tener un aspecto muy real y normal, lo mejor para que sirva de contraste con la trama tan fantástica y los personajes tan disparatados. Y, naturalmente, la prenda fundamental del vestuario del filme eran los uniformes de las Cazafantasmas.
"Mi inspiración fue el propio guion", aporta el diseñador de vestuario Jeffrey Kurland. "Patty trabaja para la MTA [Autoridad Metropolitana del Transporte, por sus siglas en inglés] y dice: ‘Puedo conseguiros unos monos donde trabajo’. Añadimos la cinta reflectante, ya que tenía sentido, si trabajas en el metro, cuando se te acercan unas luces, se te tiene que ver. Y luego añadimos más cinta reflectante en otras partes, que se supone que debemos asumir que lo ha hecho Patty, le da un cierto toque de estilo y moda y consigue llevar los trajes a otro nivel".
Al final, resulta que Kurland no acudió a la verdadera MTA en busca de inspiración. Feig quería monos, pero los empleados de la MTA no llevan monos en los túneles.
Además de los monos, cada uno de los cuatro personajes principales tiene un aspecto característico que refleja su personalidad. "Es una obra que gira en torno a los personajes", opina Kurland, lo que exigía que cada uno de ellos destacase por sí mismo.
La ropa de Abby es la que parece más improvisada, como le corresponde a alguien que no pierde mucho tiempo pensando en su aspecto. "Es una cerebrito, muy inteligente y no le preocupa realmente su ropa, es muy corriente", explica. "A diferencia de muchos de los personajes que ha interpretado Melissa, se supone que no llama la atención. Líneas interesantes, patrones y elecciones de color interesantes, pero nada extravagante".
De forma similar, la amiga de la infancia de Abby, Erin, viste "de forma conservadora, pero con un aire pijo", comenta Kurland. "Es profesora de la Universidad de Columbia, intenta que la hagan fija, así que pretende causar cierta impresión. No es la empollona que podría haber sido en la universidad o el instituto, ha madurado y ha dejado eso atrás, pero no del todo; aún pueden apreciarse su inseguridad y sus sentimientos. Es muy retraída. Puede verse todo eso en sus trajes de tela escocesa y sus faldas plisadas, pero a su manera son cortas y coquetas, y lleva unos buenos tacones".
De todos los personajes, Holtzmann tiene probablemente el aspecto más particular."Holtzmann era mi comodín", propone Kurland. "Tiene un gusto muy ecléctico, es muy dispersa, mezcla cosas que a nadie se le ocurriría nunca mezclar, aunque a ella le funciona. En un determinado momento, lleva pantalones de montar, o lleva un peto pintado que se supone que lo ha pintado ella misma, nunca lleva calcetines que hagan pareja. No hay mucha gente que pueda ir por ahí con un batín color borgoña como si nada".
"La ropa es una parte muy importante del personaje, y dije: ‘Tenemos que tener un pelo disparatado a juego’", prosigue Kate McKinnon. "Mientras me probaba la ropa, acababa de llegar de un evento la noche anterior, tenía el pelo tan lleno de laca que se tenía tieso, y eso fue el principio. Intercambié correos con Brenda McNally, la artista y jefa del departamento de peluquería que se ocuparía de mi pelo, y le enviaba fotos de Tilda Swinton y St. Vincent. Sin su aspecto, no podría haber interpretado a ese personaje. Mola bastante".
Leslie Jones también tiene un aspecto bastante particular como Patty. "Está empezando a hacerse un poco mayor y todavía quiere tener algo de chispa", sugiere. "Ahí es donde entran los colores: su actitud es: ‘Te voy a hacer saber que estoy aquí’. Vas a saber perfectamente cuándo aparece Patty en una habitación".
"Me documenté ampliamente sobre los metros, me fijé en las mujeres que trabajan en las estaciones", señala Kurland. "Resultó muy interesante, porque todas llevan ese uniforme con que se ve a Patty –los pantalones azules, la bufanda y la camisa azul– pero su pelo, sus uñas y sus joyas son algo muy personal. Su estilo personal se encuentra en sus accesorios, porque no pueden cambiar ese uniforme. Esa fue mi pista, y el pelo trenzado es algo que saqué de esa documentación: hace que quede arreglado y en su sitio, pero posee una femineidad que queda genial".
Acerca del director
La reputación de Feig de dirigir comedias agudas protagonizadas por las actrices cómicas más importantes del panorama actual –en géneros normalmente dominados por hombres– lo han convertido en una de las voces más destacadas de la comedia cinematográfica. Sin embargo, para Feig y sus actores, lo importante es ofrecer humor y hacer una película que entretenga al mayor número posible de personas.
"Paul me hace reír muchísimo", asegura Wiig sobre Feig, que también la dirigió en el filme nominado al Óscar, "La boda de mi mejor amiga", que Wiig coescribió con Annie Mumolo."Tenemos un sentido del humor muy similar en cuanto a lo que hace que nos partamos de risa. Cuando empezamos, no podemos parar".
"Paul me pareció muy paternal como director, se porta en todo momento de forma muy tranquila, tolerante y cariñosa. No le vi nunca ni un ápice de frustración o decepción", comenta McKinnon. "Es una persona de lo más comprensiva, que puede darte una palmadita en la espalda, al tiempo que te orienta en la dirección adecuada. Pero algo que tal vez no sepáis sobre Paul Feig es que es un fanático de la acción. ¡Le encanta el tema! Así que puso mucho énfasis en la comedia, en la acción y también en las auténticas amistades que pueden encontrarse en este universo. Y por eso era el director perfecto para esta película. Nadie más podría haber acertado de pleno ese tono".
Claro que Feig no solo se está labrando una reputación por su habilidad con la comedia, sino también por sus elecciones a la hora de vestir: el director va siempre vestido con un traje a medida (incluso cuando le toca dirigir en pleno calor y humedad del verano de Boston). "¡Es de lo más elegante!", exclama Leslie Jones. "Ese tipo sabe vestirse. Su ropa más formal y su ropa más informal son exactamente iguales. Seguro que hasta su pijama es un traje".
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