Brooklyn
2015
Duración 111 min.
País Irlanda
Director: John Crowley
Reparto: Saoirse Ronan, Emory Cohen, Domhnall Gleeson, Julie Walters, Jim Broadbent,Michael Zegen, Mary O'Driscoll, Eileen O'Higgins, Emily Bett Rickards, Paulino Nunes, Eve Macklin, Maeve McGrath, Jenn Murray, Aine Ni Mhuiri, Nora-Jane Noone
Fox Searchlight Pictures presenta, junto a BBC Films, Telefilm Canada, Bord Scannán Na Héireann/The Irish Film Board, Sodec y BFI, una coproducción de Wildgaze Films/Finola Dwyer Productions/Parallel Films/Item 7, producida en asociación con Ingenious y en asociación con BAI RTE y Hanway Films: BROOKLYN. La película está dirigida por John Crowley y está basada en un guión de Nick Hornby a partir de la novela escrita por Colm Tóibín; está protagonizada por Saoirse Ronan, Domhnall Gleeson y Emory Cohen, con la colaboración de Jim Broadbent y Julie Walters. Finola Dwyer y Amanda Posey ejercen como productores; Pierre Even y Marie-Claude Poulin son coproductores; y Christine Langan, Beth Pattinson, Thorsten Schumacher, Zygi Kamasa, Hussain Amarshi y Alan Moloney son productores ejecutivos. El equipo de producción incluye al director de fotografía Yves Bélanger, al diseñador de producción François Séguin y al montador Jake Roberts; la música ha sido compuesta por Michael Brook, el diseño de vestuario es obra de Odile Dicks-Mireaux y la supervisión musical ha corrido a cargo de Kle Savidge.
Sobre la producción
"Eso le hacía sentirse extraña, como si fuera dos personas a la vez: una que se había enfrentado a dos fríos inviernos y muchos días difíciles en Brooklyn, lugar donde se había enamorado; y otra que era la hija de su madre, la Eilis que todo el mundo conocía, o creía conocer". - Colm Tóibín, Brooklyn
Una inmigrante de origen irlandés tiene que decidirse entre dos hombres, dos países y dos destinos en una historia que habla del éxodo, de la lenta gestación de un anhelado romance, y que indaga en la imprevisible aventura de una joven que se convierte en mujer en América. A través de la contemporánea mirada que nos brinda la película, la historia proporciona una visión retrospectiva de la delicada transformación de Estados Unidos durante los años cincuenta, cuando, tras la II Guerra Mundial, una ola de inmigrantes llegaba a sus costas en busca de prosperidad.
La novela que Colm Tóibín publicó en 2009, Brooklyn, una de las novelas más aclamadas de la última década, ha sido adaptada por el guionista Nick Hornby (ALMA SALVAJE, AN EDUCATION) y el director John Crowley (BOY A). La fuerza y eje central del libro era una típica historia de inmigración, pero narrada por una voz que muy pocas veces se ha escuchado. Mientras que ha habido numerosas historias sobre hombres jóvenes, ambiciosos o desesperados, que se ven empujados a buscar fortuna en América, la novela cuenta una historia diferente, una que trata sobre una callada y modesta pero muy luminosa joven llamada Eilis.
Eilis ha vivido toda su vida en la diminuta localidad de Enniscorthy, Irlanda –donde todo el mundo sabe lo que les pasa a los demás y hasta más cosas–, cuando se ve impelida a viajar a América, debido a su hermana, que quiere que Eilis madure. Eilis llega ya al tumultuoso y heterogéneo Brooklyn llena de añoranza, sintiéndose una exiliada. Sin embargo, cuando Eilis consigue adaptarse hábilmente a la vida neoyorkina, encuentra a un divertido, dulce y carismático pretendiente decidido a ganar su corazón. Justo cuando parece estar a punto de iniciar una nueva vida, una tragedia familiar la lleva de regreso a Irlanda, retrocediendo a la vida que dejó atrás…, y a una decisión que podría afectar a su futuro para siempre.
Atrapada entre dos diferentes apelaciones a su corazón, Eilis se enfrenta a uno de los dilemas más formidables y difíciles de nuestro fluido mundo moderno: descubrir cómo combinar el lugar de dónde procedes con el lugar al que sueñas ir.
En cuanto a la trascendental decisión que debe tomar Eilis, Hornby observa: "Yo creo que Eilis se puede imaginar teniendo una vida en América y teniendo una vida en Irlanda, pero no puede mantener ambas percepciones al mismo tiempo. Sabe que es imposible armonizar esas dos vidas. De manera que creo que por ese motivo consigue amar, momentáneamente, a dos personas a la vez, porque se hallan en dos mundos distintos. Sin embargo, finalmente, Eilis tiene que vivir solamente en uno".
Tóibín afirma: "Ésta es la desconocida historia de dos países; de mi país, Irlanda, donde durante los últimos 150 años todas las familias han perdido a uno o dos de sus miembros, gente que se ha marchado y nunca ha regresado. Pero también es la historia oculta de Estados Unidos. Estas personas son los abuelos y bisabuelos de los americanos actuales. Así es cómo ellos llegaron aquí. Y esa historia no se ha contado muy a menudo".
Adaptando Brooklyn
Colm Tóibín, el aclamado escritor irlandés (The Blackwater Light Ship, The Master) que, al igual que la heroína de Brooklyn, nació en Enniscorthy, Irlanda, pero posteriormente se trasladó a Nueva York, ha sentido durante mucho tiempo gran fascinación por las lealtades y divisiones familiares, la búsqueda del hogar y la identidad, y el modo en que hombres y mujeres desean y preparan el terreno para el amor. La novela parecía fusionar todos estos temas en una historia sobre el poder transformador de la experiencia migratoria. Aunque la acción se desarrolla en la década de los cincuenta y dentro de la unida comunidad irlandesa en Brooklyn, también parecía hablar de la eterna necesidad de dar respuesta a dos de las cuestiones más sencillas, aunque también más angustiosas, de la vida: ¿a qué lugar, y a quién, pertenecemos realmente?.
En su revisión del libro, la novelista Pam Houston lo describió como "una clásica historia de transición a la madurez, pura, nada sensacionalista, discretamente profunda…; sólo está el eco de una joven mujer que lenta y deliberadamente va adentrándose en sí misma, aprendiendo a tomar y a defender sus decisiones…"
El libro proporcionaba una insólita visión de la experiencia de una inmigrante, de una joven desvalida que no sólo aprende a abrirse camino en su nuevo país sino a través de su complicado corazón, así como a sobrevivir y no dejarse pisotear. La singularidad de esa perspectiva, casi omitida en la actualidad, fue lo que inicialmente llevó a las productoras nominadas al Oscar Finola Dwyer y Amanda Posey (AN EDUCATION), de la compañía establecida en Londres Wildgaze Pictures, a concebir la traslación de la novela a la gran pantalla. Se sintieron inspirados por la idea de contar una historia aparentemente familiar desde un ángulo nunca antes visto.
"BROOKLYN no sólo es la historia del viaje que emprende una inmigrante desde Irlanda a América, es también el viaje que Eilis realiza al convertirse en la mujer que quiere ser", dice Posey. "Es una historia sobre una mujer que encuentra su verdadera voz y descubre su capacidad de elegir, especialmente durante una época de la historia en la que muchas elecciones estaban restringidas".
Dwyer añade: "También es una historia muy universal, sobre la idéntica atracción que ejercen tu hogar natal y cualquier sitio en el que acabes haciendo tu vida adulta. No tienes que estar a miles de kilómetros de tu hogar para sentirte identificado con ese sentimiento. Todos hemos dejado atrás a lugares y personas".
Las productoras estaban entusiasmadas con llevar adelante el proyecto, pero Dwyer y Posey sabían que desde el principio tenían ante sí un importante obstáculo: encontrar a un guionista capaz de convertir por primera vez una obra de Tóibín en una película. ¿Habría alguien que pudiera capturar el drama de la historia manteniendo al mismo tiempo intacto el sutil lirismo que ha hecho a Tóibín tan apreciado como escritor?
Afortunadamente, las productoras creían que ya conocían a la persona adecuada: Nick Hornby, con quien habían colaborado en la oscarizada película AN EDUCATION, la historia de una estudiante inglesa en la década de los sesenta, destinada a estudiar en Oxford pero tentada por un tipo de vida completamente diferente. Hornby, popular novelista y muy alabado por la crítica por méritos propios (High Fidelity, About A Boy, Juliet Naked, Funny Girl), había adaptado recientemente las memorias de Cheryl Strayed para el filme ALMA SALVAJE.
Para Hornby, la trascendencia de BROOKLYN radica en la habilidad que tiene Tóibín para captar el espíritu humano cuando se divide entre distintos compromisos, ya sean con el país, con la familia o con un amor. "El modo en que Colm describe el dolor de querer estar en dos sitios a la vez, es un hermoso ejercicio de malabarismo; y parece prestarse particularmente bien al formato cinematográfico", señala Hornby. "Yo creo que si uno se identifica con los personajes de Orgullo y prejuicio también se sentirá identificado con BROOKLYN, porque, en el fondo, se halla esa misma y atemporal elección de una mujer entre dos clases diferentes de hombres".
Aunque, naturalmente, Homby no ha experimentado la vida de un inmigrante de mediados del siglo pasado, Hornby se identificó personalmente con la curiosidad que siente Eilis en torno a la vida que podía tener alejándose de los confines de su pequeño pueblo irlandés. "Como alguien que ha crecido en los suburbios y que contaba los días para irme de allí, era capaz de identificarme con la esencia de su viaje", señala.
De hecho, Hornby dice que la adaptación surgió de una manera bastante orgánica, a pesar del pensamiento de muchos de que convertir en diálogo cinematográfico la prosa profundamente emocional de Tóibín sería una labor abrumadora. "Dado que la forma de escribir de Colm es muy precisa y que hay datos que descarta u omite, puede pensarse que es un libro muy emocional, pero a mí no me lo parecía tanto", explica el guionista. "Los hechos que le suceden a Eilis parecían verdaderamente listos para su dramatización. A mí me interesaba capturar esa deliciosa mezcla de tonos: el cómico, el romántico y el trágico. Y sobre todo quería que el público las pasara canutas con Eilis, llegara a amarla a ella y a la gente que la rodea, y se sintiera realmente afectado por su viaje".
El enfoque, delicadamente contenido pero profundamente romántico, de Hornby satisfizo a las productoras. "Nick resaltó todas y cada una de las muchas capas emocionales del libro y, al mismo tiempo, enfatizó mucho el humor", dice Dwyer. "Pero, por encima de todo, Homby representó brillantemente la voz de Eilis".
Tóibín se sintió especialmente complacido con la adaptación de Hornby. Dice de su propia reacción: "Me quedé muy sorprendido de la claridad de su adaptación. Nick verdaderamente entendió que la emoción central del libro es el amor, que trata sobre alguien que se encuentra dividido entre distintas posibilidades; y que si, simplemente, sigues esa idea hasta el final, como efectivamente él hizo, es posible lograr algo extraordinariamente puro".
John Crowley: Un punto de vista personal
Disponiendo ya de una novela y de un guión con tantos matices, el siguiente reto era conciliar el material con un director que pudiera llegar a él aportando una visión muy personal. John Crowley, más conocido por el drama BOY A y ganador del premio BAFTA, pareció tener una inmediata comprensión del material; ya que es, asimismo, un irlandés que vive fuera de Irlanda, en su caso, habiendo sustituido su hogar natal por Inglaterra.
Colm Tóibín sintió enseguida una gran afinidad con Crowley debido a su familiaridad con las emociones que implica el hecho de dejar tu país… y, en concreto, dejar Irlanda. "John ha pasado por la experiencia de proceder de un territorio irlandés e, incluso viviendo bajo cielo inglés, estar moviéndote entre dos lugares, así que tan pronto como empezamos a hablar, estaba claro que era algo que él entendía", dice el novelista. "Era su vida".
El novelista disfrutó viendo al director inspirarse en sus personajes. "John es muy minucioso y concreto en cuanto a lo que quiere. Pero lo que más puso en esta película fue su corazón. John es una persona amable, inteligente y divertida, y todas esas cosas se ven claramente en el filme".
Por su parte, Crowley había leído la novela de Tóibín mucho antes de que hubiera un guión, y simplemente le había atraído como lector. Ahora, Crowley lo veía como la oportunidad de representar una época, un lugar y un personaje inolvidable que podía profundizar en la imagen de la experiencia inmigrante en América.
"A pesar de ese punto de familiaridad que sentía en torno al tema, la verdad es que BROOKLYN me parecía que exponía un lado de la historia que no se había contado", comenta el director. "Todo el mundo conoce las anteriores oleadas de inmigración europea, pero la historia de alguien que en la década de los cincuenta emigra desde Irlanda a América es uno de los aspectos menos tratados en relación a lo que ocurrió en aquel período. El modo en que Colm contaba la historia no era melodramático en absoluto y, sin embargo, era extraordinariamente emocional. Es un libro aparentemente simple, pero verdaderamente yo creo que el hecho de que Eilis tenga que elegir entre dos países y dos hombres no puede ser más dramático".
Crowley cree también que la razón de sustituir un mundo por otro es tan relevante ahora como lo era en los años cincuenta. "Ésta es una historia sobre el exilio", afirma Crowley."Cuando dejas un país y decides vivir en otro sitio, ya no eres de tu lugar de procedencia, pero tampoco lo eres en absoluto del país que has elegido para vivir. De manera que te conviertes en miembro de una especie de tercer país, un país de exiliados. En el mundo actual, un amplio número de personas no vive en su país natal. La historia de BROOKLYN, tal y como Colm la escribió y como luego Nick desarrolló y adaptó cinematográficamente en su guión, es completamente fidedigna con esa experiencia".
Para Crowley, BROOKLYN muestra también una moderna concepción del amor. "Es una historia que dice que el amor es complicado", reflexiona, "y que el corazón no tiene por qué ser necesariamente fiel a una sola persona; quizás, a diferencia de la cabeza, puede concebir el hecho de amar a dos personas a la vez. La elección de Eilis entre dos hombres es también una elección por el tipo de vida que quiere tener. No obstante, tiene dificultades para comprender el hecho de que, para hacer eso, hay una parte de sí misma que, al menos, debe cauterizar. Todo ello le supone un elevado coste a nivel emocional y, sin embargo, la única manera que tiene de vivir su vida es seguir adelante. El amor en esta historia es una fuerza muy auténtica que potencialmente puede ser destructiva o liberadora, dependiendo del camino que se tome".
Para las productoras, la visión de Crowley de combinar el sentido del romanticismo de la vieja escuela con la sinceridad del siglo XXI era algo apasionante. "En nuestra primera reunión, John describió BROOKLYN como un cuento de hadas moderno", recuerda Posey. "John pensaba que el intento de Eilis por reconciliar sus dos mitades era una especie de paradigma. Pero también aportó su verdadero conocimiento personal sobre lo que eso significa".
Crowley afirma que en su dirección cinematográfica quería hacerse eco de la austera elegancia de la novela y el guión; deslizándose por la delgada línea que hay entre la crudeza y el sentimentalismo, sin ceder ante ninguno de ambos aspectos. "Al igual que en el libro, yo quería que el poder de la historia llegara de una manera sigilosa y desprevenida al espectador", afirma. "También quería enfatizar su sentido del humor y su gran dimensión. El objetivo no es que sea una historia grandiosa, pero yo creo que este relato de una chica irlandesa de los años cincuenta contiene en sí misma la gran historia de los europeos en la América del siglo XX".
Crear ese poder en la pantalla requería un estilo de dirección muy hábil y paciente. Finola Dwyer dice que eso es exactamente lo que Crowley aportó. "Sabíamos que éste iba a ser un verdadero trabajo actoral, y John es absolutamente genial trabajando con los actores. De todos ellos logró sacar unas interpretaciones asombrosas".
Eilis, Tony y Jim: Un triángulo que cruza el océano
BROOKLYN requería a una actriz que pudiera encarnar fielmente a Eilis con su discreto y ácido sentido del humor, su perspicaz inteligencia y sus progresivas aspiraciones. Al igual que muchos ignorados inmigrantes americanos, Eilis llega a América como una modesta, si bien muy capaz, y solitaria chica que está a punto de experimentar una profunda transformación personal.
Colm Tóibín dice de Eilis, "Yo creo que en el libro intenté construir un personaje que no fuera apocado, que no fuera prepotente y no dedicara su tiempo a mirarse en el espejo, pero que, sin embargo, en su interior hubiera unos sentimientos profundos y, en ocasiones, fuera algo obstinada. Allá donde va, Eilis gusta a la gente. Pero ella no sabe realmente cuál es el motivo. No actúa de una forma deliberada".
El novelista dice también de Eilis: "Ella es, de algún modo, más feliz entre las sombras…, así que para mí era un sujeto más dramático porque, aunque Eilis no se reafirma como persona de manera natural, al final del libro controla su universo. Eilis se abre camino en el mundo de una forma impresionante pero nada estridente".
Los realizadores buscaban a una actriz que lograra meter al público en el mundo de una joven que consigue llegar a realizarse, con su discreto ingenio y determinación, y que además pudiera entender la nostalgia de Eilis por Irlanda. La elección perfecta era Saoirse Ronan.
De padres irlandeses pero nacida en Nueva York y criada fuera de Dublín, Ronan consiguió el reconocimiento por primera vez en la película de Joe Wright EXPIACIÓN, MÁS ALLÁ DE LA PASIÓN, logrando una nominación al Oscar a la mejor actriz secundaria por su interpretación de ‘Briony’. A continuación, actuó en THE LOVELY BONES, HANNA y, más recientemente, la oscarizada película de Wes Anderson EL GRAN HOTEL BUDAPEST, habiendo actuado en las tres con sólo 20 años. Encontrándose ahora en su mejor momento profesional, Ronan estaba preparada para enfrentarse a un papel complicado y muy exigente emocionalmente.
Ronan dice que sintió una inmediata, casi sorprendente, afinidad por Eilis tan pronto como leyó el guión. "Nick Hornby no es de Irlanda, sin embargo, logró captar totalmente el espíritu del país. El estilo literario era realmente hermoso y primorosamente sutil", comenta. "Lo sentía muy dentro de mi corazón porque hablaba sobre mi gente. Fue el viaje que mis padres hicieron al regresar en los años ochenta; se trasladaron a Nueva York y experimentaron todas esas mismas cosas, a pesar de que era una época distinta. La mayor dificultad que cualquiera puede tener en la vida es abandonar la seguridad de la familia y los amigos sustituyéndola por algo completamente nuevo".
El vertiginoso sentimiento que siente Eilis de estar dividida entre dos mundos le tocó especialmente en lo más hondo a Ronan. La actriz prosigue: "Yo soy muy irlandesa en ciertos aspectos, pero también tengo una sensibilidad americana puesto que nací en Nueva York. Yo creo que eso fue lo que hizo que la historia resultara aún más emotiva para mí, porque siento una fuerte conexión con ambos países, al igual que Eilis. Todo lo que Eilis experimenta era exactamente lo que yo experimentaba en ese momento de mi vida, y que todavía hoy siento. Así que, emocionalmente, la historia me era extraordinariamente cercana".
Una vez en el set, esas emociones afloraban a la superficie y, aunque Ronan las trabajaba cuidadosamente, señala que a veces se veía arrastrada por ellas. "Antes, siempre era capaz de distanciarme al final del día de trabajo, dejar atrás la historia, marcharme a casa y ser simplemente yo misma. Pero, en este filme, había veces en las que la situación era tan real para mí, y estaba tan metida en el personaje, que eso me provocaba lágrimas", afirma.
La mezcla de emociones a las que Eilis se enfrenta –desde confusión y pena hasta alegría y afecto– era también un apasionante reto que Ronan intentaba equilibrar gradualmente."Teníamos que hacer desde escenas desgarradoramente bellas y totalmente tristes a secuencias que eran maravillosamente divertidas", señala Ronan. "Eilis pasaba por todas esas muy naturales sensaciones que todos los seres humanos experimentamos: dolor, relaciones, trabajos, vínculo paterno-filial, independencia. Pero me gustaba la sutileza que había en todo. El reto está en comprender lo que experimenta interiormente Eilis e interpretar al personaje de muchas y diferentes maneras. Y también se trataba de equilibrar el drama que conllevan las circunstancias de la vida real con el humor que la gente emplea para gestionar dicho drama, algo que sé con certeza que los irlandeses hacen muy a menudo. Utilizamos el humor como una forma de lidiar con la vida y la muerte. De manera que se trataba de buscar el equilibrio en todo ello".
A Ronan le gustó sobre todo conocer el trasfondo del romance que surge gradualmente entre Eilis y Tony Fiorello. "En el caso de Eilis y Tony, se trata, literalmente, de la colisión de dos mundos completamente diferentes", observa. "Los Fiorello no son sólo italianos sino también muy americanos bajo el punto de vista de Eilis. Criados en la dureza de Nueva York, muestran una típica actitud combativa, mientras que Eilis proviene de la Irlanda rural, no obstante, afortunadamente, su espíritu también es bastante luchador. De nuevo, desde ambos lados se utiliza el humor como medio de comunicación".
De igual manera, Eilis sentía curiosidad por el repentino cambio de perspectiva y estado de ánimo de Eilis cuando regresa a Irlanda siendo más dueña de sí misma. "Ahora, ella tiene una vida completamente distinta que la gente de Enniscorthy desconoce, pero, en cuanto vuelve, reincide un poco en sus antiguas pautas de vida, permitiendo que de nuevo le digan lo que debe hacer. La diferencia es que ahora es consciente de ello, mientras que antes no lo era. En un caso como éste, no sé si alguna vez llegas a saber si has tomado la decisión correcta. Yo no creo que Eilis llegue a saberlo nunca. Pero eso es un elemento más de la belleza de esta historia".
El eje central de BROOKLYN para Ronan radica en la redefinición de hogar. "Me gusta la advertencia que Eilis transmite a una joven casi al final del filme: cuando te marches de tu país, lo añorarás tanto que desearás morirte, y no habrá nada que puedas hacer al respecto aparte de superarlo, pero eso no te matará y llegará un día en que saldrá el sol y comprenderás que es ahí donde está tu vida. Ese espléndido pasaje significa mucho para cualquier persona que alguna vez haya dejado atrás hogar y familia. Eilis necesita llevar a cabo ese viaje increíblemente feliz, doloroso, emocionante y espantoso para tomar una decisión sobre dónde siente que quiere estar. Y, en mi opinión, de eso es de lo que trata BROOKLYN. El vínculo con tu hogar es algo que siempre llevas contigo mientras vas a lugares distintos y te pasan cosas diferentes en la vida. El truco está en llevarlo sin dejarte agobiar por ello".
Aunque John Crowley conocía su talento, se quedó muy asombrado de los muchos y distintos matices, deliciosos y desgarradoramente sinceros, que Ronan aportó a su interpretación."Parece como si éste fuera el papel que Saoirse estaba esperando", reflexiona. "Hay una confluencia entre actor y personaje que sucede, si tienes suerte, sólo una vez en tu vida profesional. Da la sensación de que todo lo que Saoirse dice en el set lo dijera desde su propia realidad. En su interpretación hay tal cercanía y profundidad emocional que resulta sorprendente. El personaje es absolutamente suyo".
Colm Tóibín se quedó igualmente impresionado por la forma en que Ronan vivió el personaje."Saoirse tiene la extraordinaria habilidad de sugerir mucho emocionalmente sin hacer prácticamente nada. Es fascinante ver esa cualidad, no sólo para los espectadores del filme sino también para un autor, ya que es eso precisamente lo que siempre intentamos hacer sobre el papel", comenta.
Tóibín prosigue: "La cámara la ama…, puede que pase inadvertida entre una multitud…, pero en el momento en que tiene que actuar, hay algo que emerge y la ilumina. Y yo creo que el personaje de Eilis tiene también esa cualidad. Hay momentos en los que no desea hacerse notar, pero cuando es necesario o sometida a presión, de ella se desprende luz".
Finola Dwyer señala que este papel significa un punto de inflexión en la carrera de Ronan."Todos nos sentimos muy afortunados de poder contar con Saoirse en este momento en concreto. Ronan ha sido una destacada actriz infantil y adolescente, pero éste es realmente su primer papel como mujer adulta, y ha logrado representar, de manera memorable y distintiva, el paso de la adolescencia a la madurez como nadie lo ha hecho antes", dice la productora.
Ronan dice que fue capaz de llegar a tales niveles de profundidad y realismo debido, en parte, al apoyo de Crowley. "John estaba muy al tanto de todo lo que pasaba en una escena; a nivel emocional, sabe sugerirte dónde deberías estar tú exactamente. El guión es, de algún modo, extraordinariamente simple, pero John veía sus complejidades. Y saca a la luz todos esos secretos que, en cierta forma, tú vas revelando sobre la marcha. Y eso es lo que es hace que trabajar con John sea algo fantástico".
Finalmente, Ronan desea que el personaje de Eilis impacte por su discreta firmeza. "Espero que la gente vea a Eilis como a alguien que consigue ser lo suficientemente fuerte como para elegir la vida que quiere y sentirse orgullosa de ello", concluye.
Aunque elegir a la actriz capaz de interpretar a Eilis era vital, igualmente importante era que sus dos pretendientes –uno, americano; el otro, encontrado inesperadamente al regresar a Irlanda– fueran tan atractivos como creíbles. Para interpretar al fontanero de aspecto aniñado Tony Fiorello, quien corteja a Eilis con bravuconerías y tenacidad pese a sus vacilaciones, los realizadores eligieron a la estrella emergente Emory Cohen. Conocido por sus papeles en la serie de NBC "Smash" y la película de Derek Cianfrance CRUCE DE CAMINOS, éste es su primer papel romántico importante.
A Cohen, natural de Nueva York, le atrajo el personaje como atemporal símbolo de la pasión juvenil, pero también como auténtico inmigrante italiano que cree en el axioma de los años cincuenta de que el deber de un hombre es hacer lo mejor por la mujer que ama."Básicamente, yo creo que ésta es una historia que te hace pensar en muchas cosas de la vida, tanto la de antes como la de ahora", afirma. "¿Qué significa amar totalmente? ¿Qué significa ser un buen hombre? ¿Qué significa disfrutar de las pequeñas cosas de la vida?"
Cohen dice también que la historia le hizo pensar en la idea de amor a primera vista. "Cuando Tony ve a Eilis, es como si le alcanzara un rayo. Leí unas líneas en el libro de Mario Puzo El padrino que decían que cuando te alcanza ese rayo, ni siquiera puedes irte a dormir porque no puedes sacarte a la chica de la cabeza. De manera que pensé en ello de esa forma. Así es como Tony ve el amor".
Para interpretar a Tony, Cohen se inspiró en numerosas referencias culturales, desde las interpretaciones naturalistas de cine italiano como EL LADRÓN DE BICICLETAS hasta el estibador que Marlon Brando interpretó en LA LEY DEL SILENCIO. Incluso tomó lecciones de swing para sentirse seguro en el trascendental momento en que Tony invita por primera vez a bailar a Eilis.
Crowley dice que además de un exploratorio enfoque, Cohen aportó espontáneamente un instintivo encanto. "Desde la primera lectura de Emory, fue evidente inmediatamente que él era nuestro chico", dice el director. "No sólo tenía el carisma y la masculinidad del personaje, sino también su vulnerabilidad y autenticidad".
Surgió también una inmediata y tangible conexión entre Cohen y Ronan, que pudo desarrollarse más allá de las palabras, a través de fugaces gestos y expresiones. "Emory y Saoirse vivían tanto sus personajes que siempre fluía la química", observa Crowley.
A Cohen le gustó el magnético contraste que había entre Eilis y Tony. "Hay una especie de interesante reverso de mi personaje, que es una persona abierta, intrépida y apasionada, pero que bajo todo eso oculta miedo, miedo a perder a Eilis. Y yo creo que, en cierto modo, ella es casi lo contrario a Tony, pareciendo en su superficie más rígida y cauta que él, pero en su interior hay un auténtico espíritu de libertad y de saber exactamente quién quiere ser…, y eso era algo perfecto porque Saoirse es como la Reina de Irlanda y yo soy como un perro callejero de Nueva York", dice sonriendo.
La clave para construir su historia de amor de una forma deliciosamente pausada radicaba en saber cuándo contenerse. "John, Saoirse y yo siempre intentábamos descubrir cómo no ir demasiado lejos, reservar algunas emociones y no liberarlas por completo y rápidamente", he señala.
Dwyer vio en sus interpretaciones la inocencia del amor en su fase más inicial y apasionante."Al verlos, siempre me parecía que disfrutaban estando el uno con el otro. Hay mucho humor entre ellos, y tienes la sensación de que no sólo hay química a nivel físico sino también mental", dice la productora.
Tóibín tuvo una reacción similar hacia la pareja. "Pensé, ‘¡Oh, guau, mira a ese chico! Sé exactamente cómo se va a ganar su corazón, siendo, simplemente, muy divertido, muy bueno, muy ingenuo y muy dulce’. Ella sigue buscando en él alguna señal de oscuridad y no encuentra ninguna, así que pensé que Cohen estaba genial".
Si Tony Fiorello es un dulce seductor, su más provinciano pero caballeroso homólogo irlandés, Jim Farrell, debía representar tanto un atractivo polo opuesto como una legítima amenaza. Este hecho llevó a elegir a Domhnall Gleeson, que se ha venido consolidando como uno de los actores más versátiles de una nueva generación a través de su trabajo en filmes como UNA CUESTIÓN DE TIEMPO, CALVARY, INVENCIBLE, EX MACHINA y la muy esperada STAR WARS 7: EL DESPERTAR DE LA FUERZA.
Gleeson sabía que también él tenía que encontrar una sutil pero visceral química con Saoirse Ronan, con el fin de suscitar la incógnita en la mente del espectador. "Puede que la vida en Brooklyn le ofreciera más posibilidades, pero mi trabajo consistía en lograr que Eilis pudiera llegar a creer que merecía la pena quedarse en Irlanda por Jim", dice. "Yo quería crear una auténtica conexión con Saoirse, de manera que el espectador sintiera que valía la pena luchar por eso".
Al igual que sus compañeros de reparto, Gleeson se identificó, a su modo, con la experiencia de Eilis. "Yo creo que, en uno u otro momento, todo el mundo ha tenido una sensación de desubicación, de no tener claro dónde está tu hogar", afirma. "Yo, desde luego, lo he sentido en diferentes momentos de mi vida; y me pareció que esta historia captaba eso de una forma brillante. Luego hay también muchos momentos románticos y divertidos en la historia, lo cual es muy interesante".
Crowley dice que el enfoque que Gleeson dio a su personaje resaltó los elementos agridulces de la historia. "Domhnall tiene una inteligencia extraordinaria", dice Crowley. "Piensa y profundiza mucho en todos los personajes que interpreta, y aquí aporta una intensidad y madurez a Jim que colisiona a la perfección con el personaje de Tony interpretado por Emory. Era muy importante que Jim y Tony habitaran espacios enormemente diferentes, que fueran versiones totalmente opuestas de los hombres con los que Eilis podía imaginarse estar; y Emory y Domhnall aportaron sensibilidades completamente diferentes pero igual de cautivadoras, lo que subraya la decisión de Eilis".
El resto del reparto
Alrededor del triángulo formado por Ronan, Cohen y Gleeson en BROOKLYN se halla un conjunto de actores, tanto veteranos como jóvenes promesas, de ambos lados del charco. En Enniscorthy, el reparto está compuesto por Jane Brennan, que interpreta a la solitaria madre de Eilis, Mary; Fiona Glascott, en el papel de su hermana Rose, que es quien insiste en que se marche a América; Eileen O’Higgins, que encarna a la mejor amiga de Eilis en Irlanda, Nancy; y Brid Brennan, como la criticona ‘Nettles’ Kelly. La parte de la historia que se desarrolla en Brooklyn incluye a Emily Bett Rickards, Eve Macklin y Nora-Jane Noone, que interpretan a las peculiares compañeras de Eilis en la casa de huéspedes donde vive, así como la actriz de "Mad Men" Jessica Paré, que da vida a la peripuesta jefa de Eilis en los grandes almacenes donde trabaja.
Interpretando dos de los principales papeles del filme se hallan los venerados actores británicos: Jim Broadbent (IRIS, MOULIN ROUGE!), ganador del Premio de la Academia, que interpreta al también emigrante padre Flood, un sacerdote que cuida de Eilis durante su estancia en Brooklyn; y la actriz nominada al Oscar Julie Walters (BILLY ELLIOT, EDUCANDO A RITA), que interpreta a Mrs. Kehoe, la estricta pero perspicaz dueña de la casa de huéspedes donde reside Eilis en Brooklyn.
La pasión que Broadbent sentía por la novela fue un elemento fundamental a la hora de sentirse atraído por interpretar al hombre que se encarga de organizar el viaje de Eilis a América y que posteriormente ejerce de su mentor cuando casi se deja abatir por la nostalgia. "BROOKLYN es una historia universal sobre la búsqueda de una vida mejor, con todos los dilemas que ello conlleva", afirma. "La novela era desoladora y reconfortante a la vez, pero nunca sensiblera; muy honesta con las vulnerabilidades y las fortalezas de la gente, lo cual también me parecía fascinante".
Broadbent dice que el padre Flood es "más o menos un asistente social para los angustiados nuevos inmigrantes que llegan de Irlanda. Sale en su ayuda cuando Eilis llega a América, y después se hacen buenos amigos. Entre ellos hay una verdadera conexión".
La actriz Julie Walters también era una gran admiradora de la novela y estaba encantada de interpretar a la tiquismiquis Mrs. Kehoe, con todos sus matices. "Ella es la dueña de una pensión llena de jóvenes solteras, que gobierna con vara de hierro", señala. "Mrs. Kehoe es una persona maternal pero muy estricta. No permite ninguna frivolidad; como ella lo llama. Yo creo que ella quiere ser una especie de guía para esas jóvenes…, no obstante, si se cruza la línea, ¡no hay marcha atrás!"
A Walters, de madre irlandesa, la película también le tocó la fibra sensible. "La voz que he utilizado para interpretar a Mrs. Kehoe proviene de mi infancia", señala. "Es una mezcla de las monjas con las que me eduqué, mi madre, mis tías, mi abuela y la gente que iba a la iglesia. No es una persona en concreto, pero sí es ese recuerdo de todas las mujeres irlandesas que he conocido; y en todas ellas había esa gran energía".
John Crowley comprobó en el set cómo Walters era la absoluta personificación de la mezcla de ingenio y valores inquebrantables que configuraban al personaje de Mrs. Kehoe. "Yo sabía que la madre de Julie era irlandesa y por tanto sospechaba que ella conocería ese tipo de mujer muy a fondo, y, por supuesto, lo conocía muy bien", dice. "Sabía qué tipo de mujer era, y hasta cómo sería su peinado y qué tipo de ropa llevaría puesta. Desde luego, Walters es una actriz escandalosamente divertida, pero aquí hace comedia de una manera muy realista. El personaje está interpretado a la perfección".
De Irlanda a Brooklyn, y de vuelta a Irlanda
Cobrando vida con los oníricos matices de un poema de amor, la película BROOKLYN se desarrolla en dos mundos de atmósferas inconfundibles: uno es la enclaustrada y silenciosa belleza de Enniscorthy, Irlanda, y el otro, el bullicioso caos del distrito de Brooklyn, Nueva York, frecuente primera parada de muchos inmigrantes en su llegada a América. John Crowley se propuso explorar ambos mundos junto a un equipo que incluía al director de fotografía Yves Bélanger (ALMA SALVAJE, DALLAS BUYERS CLUB), el diseñador de producción François Séguin (EL CASO SLEVIN) y la diseñadora de vestuario Odile Dicks-Mireaux (AN EDUCATION).
Llevar la producción a Enniscorthy, una ciudad de 10.000 habitantes situada en el centro del Condado de Wexford, era fundamental para captar matices y reflejar a los entrometidos vecinos de la historia de Colm Tóibín. "Aquí es donde nací", dice el autor. "Mis padres eran de Enniscorthy, mis abuelos eran de ahí…, y fue muy bonito ver los sets de la película en las mismas calles en las que yo pensaba cuando escribí el libro".
Deambular por el territorio familiar de Tóibín, el lugar que hizo a Eilis ser la persona que es cuando llega a Nueva York, inspiró igualmente a los actores. "El hecho de llegar a percibir el espíritu de un sitio como Enniscorthy afecta a tu interpretación", dice Ronan. "Dado que los personajes de BROOKLYN son muy irlandeses y están muy apegados a su tierra, para nosotros era realmente genial estar cerca de personas que son así en la vida real, que tenían el acento de Enniscorthy y que se habían criado allí".
Mientras que algunos fragmentos de la parte americana del filme se rodaron en las icónicas escalinatas de piedra rojiza de Brooklyn y en las costas de Coney Island, los realizadores también encontraron un sucedáneo de la década de los cincuenta en Montreal, Canadá, que también se utilizó para representar un anterior y antiguo distrito de Brooklyn en el clásico drama sobre el mundo de la mafia ÉRASE UNA VEZ EN AMÉRICA.
En cuanto a la fotografía, el objetivo de Yves Bélanger era evocar la obra de Tóibín con algunos de los ejercicios más creativos que ha realizado hasta el momento, mediante una estilizada iluminación y un lirico encuadre, que transmitieran tanto la tenue energía de los cincuenta como los indescriptibles sentimientos de añoranza que Eilis experimenta a ambos lados del océano. "Yves hizo un brillante trabajo, y no me puedo imaginar a otro director de fotografía que pudiera haber logrado la belleza que él aportó al filme en tan corto espacio de tiempo", señala Dwyer.
Asimismo, el diseñador de producción François Séguin se concentró en los detalles nostálgicos de la época de los cincuenta, pero también en los diferentes ambientes de una Irlanda cuya apariencia todavía tenía reminiscencias de los años de pre-guerra tanto en el mobiliario como en la decoración, mientras que Brooklyn estaba experimentado el rápido cambio de la posguerra. En ambos lugares, Séguin centró sus esfuerzos en forjar una visceral identidad propia. "François tiene muchísimo talento", dice Dwyer. "A pesar de trabajar en una amplia variedad de sets ubicados en países diferentes, fue capaz de crear una atmósfera cohesiva que daba sensación de conjunto".
También ayudó a recrear la época en la mente de los actores el bello vestuario provisto y creado por Odile Dicks-Mireaux, evocando la inimitable elegancia y armonía de la década de los cincuenta en Nueva York. A Dicks-Mireaux le entusiasmó retroceder en el tiempo hasta dicho período. "Fue un auténtico placer trabajar con estos personajes", dice Dicks-Mireaux,"además, en los años cincuenta había mucha inventiva y la producción era muy artesanal".
Tóibín señala que tenía motivos muy concretos para elegir esa época, buscando analizar ese período, discreto pero lleno de implicaciones, situado entre el estruendo de la II Guerra Mundial y los rápidos cambios sociales que tendrían lugar en la década de los sesenta."Quería que fuera un mundo muy privado en el que poder lanzar una profunda mirada sobre un conjunto de personas, que de otro modo podrían verse relegadas, y colocarlas en primer plano. Por supuesto, no hay ningún periodo realmente neutral, pero éste es más neutral que la mayoría", dice el novelista.
La fase temprana de la fotografía callejera, especialmente las obras de la enigmática Vivian Maier y el icónico fotógrafo neoyorkino Elliott Erwitt, inspiró a Dicks-Mireaux a través de sus espontáneas fotos de fugaces momentos urbanos. No obstante, Dicks-Mireaux ni siquiera se permitió echar un vistazo a la moda de la época.
"John encomendó específicamente no mirar revistas de moda, pues ésta es una historia de gente real, de chicas de clase trabajadora que intentan ganarse la vida en Nueva York", explica. "En todos y cada uno de los aspectos del filme, John quería que la estética fuera muy natural y auténtica".
Dicks-Mireaux disfrutó especialmente marcando el contraste entre el Brooklyn que seguía la última moda, mundo del que Eilis se convierte pronto en una parte, y la más austera forma de vestir de Enniscorthy. "Había una enorme diferencia entre Estados Unidos e Irlanda durante los años de posguerra", explica. "Los estilos no podían ser más distintos, lo cual es perfecto para la historia que estamos contando. En América, era una época de rico colorido –rojos, caramelos y amarillos ocre, rosas y colores pálidos–, algo que, simplemente, no existía en Irlanda".
Otro elemento que ha contribuido igualmente a la evocadora atmósfera del filme es la música, desarrollada en una doliente banda sonora compuesta por Michael Brook (HACIA RUTAS SALVAJES, THE FIGHTER). También hay un trascendente momento musical; cuando Eilis se ofrece voluntaria para servir la comida de Navidad a oprimidos inmigrantes irlandeses y, finalmente, se queda embelesada por la emotiva canción irlandesa que interpreta un nostálgico irlandés.
Colm Tóibín comentó a Finola Dwyer y Amanda Posey que la excepcional voz del cantante irlandés Iarla Ó Lionáird le había servido de particular fuente de inspiración mientras escribía esa escena. Inspiradas también ellas, contactaron con Ó Lionáird y tuvieron la satisfacción de poder traerle a Montreal para interpretar en directo el tema "Casadh an Tsúgáin" en el propio set.
Ó Lionáird entendía muy bien por qué esa canción producía tanto impacto en Eilis. "Es una canción de amor cuyo repetitivo estribillo habla de un hombre que pide a una mujer que le aclare de qué forma está unida a él", explica. "Eilis se siente identificada, pues se siente unida a dos mundos. En la canción, el hombre le dice a la mujer ‘si estás conmigo, estás conmigo’ y también ‘estate conmigo frente a todos, muéstraselo a todos, déjalo claro’. Eilis tiene que acometer su propio futuro y decidir cuál será".
Ronan se conmovió tanto como su personaje durante la escena. "Con su extraordinaria voz, Iarla era capaz de transmitir todas las emociones que uno experimenta cuando se halla muy lejos de su hogar", afirma.
La decisión de Eilis
Todo el filme BROOKLYN en su conjunto se construye en base a las transcendentales decisiones que Eilis debe tomar: entre Tony y Jim, entre Brooklyn e Irlanda, entre su pasado y el futuro que quiere. Todos los implicados en la producción sabían desde un principio que la historia giraba en torno a la incertidumbre relacionada con su elección definitiva.
"Algunas personas estarán de acuerdo con la decisión de Eilis y otras, no", dice Amanda Posey. "Nosotros como realizadores sabíamos lo que queríamos que hiciera, y John también, pero deseábamos asimismo que el público hiciera su propia elección. Una de las cosas más hermosas de esta historia es que explora diferentes tipos de amor. Con Tony, Eilis experimenta el primer amor, sin embargo, con Jim la conexión es mucho más madura. Luego está el amor que Eilis siente por su hermana y su madre, que, de nuevo, son diferentes clases de amor. Lo que cuenta el filme realmente es cómo esos diferentes tipos de amor pueden tanto destrozarte como servirte de salvavidas".
Para Posey, la decisión de Eilis es necesaria, si bien dolorosa. "Una etapa del proceso de maduración de una persona consiste en comprender que al decidir ir en una dirección se está cerrando muchas otras puertas. Sin embargo, yo creo que Eilis descubre finalmente qué es lo mejor para ella, aunque sea doloroso".
Finola Dwyer añade: "Al final de la película, el futuro de Eilis está muy claro; pero el espectador se marcha sabiendo que la decisión que ha tomado también ha supuesto un enorme sacrificio".
Saoirse Ronan cree que ciertamente la decisión de Eilis podría haber ido en sentido contrario."Yo no puedo decir si Eilis ha tomado la decisión correcta; creo que ambas opciones le brindaban la oportunidad de ser feliz", explica la actriz. "Lo maravilloso y desolador de esta historia es que los dos hombres son igualmente maravillosos. Jim representa el hogar natal y Tony, una nueva vida. Ambos tienen mucho que ofrecerle, y Eilis lo sabe".
Finalmente, dice Ronan, la actriz no consideró como centro de la historia el tipo de vida que elige Eilis, sino la persona en la que se convierte durante el proceso. "En mi opinión, toda la historia gira en torno a cómo Eilis llega a ser lo suficientemente adulta y madura como para tomar realmente una decisión y llevarla a cabo", concluye la actriz.
Domhnall Gleeson piensa de forma similar. "Con mucha frecuencia, no es posible saber si las decisiones que se toman son las correctas", señala. "Pero yo creo que es importante que ahora Eilis tenga efectivamente una opción en su vida, que nunca hubiera tenido si no se hubiera ido a América".
Para Jim Broadbent, el persistente desasosiego que provoca la decisión de Eilis se desprende de las muchísimas cuestiones que suscita y permanecen en el público. "Lo mejor de BROOKLYN es que el espectador probablemente no sabrá cómo irán las cosas; pero tampoco sabrá cómo le habría gustado que fueran", resume.
Esta es la pista principàl de esta cinta.
Mi gran noche
2015
Duración 100 min.
País España
Director: Álex de la Iglesia
Reparto: Raphael, Mario Casas, Pepón Nieto, Blanca Suárez, Carlos Areces, Luis Callejo,Carmen Machi, Jaime Ordóñez, Santiago Segura, Enrique Villén, Hugo Silva,Carolina Bang, Terele Pávez, Carmen Ruiz, Marta Guerras, Marta Castellote,Tomás Pozzi, Ana Polvorosa, Toni Acosta, Luis Fernández, Alberto Chaves
Cientos de personas como él llevan semana y media encerrados día y noche, sudando desesperados mientras fingen reír, festejando estúpidamente la falsa venida del año nuevo, una y otra vez.
No hay nadie contento.
Alphonso, la estrella carismática de la canción, es capaz de todo para asegurarse que su actuación tendrá el máximo share.
Adanne, su antagonista, joven cantante latino, es acosado por las fans que quieren chantajearle.
Los presentadores del programa se odian, compitiendo entre sí para ganarse la confianza del productor, que lucha por impedir el cierre de la cadena.
Pero lo que nadie espera es que la vida de Alphonso corra peligro.
Mientras ríen y aplauden sin sentido actuaciones que no ven, los figurantes enloquecen, y nuestro protagonista se enamora.
¿Podrá sobrevivir un hombre bueno a esta espiral sin sentido que es la vida?.
Los personajes
ALPHONSO - RAPHAEL
Cantante mítico. Estrella del firmamento artístico durante más de 40 años en los que ha creado un personaje que ha terminado por devorar su propia personalidad. Como una especie de Darth Vader, o de Vampiro de la música, Alphonso no conoce otra vida que el escenario, ni otro alimento que el aplauso del público. Su vida ha sido meticulosamente programada por él mismo desde hace muchos años para no ser otra cosa que una sucesión de viajes y traslados que han de llevarlo de un escenario a otro, ya que solo frente a las cámaras o el público es capaz de abandonar esa especie de "vacío perfecto" en el que trata de vivir a fin de que nada lo afecte o lo dañe. Ya no reconoce su imagen en el espejo y las relaciones personales hace tiempo que han perdido todo significado para él, convirtiendo la crueldad en su única vía para dar escape a las inevitables tensiones.
ADANNE - MARIO CASAS
Cantante joven y de gran éxito. Admira a Alphonso porque era el favorito de su madre. La fama le alcanzó muy joven y su vida ha sido desde entonces una sucesión de éxitos y de fans entregadas y deseosas de llevarse como trofeo un selfie, o quizás algo mas… Adanne es un amante del amor, y también un poco ingenuo. Nunca ve venir las malas intenciones de posibles chantajistas y buscadoras de fortuna dispuestas a publicar cualquiera de sus intimidades. Cada nuevo escándalo que Perotti, su representante, debe neutralizar es una sorpresa para el cantante, que siempre cree ver amor verdadero entre las piernas de sus fans.
JOSE - PEPÓN NIETO
Treinta y tantos años. Ni muy alto, ni muy bajo, ni muy feo, ni muy guapo. Un tipo normal, el perfecto figurante cuyo rostro podríamos haber visto mil veces sin fijarnos en él. Cuando empieza la acción las cosas no van demasiado bien para Jose: Sin pareja, sin trabajo estable, acudiendo en cualquier momento a la llamada de la ETT para cubrir los puestos más variopintos, la suerte ha querido que esta noche su papel sea el de asistir como falso protagonista a una fiesta falsa; la grabación de un programa de Nochevieja realizado meses antes de verdadero Fin de Año en la que un grupo de desconocidos se encerrarán para fingir una falsa felicidad, bebiendo bebidas falsas, riendo y aplaudiendo a las órdenes del regidor. Todo falso menos la posible relación que encontrará esperándole en la silla de al lado. La oportunidad de dejar de ser figurante de su propia vida, siempre siguiendo las órdenes de alguien, para convertirse en protagonista.
PALOMA - BLANCA SUÁREZ
Joven, guapa, simpática… la chica perfecta si no fuera por un pequeño problema: los que la rodean están convencidos de que le pasa algo raro, misterioso y muy peligroso. Cosas horribles suceden siempre a su alrededor sin que nadie pueda considerarla seriamente como responsable, pero la leyenda está ahí y eso hace que un cierto aire de soledad incomprensible para ella misma la rodee. Porque, como suele suceder en estas ocasiones, Paloma será la última en saber lo que los demás dicen de ella.
Paloma prefiere las cicatrices a los tatuajes, porque, como ella dice, aquellos reflejan lo que nos gustaría ser, mientras que las cicatrices muestran lo que somos realmente, lo que hemos vivido y ella, pese a su corta edad, ha vivido ya unas cuantas cosas. Su cuerpo tiene varias cicatrices, reflejo de esta mala suerte que la persigue y que ha dejado también algunas huellas en su espíritu. Pero la fiesta debe continuar, aunque sea falsa, al igual que la risa. Al menos hasta que Jose, que solo puede presumir de las huellas de su apendicitis, aparece a su lado en la mesa.
REGIDOR - LUIS CALLEJO
Paco, el regidor, es el maestro de ceremonias de esta ceremonia de la confusión, de esta falsa bacanal en la que todo es de cartón piedra. Como centurión de una extraña legión de figurantes vestidos de etiqueta, debe mantener el orden y el ritmo de la grabación, así como la energía de los que participan en ella, cansados después de días y días de encierro en aquel estudio, rodeados por una nube de manifestantes dispuestos a todo para detener el programa. Él es un profesional y solo piensa en esforzarse para extraer la mayor cantidad de falsa felicidad de su tropa, obligándoles a reír, bailar la conga y todo lo que sea necesario por exigencia del guión. A fin de cuentas él no es más que otro figurante en el juego de engaños de Benítez, el productor.
YURI - CARLOS ARECES
Representante de Alphonso y también hijo adoptivo suyo. Durante años ha vivido sometido a su imperio de indiferencia y/o terror. El aislamiento autoimpuesto por el cantante ha convertido a Yuri en uno de sus pocos lazos de unión con el mundo, y también en su presa favorita a la hora de descargar su ira. El terror rodea sus relaciones desde hace años y eso ha hecho que también Yuri busque en el exterior alguien capaz de canalizar su propia ira y deseos de destrucción.
ÓSCAR - JAIME ORDÓÑEZ
Ha logrado colarse en el programa como un figurante más, pero su objetivo es otro. Su cuerpo está plagado de tatuajes con los nombres de las canciones del cantante que podría reproducir sin ningún error en una suerte de karaoke sin fin, pero hace tiempo que la desequilibrada y frágil mente de Oscar ha cruzado la fina línea que separa el amor del odio. ¿Qué pretende Oscar?
SORIANO - ENRIQUE VILLÉN
El figurante más veterano del plató. Él ha vivido los programas míticos de los años 80 en los que no se reparaba en gastos, en los que la risa y la bebida eran de verdad, y no como ahora. El programa de cada año le da la oportunidad de recuperar en parte el recuerdo de aquellas épocas en las que también él era más joven, así como la ocasión de hacer algunos negocios trapicheando con bebidas robadas de los camerinos de las estrellas y otros artículos de los cantantes susceptibles de ser vendidos por internet.
Conoce todos los recovecos del estudio y está dispuesto a entrar en este falso año nuevo con el mejor pie posible gracias a sus muchas habilidades.
ROSA - CARMEN MACHI
Realizadora del Especial Nochevieja. Mujer curtida en mil programas de la cadena. Una auténtica profesional acostumbrada desde hace años a ver la vida a través de mil pantallas desde su silla de la unidad móvil. Este hecho ha convertido a Rosa en un ser extraño al que la realidad tiende a molestar si no se adecúa a los movimientos previstos por ella para sus cámaras. Las personas son entidades exteriores con tendencia estropearlo todo y hacer que haya que repetir mil veces las cosas, por lo que le resulta difícil manifestar hacia ellos un cierto mínimo de empatía.
Odia al productor, que los somete a todo tipo de recortes y la obliga a permanecer durante días y días encerrada en una unidad móvil.
BENÍTEZ - SANTIAGO SEGURA
Productor del programa y uno de los principales directivos de la cadena, responsable de su complicada situación laboral. Para él terminar el programa a pesar de las protestas y todo lo demás se ha convertido en una auténtica obsesión. Tiene que demostrar quién es el jefe, quién domina este pequeño reino que comienza en la puerta del plató y para ello está dispuesto a llegar hasta donde haga falta, incluidos, si es necesario, dos o tres delitos…
CRISTINA Y ROBERTO - CAROLINA BANG Y HUGO SILVA
Presentadores de la gala. Dos grandes profesionales muy competitivos, dispuestos a cualquier cosa por destacar en esta noche tan especial y conseguir del productor la conducción de uno de los programas estrellas de la cadena. Cristina no soporta su papel de chica guapa que enseña las tetas y parece medio tonta mientras Roberto se luce con los mejores chistes del guión. Está convencida de que el presentador ha sobornado al guionista para quedarse con la mejor parte y está dispuesta a hacer lo mismo para ganar esta partida.
DOLORES - TERELE PÁVEZ
Madre de Jose. 80 años. Toda una vida de trabajo y sacrificios que ya empiezan a borrarse en su cabeza. Vive en una especie de nebulosa que durante una parte del mes se desarrolla en casa de su hija, y durante otra en la de su hijo. En medio de todo este caos mental y geográfico la televisión es su único ancla, el pequeño cuadrado en el que las cosas y las caras se repiten día tras día con perfecta regularidad y le permiten no pensar mucho en cosas como que ya casi no consigue acordarse de las cosas.
La negligencia de sus descendientes hace que la policía termine por hacer realidad sus sueños trasladándola al plató de televisión donde tendrá la oportunidad de vivir su propia "gran noche" conociendo a presentadores y cantantes, y presenciando la transformación de su queridísimo hijo de figurante en protagonista de su propia vida.
SOFÍA Y LOURDES - MARTA GUERRAS Y MARTA CASTELLOTE
Su educación sentimental ha sido los programas de televisión en los que jóvenes, guapos y guapas, exhiben sus deseos y pulsiones de toda condición sin ningún tipo de censura. La fama y el dinero son los objetivos de sus ídolos y también los suyos propios. Firmes creyentes en la idea de que una noche sin un buen selfie que llevarse a las redes no merece tal nombre, han decidido dar la campanada en el programa. Al principio la idea no está muy clara; puede que fuera solo conseguir una especie de prueba que demuestre el objetivo conseguido de"tirarse" al famoso, pero poco a poco los planes se van concretando…
Notas del director
Espejo del mundo
Hoy más que nunca necesitamos comedia en nuestras vidas, que el humor y la ironía inunde el espíritu de los espectadores, víctimas inocentes de un mundo hostil. El desengaño, la desconfianza, son consecuencias inevitables. Y eso genera cansancio, un agotamiento vital que no se despega de nuestras almas. Estamos hartos de sufrir inútilmente.
La vida que llamamos "real" nos estrangula poco a poco con sus tristes miserias, depositando un espeso fango en lo más profundo del espíritu, malherido por el ataque constante de esos que se califican a sí mismos como "realistas" proponiendo un falso racionalismo, que no nos purifica con su deficiente "catarsis". Y no están en posesión de la verdad. Su realidad es impostada, cruel, y sobre todo, engañosa, falsa, hipócrita.
Nos mienten, porque las cosas, en su ser más profundo, no son serias. La seriedad es una trampa para controlarnos. La risa nos despega de las cosas y nos permite juzgarlas con distancia. Gracias a la risa podemos observar lo que ocurre desde un punto de vista excéntrico, obteniendo una visión de conjunto que la "realidad seria", inmersa en el sistema, no es capaz de ofrecernos. La risa como método de conocimiento, el humor como disciplina hermenéutica.
Conveniencia de la comedia excéntrica
A través de la comedia podemos generar "un mundo", una realidad alternativa que, siempre desde de un punto de vista ficticio, que no científico, nos muestre una imagen de nosotros mismos para observarnos con mayor detenimiento, es decir, con mayor libertad. Esa IMAGO MUNDI, ese reflejo de nuestros deseos, pasiones y anhelos fundamentales será siempre completa, nunca parcial, como el que nos proporciona el análisis realista, siempre mentiroso, al contemplar las situaciones, como hemos dicho, desde su interior, al no poder despegarse de una opinión subjetiva, la tramposa confianza en una esencia, en la verdad de sus planteamientos.
La comedia se sabe frívola, insustancial. Su método excéntrico de conocimiento la libera de fundamentalismos. No pretende mostrarnos la verdad "per se", por lo que nunca miente, convirtiendo su discurso en un reflejo cómico de las situaciones que conforman ese mosaico multicolor llamado vida. Un reflejo "desde fuera" sin ensuciarse con subjetividades.
Por tanto, la comedia, desde su despego, desde su cínica objetividad y su completa visión excéntrica, se acerca más a las esencias que ninguna de las pretendidas realidades "serias", o "profundas" que la rodean.
El espíritu de la música asesinado por la tragedia
Bajo la tragedia se esconde la música, la diversión, el humor y la comedia. El primer paso, el origen, el primer deseo y anhelo humano siempre fue acercarse a lo divino a través del ritual de la música, y mucho más tarde, de manera impostada y cruel, se impuso el drama, lo"serio" para apagar la lucidez del ritmo, verdadero espejo del mundo.
En su afán controlador, el drama se impone definiendo las actitudes, y colocándolas en una jerarquía engañosa. El drama supone que el dolor es el sentimiento más cercano a la realidad, y lo coloca en el centro del alma. El dolor es lo más profundo, y por tanto, lo más auténtico. La risa, por encontrarse "afuera", siempre ha sido rechazada como lo opuesto al dolor, y por tanto, ajeno a la esencia del alma humana.
Es algo "superficial", y por ello, carente de interés. El alma es a la materia como el drama a la comedia. No nos dejemos engañar. Son los que quieren dominar el espíritu con sus falsos dioses los que establecen niveles de conocimiento. Es la música, el latido del corazón, el ritmo cardíaco, el auténtico origen de los sentimientos humanos.
Es la piel, la superficie, la que nos conecta directamente con el corazón, y el humor, la sangre que corre por sus venas. La comedia es el ácido que disuelve precisamente ese dolor impuesto por la razón dominante.
La comedia en 'Mi gran noche'
Esta película propone un "mundo", un espacio único en el que los personajes se mueven, crecen y mueren. Se trata de un espejo que deforma la realidad, alterándola para así hacerla reconocible. En lo grotesco encontramos esa distancia necesaria para vernos en conjunto, dibujados con trazos gruesos que nos separan del fondo, de manera clara y distinta.
La caricatura tiene una peculiaridad: nos describe rápidamente, y nuestro corazón atrapa de un bocado el sabor auténtico del personaje, la trama, las secuencias. El espectador no duda, entiende al instante cuál es su posición, reflejada en la película, con respecto a los personajes, los estereotipos que se articulan en nuestro discurso.
Lo grotesco, la exageración, se nos presenta delante de nuestros ojos atrapado en ese mundo cerrado, como una propuesta separada, sin mancharnos con subjetividades. No ofende, porque no nos pertenece.
Sin embargo, al descubrirnos a nosotros mismos reflejados en el espejo, la catarsis funciona de igual manera, pero sin su aspecto aleccionador y dominante. Nuestra alma se purifica pero nadie nos da lecciones. El espectador, al involucrarse en la trama, experimenta el sufrimiento de los personajes de igual manera que en la tragedia. Después de presenciar el espectáculo grotesco de la comedia se entiende mejor a sí mismo, pero repito, nadie le obliga a cambiar sus decisiones, sólo a reírse de ellas.
En la tragedia clásica las desgracias provienen de la soberbia, creerse superiores a los mismos dioses. En la tragedia grotesca, es decir, la comedia, nuestra comedia, el principal defecto de los personajes es, quizá, su confianza en la realidad, creer que la vida tiene sentido, que puede ser comprendida, olvidando que su principal objetivo es dejarse llevar, ser felices, más que ser sabios.
Los espectadores entienden que sus decisiones no conducen necesariamente a sus lógicas consecuencias, y por tanto, no son culpables. Al contemplar la farsa, la audiencia advierte que, ante el caos, a uno sólo le queda una opción sensata: bailar.
La comedia "desbloquea" ese sentimiento de culpa inyectado por los racionalistas y te empuja a celebrar nuestra primitiva inocencia y el desastre de sabernos atados al destino.
Puesta en escena
La cuestión es conseguir el máximo ritmo, la mayor velocidad posible en el ametrallamiento de los diálogos, para lograr esa sensación de inabarcabilidad que pesa sobre este mundo grotesco y sobrecogido. Como en la vida, no habrá tiempo de detenerse un segundo para pensar, y la sensación que provocará a la audiencia será siempre de agotamiento o extenuación.
Quiero que el público exija mentalmente un receso que no llegará nunca. Iremos siempre por delante en los acontecimientos, y el espectador se sentirá sobrepasado. La cámara no parará quieta, moviéndose entre los personajes como un personaje más, siempre en movimiento, intentando atrapar esa sensación de tío vivo grotesco. Un parque de atracciones habitado por monstruos, payasos crueles, tentempiés sonrientes que no se detienen en su movimiento continuo.
La comedia necesita de esa urgencia para imitar la vida. Ese recurso de movimiento incesante será acompañado de música y ritmo. Quiero que las secuencias de diálogos parezcan números musicales, y los números musicales, diálogos enzarzados entre bailarines. Un inmenso ritual dionisiaco donde los espectadores no tendrán respiro, descubriéndose a sí mismos como parte de la pantomima.
El abrazo de la serpiente
2015
Duración 125 min.
País Colombia
Director: Ciro Guerra
Reparto: Brionne Davis, Nilbio Torres, Antonio Bolívar, Jan Bijvoet, Nicolás Cancino,Yauenkü Migue, Luigi Sciamanna
Narra la historia de Karamakate, un poderoso chamán de la Amazonia, último superviviente de su tribu, que vive en lo más profundo de la selva en un aislamiento voluntario. Décadas de soledad lo han convertido en una persona desprovista de recuerdos y emociones. Su vacía existencia se verá alterada por la llegada de Evan, un etnobotánico en busca de una poderosa planta sagrada, capaz de enseñar a soñar. Juntos se embarcarán en un viaje al corazón de la selva amazónica, en el que Karamakate poco a poco irá recuperando los recuerdos perdidos.
El director Ciro Guerra ("Los viajes del viento, "La sombra del caminante") trabajó en la película durante 5 años, y se rodó en escenarios naturales del Amazonas, entre las fronteras de Brasil y Colombia.
Está interpretada por el actor belga Jan Bijvoet ("Borgman", "Alabama Monroe"), Brionne Davis ("Fire city: end of days", "Area de descanso") y Antonio Bolívar.
Mi abuelo es un peligro
2016
Duración 102 min.
País Estados Unidos
Director: Dan Mazer
Reparto: Robert De Niro, Zac Efron, Julianne Hough, Aubrey Plaza, Dermot Mulroney, Zoey Deutch, Adam Pally, Jason Mantzoukas, Mo Collins, Brandon Mychal Smith, Henry Zebrowski, Jeffrey Bowyer-Chapman, Deena Dill, Barbra Roylance, Nicole Davis
'87 Ochentaisiete
2015Duración 87 min.
País Ecuador
Director: Daniel Andrade, Anahí Hoeneisen
Reparto: Michel Noher, Andrés Crespo, Camilo Luzuriaga, Jessica Barahona, Estefano Bajak, Andres Alvares, Daniela Roepke, Francisco Perez, Ricardo Ortiz, Nicolás Andrade
Quince años han pasado desde la última vez que Pablo, Andrés, Juan y Carolina estuvieron juntos. Ahora sus días ya no giran alrededor de esa casa abandonada que usaban de guarida para sus complicidades adolescentes. Era 1987 cuando se embarcaron en la aventura de sentirse libres, pero dos segundos cambiarían todo para siempre. Lo que al principio parece solamente un reencuentro de viejos amigos, los empuja poco a poco a querer rearmar la vida con las piezas de otras que se rompieron.
Escuchemos a los actores y técnicos que trabajaron en esta realización
La verdad oculta
2015
Duración 123 min.
País Estados Unidos
Director: Peter Landesman
Reparto: Will Smith, Gugu Mbatha-Raw, Alec Baldwin, Eddie Marsan, David Morse, Stephen Moyer, Luke Wilson, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Albert Brooks, Bitsie Tulloch,Matthew Willig, Paul Reiser, Richard T. Jones, Mike O'Malley, Arliss Howard
El filme está protagonizado por Will Smith, Alec Baldwin, Gugu Mbatha-Raw, Arliss Howard, Paul Reiser, Luke Wilson, Adewale Akinnuoye-Agbaje, con David Morse y Albert Brooks. Escrito y dirigido por Peter Landesman. Producido por Ridley Scott, Giannina Scott, David Wolthoff, Larry Shuman y Elizabeth Cantillon. Basado en el artículo de la revista GQ "Game Brain (Cerebro de juego)", de Jeanne Marie Laskas. Sus productores ejecutivos son Michael Schaefer, David Crockett, Ben Waisbren, Bruce Berman y Greg Basser. El director de fotografía es Salvatore Totino, ASC, A.I.C. El diseño de producción es de David Crank. El montaje es de William Goldenberg, ACE. El diseño de vestuario es de Dayna Pink. La música es de James Newton Howard.
"Me identifico con las personas que denuncian las injusticias, los que cuentan la verdad, los que se enfrentan al sistema, las historias de David contra Goliat", afirma Peter Landesman, que escribe y dirige el nuevo filme LA VERDAD OCULTA, la historia del Dr. Bennet Omalu, un doctor que realiza un importante descubrimiento médico. "La idea de que este hombre sea el único capaz de decir la verdad, nuestra verdad, sobre nosotros, sobre algo que nos apasiona, es poética e increíble. Lo único que quiere es ser estadounidense, decir la verdad y ser bueno".
"Peter posee unas habilidades muy particulares", comenta Will Smith, que encarna al Dr. Omalu. "Peter es periodista de investigación. Está acostumbrado a ahondar en los pormenores de unas circunstancias y de una persona, está acostumbrado a profundizar ampliamente en las cosas de un modo que en general no se haría en una película. Pero también es un pintor, así que toma todo eso y lo traduce en imágenes, lo que es un don verdaderamente excepcional".
"La película gira en torno a un hombre al que le presentan una verdad sobre un juego al que no le unía nada, pero que le obliga a dar una información muy dolorosa a un grupo de personas por las que siente un profundo deseo de ser aceptado", prosigue Smith. Mientras el Dr. Omalu, un inmigrante procedente de Nigeria, ansiaba convertirse en ciudadano americano, su descubrimiento haría que lo difamaran.
"Para mí, en este proceso, no pienso en el fútbol americano, me centro en Bennet y en el dolor y el triunfo de la historia de un inmigrante que vino a Estados Unidos, sufrió lo que tuvo que sufrir pero, en última instancia, se vio vindicado", agrega Smith. "Veo esta película como el cierre de un capítulo para Bennet. Se trata de un hombre que nació durante un ataque aéreo en Nigeria. A su madre la alcanzó la metralla mientras daba a luz. Pasar de eso a tener que vivir el sufrimiento de hacer llegar su descubrimiento al público americano, para acabar viendo la historia de tu vida contada en una producción de Hollywood, es un maravilloso viaje del héroe".
Para el guionista y director Peter Landesman, el filme trata sobre mucho más que el fútbol americano. "El fútbol americano profesional es más que un deporte. Más que un negocio. Es una institución nacional y cultural. Hay mucho en juego, cultural, social y económicamente. Y, como todo negocio enorme, hay unos grandes intereses implicados que pretenden que siga adelante a toda costa. Cuando el Dr. Omalu realizó un descubrimiento que hizo peligrar no solo la forma habitual de funcionar el negocio, sino la misma esencia del juego –los impactos, la violencia– esos intereses se pusieron a trabajar a toda máquina. Pero al Dr. Omalu lo único que le importaba era la verdad y el espíritu de los muertos, y estaba decidido a dar a conocer los hechos. Espero que la película también lo haga. No podría haber más en juego".
La productora Giannina Scott agrega: "LA VERDAD OCULTA es una película impactante, que no asume compromisos, sobre un asunto que fue ignorado durante demasiado tiempo y que sigue dándose en la actualidad. Es una historia que había que contar y estábamos decididos a contarla bien. Nadie quería tocarla, al tratarse de un tema tan controvertido. Nos rechazaron en todas partes a Ridley y a mí, incluso los guionistas, hasta que nos sugirieron a Peter. Evidentemente, era la elección perfecta para convertirse en nuestro guionista y director. Entonces le presentamos el proyecto a Amy Pascal, que lo adquirió en el acto".
El productor David Wolthoff, que, junto al productor Larry Shuman, fueron los primeros en ver el potencial de la historia del Dr. Omalu para adaptarla al cine, hasta el punto de que fue la productora de Shuman la que adquirió en un primer momento los derechos del artículo de Jeanne Marie Laskas publicado en GQ, explica: "En esencia, la historia de Bennet es la de un genio de la medicina –un personaje estilo Erin Brockovich– que persevera pese a todas las adversidades".
"LA VERDAD OCULTA nos permite conocer el espíritu fuera de lo común del Dr. Omalu, y por suerte, contamos con Will Smith para captar su esencia", explica Shuman.
A día de hoy, al Dr. Omalu le cuesta creer que fuera él quien realizó el descubrimiento. "No puede ser, un pobre chico africano como yo, llega a Estados Unidos, donde tienen la mayor concentración de mentes brillantes, ¿y soy el primero en verlo? No es posible".
Tras su descubrimiento de lesiones cerebrales crónicas en deportistas, el Dr. Omalu publicó sus hallazgos. Esperaba iniciar con ello un debate serio sobre una forma más segura de jugar ese deporte. En vez de eso, se encontró junto a su familia en el punto de mira, objetivo de una brutal y desquiciante campaña de desprestigio por parte de algunos de los intereses más poderosos de ese deporte. "Doce años después, no me puedo creer lo atrevido y audaz que fui con ese trabajo", confiesa. "Durante doce años, me han machacado y arrastrado por el fango. Ese trabajo era muy idealista. Pero no dije nada en él que no haya sido confirmado por investigadores independientes".
Pese a verse vilipendiado y difamado, el Dr. Omalu perseveró, según explica Giannina Scott:"LA VERDAD OCULTA abarca de 2002 a 2012, e hizo falta todo ese tiempo para que la información llegara al público. Para cuando empezamos a hacer la película, ya se habían reconocido las conmociones y se había llegado a un acuerdo. Fue toda una reivindicación para el Dr. Omalu".
Para Giannina Scott, esa perseverancia es la razón por la que el Dr. Omalu es un héroe."Podría haberse rendido, pero no lo hizo", argumenta. "¿Por qué pasar por semejante infierno? Porque sentía el deber de decir la verdad".
"Nunca quise que la atención se centrara en mí, sino en los jugadores", asegura el Dr. Omalu. "Creo que es el espíritu de gente como Mike Webster, como Terry Long, como Andre Waters, como Junior Seau, que me hacía seguir adelante. Esto es una cuestión de amor y de luz, de salvar vidas y de mejorar las vidas de los demás".
La historia del Dr. Omalu se contó en profundidad en un artículo de la revista GQ escrito por Jeanne Marie Laskas, que se convirtió en la base para el guion de Landesman. "Su artículo es el mejor que he leído sobre el tema", afirma el Dr. Omalu. "Me humanizó. Hay que recordar que todo lo que se hablaba de mí en los medios era negativo: era un extranjero que intentaba destruir el modo de vida americano. Ese artículo supuso un punto de inflexión. De pronto, la gente empezó a abrirme sus corazones y sus mentes".
El Dr. Omalu aborda su trabajo con dignidad y respeto por los muertos. "Soy de fe católica", explica. "Mi fe nos enseña que, cuando el cuerpo muere, tu espíritu y tu alma pasan a la vida eterna. Creo que el espíritu sigue con nosotros, al igual que el espíritu de Dios está con nosotros. Así que hablo con mis pacientes, no verbalmente, pero en mi corazón".
Will Smith tuvo ocasión de observar al Dr. Omalu en su consulta. "Bennet es un patólogo forense y realiza autopsias a diario, así que pasa mucho tiempo con cadáveres. Pero también es un hombre profundamente religioso", señala Smith. "Ve su trabajo de patólogo forense más como un liberador de almas, el guardián del último umbral entre esta vida y la próxima. Es un hombre sumamente espiritual y, cuando realiza una autopsia, para él es una experiencia espiritual. Tiene un maravilloso sexto sentido a la hora de descubrir por qué murió una persona. Rebusca entre su ropa e intenta que le ayude a descubrir cómo murió. Es algo precioso de ver".
Uno de los pacientes con los que habló figuradamente el Dr. Omalu fue Mike Webster, el héroe del fútbol americano en cuyo cerebro encontró por primera vez el Dr. Omalu encefalopatía traumática crónica. Durante la autopsia inicial, "le pedí a Mike que me guiara", recuerda. Aunque al principio el cerebro de Webster parecía normal, el Dr. Omalu era consciente de que Webster había sufrido graves problemas neurológicos y tomó la decisión crucial de conservar el cerebro de Webster para seguir estudiándolo, una elección insólita, que fue directamente responsable de que acabara descubriendo la encefalopatía traumática crónica. "Podría haber vuelto a ponerlo en el cuerpo, como todos los demás órganos, pero creo que el espíritu de Mike me guio".
La película recoge no solo el descubrimiento del Dr. Omalu, sino la campaña que vino después para marginar sus hallazgos. El encargado de dar vida a la historia del Dr. Omalu es Peter Landesman, que escribió el guion y dirige el proyecto. Hace años, Landesman –un antiguo periodista de investigación– había investigado al Dr. Omalu y se había reunido con él. Así que, cuando los Scott abordaron a Landesman para que escribiera la historia, fue el destino. "Ya había oído hablar de Bennet, conocía a Bennet, había pensado en Bennet, había metabolizado cómo era la historia de su vida", sugiere.
"Empiezo cada uno de mis guiones emprendiendo un viaje de descubrimiento y documentación minuciosa, al igual que hago en un artículo para el que dispongo de tiempo", aporta Landesman. "Una vez que llego a la verdad del asunto, puedo decidir la forma y la arquitectura que adoptará el filme. Y en esta película eso fue más cierto que nunca. Presté mucha atención a lo que la película quería ser, qué forma debía adoptar, en qué se debía centrar. Hay una versión de esta película que trata tanto sobre la NFL como sobre Bennet. Pero Bennet –su viaje, su misión, su carga– era algo totalmente único. Combinar eso con la idea de Will –escribir esto para Will, pensando en su voz, en su físico– me hizo sentir como si estuviera escribiendo una pieza musical, casi tanto como un guion".
A la hora de rodar la película, Landesman decidió hacerlo en escenarios reales de Pittsburgh y rodearse de algunas de las mentes creativas más alabadas de la industria, como Salvatore Totino (que ha colaborado en siete filmes con el director Ron Howard), el diseñador de producción David Crank (ganador del Emmy por su labor en la miniserie "John Adams", colaborador de Paul Thomas Anderson y director artístico de títulos como "Lincoln", "Agua para elefantes" y "El árbol de la vida"), el montador William Goldenberg (ganador del Óscar por "Argo" y nominado en otras cinco ocasiones), la diseñadora de vestuario Dayna Pink (que ya había colaborado con Will Smith en "Focus") y el compositor nominado ocho veces al Óscar James Newton Howard.
"Había dos opciones: o se hacía la película de forma muy fría y científica, centrada en la historia del estudio del cerebro, con gente que entraba y salía de la misma, o se podía centrar en las personas", opina Giannina Scott. "Esa fue la decisión que tomó Peter y que Sal ha aplicado a la fotografía. Es la mejor forma de hacer cine, la que te permite identificarte con los personajes".
"Las relaciones más importantes de Bennet eran con los muertos, los muertos en una ciudad que estaba económicamente al borde del colapso", prosigue Landesman. "Los ciudadanos de Pittsburgh se aferraban desesperadamente a su juego, el fútbol americano, sobre el que Bennet descubrió que estaba dañando, y en algunos casos matando, a sus jugadores. El paisaje urbano era el reflejo externo del viaje de Bennet, no solo en la fotografía, sino en la escritura, en la página".
El reparto de la película
El actor nominado al Óscar en dos ocasiones Will Smith protagoniza LA VERDAD OCULTA en el papel del Dr. Bennet Omalu. Smith ya está familiarizado con la práctica de trasladar a la gran pantalla historias dramáticas de personas reales, tras haber interpretado magníficamente a Muhammad Ali en "Ali", de Michael Mann, y a Chris Gardner en "En busca de la felicidad", de Gabriele Muccino.
Giannina Scott recuerda que cuando Ridley Scott, Peter Landesman y ella presentaron inicialmente la historia de Bennet Omalu a Sony Pictures, Amy Pascal, antigua jefa del estudio, exclamó: "¡Oh, Dios, sé quién sería perfecto para esto!", pero, Scott agrega: "Al mismo tiempo, Ridley ya había dicho: ‘Esto sería perfecto para Will, porque posee la sensibilidad y esa especie de inocencia que tiene el Dr. Omalu’. Así que Ridley habló con Will para que leyera el guion y todo fue muy rápido. Will se apuntó enseguida. En cuanto lo leyó, supo que era un papel que tenía que interpretar".
Smith señala que lo tuvo clarísimo cuando conoció al Dr. Omalu. "Hablamos sobre cómo fue criarse de niño en Nigeria. Me dijo, y eso fue algo que usamos en la película, que, cuando crecía, el Cielo estaba aquí –sostiene la mano en alto– y América estaba aquí –pone la mano un poco más abajo–. América era el lugar al que Dios enviaba a su gente preferida, y no quería nada más que ser aceptado como americano", aporta Smith. "Que ese hombre fuera quien descubriera la encefalopatía traumática crónica y tuviera que hacerle llegar a América esa información sobre su deporte favorito, era un conflicto tan intenso, que quedé sumamente intrigado como artista. Es un hombre encantador, dulce, brillante, honorable, casi maravillosamente ingenuo, que cree que la verdad te hará libre".
"Lo maravilloso es que, incluso mientras me contaba la historia, al tratarse de un hombre de ciencia, no podía comprender cómo saber podría ser algo malo. E incluso a día de hoy sigue teniendo problemas con eso, ¿cómo podría ser algo malo tener más información? ¿Qué podría hacer que te negaras a saber más?", prosigue Smith. "Por mi parte, lo miraba a los ojos mientras me contaba su historia y supe después de esa reunión que iba a contar su historia a todo el mundo".
"Escribí esta película específicamente para Will", afirma Peter Landesman. "No pensé nunca en nadie más, de la primera palabra a la última. No solo su voz, sino su físico, la gracia y la energía que aporta a su forma de interpretar. Y esa alegría inherente, que coincide con la de Bennet. No habían pasado más que un par de días desde que terminé el guion, cuando Ridley llamó a Will y Amy Pascal se lo entregó".
Pero no fue únicamente que a Smith le pareciera que el Dr. Omalu era un personaje único e inspirador con una trayectoria extraordinaria. También sentía que se trataba de una historia importante que había que contar. "Soy un padre con hijos que juegan al fútbol americano", aporta. "Tengo dos hijos y el mayor (Trey) era un gran jugador de fútbol. Creo que lo que más me impulsó a hacer la película es que, como padre, la verdad es que no tenía ni idea. Me preocupaba que mi hijo pudiera partirse una pierna, lo que más me preocupó fue cuando jugó con una lesión de columna. Pero nunca hubo ni una sola conversación, ni salió una sola vez la cuestión, sobre las repercusiones neurológicas a largo plazo. ¿Cómo podía ser que fuera padre de un jugador que llevara cuatro años jugando al fútbol y no tuviera la más mínima información? Para mí, como padre, sentí que tenía que hacer esta película. Como padre, tenía que difundir la información para que los padres y los jugadores pudieran tomar una decisión informada".
Como preparación para el papel, Will Smith se sumió de lleno en la vida de Bennet Omalu, leyó sus artículos médicos y vio sus entrevistas. Antes del rodaje, Smith también viajó a Lodi, California, para conocer al Dr. Omalu y su familia, y también tuvo ocasión de ver al doctor realizar una autopsia en la oficina forense del condado de San Joaquín, donde el Dr. Omalu es en la actualidad el médico forense jefe.
Durante los tres meses previos al rodaje, Smith también trabajó en estrecha colaboración con el conocido tutor de dicción de cine, teatro y televisión Diego Daniel Pardo para ayudarle a perfeccionar su acento nigeriano para su interpretación del Dr. Omalu. Ridley Scott aporta:"el acento nigeriano es muy suave, musical y dulce. Will lo hizo de una forma maravillosa y muy comedida".
Smith y Landesman colaboraron estrechamente para crear el personaje de Bennet Omalu. "La gente va a ver esta película y le va a costar un rato reconocer que es Will", asegura Landesman. "En parte porque cambiamos físicamente a Will en detalles superficiales –Will y yo nos esforzamos mucho en una serie de elementos para dar vida al personaje, entre ellos su acento– pero sobre todo porque este personaje sacó algo del interior de Will. La interpretación es tan sincera, veraz y convincente que creo que Will está casi irreconocible. Will lo hace tan bien que en apenas un par de minutos, te olvidas de que estás viendo a Will con un acento, sino que estás viendo a Bennet Omalu. Estás viendo cobrar vida a ese personaje".
"Nunca había visto así a Will Smith", declara Ridley Scott. "Posee una gran fuerza y dignidad, a la vez que está muy elegante y contenido. Es su mejor trabajo".
"El Dr. Omalu ya es alguien fuera de lo común, es sumamente encantador, inteligente y divertido, y Will ha hecho un trabajo asombroso interpretando a un personaje con las cualidades del Dr. Omalu, pero al mismo tiempo con el carisma de Will", opina Elizabeth Cantillon, uno de los productores del filme.
La emergente actriz británica Gugu Mbatha-Raw, que recibió grandes elogios de la crítica por su papel principal en "Belle" y como superestrella de la canción en el drama romántico de Gina Prince-Bythewood "Beyond the Lights", encarna a Prema Mutiso, nuevo miembro de la iglesia de Nairobi, Kenia, del Dr. Omalu, con la que acabará casándose.
A Mbatha-Raw le atrajo desde el primer momento el hecho de que LA VERDAD OCULTA fuera una historia real. "La película tiene muchas repercusiones contemporáneas con la cultura americana, sobre la verdad, sobre alzarse en defensa de la justicia y aquello en lo que crees, y no dejarse intimidar", comenta. "Este hombre, Bennet Omalu, se mantuvo firme mientras la gente intentaba desacreditar y acabar con él. Demuestra el valor de mantenerse firme".
"Cuando Prema entra en la vida de Bennet, él es un poco adicto al trabajo", prosigue Mbatha-Raw. "La verdad es que no tiene vida personal. Y creo que Prema aporta a su vida un poco de luminosidad y calidez, y un cierto toque femenino a ese apartamento tan espartano y propio de un soltero en el que vive. También los une el hecho de proceder ambos de África, de ser los dos extranjeros. Aunque él ha adoptado un cierto aire americano, creo que desde luego entienden que hay una conexión entre ellos en lo referente a los obstáculos culturales que ambos han tenido que superar".
A medida que avanza la historia, explica Mbatha-Raw, Prema se convierte en el sostén espiritual de Bennet, animándolo a hacer lo correcto, inspirándolo y dándole el valor para decir la verdad. "Pese a hablar de forma muy calmada y algo recatada, posee una indudable fuerza interior, que creo que le ofrece un gran apoyo [a Bennet]", opina. "Es verdaderamente el alma de la historia y aporta mucho corazón y humanidad a ese mundo tan científico de Bennet".
Cuando Smith se reunió con el Dr. Omalu, también tuvo ocasión de conocer a su mujer. "Fue maravilloso verlos juntos", recuerda Smith. "Son sumamente encantadores y dulces, y no estaban para nada preparados para las circunstancias en las que se vieron metidos, con la maquinaria a la que se tuvieron que enfrentar. Ella también es profundamente espiritual y fue capaz de mantener a Bennet conectado a lo largo de todo el proceso con el propósito espiritual de lo que estaba haciendo".
Al igual que Smith, Mbatha-Raw realizó su propia documentación para preparar su papel y trabajó con el tutor de dicción Diego Daniel Pardo para dominar el acento keniata de Prema Mutiso. El último día de rodaje, conoció a Prema y a Bennet Omalu.
El actor de cine y televisión nominado al Óscar Alec Baldwin encarna al Dr. Julian Bailes, que se convierte en uno de los primeros aliados clave para el Dr. Omalu. Bailes, cirujano, antiguo médico del equipo de los Steelers de Pittsburgh y neurocirujano jefe de la Asociación de Jugadores, es también amigo de Mike Webster y ha visto los estragos sufridos por el jugador. El profundo conocimiento que posee Bailes de los jugadores de fútbol americano profesional y de los Steelers lo lleva a convertirse en uno de los primeros creyentes y paladines de la investigación del Dr. Omalu sobre muertes relacionadas con conmociones cerebrales.
Cuando están vilipendiando al Dr. Omalu por su trabajo con Webster, al revelar la encefalopatía traumática crónica como la causa, recibe el inesperado apoyo del Dr. Bailes. Baldwin explica: "El Dr. Bailes trabajó con los Steelers y empezó a comprender los protocolos de lo que el Dr. Omalu estaba haciendo. Se volvió un converso. Le importaban los hechos, y los hechos apuntaban a una encefalopatía por conmoción cerebral. Sabía lo que tenía que hacer. Así que mi personaje es alguien de dentro, del propio mundo del fútbol americano profesional, que abandona el redil".
Peter Landesman opina que, en cierto modo, Bailes es el personaje más complicado del filme."Se crió en la cultura del fútbol americano del sur profundo, jugó al fútbol universitario, fue médico del equipo de los Steelers de Pittsburgh, y fue el neurocirujano jefe de la asociación de jugadores. Así que estaba sumido en un profundo conflicto. Es un hombre que entendía que el fútbol estaba matando a sus jugadores, pero no fue hasta que conoció a Bennet que encontró la prueba para dar un paso al frente y dar la cara por la causa. Pero, a día de hoy, sigue teniendo sentimientos encontrados. Creo que siente un gran dolor por lo que está haciendo. Hasta el último hueso de su cuerpo le pide que niegue lo que dice Bennet, pero la ciencia tiene prioridad sobre cualquier otra cosa que pueda sentir".
Baldwin, que se crió en Long Island, Nueva York, fue quarterback del equipo de su instituto, así que se trata de un deporte muy cercano y querido para él. El fútbol americano profesional sigue siendo su deporte favorito. Además, no cree que nadie en la NFL actuara por malicia."Creo que es justo decir que todo el mundo en la NFL, así como todos los miembros de la comunidad médica que trabajaban con la NFL, querían lo mejor para los jugadores", opina Baldwin. "No creo que pueda decirse que alguien quisiera que los jugadores sufrieran, o quisieran sacrificarlos. Creo que la gente prefirió subestimar el impacto que eso tenía en los jugadores. Bajo todo eso había la idea, incluso entre los propios jugadores, de que sabían en lo que se estaban metiendo al jugar a este deporte".
Sobre cómo el Dr. Omalu fue capaz de descubrir la encefalopatía traumática crónica –ver lo que nadie más logró ver– el auténtico Dr. Bailes opina que "la casualidad favorece a la mente preparada". "Creo que el hecho de que Bennet procediera de Nigeria lo dotó de una cierta ingenuidad en lo referente al significado social del fútbol americano y cómo se juega este deporte", señala Bailes. "Y creo que eso le ayudó a ver de forma objetiva a un hombre en el que algo no acababa de encajar".
El legendario actor cómico, guionista y director Albert Brooks interpreta al jefe y mentor del Dr. Omalu, el patólogo Dr. Cyril Wecht, forense del condado de Allegheny y médico forense en Pittsburgh.
Aunque Brooks es más conocido por sus trabajos en comedias clásicas como "Perdidos en América" y "El cielo próximamente", el nominado al Óscar por "Al filo de la noticia" ha aceptado más recientemente papeles dramáticos en títulos como "Drive", de Nicolas Winding Refn, y "El año más violento", de J. C. Chandor.
"Cyril Wecht es un hombre muy obstinado", opina Brooks. "Lo encuentro una delicia cada vez que lo he oído hablar. Es inteligente y no se anda con tonterías. No aguanta estupideces de nadie, está muy informado y es muy bueno en su trabajo". En la película, según Brooks, el Dr. Wecht ve al Dr. Omalu como el próximo Cyril Wecht. "Hace un poco de mentor. Aunque también siente una pizca de envidia y un gran respeto".
El Dr. Wecht, uno de los patólogos forenses más eminentes del país, es tan conocido por sus opiniones sobre casos famosos como por su talento para la medicina. Wecht vive en Pittsburgh, donde lleva 40 años como patólogo forense conocido en todo el país. Wecht ha escrito o editado docenas de libros y ha participado en numerosas investigaciones forenses famosas, como los asesinatos del presidente John F. Kennedy y el senador Robert F. Kennedy, la muerte de Elvis Presley, el caso de O. J. Simpson y el caso de JonBenet Ramsay. Su pericia también se ha empleado en casos de gran notoriedad como los de Mary Jo Kopechne, Sunny von Bulow, Jean Harris, el Dr. Jeffrey McDonald, el incendio de la Rama Davidiana de Waco y Vince Foster.
"Quise que Albert interpretara a Wecht desde el principio porque Albert aporta una calidez increíble al papel", opina Landesman. "Entre otras cosas, Cyril es una persona cálida y generosa, es la clase de tipo que ve a Bennet Omalu –ese individuo nigeriano– y entiende que son espíritus afines".
Más allá de eso, Smith comenta que el Dr. Wecht se convierte en parte mentor y parte inspiración. "Para Bennet, Cyril Wecht representaba la imagen del triunfador americano", explica Smith. "Bennet hacía todo lo que hacía Cyril Wecht –los trajes que llevaba, el tipo de coche que conducía, la forma que tenía de tratar a la gente, Cyril Wecht se convirtió en la viva imagen del sueño americano".
En el corazón de LA VERDAD OCULTA se encuentran los jugadores que sufrieron los estragos de la encefalopatía traumática crónica. La película trata de paso las vidas de varios jugadores de fútbol americano muy conocidos, que sufrieron demencia y depresión, lo que los acabó llevando a una muerte temprana –algunas accidentales, otras autoinfligidas–. Entre esos jugadores se encuentran el central de los Steelers de Pittsburgh Mike Webster, los jugadores de la línea ofensiva Justin Strzelczyk y Terry Long, así como el defensor de los Eagles de Filadelfia, Andre Waters, y el defensor de los Bears de Chicago, Dave Duerson.
El estimado actor de carácter David Morse ("La milla verde", o la miniserie de HBO "John Adams") interpreta a Mike Webster, el central de los Steelers de Pittsburgh miembro del Salón de la Fama, conocido para los fans como "Iron Mike" (Mike de hierro). Webster, que murió a los 50 años de edad de un ataque al corazón, sufría una grave demencia provocada por repetidos golpes en la cabeza, recibidos a lo largo de toda una vida jugando al fútbol americano. Tras el fallecimiento de Webster en 2002, se convirtió en el primer jugador de fútbol americano en cuyo cerebro diagnosticó el Dr. Omalu la presencia de encefalopatía traumática crónica, lo que motivó al Dr. Omalu para dar a conocer públicamente el problema.
El enfoque de Morse para interpretar al emblemático personaje real consistió en estar tan animado y lleno de vida como le fuera posible. "Tuve que imaginarme cómo fue lo que tuvo que vivir", aporta Morse. "Siempre me siento responsable para con el personaje, pero este caso es especial, porque Mike fue un hombre que fue muy importante para su comunidad y para ese mundo".
Morse ha interpretado antes a personajes reales y figuras históricas, en particular en su papel nominado al Emmy de George Washington en la galardonada miniserie de HBO "John Adams", así que era consciente de la responsabilidad de hacerlo bien. "Hoy día, Mike Webster todavía sigue vivo en la mente de muchas personas, sobre todo para su familia, así que se trata de honrar eso en la medida de lo posible. Era una responsabilidad hacia Mike y hacia la gente que lo quería".
Como preparación para el papel, Morse empezó a leer tanto como pudo y a ver documentales y el canal de deportes ESPN, para conseguir entender mejor a Mike Webster y la historia de su vida y su prematura muerte. Mike Webster era conocido como uno de los hombres más fuertes de la NFL, e incluso en sus últimos años, cuando estaba sumido en la demencia, seguía siendo físicamente imponente. "Incluso cuando murió, seguía siendo asombrosamente fuerte, teniendo en cuenta que podía pasarse días sin comer", observa Morse. "Y, si comía, era comida basura –patatas fritas, dulces y refrescos– esa era su dieta. Pero, al mismo tiempo, podía andar por ahí fuera, por los bosques, en plena nieve, descalzo y a pecho descubierto, durante días, levantando un tronco para fortalecer sus músculos". Físicamente, Morse intentó aproximarse a eso con su interpretación. "Engordé 9 kg", comenta el actor,"intentando conseguir parte de esa fuerza. En cierto modo, fue bastante agotador, pero también sentía la responsabilidad de interpretar a esta persona".
Para interpretar a Webster después de retirarse, lleno de cicatrices de toda una vida jugando al fútbol americano, Morse trabajó con los artistas de efectos especiales de maquillaje de KNB EFX Group, que le colocaron varios prostéticos. Morse revela: "Una de las cosas de las que precisamente habla el Dr. Omalu es sobre la gran cantidad de tejido cicatricial que se había acumulado en la frente de Mike después de tantos años golpeando, golpeando, golpeando. De tanto dar cabezazos, se había llenado de tejido cicatricial. Y si se le miran las manos, las tenía muy hinchadas, con todos los nudillos rotos. Así que tuvimos que trabajar especialmente en las manos para acumular todo ese tejido cicatricial causado por dedos rotos. Suponía pasarse exactamente cuatro horas y media al día en la silla de peluquería y maquillaje".
El actor y cómico Paul Reiser interpreta al Dr. Elliot Pellman, el médico del equipo de los Jets de Nueva York y presidente del Comité de Traumatismos Craneoencefálicos Leves de la NFL. Pellman es el experto médico de la NFL implicado en los intentos de desacreditar al Dr. Omalu y refutar sus hallazgos publicados en la revista Neurosurgery. "Es un buen tipo, al que tal vez pusieran en el cargo equivocado", sugiere Reiser sobre su personaje, cuya especialidad es la artritis y el dolor articular. "Es reumatólogo, pero, por determinadas razones, lo pusieron al frente del comité de las conmociones cerebrales".
El veterano actor de carácter Arliss Howard interpreta al Dr. Joseph Maroon, el médico del equipo de los Steelers de Pittsburgh y neurocirujano jefe de la NFL. El Dr. Julian Bailes lo pone en contacto con Bennet Omalu, y Maroon trata de advertir al Dr. Omalu de las repercusiones que podría haber si sigue adelante con sus estudios que vinculan las conmociones con las lesiones cerebrales.
Luke Wilson interpreta al comisario de la NFL Roger Goodell, quien, siguiendo los pasos de su predecesor, Paul Tagliabue, orquesta la respuesta de la NFL en defensa del fútbol americano profesional. Wilson confiesa que el fútbol americano es el deporte que más ve, junto con el golf, así que interpretar a Roger Goodell le resultó muy interesante. "Siempre resulta alucinante interpretar a una persona real, y más a alguien que ves en las noticias", opina.
Como preparación para el papel, Wilson vio conferencias de prensa y apariciones de Goodell ante el senado. "Tiene sin duda que medir sus palabras", comenta Wilson. "Se trata de cuestiones de las que se le hará responsable".
Adewale Akinnuoye-Agbaje interpreta a Dave Duerson, antiguo safety (última posición defensiva del equipo) de la NFL que participó en cuatro ocasiones en el partido de las estrellas y jugó para los Bears de Chicago, los Giants de Nueva York y los Cardinals de Phoenix, cuya vida acabó trágicamente en 2011 después de luchar contra síntomas debilitantes provocados por lesiones cerebrales relacionadas con el fútbol americano.
"Dave fue uno de los primeros jugadores que pasaron del terreno a la sala de juntas y se dedicaron realmente a representar a muchos de sus compañeros en la Asociación de Jugadores de la Liga Nacional de Fútbol Americano", apunta Akinnuoye-Agbaje. El actor explica que el descubrimiento del Dr. Omalu pone a Duerson en una posición peliaguda. "Fue jugador durante once años, y aparentemente no le había pasado nada. Así que, cuando revisaba las pruebas, era como: ‘Bueno, mira, ¿cuántos jugadores tenemos en la NFL? ¿Cuáles son las alegaciones? Los únicos jugadores citados al principio fueron Mike Webster, Justin Strzelczyk, Terry Long y Andre Waters y, en opinión de mi personaje, el tren de vida que llevaban algunos de ellos era cuestionable, así que para él resultaba bastante razonable decir: ‘Bueno, algunas de las circunstancias de sus muertes podrían atribuirse a cómo vivían, no necesariamente al deporte que practicaban’". Más adelante, trágicamente, el propio Duerson empezó a sufrir los efectos de la encefalopatía traumática crónica.
Acerca de la producción
Para ayudarle a conseguir el aspecto visual que buscaba para el filme, Peter Landesman colaboró con el director de fotografía Salvatore Totino, cuyos créditos incluyen varios trabajos con el director Ron Howard, entre ellos "El desafío: Frost contra Nixon", "El código Da Vinci", "Ángeles y demonios" y "Cinderella Man. El hombre que no se dejó tumbar". A Totino siempre le han interesado las historias reales. Explica: "Me resulta más fácil conectar con un personaje que es una persona real. Esa es mi pasión, la gente real". Totino también tiene experiencia en películas relacionadas con el fútbol americano, dado que su primer título como director de fotografía fue el drama deportivo de Oliver Stone de 1999 "Un domingo cualquiera".
Totino comenta que se centró en la historia de la película y evitó perderse en imágenes llamativas. "Mi intención es mantenerlo todo muy realista", asegura. "Nada de excesos. Intentar mantenerlo natural y real, como si estuvieras allí. Al trabajar con una historia real, el reto es intentar mantenerse fiel a la realidad".
El diseñador de producción de la película es David Crank, que colaboró con Peter Landesman para crear el aspecto general del filme y resaltar el entorno de Pittsburgh en que se ambienta la historia. Como director artístico y diseñador de producción, Crank ha colaborado estrechamente con el director Paul Thomas Anderson en títulos como "Puro vicio", "The Master" y "Pozos de ambición", así como con el director Terrence Malick en "To the wonder","El árbol de la vida" y "El nuevo mundo". Como supervisor de dirección artística, Crank ganó un Emmy al "mejor director artístico de una miniserie o telefilme" por la miniserie de HBO"John Adams".
Como especialista en dramas históricos de época, Crank sintió curiosidad por trabajar en una película ambientada en la actualidad. Además, había ido al colegio en Pittsburgh, así que le atraía volver a la ciudad para el rodaje. "Pittsburgh es fascinante, porque está compuesta de una cantidad increíble de capas", explica el diseñador de producción. "Hay lugares que se han ido modificando con el tiempo, sin eliminar la arquitectura original, de modo que podría decirse que se transforma en algo nuevo. Buena parte de ello no es lo que cabría calificar como bonito, pero siempre resulta tremendamente interesante, ligeramente tosco, aunque posee un auténtico carácter propio y verdadero estilo, de una extraña manera. Nunca me canso de salir a ver cosas".
Dado que la gran mayoría de la película se iba a rodar en el área metropolitana de Pittsburgh, el trabajo de Crank a la hora de diseñar el filme empezó con la elección de las localizaciones reales. "Empezamos tratando de encontrar tantos lugares reales de la historia como pudimos, tanto si los íbamos a utilizar como si no, queríamos verlos", cuenta Crank. "Fuimos a ver lo que quedaba del viejo depósito de cadáveres, visitamos el nuevo depósito y vimos cómo realizaban algunas autopsias".
Para Landesman, observar al Dr. Omalu en su trabajo fue una parte esencial de la preparación. "Fue interesante llevar a Will a las autopsias", recuerda Landesman. "Lo que me interesaba era ver las habilidades requeridas y la mecánica de realizar la autopsia. Me resultaba crucial que Will pudiera observar la metodología de Bennet y familiarizarse lo máximo posible con ella. Para que los dos entendiéramos el baile físico de un hombre alrededor de una mesa, examinando un cuerpo, la coreografía y el ritmo de las manos y los pies. El laboratorio y la mesa de Bennet estaban inmaculados. Si saltaba aunque fuera una mota de sangre a su mascarilla o su manga, se cambiaba inmediatamente de uniforme. Quería que Will comprendiera lo importante que era que la metodología impoluta de Bennet igualara el interés que tenía en esos cuerpos y en sus almas. Tenía una relación con los muertos".
La diseñadora de vestuario del filme es Dayna Pink, que ya había trabajado recientemente con Will Smith en "Focus". Además de sus pioneros descubrimientos científicos, Bennet Omalu es conocido por ser un hombre con mucho estilo, vestido habitualmente con trajes oscuros de raya diplomática y gemelos de diseño propio. Pink adaptó ese estilo para Will Smith. "La inspiración para el vestuario de Will Smith provino directamente del guardarropa del Dr. Omalu", confiesa Pink. "Siempre ha llevado trajes a medida y camisas de etiqueta de puño francés. Tuve el privilegio de viajar a Lodi a conocerlo y hablar con él sobre lo que lleva y por qué se viste así. El Dr. Omalu opina que nuestra forma de vestir influye en cómo nos perciben los demás, que es algo que me inspira a diario en mi trabajo. Opta por vestir todos los días de traje, así que hicimos lo mismo con su personaje".
Acerca de las localizaciones
Como la historia transcurría en Pittsburgh, era esencial para el equipo de producción que el rodaje se llevara a cabo fundamentalmente en la segunda mayor ciudad de Pensilvania. Muchas películas importantes han pasado por Pittsburgh, pero la ciudad suele hacer a menudo las veces de otra urbe; con LA VERDAD OCULTA, Pittsburgh tiene al fin la oportunidad de hacer de sí misma. "Muchas veces, cuando ruedas en Pittsburgh, intentas emular otra ciudad, como Nueva York o Boston", observa el responsable de localizaciones Kent Jackson."Este fue un desafío un tanto particular pero, al mismo tiempo, abría, desde el punto de vista de las localizaciones, muchas posibilidades. Permite que se vean los ríos y las laderas y todas esas cosas que hace que Pittsburgh resulte cinematográficamente excepcional".
"Fue la única localización que miré, por una serie de razones", explica Peter Landesman."Espiritualmente, Pittsburgh es un tema tan importante en esta película cualquier otro de los que se tratan. Es una película sobre la América urbana en un momento muy concreto, cuando la América industrial estaba muriendo, si es que no estaba ya muerta. Y Pittsburgh representa a esa demografía y a esa economía. No se podía ir a otro lugar. Pittsburgh es otro personaje más, como Bennet, como Bailes, o como Wecht. Me esforcé mucho por hacer de Pittsburgh un personaje de la película, sin idealizar la dureza y la destrucción de la economía; es simplemente Pittsburgh, tal cual es, sin más".
"Cuando la gente se encuentra en lugares reales, espacios reales, creo que se consiguen mejores interpretaciones, mejor luz, las escenas parecen reales y la imaginación se vuelve más concreta", agrega Jackson.
Jackson comenta que uno de los factores a la hora de elegir localizaciones en el centro de Pittsburgh es que fueran lugares desde los que se pudiera ver Heinz Field, el campo de juego de los Steelers de Pittsburgh, situado en la ribera del río Ohio, en el barrio de la ciudad denominado North Shore. "Cuando el equipo de producción llegó a la ciudad para localizar exteriores, entre las primeras cosas que quisieron ver fueron distintos lugares de la ciudad desde donde se pudiera ver Heinz Field", aporta Jackson.
Crank recuerda: "Al principio, mientras elegíamos localizaciones, nos esforzamos por tratar de incluir Heinz Field como elemento de fondo, para que no se pudiera uno olvidar de que se trataba de una historia de fútbol. No queríamos que estuviera justo delante de tus narices, tenía que ser sutil".
Además de que la mayor parte del equipo técnico era personal local de Pittsburgh, a lo largo del rodaje se utilizaron casi 2500 extras locales para llenar multitud de escenas ambientadas en salones de baile de hoteles, clubs nocturnos y bares, y, por supuesto, campos de fútbol americano.
Para coordinar las escenas de fútbol filmadas en Pittsburgh, en el Phillip Murray Playground y el George Cupples Stadium y, más adelante, en el instituto Rio Mesa de Oxnard, la producción fichó al coordinador de fútbol americano Michael Fisher, que ha trabajado como consultor técnico en docenas de películas deportivas, como "Draft Day", "Moneyball: Rompiendo las reglas" o "The Blind Side (Un sueño posible)". Contó con la asistencia de Scott Fujita, antiguo linebacker de los Chiefs de Kansas City, los Cowboys de Dallas, los Saints de Nueva Orleans y los Browns de Cleveland. Juntos, trabajaron con los cientos de jugadores locales de instituto y universitarios que resultaron seleccionados después de varias convocatorias de casting.
El exterior de las instalaciones de la oficina forense del condado de Allegheny se filmó en la antigua ubicación de la oficina del médico forense, un edificio gótico de tres plantas de piedra y mármol que albergaba no solo el depósito de cadáveres, sino también una capilla, una sala de tribunal y oficinas para el personal. El Dr. Omalu trabajó en ese lugar hasta 2007. Sin embargo, como en el proceso de renovación se ha rehecho todo el interior del edificio, el equipo de producción tuvo que recrear la cámara de autopsias en un plató cerrado.
A partir de fotos y documentación sobre la original que ya no existía, Crank y su equipo la recrearon y también la ampliaron para acomodar un rodaje. "La cámara era minúscula, con ventanas muy pequeñas; los técnicos y los doctores estaban todo el tiempo unos encima de otros", comenta Crank. "En el edificio original, el depósito de cadáveres estaba situado justo detrás de la capilla, un gran espacio de dos plantas, lleno de luz. Peter había hablado conmigo desde el principio para darle un ambiente más espiritual a la cámara, así que opté por combinar algunos de los elementos de la escala de la capilla y de los detalles del propio depósito, para crear un espacio más abierto".
Peter Landesman prosigue: "Quería que las ventanas de la cámara de autopsias parecieran ventanas de una capilla, porque donde Bennet hacía sus autopsias era como su iglesia. Era una idea sencilla que creo que queda preciosa y que algunas personas captarán y otras no".
"Han hecho un trabajo maravilloso con la recreación de la sala de autopsias", declaró Bennet Omalu durante una visita al set de rodaje. "Creía que la realización cinematográfica era todo cuestión de arte, drama, teatro, pero me he dado cuenta de que también hay mucha ciencia detrás de ella. Es realmente asombrosa".
El Dr. Omalu también ejerció como asesor técnico de la película, de modo que durante algunas de las escenas de autopsias, estuvo presente para asegurar que las autopsias mostradas cumplieran "el código a la perfección". Desde los procedimientos, a los instrumentos, o la indumentaria médica, el Dr. Omalu cuenta que "ayudó a que todo cumpliera los estándares profesionales del Colegio de Patólogos Americanos, que se aproximara lo máximo posible a la realidad".
La productora Elizabeth Cantillon considera que contar con Bennet Omalu como asesor resultó un recurso muy valioso para el equipo de producción. "Nos ayudó a entender su modo de pensar mientras se producían los hechos", señala. "Además, quedó muy conmovido con el nivel de autenticidad y detalle empleado para contar su historia".
"La autenticidad y la verisimilitud son importantes, y quiero asegurarme de que parezca real así que, con quién mejor podía contar en el rodaje que con Bennet Omalu", opina Peter Landesman. "También lo quería aquí presente para crear una conexión kármica y espiritual".
El equipo de producción se esforzó por conseguir la verosimilitud hasta en el último detalle, desde el instrumental médico utilizado en la sala de autopsias a la parafernalia de fútbol americano empleada en el filme, teniendo en cuenta especialmente que todos esos artículos tenían que corresponderse con los años en los que tenía lugar cada escena. "Tuvimos que conseguir balones de fútbol americano que se remontaban hasta los setenta para Mike Webster, hasta llegar luego al final de su carrera a finales de los 80. También tuvimos que conseguir cascos de época e incluso Gatorade", comenta el jefe de atrezo Matt Cavaliero.
Cavaliero también habló con frecuencia con muchas de las personas reales representadas en la película, lo que le permitió dar una mayor autenticidad incluso a los detalles más insignificantes del filme. "Estaban dispuestos a hablar con nosotros y deseando contarnos todo lo que necesitábamos saber", recuerda. "Hablé por teléfono con el Dr. Omalu y le pregunté qué comía, qué clase de cosas guarda en la nevera para picar, qué clase de maletín lleva, qué clase de teléfono usa, qué paraguas le gustan. Parece irrelevante, pero queríamos que todo contribuyera a hacerla lo más exacta posible, y todos hicieron lo imposible por proporcionarnos toda la información que necesitábamos".
La chica danesa
2015
Duración 120 min.
País Reino Unido
Director: Tom Hooper
Reparto: Eddie Redmayne, Alicia Vikander, Matthias Schoenaerts, Amber Heard, Ben Whishaw, Sebastian Koch, Victoria Emslie, Adrian Schiller, Richard Dixon, Paul Kerry, Helen Evans, Michael Gade Thomsen, Alicia Woodhouse
Copenhague, 1926. Los paisajes del pintor Einar Wegener, casado con Gerda, son muy admirados por la sociedad danesa. Gerda es una artista menos conocida que su marido, pero se está haciendo un nombre como retratista de ciudadanos importantes. Forman una pareja muy unida, aunque a ambos les falta alcanzar la revelación artística y personal.
Todo cambia el día en que Gerda debe entregar un retrato y le pide a su marido que supla a la modelo poniéndose un vestido de mujer para terminar el cuadro. Es una experiencia transformadora para Einar, que no tarda en descubrir la expresión de su yo más auténtico siendo Lili y empieza a vivir como tal. Gerda, por su parte, ha encontrado a su musa y da rienda suelta a su creatividad. Pero la desaprobación de la sociedad de Copenhague no se hace esperar.
Deciden dejar Dinamarca y trasladarse a París, una ciudad más abierta. Una vez instalados allí, Gerda sigue floreciendo profesionalmente. La relación del matrimonio evoluciona, aunque no sin dificultades, pero Gerda apoya una y otra vez a Lili en su recorrido de mujer transgénero. Tanto una como otra se ayudan mutuamente a encontrar el valor de ser quienes son realmente.
Basada en el bestseller homónimo de David Ebershoff.
Una producción de Working Title/Pretty Pictures, en asociación con ReVision Pictures y Senator Global Productions. Una película de Tom Hooper, protagonizada por Eddie Redmayne y Alicia Vikander, LA CHICA DANESA, con Ben Whishaw, Sebastian Koch, Amber Heard y Matthias Schoenaerts. Casting, Nina Gold. Música, Alexandre Desplat. Maquillaje y peluquería, Jan Sewell. Vestuario, Paco Delgado. Montaje, Melanie Ann Oliver, ACE. Diseño de producción, Eve Stewart. Fotografía, Danny Cohen, BSC. Coproductores, Jane Robertson, Ben Howarth, Nina Gold. Productores ejecutivos, Linda Reisman, Ulf Israel, Kathy Morgan, Liza Chasin. Basada en la novela de David Ebershoff La chica danesa. Guión, Lucinda Coxon. Producida por Gail Mutrux, Anne Harrison, Tim Bevan, Eric Fellner, Tom Hooper. Dirigida por Tom Hooper.
Acerca de La chica danesa
La terminología
Cisgénero (o simplemente "cis"): Una persona cisgénero es aquella cuya identidad de género (es decir, su sensación interna de ser hombre o mujer) se corresponde con su sexo al nacer. "Cis" es un prefijo latino que significa "del mismo lado", y es antónimo de "trans". También puede llamarse "cisexual".
Transgénero (o simplemente "trans"): Una persona transgénero es aquella cuya identidad de género (es decir, su sensación interna de ser hombre o mujer) no se corresponde con su sexo al nacer. Transgénero es un adjetivo, no un sustantivo, por lo que siempre acompaña a este último.
Transición: Se trata de un proceso complicado que se desarrolla durante un largo periodo de tiempo y al que se someten las personas transgénero para que sus cuerpos y su expresión sexual estén en concordancia con su identidad interna. Se compone de todos o parte de los siguientes pasos personales, médicos y legales: contárselo a la familia, los amigos y los compañeros de trabajo; usar un nombre y un género diferente; vestir de forma distinta; cambiar de nombre y/o de sexo en todos los documentos legales; terapia hormonal, y posiblemente (aunque no en todos los casos) someterse a una o varias operaciones. Los pasos de una transición difieren con cada persona.
Cirugía de confirmación de género: También llamada cirugía de reasignación de sexo. Es un procedimiento al que se someten algunas personas transexuales. Es preferible usar este término al obsoleto "cambio de sexo".
LGBTQ: Lesbiana, gay, bisexual, transgénero y queer/comunidad que se cuestiona.
Tal como se ve en LA CHICA DANESA, la identidad de género de Lili Elbe era femenina, pero al nacer era de sexo masculino. De acuerdo con la terminología actual, era una mujer transgénero, por lo que no debemos referirnos a ella con un pronombre masculino. Cualquier referencia antes de su transición se hará como sigue: "Antes de su transición, Lili vivía como Einar Wegener". Sería un error hablar de ella como de un hombre o llamarla un hombre trans, ya que Lili se veía a sí misma como mujer.
Hablan de LA CHICA DANESA
- Lucinda Coxon, guionista
- Paco Delgado, diseñador de vestuario
- Amber Heard, actriz (Ulla)
- Tom Hooper, director y productor
- Eddie Redmayne, actor (Lili Elbe)
- Jan Sewell, maquillaje y peluquería
- Michael Standish, decorador
- Eve Stewart, diseñadora de producción
- Alicia Vikander, actriz (Gerda)
- Ben Whishaw, actor (Henrik)
Eddie Redmayne: Es un relato de autenticidad, identidad y valor, pero también es una historia de amor. Habla del valor que hace falta para encontrarse a sí mismo, para ser uno mismo.
Tom Hooper: Creo que LA CHICA DANESA comparte algo con El discurso del rey, me refiero al muro que se levanta entre nosotros y una versión mejor de nosotros, y a cómo podemos superar esa barrera.
La película cuenta la extraordinaria vida de Lili Elbe, una de las primeras personas que se sometió a una cirugía de confirmación de sexo en el mundo, y la poderosa historia de amor de las dos personas que harán juntas el recorrido de Lili. Es el conmovedor retrato de un matrimonio que pasa por una profunda transformación.
Eddie Redmayne: Trata de los obstáculos de la vida y de cómo se superan siendo dos.
Alicia Vikander: Las dos personas que protagonizan LA CHICA DANESA son lo más parecido a dos almas gemelas.
La chica danesa fue la primera novela de David Ebershoff. Publicada en 2000, ganó el Premio Literario Lambda de Ficción Transgénero, entre otros honores. Ha sido traducida a unos veinte idiomas. Las productoras Gail Mutrux y Anne Harrison, así como la productora ejecutiva Linda Reisman, empezaron a trabajar en el proyecto hace casi una década. Gail Mutrux compró los derechos de la novela en 2000 y empezó a desarrollar la versión cinematográfica. Linda Reisman se unió a ella en 2003. Anne Harrison se asoció como productora en 2005 con el objetivo de conseguir un guión, para lo que contrató a Lucinda Coxon.
Lucinda Coxon: Gail y Anne me hicieron llegar la novela. Al leerla, comprendí que la notable historia de Lili había sido engullida por la marea de la historia. Su vida fue absolutamente increíble, sin embargo, nunca había oído hablar de ella. Leí la novela y empecé a documentarme. Era la historia de un matrimonio, la historia de amor entre dos artistas valientes e imaginativas, y eso es lo que más me sorprendió. También me atrajo la idea de contar una historia universal a través de un relato muy particular.
Por ejemplo, cuando Gerda y Lili – esta última todavía como un hombre - deciden irse de Copenhague a París, lo hacen en busca de una sociedad más abierta y también porque, como cualquiera que crece, ha llegado el momento de cambiar el hogar por el gran mundo.
No solo las imaginé como una pareja que se quería, sino como dos artistas que creaban juntas. Siempre se esforzaban en liberarse mutuamente y llegaron al límite de los cambios que una pareja puede asumir.
Alicia Vikander: El guión es muy directo; se atreve a mostrar que no siempre se dice lo que se debe.
Eddie Redmayne: Está magníficamente escrito.
Lucinda Coxon: Para adaptar una novela a la gran pantalla, hay que enamorarse del original desde el principio, pero más tarde hay que hacerse con el material, apropiárselo. Me alejé de la novela de David para acercarme más a la historia original, pero creo que he mantenido la esencia del libro. David había desarrollado y construido magníficos personajes en la novela, y eso me ayudó muchísimo.
Entre las dificultades está el hecho de que empieza como una historia muy íntima entre dos personas que se expande en enormes ramificaciones. Al principio viven aisladas, pero luego cambia completamente.
Paco Delgado: Es una historia muy íntima entre dos artistas que optan por tomar rumbos inesperados. Es lo que sentí al leer el guión. El lector se ve obligado a adaptarse a ambos puntos de vista a medida que la valiente Lili toma una decisión tras otra.
Ben Whishaw: Al leer el guión, mi reacción fue instintiva, completamente emocional. Lo leí de una sentada, casi dejé de respirar. Luego, al reflexionar, me di cuenta de que trataba de un tema que no suele tocarse en las películas comerciales. Trata de una relación y de una persona en particular que no solo se esfuerza en ser auténtica para sí misma, sino también para su pareja.
Me pareció una historia muy fuerte y muy emotiva que se atrevía a estudiar qué ocurría cuando una mitad de la pareja dice: "Necesito cambiar". El guión de Lucinda es generoso, esperanzador y sensible, pero nunca cursi.
Amber Heard: Lucinda ha hecho suyo un relato cautivador. Ha gestionado con maestría la difícil tarea de contar una historia única para hacerla totalmente cercana. Me tocó el corazón. No me he identificado con uno de los personajes, he conectado con todos.
Lucinda Coxon: Realicé un viaje de descubrimiento personal con Lili y Gerda, y espero que el espectador pueda hacer lo mismo. En muchas ocasiones tuve que esforzarme para no perderlas.
Eve Stewart: Me sorprendió la ternura con que se trataba a los personajes. Es interesante mostrar la obra artística de la pareja y ver hasta qué punto influyó en su entorno.
El director Tom Hooper leyó el guión después de que la directora de casting Nina Gold se lo recomendara, y se apuntó al proyecto.
Tom Hooper: Nina me dijo: "Voy a pasarte un guión genial, no tienen a nadie". Me enamoré del guión nada más leerlo. Fue en 2008, cuando estaba preparando El discurso del rey. Nunca había leído algo tan bueno. No soy nada sentimental, pero lloré en tres ocasiones mientras lo leía. Desde ese momento quise hacer la película.
Alicia Vikander: Tom siempre cuenta historias basadas en un delicado equilibrio entre inteligencia y emoción. Si alguien podía contar esto, no me cabe duda de que era él.
Lucinda Coxon: En cierto sentido, tuvimos suerte de que nadie hiciera la película antes que nosotros. Tom es un director increíblemente atrevido, y quería realizar una película que conectara con el público. Como guionista, siempre luchas para defender el guión, pero tuve compañeros con instintos tan fuertes como auténticos. Ha llegado el momento de que el público vea la película.
Paco Delgado: Todavía hay países que, culturalmente, no están preparados para aceptar el recorrido de esta pareja. La película es un homenaje a una persona asombrosa y también a los valientes que hoy en día optan por ese mismo camino.
Amber Heard: Imaginen lo que estaba en juego para Lili. Todavía hoy, en Estados Unidos, se puede despedir a alguien legalmente en unos veinticuatro estados por ser LGBTQ. Lili fue una heroína para el individualismo al escoger algo nuevo. Cada vez lo hacen más personas, pero me parece muy triste y aterrador que siga habiendo tantos riesgos.
Eddie Redmayne: Me parece asombroso que, casi cien años después de Lili, un derecho civil haya progresado tan poco.
Alicia Vikander: Me siento muy orgullosa de que contemos esta historia en un momento que pueda ser útil para el movimiento,
Eddie Redmayne: Queda muchísimo por hacer.
Eddie Redmayne se comprometió a encarnar a Lili mucho antes de que la película recibiera "la luz verde" por parte de Tim Bevan y Eric Fellner, los productores de Working Title Films.
Tom Hooper: Desde que leí el guión, pensé en Eddie para el papel. Se lo dije a Gail Mutrux: "Quiero hacer la película con él". Ya habíamos trabajado juntos en la miniserie "Elizabeth I". Pero no le pasé el guión hasta que rodamos Los miserables con Working Title en 2012.
Eddie Redmayne: Estaba en las barricadas de Los miserables y Tom me dijo: "Me gustaría que leyeras algo". Me dio el guión y lo leí, no tenía la menor idea de qué iba. No solo me conmovió profundamente, me quedé atónito. La pasión era extraordinaria, auténtica. Le dije a Tom que quería ser parte del proyecto.
Tom Hooper: Se comprometió a hacer la película conmigo si el proyecto se consolidaba.
Eddie Redmayne: ¿Si me sentí intimidado? Pues sí. Todo me intimida. Pero he empezado a entender que el miedo a no hacer justicia a un personaje o a una historia es electrizante, me obliga a ir hacia adelante y a esforzarme más.
Lili Elbe fue una mujer valiente. Era complicada, extravagante y vibrante. He intentando sumergirme en su mundo, he intentado vislumbrar por lo que pasó. Lo mejor de ser actor es que uno profundiza más en sí mismo con cada personaje.
Lucinda Coxon: Me sentí muy feliz y fue un enorme alivio saber que Eddie quería hacer el papel. Es un papel transformador, que debe ser concebido con inteligencia, delicadez y profesionalismo. Entendí de inmediato que todo iría bien, que Eddie sabría cuidar del personaje y que se convertiría en una asombrosa Lili. Eddie es sumamente riguroso y disciplinado. Se documentó muchísimo acerca de la historia y de la vida de los transexuales.
Eddie Redmayne: Para mí, lo más importante fue conocer a miembros de la comunidad trans, escuchar sus historias, su lucha, su realidad. Lili se sometió a una operación de confirmación de género hace casi cien años; hoy en día, las personas que consideran una operación semejante saben mucho más del tema que ella. Al hablar con los miembros más mayores de la comunidad, me enteré de lo que significaba la experiencia transexual hace 40 ó 50 años.
Muchas de las mujeres transexuales con las que hablé me dijeron que, antes de la transición, para poder sobrevivir en la sociedad, desarrollaron formas de vivir con su sexo de nacimiento, y esto incluía toda una infraestructura.
Cada transexual tiene una historia única e individual, no hay una experiencia transexual general. Pero todas las personas con las que hablé me dijeron que sabían desde una edad temprana que su sexo de nacimiento era diferente de su identidad.
Tom Hooper: Para Eddie y para mí, la excepcional y magnífica autobiografía de Jan Morris, El enigma, fue una inspiración.
Eddie Redmayne: Tom y yo despedazamos el guión juntos durante el proceso de preparación. Saqué mucha información del libro de David Ebershoff, y con eso empecé a mirar en mi interior para ver qué podía encontrar, pero las decisiones fueron mías.
Lucinda Coxon: Eddie Redmayne contó con la ayuda de Julia Wilson-Dickson (asesora de dicción) y de Alex Reynolds (coreógrafa), que ya había trabajado con él en La teoría del todo.
Eddie Redmayne: Alex posee un maravilloso sentido del movimiento y sabe perfectamente lo que soy capaz de hacer. Me enseñó a liberar ciertas partes de mi cuerpo. Aunque el movimiento es externo, también fue un proceso interno: me liberé dentro de mí para acceder a un lugar que me permitiera sentir la historia de Lili con el mayor realismo posible.
Siempre me gusta estudiar el lado físico de un personaje porque representa una enorme parte de lo que somos. Me interesa el uso de las manos. Quería mostrar destellos del verdadero sexo de Lili incluso cuando vivía como Einar. Podía ser la forma en que dormía, y estudié las posibilidades.
Tom Hooper: Necesitábamos hacer uso de las pequeñas cosas en el lenguaje corporal que indican un cierto encubrimiento del verdadero yo. Muchas de nuestras conversaciones giraban en torno al hecho de que Lili es una mujer, pero vive como Einar al principio. Queríamos seguir un proceso de búsqueda del verdadero yo en vez de construir una nueva identidad.
El trabajo que Eddie realizó con Alex le permitió acceder a las emociones del personaje.
Eddie Redmayne: Jan Sewell (maquillaje y peluquería) y yo nos conocimos en La teoría del todo. Jan es muy sensible, muy matizada en su trabajo. Empezamos a explorar las posibilidades físicas para Lili casi un año y medio antes del rodaje.
Jan Sewell: Era fascinante por la cantidad de pequeños cambios que podían incluirse durante la transición de Lili. Hay momentos un poco burdos, antes de que sea realmente Lili. Empezamos con unos toques de maquillaje para que fuera más femenina, como el rímel, por ejemplo. También lleva el cabello algo más largo, con ondas. Eddie y yo escogíamos detalles que quizá no se vean, pero que marcan la diferencia.
Eve Stewart (diseñadora de producción) empezó muy pronto a preparar la película. Paco Delgado y yo tuvimos acceso a todas las imágenes que había usado. Así debe ser un departamento artístico, colaborador.
Eve Stewart: Paco y yo lo pasamos realmente bien. Fue un placer llevarle a ver los decorados en Dinamarca para descubrir la luz de allí, y trabajar con colores y texturas.
Tom Hooper: Tuve mucha suerte de contar con Eve para LA CHICA DANESA. Es nuestro quinto trabajo juntos. Lo maravilloso de las relaciones profesionales duraderas, como la que mantengo con la brillante montadora Melanie Ann Oliver, este es nuestro sexto proyecto, es que la colaboración se asemeja a una conversación cada vez más profunda. Cuantas más veces trabajamos juntos, más atrevidos somos. Hemos comprendido que si no hacemos una declaración de intenciones, es como si no hubiéramos dicho nada.
Michael Standish: Trabajé por primera vez con Eve en 1998, en Topsy-Turvy. Eve dirige el departamento artístico, y una vez que ha decidido algo, debe de ser perfecto. Sabemos exactamente qué objeto se colocará en qué lugar.
La documentación es vital. No me refiero solo a documentarse con imágenes, a las referencias visuales para cada decorado, sino a hablar con la gente y llegar a captar la sensación de la época. Para las escenas del quirófano, Eve fue a la clínica de Dresde que se edificó en el solar donde estaba el Hospital de Mujeres. El archivero del Instituto de Medicina de la Universidad Tecnológica de Dresde le enseñó todas las fotos de la época, lo que nos permitió replicar el quirófano del Dr. Warnekros.
Eve Stewart: Para el Hospital de Mujeres, usamos un blanco muy fresco, casi celestial.
Michael Standish: Lo hablamos todo: ¿Qué sensación comunica? ¿A qué nivel? ¿Qué colores son los mejores? Escogimos una gama de colores y la aplicamos en toda la película para que hubiese una cohesión.
Jan Sewell: Los diseñadores de maquillaje dividimos el guión en un programa, y el mío es muy detallado, para cada personaje. Hacemos fotos del maquillaje de cada día, hasta el punto de acabar con una versión fotográfica de la película.
En el plató, mientras le maquillaba, Eddie repasaba las fotos para acordarse de cada momento. Además, su guión estaba lleno de anotaciones.
Eddie se apasiona, se prepara y es muy preciso, algo que me encanta. Quiere ver todas las posibilidades. Un día estaba sentada a su lado y decidió que aprendería a sentarse como yo para la película. Y lo consiguió.
Paco Delgado: Eddie se toma su trabajo muy en serio. Colabora muy de cerca con todos los departamentos. Se preocupa por el personaje, no por él. Nos ayuda a conseguir lo que buscamos.
Alicia Vikander: Ver a Eddie esforzarse para hacer justicia a Lili contagió a todos los que trabajamos con él.
Jan Sewell: Siempre está la sensación de que no se ha hecho todo, que podría hacerse algo más.
Eddie Redmayne: La interpretación es empeñarse en llegar a la perfección, aun siendo consciente de que jamás se conseguirá.
Tom Hooper: La preocupación de Eddie es una especie de combustible que le empuja a alcanzar niveles increíbles de concienciación y de trabajo. Es maravillosamente libre cuando actúa. Es una de las cosas que le hace destacar como actor, la habilidad de superar completamente la ansiedad en el momento en que la cámara rueda.
Eddie Redmayne: Si un actor tiene la oportunidad de interpretar a Lili Elbe y de contar su historia, debe darlo todo de sí mismo. Es un gran privilegio, pero también una gran responsabilidad.
Lucinda Coxon: Eddie debía interpretar tres periodos. El primero, Lili antes de su transición, y el tercero, la verdadera Lili, pero el segundo era el más complicado.
Alicia Vikander: Eddie supo indicar con extrema delicadeza que Lili no podía expresarse a sí misma antes de su transición. Estaba encadenada.
Eddie Redmayne: Si pienso en la parte física, estaba Lili viviendo como Einar, y luego estaba Lili descubriéndose, derribando los muros que la rodeaban.
Paco Delgado: Queríamos ver a una mujer de verdad al final, no a un ser artificial, y apenas debía estar maquillada. Para no caer en la caricatura, experimentamos con formas, colores y peinados. La misma Lili tuvo que experimentar con su imagen, encontrar lo que mejor le sentaba. ¿Qué realza más la figura de una mujer? Al principio puede que haya una hiperfeminización, y a medida que se va sintiendo segura, se inclina más hacia lo natural. La secuencia en el salón de baile es su primera prueba con un traje de gala, pero poco a poco se hace con él. Fue nuestro modo de enfocar todo el vestuario y los peinados.
Eddie Redmayne: La hiperfeminización fue algo que me describieron algunas mujeres transexuales. Al principio de la transición visten con la ropa de su verdadero sexo. Algunas lo describieron como una adolescencia en la que se expresan maquillándose demasiado o llevando pelucas llamativas. Deben probar hasta encontrar su identidad. Hablé mucho de eso con Jan.
Lucinda Coxon: Lili no tenía por qué acabar siendo una mujer guapa. Da la casualidad de que Eddie es una Lili preciosa, pero para eso tuvo que meterse en su cabeza y encontrar el ingenio, el humor y la vulnerabilidad. Lo más bonito fue verle articular las dificultades que supone emerger en otro yo, regresar a la adolescencia, en cierto modo.
Eddie Redmayne: Cuando Gerda le ofrece la oportunidad de vestirse con ropa de mujer, Lili ve la luz. Y cuando van al salón de baile, siente el nerviosismo que un amigo describe como la emoción de fundirse en el ambiente, pero también la emoción del juego, sobre todo cuando conoce a Henrik.
Ben Whishaw: No solo es liberador para Lili, también lo es para Henrik. La ternura que nace entre ellos se debe a que ninguno de los dos podía expresar abiertamente lo que eran ni lo que sentían. En esa época, los miembros de la comunidad LGBTQ debían encontrar maneras indirectas de comunicarse, incluso hablar en código.
Eddie Redmayne: Algunas mujeres transexuales me dijeron que no sienten la necesidad de fundirse, de pasar desapercibidas. Pero en nuestra historia, Lili sintió esa necesidad en algunas ocasiones. Va al baile porque está progresando.
Ben Whishaw: A medida que avanza la historia, queda claro que Lili y Henrik quieren cosas muy diferentes.
Ahora entendemos mejor estos temas, pero no quisimos que las percepciones actuales entraran en la historia, quisimos ser fieles a la época.
Eddie Redmayne: Al final de la película, Lili ya no lleva la peluca pelirroja del baile. Se ha dejado el pelo largo, y su maquillaje es mucho más discreto. Se nota que se siente mucho más cómoda consigo misma.
Soy cisgénero, no soy transexual. La primera vez que entré en el plató como Lili, noté cómo me miraban, incluso juzgaban. Estaba en un ambiente totalmente protegido, pero llegué a sentir un poco lo que debe ser para las personas transexuales, para aquellos que no se conforman con su sexo.
Empecé con esto desde la más profunda ignorancia. No sabía que el género y la sexualidad no estaban relacionados. Tampoco entendía la noción de fluidez entre ambos géneros y la sexualidad. Durante el proceso, aprendí algo nuevo cada día.
Las personas que he conocido, las experiencias que han compartido conmigo, me han cambiado, y les estoy muy agradecido por haberlo hecho.
Amber Heard: Eddie se quedó desnudo, pero a la vez empezó a añadir capas. Fue asombroso descubrir, desde los ensayos, la textura y pureza de todos los detalles y matices físicos del personaje. Ningún esfuerzo era demasiado para intentar entender los rincones emocionales de la feminidad.
Ben Whishaw: Eddie se hizo con Lili a base de honradez y esfuerzo. Estudió cómo moverse, cómo estar de pie. En mis escenas con Eddie, noté que su interpretación venía de muy adentro.
Alicia Vikander: Frente a Eddie, podía perderme intentando conocer a Lili, era real. Fue un placer trabajar con Eddie porque nunca sabía adónde nos llevaría la siguiente toma; le escuchaba y le seguía para que fuéramos un equipo.
Paco Delgado: Es una película acerca de alguien que se convierte en quien quiere ser. Alicia Vikander se ha metido en la piel de Gerda, nos enseña cómo ayudó a Lili. También pisa un terreno desconocido. Gerda volvió a encontrar el amor, pero perdió el amor de su vida.
Eve Stewart: Apoyó a su gran amor de principio a fin, y demostró su lealtad y cariño.
Tom Hooper: La película explora el amor incondicional, un amor de una generosidad y compasión poco comunes. Durante el rodaje, el estándar de compasión de Gerda fue el principio que nos guió, perfectamente representado en el guión de Lucinda.
Alicia Vikander: Gerda era consciente de que su relación podía cambiar, de que posiblemente no volvería a ver a quien amaba por encima de todo. Es maravillosa la forma en que Gerda anima a Lili para realizar la transición.
Amber Heard: Gerda demuestra lo que significa el verdadero amor. Alicia tiene mucho talento, me gusta trabajar con ella.
Eddie Redmayne: Alicia es enormemente talentosa. Ha encarnado a un extraordinario ser humano con toda su vivacidad y vitalidad.
Tom Hooper: Alicia tiene un gran corazón y lo entrega del todo en LA CHICA DANESA; espero haberlo captado.
Eddie Redmayne: Jamás olvidaré la prueba que hicimos juntos. Al final, me volví hacia Tom y vi que estaba llorando. Pensé: "Perfecto". Unos seis o siete meses antes de empezar a rodar, Alicia, Tom y yo empezamos a reunirnos regularmente para hablar de los personajes, y de los libros Man Into Woman y La chica danesa.
En general se piensa en Alicia en relación a su educación como bailarina, a su elegancia y desenvoltura, pero expresa emociones tan fuertes que dejan sin habla.
Tom Hooper: Su experiencia como bailarina la ayuda a ser fuerte y disciplinada.
Jan Sewell: Gerda era espléndida en el guión, pero Alicia se apoderó del personaje, lo hizo suyo. En la realidad, Gerda era bastante grande, y Alicia no lo es; sin embargo, supo mostrar la tremenda fuerza de Gerda.
Alicia Vikander: Gerda ama a Lili hasta el punto de sacrificarse. Aunque para ella no es un sacrificio, sencillamente es amor.
Tom Hooper: Gerda es la fuerza del amor que hace posible el cambio.
El rodaje empezó en febrero de 2015 en los estudios Elstree Film del Reino Unido, donde se recrearon los interiores en platós, el piso parisino de la pareja entre ellos. Los exteriores se rodaron en diferentes zonas de Inglaterra, así como en Copenhague y Bruselas.
Tom Hooper: En Copenhague trabajamos con un equipo de primera y una infraestructura que ofrecía todo lo que necesitábamos. Es una ciudad extraordinaria, muy bien conservada. Nos pusimos a trabajar nada más llegar y pudimos rodar al mismo ritmo y con la misma calidad que en Londres.
Eddie Redmayne: El equipo danés nos enseñó mucho. Estaba encantado de rodar allí porque tuve la oportunidad de conocer a alguien de la familia de Lili. Adoro Copenhague; es una ciudad bella y tranquila, con una luz única.
Jan Sewell: El director de fotografía Danny Cohen ha iluminando y filmando a Lili a la perfección.
Tom Hooper: Copenhague desprende una sensación de austeridad que me ayudó a entender dónde estaba Lili cuando vivía como Einar.
Pero la mejor sorpresa fueron los actores daneses, los figurantes. En Copenhague hay muchos actores esperando ser descubiertos. Todos actuaron de maravilla durante la secuencia del baile, rodada en el palacio Chalottenborg.
Jan Sewell: Los figurantes iban impecablemente vestidos, y eran muchos.
Tom Hooper: En la película hay figurantes transexuales y actores transexuales.
Me sorprendió descubrir lo intacto que se mantiene el centro de Copenhague y la cantidad de zonas donde pudimos rodar. Mi favorita probablemente sea el puerto, que recreamos en toda su gloria durante los años veinte, con los veleros, las pescaderas y sus gorros hechos de papel de periódico.
También me gustó mucho la Real Academia de Bellas Artes, construida a orillas del canal Nyhavn. Me alegró rodar en la escuela donde estudiaron y se conocieron Lili y Gerda.
Michael Standish: La pintora Susannah Brough se encargó de la enorme tarea que suponía realizar los cientos de cuadros que aparecen en la película. La creación de las pinturas fue especialmente compleja. Era un poco como seguir un río de mucha corriente y numerosos meandros porque hasta que empezamos, no teníamos mucha idea de cuál sería el resultado final. Sentimos una intensa conexión emocional con los artistas originales.
Eve Stewart: Los conocimientos artísticos de Eddie nos ayudaron mucho. Tanto Alicia como él se esforzaron en aprender a pintar.
Alicia Vikander: Nunca había aprendido a dibujar. Esta vez, unos pintores me guiaron con ejercicios al carboncillo. Estaba aterrada, pero empecé a disfrutar. Aparte de actuar, lo genial del cine es aprender a hacer cosas que nunca probarías.
Michael Standish: Susannah recreó los colores y contratamos a diversos pintores para realizar los cuadros. Tuvimos que adaptarnos cambiando el cuadro con el que empieza la película para que se ajustara a los deseos de Tom. Cuando estuvieron acabados, era emocionante verlos colgados todos juntos.
Paco Delgado: Tom siempre dice lo que quiere para los personajes, pero en vez de limitarse a "Quiero que vaya de rojo, con una blusa y una falda", aporta ideas muy concretas.
Amber Heard: Nada más conocernos, hablamos de una escena en concreto. Nunca mencionó qué debía llevar el personaje, solo me indicó lo que pensaba el personaje.
Ben Whishaw: Las escenas evolucionaban constantemente, incluso en el plató. No me sorprendió la atención al detalle que demuestra Tom, pero me maravilló.
Paco Delgado: Con Tom es un proceso intelectual; le interesa qué tipo de persona es el personaje, el porqué y el cómo. Eso nos obliga a crear más y mejor, a esforzarnos.
Eddie Redmayne: Tom es muy riguroso. Estudia todas las opciones, pero al mismo tiempo da mucha libertad. Se basa completamente en su instinto.
Jan Sewell: Tom es muy visual y quiere verlo todo antes de rodar. Sinceramente, debería ser así siempre. Si no puedo mostrarle al actor en carne y hueso, hago fotos y se las enseño.
Eddie Redmayne: Para ser un buen actor hay que estar relajado porque la cámara lo ve todo. Sin embargo, un rodaje no es precisamente relajante. Por lo tanto, para trabajar bien, debo sentir que si meto la pata, no pasa nada; que puedo probar con algo y equivocarme. Algunos directores no lo permiten, pero Tom me da esa libertad y más. Eso sí, tiene una mirada agudísima. Ve todo lo que haces; y puede estar en contra o animarte.
Amber Heard: Tom lo ve todo: "¿Tenías planeado hacerlo?"
Ben Whishaw: "¿Qué pasa con ese diálogo? No te sigo", y entonces me doy cuenta de que yo tampoco. No todos los realizadores son tan puntillosos porque tienen muchas cosas en las que pensar, pero Tom es capaz de concentrarse totalmente.
Alicia Vikander: Tom no solo es consciente de la logística que representa hacer una película, también se basa en su inteligencia emocional.
Eddie y yo nos perdíamos a veces intentando llegar a un punto. Tom es un director maravilloso, nos daba la nota exacta que necesitábamos para cambiar el curso de la escena. Nos ocurrió un sinfín de veces y bastaba con una palabra suya para que pudiéramos seguir. Siempre tiene todo el conjunto en mente y sabe cómo llevarnos en la buena dirección.
Amber Heard: Es un perfeccionista que nos ayuda a dar lo mejor. Prefiero trabajar con un perfeccionista. Conoce los aspectos técnicos de la dirección. Su talento es inmenso contando historias sin perder nunca de vista a los personajes. No se trabaja con alguien así todos los días, y cuando ocurre quieres estar a la altura.
En el libro, Ulla es una cantante de ópera, pero en el guión es una conocida bailarina. Soy actriz, no sé nada de ballet, así que hice ballet seis horas diarias durante unas cuantas semanas. Georgina Connolly es una bailarina increíble que me hizo pasar de ser una patosa total a alguien que más o menos podía colar. Me gustó la disciplina y también tener una conexión física con mi personaje. Además, se duerme muy bien después de bailar durante seis horas.
Lucinda describió a la perfección a Ulla, que representa la naciente era del jazz. Ulla encarna la energía, la diversión, la vida. Siempre se divierte y lo hace todo de corazón. Me enamoré de ella cuando leí el guión y espero que al público le pase lo mismo cuando la vea en la pantalla.
Es fácil entender por qué Lili y Gerda la quieren. No juzga a Lili. Su afecto es constante, las acepta tal como con.
Alicia Vikander: En la historia hay partes que me gustan más, y esta es una de ellas, formar parte de ese movimiento cultural, conocer a Ulla y quererla.
Eddie Redmayne: Amber aporta una tremenda energía a un personaje muy atrevido. Tuve charlas muy interesantes con ella.
Amber Heard: Ulla aparece con ropa algo diferente y joyas un poco llamativas; forma parte de la recién nacida cultura bohemia europea que rompe con las normas y se salta las reglas. Para las mujeres, no solo era cuestión de cambiar la moda - talle más bajo, dobladillo más alto -, sino lo que esperaban de la vida, la forma de verse a sí mismas y el trato de la sociedad.
Con la ayuda de Paco Delgado, intenté asegurarme de que Ulla demostrara haberse adelantado a su época. Era famosa y tenía acceso a muchas cosas, podía hacer lo que quería. Recuerdo que Paco me puso un echarpe para ver qué tal quedaba el color y se quedó como parte del vestuario.
Alicia Vikander: Gerda no se preocupa mucho por la ropa, aunque es muy femenina. Me gusta que se vista con lo más cómodo para el momento. No creo que se molestase por no llevar los zapatos más elegantes.
Paco incluyó en el vestuario de Gerda todo lo que le conté acerca de mis sentimientos hacia ella. El vestuario perfecto es una de las herramientas que más ayuda a un actor.
Jan Sewell: Los colores de Paco eran deslumbrantes. En los años veinte, la ropa de las mujeres era más libre, y así empieza el personaje de Gerda. Después, cuando Gerda se corta el pelo, Alicia lleva una peluca. Es la época en que se hace más famosa.
Tom Hooper: Además de cuadros, Gerda también ilustraba revistas de moda en París. Por las fotos que vimos, estaba muy por delante de su época, y creo que Paco ha conseguido reflejarlo en el vestuario.
Alicia Vikander: Al llegar a París, Gerda experimenta. Está en una ciudad que anima a la gente a expresarse, y su ropa empieza a reflejar sus cuadros.
Eddie Redmayne: Durante el periodo de entreguerras, la gente quiso divertirse, descubrir. Después de ver tanta muerte y darse cuenta de lo breve que es la vida, queda patente que solo se vive una vez. ¿Y cómo hacerlo? ¿Debajo de mucha ropa, escondido, o con más autenticidad? Los artistas encabezan a menudo los cambios a través de la experimentación y la libertad.
Paco Delgado: Al principio de la película son una pareja casada en una sociedad bastante reprimida como es la danesa y ese hecho se ve reflejado con modelos de tipo eduardiano. Al llegar a París, el color lo invade todo.
Michael Standish: La gama de colores se vuelve más viva en París, sobre todo después del éxito que consiguen los retratos de Lili realizados por Gerda. Puede compararse a una planta en pleno florecimiento.
Eve Stewart: En París aparecen colores pastel, más cálidos. También pensé que en París, el piso del matrimonio debía ser más femenino y me inspiré en el Art Nouveau parisino.
Eddie Redmayne: Si la arquitectura de estilo Art Nouveau es femenina, quizá se deba a una reacción a la Gran Guerra. París había cambiado mucho desde finales del siglo XIX. Los sexos ya no estaban tan definidos.
Paco Delgado: El descubrimiento personal de Lili la dirige hacia una sociedad más abierta. La sociedad de Copenhague, a pesar de tener un núcleo bohemio, no le permite expresarse. Esto también nos marcó el camino estéticamente hablando.
Michael Standish: En las escenas de Dinamarca, la gama de colores es minimalista, sobre todo en interiores. Lili, en su vida como Einar, trabaja en un espacio más oscuro.
Alicia Vikander: Son dos personas presas de emociones muy intensas detrás de puertas cerradas. La sensación es bastante claustrofóbica. Eddie y yo estábamos realmente en espacios pequeños en el estudio, escarbando en nuestra relación.
Paco Delgado: Tom quería que Lili fuera más reservada cuando vivía siendo un hombre, de ahí la imagen de Einar entrando en una habitación vestido con traje y un cuello alto y duro.
Eddie Redmayne: Era la moda de la época, cuellos almidonados y trajes muy ceremoniales. El vestuario me ayudó a comunicar la rigidez de Lili al principio.
Paco Delgado: El traje es casi el equivalente a una armadura. Protege del mundo, pero también encarcela a las emociones.
Lili explica que siempre supo que algo pasaba, sobre todo en su infancia, pero lo reprimió. Supongo que fue un mecanismo de defensa.
Lucinda Coxon: Basta con mirar los cuadros. Cuando pintaba como Einar, eran obras muy controladas, incluso distantes.
Tom Hooper: Temas poco variados, severos. Vivía un proceso en el que constantemente escondía algo, encerraba algo.
Alicia Vikander: Son muy precisos y difieren mucho de los que hace Gerda, aunque no tanto al principio, cuando Gerda se dedicaba a los retratos.
Eve Stewart: Para las escenas en Copenhague, me basé en los colores que Lili usaba en sus cuadros antes de la transición, y también en los cuadros de un pintor danés llamado Vilhelm Hammershøi.
Tom Hooper: La paleta de Hammershøi cubre una gama de azules y grises. Basta con meterse en su mundo para descubrir la riqueza de estos colores; son de una belleza ilimitada.
Eve Stewart: Son colores fríos y algo solitarios. El pintor deja mucho espacio alrededor del sujeto principal.
Tom Hooper: En Dinamarca se realizaron muchas obras pictóricas en esa época. Me ayudaron a encontrar el tono adecuado para la primera parte de la película.
Alicia Vikander: Se conocieron en la Escuela de Bellas Artes, las dos son pintoras, pero al principio Gerda tuvo que luchar para hacerse un hueco en el mundo artístico. De acuerdo con las convenciones de la época, era impensable que una mujer pintara tan bien como un hombre. Cuando Lili se convierte en su modelo, Gerda encuentra la inspiración, se expresa, tiene voz. Por fin puede ser la artista que siempre quiso ser. Los cuadros reflejan el estado de ánimo de los personajes durante su vida.
Eddie Redmayne: Si se observan los obras de Lili antes de su transición, son cuadros muy ordenados, muy clásicos, pero tuvieron mucho más éxito que lo que pintaba Gerda. Las obras de Gerda son más llamativas, más llenas, más vivas. Lili pinta meticulosamente, como si no se atreviera a lanzarse.
Alicia Vikander: Debe de ser una auténtica revelación descubrir que una puede quererse a sí misma, que puede ser lo que realmente quiere, y que una parte ha estado encarcelada tanto tiempo.
Lucinda Coxon: Eran auténticas compañeras, dos artistas que se apoyaban mutuamente. Gerda se adelantó a su tiempo en muchos aspectos y fue un auténtico modelo para las mujeres de la generación siguiente.
La relación de Lili con Gerda es muy libre, intensa, apasionada, no necesariamente sexual.
Si Lili llega a nacer veinte años antes, dudo que hubiera podido hacer la transición. Las investigaciones que se llevaban a cabo en Alemania en torno a la sexualidad y a los géneros en esa época lo hicieron posible. La medicina había avanzado mucho durante la I Guerra Mundial y se realizaban operaciones complicadas. Después de Lili, los médicos de Dresde dieron pasos de gigante.
El libro Man Into Woman se cree que es una autobiografía escrita por la propia Lili, aunque personalmente creo que lo redactaron varias personas y que más bien es una novela.
Eddie Redmayne: Hablamos con varios historiadores que fueron muy específicos acerca de Man Into Woman. El libro reúne los escritos de Lili, pero se han cambiado muchos nombres y fechas. Es difícil saber realmente cuándo habla Lili o cuándo habla el editor.
Lucinda Coxon: Pero siempre dejó claro que era una mujer, lo que iba mucho más allá de la libertad de expresión. Era incendiario.
Cuando Lili, todavía en la piel de Einar, es la modelo de Gerda, se siente cómoda con ropa de mujer. Es el principio del cambio, pero no quise convertirlo en un momento revelador. Preferí que fuera parte del espacio que han creado en su relación, y así es hasta que dejan de controlarlo. ¿Por qué intentan reprimirlo al principio? Porque en la década de 1920 no existe el término "transgénero" ni nada parecido, y Lili no encuentra ninguna imagen en la que basarse.
Alicia Vikander: Gerda vive todo esto con Lili como pareja sin un solo punto de referencia.
Eddie Redmayne: No sabían si alguien más había pasado por lo mismo.
Paco Delgado: La ropa se asigna según el género, es lo primero que se ve, está hecha para definirnos. Las medias son algo femenino. El lugar común dice que los hombres no deben tener contacto con algo tan delicado; ellos usan ropa de telas más bastas porque podría estropearse. Creo que algo hace "clic" en la cabeza de Lili cuando Gerda trae el vestido, las medias y los zapatos.
Alicia Vikander: En esta escena llega el primer atisbo de conciencia. Las dos ven a Lili por primera vez.
Lucinda Coxon: Antes de que Lili sea ella misma, deben superar el mito que ella - como Einar - y Gerda han creado. En los cuadros de Gerda se ve a Lili como una mujer idealizada, no es una persona real. Poco a poco se dieron cuenta de lo que representaban como legado para las futuras generaciones.
Me costó escribir la secuencia del baile. Lili iba por fin a un acontecimiento como Lili, aunque algunos quizá no lo vieran así. Al principio solo es una travesura por parte de la pareja, pero luego viene el miedo a la catástrofe y todo llega más lejos de lo que ninguna de las dos esperaba.
Ben Whishaw: Es el momento en que aparece Henrik, mi personaje. Me atrajo la idea de que no se sabe realmente lo que piensa. La atracción entre Henrik y Lili es muy ambigua.
Alicia Vikander: Al hablar con Lili a la mañana siguiente, Gerda comprende la gravedad e importancia de lo que están viviendo juntas.
Lucinda Coxon: Las historias ancladas en la realidad, como la de Lili, nunca son solo heroicas o trágicas. Queríamos contar toda la historia, y por eso enseñamos lo que ocurrió con Lili y Gerda. LA CHICA DANESA es una historia heroica en todo el sentido de la palabra, pero se trata de personas adelantadas a su tiempo, lo que se ve reflejado en el progreso médico de la época. La tragedia no se debe a que alguien se extralimitara.
Alicia Vikander: Gerda sabe que Lili quizá no sobreviva, pero también es consciente de que la persona a la que ama por encima de todo está cayendo en la peor y más oscura espiral emocional, de que está sumida en el dolor y la ansiedad, y de que debe hacerse algo.
Lucinda Coxon: Algunos creen que al Dr. Warnekros le guiaba una ambición sin límites o que imaginaba poder hacer más de lo que era capaz. Fue un pionero. No disponía de todos los componentes necesarios ni de todos los conocimientos. Siempre tuve presente que si Lili no hubiera podido convertirse en sí misma, se habría suicidado. En cierto modo, Warnekros la salvó.
Tom Hooper: No exagero cuando hablo de la valentía de Lili al someterse a estas operaciones en la época. Aún no había antibióticos, ni penicilina; los riesgos de infección eran enormes y los tratamientos, sumamente peligrosos. Lili demostró un gran valor enfrentándose a tantos riesgos.
Eddie Redmayne: Su valentía es inimaginable. Un amigo mío lo resumió diciendo que Lili era capaz de darlo todo con tal de vivir su verdadera vida.
Lucinda Coxon: Es un honor ofrecer esta historia a un público más amplio, sacándola del olvido.
El rodaje de LA CHICA DANESA finalizó en abril de 2015, y la posproducción se completó en septiembre de 2015, después de un recorrido de 15 años.
Alicia Vikander: Estoy convencida de que, después de ver la película, nadie saldrá del cine sin sentirse conmovido por el recorrido de Lili. Es la historia de amor de una pareja, pero sobre todo es la historia de cómo quererse a sí mismo.
Eddie Redmayne: Aunque sea una historia muy específica sobre una mujer en concreto durante su recorrido para ser ella misma, creo que delante de todos nosotros se levantan muros. ¿Nos enfrentamos a ellos? ¿Nos deshacemos de ellos? O, en el peor de los casos, ¿vivimos con ellos? No se debe subestimar el valor que hace falta para ser uno mismo.
Zootopia
2016
Duración 97 min.
País Estados Unidos
Director: Byron Howard
Zootopia es un lugar en el que puedes ser lo que quieras, desde un elefante enorme hasta la musaraña más diminuta. Pero cuando llega la novata Teniente Judy Hopps, descubre que ser la primera conejita de un cuerpo policial compuesto de animales duros y enormes es realmente complicado. Pero está decidida a demostrar su valía y se mete de cabeza en un caso, a pesar de que tiene que trabajar con Nick Wilde, un zorro parlanchín y estafador, para resolver el misterio.
"En Zootopia cualquiera puede ser lo que quiera".
En sus años de historia, Walt Disney Animation Studios ha creado un extenso y rico legado de películas de animales que hablan, del primer cortometraje de Mickey Mouse, "Steamboat Willie" a "Bambi", "Dumbo", "El Libro de la Selva", "Robin Hood" y "El Rey León". Ahora, WDAS regresa a la selva con el largometraje "Zootopia". "Todos crecimos viendo las magníficas películas de animales de Disney así que estamos familiarizados con esos mundos", dice el director Byron Howard. "De niño, mi película favorita era ‘Robin Hood’, y queríamos rendir homenaje a ese legado pero de forma nueva y diferente llegando aún más lejos. Empezamos haciéndonos la siguiente pregunta: '¿Qué aspecto tendría una metrópoli mamífera si la diseñaran los animales?' La idea nos pareció apasionante".
"En su esencia, 'Zootopia' es una película de colegas", dice el director Rich Moore. "Judy y Nick -un conejo y un zorro- son por definición enemigos naturales. Así que esos personajes no se llevan muy bien al principio. Tienen ideas preconcebidas sobre quien es el otro, prejuicios que se ajustan a la realidad".
Según Howard, el hecho de que los colegas no se lleven bien le da el tono cómico a la película. "Judy es una optimista empedernida que cree que cualquiera puede ser lo que quiera. Después de todo, ese es el eslogan de la ciudad", afirma el director. "Nick es totalmente opuesto. Es un cínico. Cree que somos lo que somos. Por eso pusimos a esta pueblerina llena de energía en medio de la gran ciudad junto a Nick, el realista, que se lo pasa en grande metiéndose con ella. Pero ella se guarda algunos ases en la manga".
Los realizadores concibieron y construyeron el extenso y detallado mundo de Zootopia, poblándolo con 64 especies diferentes de animales que conservan lo que hace que cada animal sea tan increíble en el mundo real. Pero en este mundo, los animales hablan y llevan pantalones. "El equipo pasó 18 meses documentándose sobre animales", dice el productor Clark Spencer. "Nos reunimos con especialistas en animales de todo el mundo, incluyendo el Reino Animal de Disney en Walt Disney World. Recorrimos 14.000 kilómetros hasta Kenia en África, para pasar dos semanas estudiando la personalidad y el comportamiento de los animales. Queríamos que cada especie de animal fuera real, auténtica y que estuviera basada en su comportamiento en el mundo real".
"Creo que todos experimentamos un cambio muy profundo después de nuestro viaje a África", añade Jared Bush, que es codirector y uno de los guionistas. "Estar rodeado de cientos, de miles de animales es una experiencia extraordinaria. En esta película queríamos transmitir esa densidad, lo que representa un trabajo ingente. Volvimos de ese viaje con la necesidad de hacerlo muy bien".
"Zootopia" de Walt Disney Animation Studios está dirigida por Howard ("Enredados", "Bolt") y Moore ("¡Ralph!", "Los Simpson"), y producida por Spencer ("¡Ralph!", "Lilo y Stitch"). Bush ("Penn Zero: Héroe aventurero") es codirector y coguionista. El guión es obra de Bush y Phil Johnston ("¡Ralph!"). John Lasseter es el productor ejecutivo. Michael Giacchino ("Parque Jurásico", "Inside Out)" de Disney•Pixar, ganadora del Oscar®) ha compuesto la banda sonora; la película también cuenta con una nueva canción original, "Try Everything", escrita por Sia, la cantante y compositora ganadora de un GRAMMY® y por el dúo de compositores Stargate y que interpreta Shakira, ganadora del GRAMMY. Clasificada para todos los públicos con supervisión parental, "Zootopia" se estrena en febrero de 2016.
Una gran idea: Los realizadores quitan hierro a un tema complejo con grandes dosis de autenticidad, diversión y aventura
La investigación es la base de todas las películas de Walt Disney Animation Studios, algo que para el productor ejecutivo John Lasseter es imprescindible si se quiere crear una gran historia. Así que cuando los realizadores de "Zootopia" decidieron crear un mundo totalmente animal, se volvieron locos cuando llegó la hora de documentarse e investigar. Además de su viaje a África, los miembros del equipo estuvieron en el Reino Animal de Disney en el Wild Animal Park de San Diego; entrevistaron a varios especialistas y visitaron el Museo de Historia Natural del Condado de Los Ángeles. "El trabajo de investigación sobre animales duró 18 meses", dice el director Byron Howard. "Estudiamos cómo interactúan en libertad, cómo socializan y cómo se estructuran sus comunidades individuales en el entorno natural.
"Averiguamos que la mayoría de los animales, -el 90%- son presas", continúa diciendo Howard. "Sólo el 10% son depredadores. Siempre habíamos pensado que los depredadores dominaban el mundo animal pero en realidad conforman una minoría. Hablamos con antropólogos y sociólogos y estudiamos la historia de la humanidad en la que siempre surgen conflictos cuando hay una mayoría y una minoría. Vimos que los animales de todo tipo tienden a quedarse con los que se parecen a ellos; buscan refugio y protección en sus grupos individuales y suelen evitar a los animales que son diferentes".
De esta forma la investigación llevó a los realizadores a una historia en la que hay estereotipos y prejuicios. "Nuestro propósito era hacer una película de animales divertida", dice Howard. "Pero a medida que investigábamos más, comprendimos que era una ocasión para hablar sobre algo importante sin menoscabo de que fuera una película muy divertida".
Según Josie Trinidad, la jefa de historia, al principio los realizadores se fijaron en el binomio presa-depredador y cómo afectaría a una comunidad como Zootopia. "Después nos adentramos en los estereotipos animales: los elefantes no olvidan nunca, los conejos son tímidos, los zorros son astutos... Todos tienen un estereotipo contra el que luchan. Y eso es algo que el público comprende perfectamente".
Los realizadores querían que la historia estuviera perfectamente equilibrada. "Trabajamos intensamente para encontrar ese punto medio perfecto", dice el director Rich Moore. "Desde el principio, el objetivo era contar una historia que fuera muy entretenida, que transmitiera emoción y que tuviera un mensaje".
Jim Reardon, jefe de historia, dice que los realizadores tuvieron mucho cuidado en presentar los temas serios adecuadamente. ¿Cuál fue su enfoque? "No des lecciones, no lo cuentes. Enséñalo", dice Reardon. "Utilizamos lo que sabe el público sobre ciertos animales y la relación que hay entre ellos -el conejo y el zorro, el león y la oveja-, y les dimos la vuelta. Fue la idea fundamental de la película: coger lo que el público 'conoce' sobre el mundo animal y utilizarlo como un foro para examinar los estereotipos".
"Hablamos con un fantástico experto en prejuicios, el Dr. Shakti Butler", añade el productor Clark Spencer, "que nos dijo que es difícil tener prejuicios contra alguien cuando se llega a conocerlo. Esa idea tan esencial encajaba maravillosamente bien con nuestra historia sobre un conejo y un zorro, enemigos naturales, que comprenden que sus prejuicios son totalmente infundados cuando se ven obligados a trabajar en equipo".
Un gran paso
Judy Hopps quiso ser policía desde que era una joven conejita. Pero está claro que no lo tiene fácil porque ningún conejo ha entrado jamás en el Departamento de Policía de Zootopia. De hecho nadie se ha atrevido a intentarlo. Los polis de Zootopia son animales enormes como rinocerontes, elefantes e hipopótamos. Pero eso no va a parar a Judy. "Tiene un gran sentido de la justicia", dice Moore. "Se pone del lado del más débil y no lo gustan los fanfarrones. Se toma muy en serio el eslogan de la gran ciudad: En Zootopia cualquiera puede ser lo que quiera".
Pero no lo va a tener fácil. Judy no tiene físico de policía o eso es lo que todo el mundo cree. Pero cuando comprende que tiene ciertas habilidades especiales que le permitirán triunfar, se centra al cien por cien en su formación y se gradúa primera de su clase. "Es muy dura y no acepta un 'no' por respuesta", dice el coguionista Phil Johnston. "Si se le mete algo en la cabeza, no ceja hasta conseguirlo".
"El Alcalde Lionheart reconoce sus excelentes resultados", dice Howard, "y le ofrece una plaza de cadete: Comisaría 1, Zootopia Central, que es la comisaría más importante y más complicada de la ciudad".
Pero el Jefe Bogo, el superior de Judy, es un búfalo africano muy bruto al que no le impresionan sus notas de la academia. Y no quiere un conejito en su comisaría. Así que en vez de darle casos interesantes, Bogo la envía a poner multas de aparcamiento. "No está nada contenta", dice Trinidad. "Pero decide plantar cara, trabajar dura y demostrar que un conejo puede ser un buen policía".
El primer día, Judy pone 200 multas antes del mediodía. Pero cuando empieza a sentirse satisfecha consigo misma, se topa con Nick Wilde, un zorro con malas pintas. Los padres de Judy siempre le habían dicho que los zorros son astutos y no hay que fiarse de ellos y está claro que Nick se ajusta al estereotipo. "Ha vivido siempre en la ciudad", dice Moore. "Nick cree que si todo el mundo asume que es un estafador, él va a ser el mejor estafador del mundo. Y para Nick, Judy no es más que un conejo de pueblo. No le importa decirle que su sueño de ser una policía de verdad nunca se hará realidad".
Pero a Judy le llega su gran oportunidad cuando el Jefe Bogo se ve obligado a darle un caso. "Han desaparecido algunos mamíferos", dice Jared Bush, codirector/coguionista. "Uno de ellos es el Sr. Otterton, y su mujer, la Sra. Otterton está desesperada por encontrarle. Pero como hay más mamíferos desaparecidos, el Jefe Bogo no le está prestando la atención que merece. Así que Judy se ofrece voluntaria para ayudar".
En contra de su voluntad, Bogo decide permitir que Hopps trabaje en el caso, pero le da un ultimátum: dispone de 48 horas para resolver el caso o tendrá que renunciar a ser policía. De hecho el Jefe Bogo espera que presente su dimisión. Judy acepta el reto y se mete de lleno en el caso. Está deseando hacerlo bien... hasta que descubre la primera pista. "En algún momento antes de su desaparición, el Sr. Otterton había contactado con Nick Wilde", dice Bush. "Esa es su única pista y se ve obligada a engañar al estafador Nick para que le ayude. Así comienza esta loca aventura de dos personalidades totalmente opuestas que intentan trabajar juntas".
Pasamos lista: ¿Quién es quién en Zootopia?
En un mundo en el que los humanos nunca existieron, "Zootopia" cuenta con un elenco muy diverso de personajes animales que se inspiran en sus homólogos en la vida real. "Nuestra investigación nos llevó a contar con ciertos animales concretos para algunos papeles", dice el productor Clark Spencer. Nos enteramos que los búfalos africanos son muy duros, implacables, así que era lógico que nuestro jefe de policía fuera un búfalo africano. Nos dijeron que los ñus no son muy inteligentes, así que podíamos utilizarlos para la comedia".
Según Cory Loftis, que es director artístico de personajes, los artistas empezaron el trabajo volviendo a ver las películas clásicas de Disney. "El director Byron Howard es un gran fan de películas en 2D como ‘Robin Hood’, que muchos consideran la mejor animación animal. Teníamos que encontrar la forma de coger lo que a Byron le gusta de esos personajes y ponerlo en un mundo en 3D con pelaje de verdad y rasgos animales. Fue muy complicado encontrar un equilibrio entre ese personaje estilizado que refleja las características del 2D con lo que el público espera de una película en 3D".
Dave Komorowski, jefe de personajes y animación técnica, dice que los realizadores se divirtieron mucho jugando con las expectativas del público. "Los personajes de Zootopia interpretan sus papeles. Se comportan como la gente espera que se comporten. El enorme búfalo africano es el jefe de policía, el león es el alcalde, el zorro es un estafador. Sólo se necesita un conejito de Bunnyburrow para poner en cuestión el statu quo y poner patas arriba todo lo que se espera de ellos.
"Creo que el público se sorprenderá con la consistencia del mundo", continúa diciendo Komorowski. "En Zootopia hay personajes de todas las partes del mundo y de todas las formas y tamaños. Nos hemos esforzado al máximo para que sea un mundo en el que puedes perderte fijándote en tantísimos detalles. Espero que el público disfrute de la riqueza y diversidad de estos personajes".
Elenco de personajes
Judy Hopps está convencida que en Zootopia cualquiera puede ser lo que quiera y se convierte en el primer conejo que forma parte del Departamento de Policía de Zootopia. Pero no tarda en comprender que tiene que demostrarlo lo que vale, incluso si eso se traduce en colaborar con un estafador para resolver su primer caso.
"Judy proviene de una antiguo linaje de cultivadores de zanahorias", dice el director Byron Howard. "En Bunnyburrow, los conejitos son pequeños y preciosos. Son muy productivos y se reproducen también muy bien. De hecho, ella tiene 275 hermanos y hermanas. Todo el mundo espera que ella siga el mismo camino. Pero Judy es muy moderna en todos los sentidos. No le asusta ir más allá. A Judy le han gustado siempre los policías. Les considera unos héroes que saben marcar la diferencia en el mundo".
"Se enfrenta a muchos obstáculos en su camino", añade el director Rich Moore, "pero está decidida y nada ni nadie se interpondrá en su camino. Comprende que ser un conejo le da ciertas ventajas".
Desde el principio, los realizadores querían que Judy Hopps tuviera todas las características de una conejita. El equipo visitó un refugio y se trajo a algunos conejitos vivos al estudio. Cory Loftis, director artístico de personajes afirma: "Judy debía tener todo lo que significa ser una conejita: suave, preciosa, adorable. Pero también debía tener otros puntos fuertes. Es atlética y está en plena forma. Teníamos que encontrar el equilibrio perfecto entre su tono físico y su dulzura".
La supervisora de animación Kira Lehtomaki, que supervisó la animación de Judy Hopps, dice que los conejos de verdad les dieron mucho con lo que trabajar. "Buscamos momentos en los que Judy se comporta como un auténtico conejo: sus orejas tienen que moverse y dirigirse hacia un sonido antes de que lo haga ella, o su nariz se contrae de repente cuando está en alerta máxima".
De acuerdo con el supervisor de efectos David Suroviec, ese movimiento exigió un mando especial. "Un mando normal para seres humanos controla la parte inferior de la nariz, las fosas nasales", dice. "En realidad la nariz de Judy se controla desde arriba porque así es como observamos cómo se movía la nariz de un conejo de verdad en ese tipo de situaciones".
Los realizadores también incorporaron la habilidad natural para dar patadas y saltar que tiene un conejo en las escenas de acción de Judy. Lehtomaki dice que ese movimiento tan peculiar que tienen los conejos que tuercen la parte superior e inferior de sus cuerpos en direcciones opuestas al saltar, sirvió de inspiración para reforzar la capacidad atlética de Judy. "Es dura", dice Lehtomaki, "pero no queríamos que pareciera masculina. La hicimos fuerte y femenina".
El vestuario del personaje se inspira en el estilo militar. Los realizadores se fijaron en los equipos de supervivencia de los Navy SEALs. También estudiaron los caballos de carreras y los perros policía para que las piernas de Judy estuvieran protegidas durante sus escenas más físicas.
Sus ojos color violeta no se inspiraron en la famosa tonalidad de los de Elizabeth Taylor, sino en el pelaje de Judy. "Queríamos un conejo gris", dice Loftis. "Pero el gris es un color apagado y Judy tiene mucha energía y queríamos reflejar su personalidad. Así que pusimos algunas tonalidades violeta en su pelaje, lo que nos llevó al final al color de sus ojos".
Ginnifer Goodwin se encargó de dar vida a la personalidad apasionada de Judy. "Me dijeron que Judy es una conejita que siempre ve el vaso medio lleno", dice Goodwin. "Es como una bujía".
La personalidad optimista del personaje fue lo que llevó a los realizadores a elegir a Goodwin. "Ginnifer es optimista por naturaleza y tiene mucha energía", dice Howard. "Personifica esa pureza y determinación que queríamos en Judy. Le dijimos a Ginnifer que fuera ella misma".
"Tanto Judy como yo somos unas optimistas incurables", añade Goodwin. "Somos decididas y ambiciosas. Diría que yo también soy una conejita que siempre ve el vaso medio lleno".
Moore añade: "Ginnifer tiene muchas cualidades para la comedia. Sabe ver el lado cómico de ese personaje tan dulce e íntegro. Comprende lo que tiene de gracioso el personaje".
Nick Wilde es un zorro estafador de poca monta. Es un bocazas embaucador que siempre está sentando cátedra. "Es un auténtico cínico", dice Howard. "Es lo opuesto a Judy. Ella se crió en el campo y él en la ciudad. Es un pragmático por naturaleza. No le interesa el eslogan de la ciudad, no cree que cualquiera pueda ser lo que quiera".
Moore añade: "Nick cree que somos lo que somos y que eso no se puede cambiar. Está convencido que nadie confiará jamás en él porque es un zorro".
Los animadores se aseguraron que el personaje conservara sus cualidades animales y prestaron mucha atención a sus codos y a sus hombros para que no pareciera demasiado humano. Pero en el caso de Nick, los realizadores averiguaron que los zorros de verdad no tienen nada que ver con la personalidad del personaje. Tony Smeed, codirector de animación, afirma: "Utilizamos el rizo de su cola para resaltar la silueta de zorro en el caso de Nick. Pero a diferencia de un zorro de verdad que es tímido y asustadizo, Nick es muy descarado y relajado".
La carrera de Nick como estafador se refleja en su aspecto general. Loftis afirma: "Mientras que el pelaje de Hopps está muy cuidado, queríamos que él de Nick fuera un poco andrajoso, como si no lo cepillara muy a menudo. Después le vestimos con una camisa hawaiana, pantalones anchos y una corbata que seguro que anudó una sola vez para después ponérsela y quitársela corriendo el nudo".
Smeed, que dirigió la animación de Nick, dice que los artistas también utilizaron los rasgos faciales del personaje para mostrar su personalidad, añadiendo mandos para crear expresiones y formas atractivas. "Los ojos son la ventana del alma", dice Smeed. "Se puede hacer mucho jugando con la forma de sus ojos y el ángulo de la boca. Nick siempre tiene esos ojos caídos y una sonrisa burlona que son su manera de controlar la situación sin que parezca que hace grandes esfuerzos. Piensa con mucha rapidez.
"Sus orejas transmiten lo que está sintiendo", continúa diciendo Smeed. "Si está alerta o huyendo, sus orejas están tiesas. Si está relajado, sus orejas están más caídas. Y si está asustado o tiene problemas, están hacia abajo".
Se recurrió a Jason Bateman para que pusiera voz a este astuto zorro. "Nick no es un buen tipo", dice Bush. "Pero Jason Bateman consigue que sea simpático, atractivo y casi irresistible. Nick es cínico y divertido al estilo de Jason Bateman".
"Nick es sarcástico con un humor muy mordaz", dice Bateman. "He hecho ese tipo de personajes así que imagino que por eso me llamaron".
Según el productor Clark Spencer, la habilidad de Bateman para ser sarcástico a la vez que simpático fue lo que les hizo elegir al actor. "Es una persona encantadora que sabe sacar mucho partido a su voz", dice Spencer. "Puede ser muy duro, como cuando pone a Judy en su sitio, pero lo hace de forma que el público no le coge manía. Es extraordinario".
Bateman dice que actuar en una película animada fue una experiencia fascinante. "Es un proceso totalmente diferente", dice. "Intenté darles todas las opciones imaginables, diferentes maneras de decir cada línea. Después los realizadores hicieron el cóctel.
"La verdad es que es un honor formar parte de una película de Disney", sigue diciendo Bateman. "Son las únicas películas que veo en este momento porque tengo dos niñas de 8 y 3 años. Así que me he convertido en un auténtico fan. Me encanta ver cómo evoluciona la animación".
Gazelle es la mayor estrella del pop de Zootopia. Venerada en todo el mundo por rebaños de fans, Gazelle es una celebridad con conciencia social con tanto talento como corazón. "Gazelle encarna a la perfección el espíritu de la ciudad, donde cualquiera puede ser lo que quiera", dice el director Rich Moore. "Su mensaje es de esperanza, inclusión, compañerismo y camaradería".
La superestrella internacional Shakira pone su voz, premiada con los Grammy, al servicio de Gazelle. "Shakira es una persona auténtica y cariñosa", dice Spencer. "Después de conocerla, le dimos otra vuelta al personaje. Gracias a ella llegamos a comprender mucho mejor quién es Gazelle".
"Estoy muy agradecida por haber formado parte de este maravilloso proyecto", dice Shakira. "Esta película es preciosa, divertida e inteligente. ¡El espectador se queda con un mensaje maravilloso y un corazón alegre! Es una de las mejores películas de animación que he visto y apuesto a que el público estará de acuerdo".
Los artistas tenían que infundir la personalidad de una estrella del pop en un animal con pezuñas que se mueve muy deprisa. Renato Dos Anjos, jefe de animación, afirma: "Las gacelas son animales muy pequeños que a menudo se ponen a dos patas para comer y poder llegar a las ramas más bajas. Son preciosas y delicadas con patas que parecen muy frágiles. Pero son increíblemente ágiles y fuertes. Mezclamos lo que observamos con un guiño a los gestos de Shakira, la forma en que mira de reojo, por ejemplo, para captar la increíble personalidad del personaje".
Las apariciones del personaje son prueba de su estatus de celebridad con esa forma tan expresiva de pestañear y de inclinar la cabeza. Además su peinado es de lo más estiloso. "Le colocamos a Gazelle unos mechones rizados a modo de flequillo", dice Michelle Robinson, supervisora de desarrollo del aspecto del personaje. "Hubo un montón de discusiones sobre eso. Sólo hay un par de personajes en toda la película que tienen algo parecido a un peinado humano y Gazelle es uno de ellos".
El Jefe Bogo dirige el Departamento de Policía de Zootopia. Un búfalo africano con 900 kilos de personalidad. Y no le hace mucha gracia incorporar a Judy Hopps, la primera conejita policía de Zootopia, a su escuadrón de endurecidos rinocerontes, elefantes e hipopótamos. "Para él, Judy es una conejita decorativa con la que está obligado a trabajar, así que la envía a poner multas de estacionamiento", dice el director Byron Howard.
"Judy engaña a Bogo para que le deje llevar un caso", dice Josie Trinidad, codirectora de historia. "Él ya tenía dudas pero ahora está enfadadísimo".
"Bogo da a Judy 48 horas para resolver un caso", dice Moore. "Si fracasa, dará por terminada su carrera de policía".
"Cuando estuvimos en África, nos dijeron que los elefantes no olvidan nunca, pero los búfalos africanos no perdonan nunca", dice Howard. "Son muy agresivos y además son enormes. Atacan el camión en el que vas así que tienes que conducir de lado para que los faros no les parezcan una amenaza".
Dos Anjos afirma: "Cada vez que pasábamos cerca de una manada de búfalos dejaban de hacer lo que estaban haciendo y nos miraban a los ojos y nos seguían hasta que nos habíamos ido. Es la sensación más espeluznante del mundo. Le pusimos a Bogo esa misma mirada en una escena en la película cuando bloquea el paso a Nick".
El viaje a África también tuvo su efecto en el aspecto de Bogo. "Los búfalos siempre están cubiertos de suciedad", dice Cory Loftis, director artístico de personajes. "La suciedad hace que los cuernos no se distingan de la piel de la cabeza. De hecho no ves dónde empieza uno y acaba otro. Así que el peinado de Bogo tiene una especie de escamas o bultos".
El jefe de policía es un tipo increíblemente grande. "Tiene un pecho gigantesco", dice Loftis. "En realidad su cuello es casi más grueso que su cintura y tiene unos brazos enormes. Como resultado, cualquier cosa que hiciéramos en términos de ropa, como un cuello abotonado, parecía muy raro. Así que buscamos culturistas que también son policías. Tienen que llevar esas enormes camisas y nunca consiguen abrocharse el primer botón".
Idris Elba es la voz del Jefe Bogo. "Era una oportunidad para hacer una comedia", dice Elba. "El guión es muy divertido, la historia es innovadora y el Jefe Bogo es un tipo duro que dirige su departamento de policía con mano de hierro".
"Idris es genial", dice Howard. "Su voz es tremendamente autoritaria y fuerte".
"Queríamos utilizar su acento londinense", añade Spencer, "y descubrimos que aunque es conocido por interpretar tipos duros, Idris es un tipo muy divertido. Tiene una forma de decir las palabras tan increíble que nos decantamos por él inmediatamente".
"Hacía una toma para ellos y otra toma para ellos", dice Elba. "Después hacía una toma para mí y les ponía la cabeza como un bombo. Pero dio mucho juego. Me encantó el proceso".
El Alcalde Leodore Lionheart es el noble líder de Zootopia. Él acuñó el eslogan de la ciudad que Judy Hopps defiende a muerte: "En Zootopia, cualquiera puede ser lo que quiera".
"Es un león grande, fanfarrón y pomposo", dice Moore. "Es un político. Puede que tenga buen corazón, pero su ego es desmesurado".
"Queríamos que Lionheart pareciera un león tremendamente heroico y envidiado", dice Loftis. "A pesar de que es bastante idiota, es el alcalde, el que manda. Su diseño se basa en la idea de que todo el mundo quiere ser él. Es como Mufasa, con el pelo agitándose en el aire".
Robinson añade: Tiene una melena impresionante. No sólo tuvimos que trabajar con su cuerpo, también con su peinado que está siempre moviéndose. Es un verdadero espectáculo. Fue una fantástica colaboración entre nuestro departamento y el equipo de simulación. Utilizamos las herramientas que desarrollamos para ‘Frozen. El reino de hielo’."
"El movimiento es realista, pero el diseño está estilizado", dice la supervisora de simulación Claudia Chung Sanii. "Así que fue un auténtico reto".
J.K. Simmons presta su voz al Alcalde Lionheart. "J.K. ganó el Oscar® por ‘Whiplash’", dice Howard. "Necesitábamos a alguien que tuviera una voz muy fuerte y con mucho carisma y J.K. era el candidato perfecto".
"Suelo cerrar los ojos y verme a mí mismo en ese ambiente", dice Simmons. "En el caso de Lionheart, después de unas cuantas tomas, me imaginé que tenía su pecho hinchado".
Benjamin Clawhauser es el guepardo más encantador del Departamento de Policía de Zootopia. Le gustan dos cosas: la estrella del pop Gazelle y los donuts. Desde su mostrador de recepción, atiende a todo el mundo con una sonrisa bonachona. No duda en echar una peluda "zarpa" a quien se lo pida.
"Es un tipo suave, amable y tontorrón que enseguida hace migas con Hopps", dice el coguionista Phil Johnston. "Es el primer amigo que hace ella".
El director Rich Moore añade: "Clawhauser es muy optimista. Su cara es lo primero que ves cuando entras en el ZDP. Está rodeado de policías enormes y duros, pero le encantan los dulces así que no es el guepardo esbelto y rápido que esperamos. Donuts, caramelos, carbohidratos... siempre está masticando algo. Así que al final hicimos con esa gran dicotomía de un guepardo rechoncho".
Clawhauser fue un reto en el plano visual. "Cuando se mueve todo en él se mueve", dice Dave Komorowski, director de personajes y de animación técnica. "Para conseguirlo, tuvimos que crear nueva tecnología para los músculos y la piel".
"Fue el que más cambios sufrió", añade el supervisor de montaje David Suroviec. Los personajes más grandes son los más difíciles de montar. No es fácil lidiar con formas que se superponen entre sí. Cuando la cabeza de tu personaje tiene la anchura de sus hombros y sus mejillas son tan grandes que chocan con los hombros si inclina la cabeza, resulta difícil hacer las cosas bien".
Suroviec y su equipo trabajaron con los grupos de tecnología y animación técnica para perfeccionar el montaje de Clawhauser. Pero las dificultades no acabaron ahí. Robinson afirma: "Su forma es tan extrema que no siempre tiene buen aspecto desde todos los ángulos. Fue complicado combinar su pelaje claro con los tonos naranjas y colocar todas esas manchas negras en su silueta grande, redonda y elástica".
Puede que Clawhauser no tenga la esbelta silueta de un verdadero guepardo. Pero lo que sí tiene son las famosas marcas de los lacrimales de ese animal que van desde la esquina interior de los ojos hasta los bordes exteriores de la boca.
Nate Torrence es la voz de Clawhauser. "Hace mucho tiempo que soy fan de Nate Torrance", dice Howard. "Aporta una gran calidez y su talento de cómico. Todo lo que dice y hace es gracioso. Es el Clawhauser perfecto".
"Al igual que Clawhauser, yo sonrío mucho", dice Torrence. "Además me encanta dar abrazos. Parece un tipo al que le gusta abrazar a todo el que se cruza con él".
La Ayudante del Acalde Bellwether es una adorable oveja con mucha lana y poca voz, que siempre está bajo la bota del carismático Alcalde Lionheart.
"Es pequeña, vulnerable, rara y un poco pasiva agresiva", dice Howard. "Es el contraste perfecto del exuberante alcalde. Pero suele salir siempre para el alcalde en auge. Pero le suelen tocar las migajas y salir perdiendo".
"Queríamos que fuera lo más dócil, tímida y débil posible", dice Loftis. "Hay otras ovejas en la película, pero son mucho más grandes, más corpulentas. Pero Bellwether se parece más a un cordero. Nos inspiramos en los corderos de las viejas películas de Disney 'Make Mine Music' y 'Melody Time’.
"Y como es una oveja, toda su ropa está hecha de lana", continúa diciendo Loftis. "Tiene un vestido de pata de gallo, una chaqueta y una campanita porque su nombre es Bellwether. También lleva un vestido naranja con un estampado de tijeras que representa la herramienta para esquilar. Va muy bien vestida con más de seis conjuntos diferentes".
Jenny Slate es la voz de Bellwether. "Jenny es una de mis cómicas favoritas", dice Moore. "Casi todo el mundo la conoce por su temporada en SNL, y también trabaja como monologuista. Conoce el proceso de averiguar cuál es el lado divertido de un personaje".
"Bellwether camina con un paso muy ligero", dice Slate. "Le echa muchas ganas. Puede que se pierda un poco en los detalles, pero está claro que hace que la oficina del alcalde funcione".
Según Komorowski, ese paso ligero de Bellwether incitó a los realizadores para divertirse con el personaje. "Cada vez que hace un movimiento, el mechón de su cabeza se agita", dice. "En un momento dado, Nick le toca la cabeza para comprobar lo suave que es su pelaje. Es muy divertido. Tocar el pelaje era algo que evitábamos antes porque resultaba muy complicado en CG, pero en esta película creamos nuevas tecnologías para que nos resultara más fácil".
Michelle Robinson, supervisora de personaje y desarrollo de aspecto, añade que el resto de las ovejas de la película planteó más problemas. "Nos llevó mucho tiempo crearlas", afirma. "Queríamos que la lana pareciera real, pero al mismo tiempo necesitábamos siluetas esculpidas. Lo que hicimos fue añadir pequeñas partículas de heno y hojas en la lana para que parecieran auténticas".
Chung Sanii dice que el equipo de simulación añadió un trozo de piel a las ovejas más grandes para limitar la cantidad de lana que necesitaban generar. "Colocar pelo largo por todas partes hubiera sido una pesadilla", dice. "Esto también nos permitió aplicar una estructura muscular a las ovejas para simular el movimiento de la lana. Después las vestimos por encima de todo eso".
Yax el Yak es el bovino más ilustrado y relajado de Zootopia. Cuando Judy Hopps trabaja en un caso, a Yax se le ocurren siempre las mejores ideas. "Es una especie de yak hippie que trabaja en un lugar llamado Mystic Springs Oasis", dice Moore. "Es un club naturista de Zootopia al que acuden los animales para relajarse. Para sorpresa de Judy, no llevan ropa y eso la incomoda. Yax cree que los animales no estaban destinados a llevar ropa ni a usar jabón y desodorantes".
Con una película llena de animales vestidos, los realizadores tuvieron que replantearse a Yax y al resto de los naturistas. Tenían que parecer auténticos y resultaba difícil porque se trataba que Judy se sintiera incómoda con su aspecto. "Con el resto del reparto vimos que podíamos evitar el pelaje a la altura de la cintura porque llevaban ropa", dice Robinson. "En el caso de Yax, añadimos pelaje, un montón de pelaje".
Y valió la pena porque resaltaron la vis cómica del personaje. "Escondimos sus ojos detrás de su pelo largo, pero aun así su mirada sigue siendo desafiante", dice Loftis. "Lo cierto es que funcionó y resultó divertido. También le colocamos una nuez grande. Está rodeado de moscas lo que prueba su estilo 'natural'".
"Puede parecer un poco distraído e inconsciente", dice el coguionista Phil Johnston. "Pero es una caja de sorpresas".
Tommy Chong presta su icónica voz a Yax. "Es uno de mis grandes héroes cómicos", dice Moore. "Me encantan Cheech y Chong. Esos álbumes y rutinas de comedia eran tan divertidos. Es un hombre encantador y muy divertido. Los animadores devoraban sus escenas".
La Sra. Otterton es una nutria desesperada que acude a la Teniente Judy Hopps en busca de ayuda para resolver la misteriosa desaparición de su marido. "La Sra. Otterton está muy preocupada", dice el codirector y coguionista Jared Bush. "Hacer algo así no es propio del Sr. Otterton".
Howard añade: "Es padre de dos hijos. Es un buen hombre que nunca ha hecho nada malo en su vida y ahora ha desaparecido de la faz de la Tierra".
"La Sra. Otterton se angustia aún más cuando el Jefe Bogo le dice que han desaparecido 14 mamíferos y que están demasiado ocupados para ocuparse de su caso", dice Bush. "Así que cuando Judy se presenta voluntaria, la Sra. Otterton está encantada".
Octavia Spencer es la voz de la Sra. Otterton. "Lo ha clavado", dice Bush.
La voz fue un éxito instantáneo, pero el diseño fue más difícil de conseguir. "Fue muy complicado dibujar a los Otterton", dice Loftis. "Tenían que parecerse a tus vecinos, los más simpáticos del barrio, y no resultó nada fácil.
"Intentamos mantener cierta cualidad animal en todos ellos", sigue diciendo Loftis. "Les vestimos con esos jerséis gruesos de pescadores; de hecho el punto tenía un motivo de pez".
Bonnie Hopps es la madre de Judy y de sus 275 hermanos y hermanas. La Sra. Hopps quiere a su hija y la apoya, pero es una liebre a la que le preocupa que Judy se traslade a Zootopia para convertirse en una policía de la gran ciudad.
Stu Hopps, el padre de Judy, cultiva zanahorias en Bunnyburrow. Al igual que a la Sra. Hopps, a él le preocupa que Judy se traslade a Zootopia y que tenga que convivir con los amenazadores mamíferos de la gran ciudad, sobre todo los zorros.
Bonnie Hunt presta su voz a la Sra. Hopps; Don Lake es la voz del Sr. Hopps. "Nos encantó poder contar con Bonnie y con Don", dice Moore. "Escriben juntos y se conocen hace muchos años. Son como un matrimonio y por esa razón los grabamos siempre juntos. Son una gente encantadora, con mucho talento y divertidísimos".
El Sr. Big es conocido como el capo del crimen más temible de Tundratown. Inspira respeto, y cuando siente que no le respetan suceden cosas malas, por lo general a manos de sus sicarios que son enormes osos polares. "Elegimos una musaraña ártica porque es uno de los mamíferos más pequeños, y los osos polares están entre los más grades, así que nos encantó el contraste", dice Bush. "¿Y quién mejor para interpretar a un gran capo del crimen que una musaraña?"
"Rich y Byron vinieron a verme una mañana y me dijeron que tenían una idea para un personaje", dice Loftis. "Dijeron que tenía que ser diminuto, pero con un aire a 'El Padrino’. Esa misma mañana hice un dibujo y lo clavé. Hecho. Tiene hasta la misma silla, salvo que en vez de cabezas de león puse cabecitas de ratones".
Big es un mamífero astuto que habla bajito, con elocuencia y autoridad. Pero no habla nada bien del zorro estafador llamado Nick Wilde que le engañó una vez. Puede que Big tenga buen corazón debajo de ese exterior gélido, pero no dudaría en "congelar" a Nick si se le presentara una oportunidad.
Duke Weaselton es una comadreja ladrona de poca monta con una boca descomunal, que trata de dar el esquinazo a Judy durante una persecución policial.
Se eligió a Alan Tudyk para poner voz a la pícara comadreja. "Me encanta Alan Tudyk", dice el productor Clark Spencer. "Trabajamos con él en '¡Ralph!’ y descubrimos que podía hacer que cualquier cosa sonara divertida. Así que el Estudio le contrató también para ‘Frozen. El reino de hielo’ y ‘Big Hero 6’. Le dimos a Duke Weaselton un aire a lo James Cagney y Alan lo bordó".
Finnick es un zorro del desierto con ganas de pelea. "Es el compañero de andanzas de Nick Wilde", dice Johnston. "Es pequeñito y parece muy inocente, pero en cuanto abre la boca suena muy diferente".
Tiny Lister es la voz de Finnick.
Flash es el perezoso más rápido que trabaja en el DMV, el Departamento de Vehículos Mamíferos.
Raymond Persi de Walt Disney Animation Studios es la voz de Flash. "Él creó la voz de Flash", dice Moore. "Es un perezoso que habla despacio, pero no estira las palabras. Lo que hace es hacer pausas entre las palabras y además tiene esa tonalidad nasal en la voz. Cuando lo montamos y John Lasseter lo oyó, todos dijimos: 'Es nuestro hombre’."
La Dra. Madge Honey Badger se encarga de los casos médicos más urgentes de la Alcaldía. Katie Lowes es la voz de la doctora.
El Sr. Manchas es un jaguar y un chófer de gran prestigio que trabaja para la empresa de limusinas más grande y más turbia de la ciudad. Jesse Corti es la voz del Sr. Manchas.
Jerry Jumbeaux Jr. es el picajoso propietario del Jumbeaux's Café, una heladería para elefantes. John DiMaggio es la voz de Jerry Jumbeaux.
Construyendo una ciudad: Los realizadores convocan a los animales de la película para construir una ciudad para todos los tamaños
Para Judy Hopps, Zootopia es un lugar donde los sueños se hacen realidad. "Para Judy, Zootopia siempre ha sido una ciudad deslumbrante donde puede ser lo que quiera, donde puede marcar la diferencia", dice el director Rich Moore. "Pero está muy lejos de Bunnyburrow".
A medida que las ideas para "Zootopia" iban tomando forma, los realizadores se dieron cuenta que el sofisticado mundo que habían imaginado tenía patas y de todas las formas y tamaños. "Tenemos musarañas diminutas que viven entre rinocerontes y elefantes", dice el productor Clark Spencer. "Queríamos ser fieles a la verdadera escala de los animales, algo que se ha hecho muy pocas veces en películas de animación de animales. Así que nuestro mundo tenía que acoger animales de todos los tamaños de forma muy creativa".
El equipo de artistas, técnicos y narradores se reunió para construir una ciudad multifacética con sistemas de transporte diminutos dentro de los otros más grande, y una red de tubos interconectados, rampas, ascensores y vestíbulos grandes y pequeños. La ciudad es el hogar de animales de tamaños muy variados, pero también con necesidades muy variadas. "Zootopia está compuesta de varios distritos que conforman hábitats diferentes", dice el director Byron Howard. "Cada distrito está diseñado para un tipo concreto de animal. De esa forma, el aspecto, el clima, todo, refleja el hábitat que los animales necesitan para sobrevivir. Y al reunir todos esos entornos, todos esos tipos diferentes de animales en una ciudad que es un gran crisol, creamos oportunidades y relaciones entre animales que hubieran sido imposibles de otra manera".
Según el diseñador de producción David Goetz, los realizadores tuvieron que pensar como lo harían los animales para diseñar la ciudad. "Lo complicado de Zootopia es que es un mundo construido por los animales que viven allí, no por seres humanos. Utilizamos formas orgánicas cuyo resultado era muy diferente a lo que hubiéramos esperado. Utilizando la misma tecnología y know-how que tenemos los seres humanos, ¿cómo diseñaría un camello Sahara Square? ¿Qué pondría un oso polar en Tundratown? También añadimos elementos para que la gente los relacionara con la ciudad y que resultaran realistas".
Los artistas se inspiraron en ciudades como Nueva York y Londres. Mezclaron paisajes urbanistas tradicionales con influencias de todo el mundo y elementos animales. Por ejemplo, Tundratown tiene cúpulas en forma de cebolla, un guiño a la arquitectura rusa, y la estación de tren Zootopia cuenta con un jardín tropical interior inspirado en la estación de Atocha de Madrid, pero con torres en forma de cuerno. Con un clima parecido al del Sur de California, Zootopia tiene zonas climáticas artificiales para dar cabida a la variedad de sus habitantes. Se investigó exhaustivamente para encontrar una lógica a la hora de situar climas opuestos en barrios colindantes. Goetz declara: "Nos preguntamos cómo íbamos a poner una tundra y un desierto al lado. Lo cierto es que la respuesta es bastante sencilla. Se construye un enorme muro de aire acondicionado que separa los dos ambientes. Al igual que sucede en nuestros aparatos de aire acondicionado, por una parte sale aire frío, que refresca Tundratown, y por la otra aire caliente para calentar Sahara Square".
Los seis distritos
Las posibilidades eran innumerables así que los realizadores se vieron obligados a acotar el número de distritos de Zootopia. Al final acordaron que habría seis grandes zonas y cada una tendría detalles y una paleta de colores concretos.
Sahara Square está compuesto de dunas de arena y edificios con forma de dunas de arena. "El centro de Sahara Square se inspira en Montecarlo y Dubai", dice Matthias Lechner, director artístico de ambientes. "Aprendimos que los animales del desierto son en su mayoría nocturnos porque de día hace demasiado calor. Así que construimos un montón de actividades nocturnas: casinos y un enorme hotel de palmeras con un oasis alrededor".
La paleta de Sahara Square está compuesta de rojos, naranjas y amarillos.
Tundratown está hecha sobre todo con nieve y hielo y su paleta se declina en colores fríos como azules y verdes azulados. "Hay enormes máquinas quitanieve", dice Lechner. "Se apagan de vez en cuando como parte del control climático. Nunca se derrite nada. Hay bloques de hielo flotando que hacen las veces e aceras móviles. Los coches van sobre esquís".
Los diseñadores añadieron manchas de color colocando estratégicamente luces de neón, jugando con los reflejos y las sombras para añadir brillo y dimensión a la zona.
El Distrito de la Selva Tropical acoge cientos de árboles gigantes y brillantes que emiten vapor. Son árboles artificiales que absorben mecánicamente el agua de un río para crear el ambiente húmedo que necesitan sus habitantes. "La selva tropical es un entorno vertical con aceras, pasarelas y góndolas", dice Lechner.
Según Goetz, el gran número de árboles -más de medio millón- representa uno de los grandes adelantos tecnológicos que permitieron a los artistas crear los entornos increíblemente detallados de Zootopia.
Bunnyburrow, la ciudad natal de Judy Hopps, está habitado sobre todo por cultivadores de zanahorias como los padres de Judy. Los extensos espacios abiertos y vacíos contrastan con las bulliciosas calles de Zootopia.
"Es una parte muy rural del este mundo", dice Howard. "Está a unos 300 kilómetros de la ciudad de Zootopia. Si Zootopia fuera Manhattan, Bunnyburrow sería Yonkers. Los conejitos nacen y viven allí. Nadie comprende que Judy quiera irse de allí y mudarse a la gran ciudad".
Savanna Central acoge el Departamento de Policía de Zootopia (ZPD), la Alcaldía y la Estación Central, la bulliciosa estación de tren a la que llega Judy Hopps cuando se muda a la ciudad. Savanna Central se basa en parte en el diseño radial de Disneyland y es el centro de distribución de Zootopia. "Es nuestra versión del abrevadero", dice Goetz. "Los animales de todos los distritos convergen ahí".
Los detalles incluyen una infraestructura para el agua y una temática de sabana con árboles de acacia y tonos cálidos: naranjas y grises con follaje verde oliva.
Little Rodentia es donde residen los mamíferos más pequeños de Zootopia. "Es una ciudad diminuta con casas, tiendas y calles a escala de los roedores", dice Lechner. "Está rodeada por una gran valla para que los animales grandes no puedan pasar".
Aunque es pequeña, lo cierto es que Little Rodentia tiene todos los lujos de la gran ciudad, como un salón de belleza muy chic que atiende a una clientela diminuta pero selecta.
De hecho, los realizadores construyeron los edificios de Little Rodentia a escala y los fotografiaron en el centro de los Ángeles delante del skyline. Brian Leach, director de cinematografía-iluminación afirma: "Queríamos reproducir el aspecto que tienen esas dos escalas diferentes al colocarlas una al lado de la otra".
Tener buen aspecto: El diseño, la iluminación y la tecnología avanzada dan vida a Zootopia
El proceso para conseguir el aspecto de una película animada es similar al de una cinta de acción real. La tecnología, la iluminación y el diseño se aúnan para dar vida a la visión general de la película. "Reunimos un fantástico equipo para que ‘Zootopia’ se hiciera realidad", dice el productor Clark Spencer. "Con esta película hemos puesto el listón muy alto y creo que el público va a alucinar".
Pelo y ropa
Scott Kersavage, supervisor de efectos visuales, dice que el mayor reto del equipo fue los diferentes tamaños de los personajes. "Además, casi todos los personajes tenían pelo", dice Kersavage. "Era un obstáculo considerable".
Se tuvo que poner a punto la tecnología antes de que empezara la producción con el fin de satisfacer las demandas de realizadores en lo que se refiere a la escala de los animales, el número de especies representadas -64- y el hecho de que los animales no sólo tenían pelo sino que también llevaban ropa.
"Una de las condiciones era que los personajes no parecieran animales disecados", dice Kersavage. "Investigamos muchísimo para dar con esa autenticidad. Una de las cosas que averiguamos es que a diferencia del pelo humano, que es muy parecido en todas las personas, los folículos de los animales son totalmente distintos".
Una de las mayores dificultades fue conseguir el movimiento del pelaje y del pelo. "Necesitábamos controlar mucho mejor los pelos individuales y la forma en que se mueven", dice Kersavage. "Queríamos que el viento pasase a través de ellos. Antes, un solo pelo arrastraba toda una mata. Pero en ‘Zootopia’, conseguimos controlar cada pelo y hacerlo de forma que funcionase en los 1800 planos de la película. Investigamos muchísimo con nuestro equipo de tecnología. No sé si se ha visto algo así en otra película animada".
Añadir ropa encima del pelaje en movimiento que está a su vez encima de una criatura que se mueve supuso dificultades añadidas. Según la supervisora de simulación Claudia Chung Sanii, la solución fue perder un poco de pelo. "Lo que hay debajo de la ropa se corta cuando la prenda se desliza por la piel, es como una cortadora de césped", afirma. "Y además doblamos un poco el pelo para que no pareciera que lo estábamos cortando. De esa forma parece que interactúa con el tejido".
La tecnología permitió a los artistas utilizar más datos y también les dio la posibilidad arrastrar el pelo para doblarlo de manera realista. "El artista puede dirigirlo, casi como si lo estuvieras peinando", dice Chung Sanii. "Permite que otros elementos aparte de la ropa -la mano de un personaje, por ejemplo- doble el pelo que hay debajo cuando se toca la cara".
Diseño
Según Nathan Warner, director of fotografía-diseño, el mayor reto de su equipo fue la escala. "Tanto el entorno como los personajes tenían muchas escalas diferentes y cambiaban según el lugar donde se encontraran en la ciudad", dice Warner. "Por ejemplo, un restaurante de elefantes tenía que atender a un conejo. "Así que las dificultades se multiplicaban".
Según Warner, el objetivo era captar la atención del público con un lenguaje visual que suelen ver en las películas modernas de acción real. "Cuanto más real pareciera el mundo que estábamos filmando mejor. No debía parecer una fantasía", afirma. "Hicimos todo lo que pudimos para que pareciera que había una persona filmando a nuestros personajes en una localización real, incorporando todas las dificultades que eso presenta".
Warner y su equipo utilizaron diafragmas de verdad para dar profundidad de campo, para que se viera lo que está enfocado y lo que no. Como dice Warner, un conejito debía parecer que medía 0,6 metros y una jirafa 6 metros. "Cambiamos nuestra cámara para reflejar cómo se comporta una cámara SLR (single-lens reflex) de forma que pudiéramos mirar a través, utilizarla y comprender la claridad, el foco, las distorsiones y el desenfoque que teníamos con diferentes condiciones de iluminación, diferentes escalas de animales y cómo de cerca teníamos que colocarnos para rodar la cara de una musaraña en comparación con la de un hipopótamo".
Cabe destacar que uno de los mayores retos a los que se enfrentó el equipo de diseño fue la tendencia a la perfección que tiene la tecnología CGI. Es cierto que conseguir un enfoque perfecto es difícil en ciertas situaciones de acción real, como por ejemplo ambientes con luz tenue, mientras que hacerlo en animación resulta comparativamente más fácil. Pero el enfoque perfecto no dirige el ojo del espectador hacia el objeto deseado. "En esta película recorrimos el camino contrario para ajustarnos a los modelos de la acción real y el proceso resultó muy laborioso", dice Warner. "Tuvimos que desaprender a ser perfecto. No enfocábamos nuestros objetivos a propósito cuando filmábamos y después nos acercábamos y nos alejábamos del objetivo, como se hace en la acción real.
"Empleamos la misma técnica mientras movíamos la cámara", continúa diciendo Warner. "Lo que hacíamos es fingir que teníamos ciertas dificultades para seguir a una criatura que se mueve muy rápido para darle mayor realismo. El público está acostumbrado a estos pequeños ajustes".
Iluminación
Brian Leach es el director de fotografía-iluminación que trabajó con Warner para darle el look adecuado a "Zootopia". El problema no sólo residía en la variedad de los diferentes distritos. También resultó complicado mostrar la inmensidad de la ciudad en su conjunto. Según Leech, el viaje en tren de Judy a Zootopia al principio de la película fue una de las tareas más difíciles para su equipo. "La secuencia es nuestra presentación de la ciudad", dice. "Necesitábamos mostrar las diferentes zonas así como la riqueza y la belleza de Zootopia. La secuencia está repleta de grandes tomas cuyo fin es enseñar la diversidad de la ciudad y las diferentes regiones climáticas creadas para sus habitantes. Se produjo una fantástica colaboración entre todos los departamentos para mostrar los que es la ciudad. Tenía que ser espectacular".
Había que abordar cada distrito de Zootopia con un enfoque diferenciado. "Desde la perspectiva de la iluminación, teníamos que resaltar una enorme variedad de entornos y ambientes diferentes", dice Leach. "Intentamos crear un color diferenciado que representase a cada distrito. Sahara Square tiene tonos cálidos y el aire es seco y cálido a la vez. La Selva Tropical tiene tonos fríos y mucha humedad. Tundratown es nítida y fresca en las sombras. Además, las regiones tenían que dar la impresión de que todas pertenecían a la misma ciudad. Queríamos que pareciera un solo lugar con regiones muy diferenciadas creadas para sus habitantes".
Los realizadores tenían en cuenta qué clima estaba en juego antes de iluminar una escena. Estudiaron la forma en la que la atmósfera afecta a la luz y para ello consultaron con el Dr. Thomas Wagner, un climatólogo de la NASA. "En esta película le hemos dado mucha importancia a la atmósfera", dice Leach. "Tratamos el aire como si fuera otro elemento delante de la cámara. Cada secuencia de la película lo incorpora y esto sirvió para distinguir las diferentes regiones de la ciudad. También nos ayudó a establecer las escalas de la película".
Además del aspecto general, el equipo de iluminación contribuyó a definir y a resaltar la emoción que reviste cada escena. "La iluminación nos dio la oportunidad de identificar la emoción en cada escena", dice Leach. Por ejemplo, la escena de la góndola que cuenta un momento importante entre Judy y Nick comienza siendo oscuro y deprimente. Pero termina con el sol saliendo un nuevo día lo que resulta muy simbólico".
Los realizadores aprovecharon al máximo la tecnología patentada de WDAS. Hyperion, que se creó para "Big Hero 6" fue tremendamente útil. "Hyperion tuvo un gran impacto en el aspecto de nuestra película y en cómo representamos las cosas", dice Kersavage. "La luz es muy importante, su forma de rebotar y las propiedades físicas que asignamos a cada superficie. La luz actúa con más precisión gracias a Hyperion".
"Estoy encantado con el aspecto de la película y la variedad de imágenes que hemos conseguido producir", dice Leach.
¿Oyes a la manada?
El galardonado compositor Michael Giacchino crea una banda sonora muy diversa; La película presenta una nueva canción original "Try Everything".
El galardonado compositor Michael Giacchino colabora por primera vez en un largometraje de Walt Disney Animation Studios con "Zootopia". La banda sonora de Giacchino, con una orquesta de 80 instrumentos que dirige Tim Simonec, refleja la diversidad del mundo.
"En un mundo tan inmenso como él de Zootopia, necesitábamos a alguien que pudiera crear una banda sonara que fuera exótica y potente, pero sin olvidar la importancia de la intimidad emocional", dice el director Byron Howard. "Contamos historias con imágenes, Michael cuenta historias con música. ‘Zootopia’ es una película gigantesca con temas emocionales muy profundos que recorren toda la historia, y Michael fue la elección perfecta para poner música a este extraordinario mundo animal".
El director Rich Moore añade: "Zootopia es una próspera metrópolis habitada por animales de todo el mundo, y la música de Michael ha sabido capturar un maravilloso espíritu internacional maravilloso que casa perfectamente con las imágenes. Estoy deseando que el público se sumerja increíble nuevo mundo nuevo que hemos creado juntos".
Según el compositor, la banda sonora es muy variada desde el punto de vista instrumental. "Está salpicada con elementos de música de todo el mundo. Pero en su esencia, la banda sonora siempre sigue la historia emocional de Hopps y Nick".
Los créditos de Giacchino incluyen algunos de los proyectos musicales más populares y aclamados del cine reciente como "Intensamente (Inside Out), "Los Increíbles" y "Ratatouille" de Disney•Pixar, así como "Parque Jurásico", "Misión Imposible: Protocolo fantasma" y "Amanecer en el planeta de los simios". Su banda sonora para "Up" de Disney•Pixar de 2009 le valió un Oscar®, un Globo de Oro®, el BAFTA®, el Broadcast Film Critics’ Choice Award y dos Premios Grammy®.
"El proceso de trabajar con Michael es tan especial que no parece un proceso", dice Moore. "Se parece más a visitar a un amigo de la infancia. Empezamos hablando de la película, -los temas, el tono, los personajes, los momentos emotivos. Hablamos de lo que nos inspiraba, y de lo que esperábamos de la película. Y a partir de esas conversaciones, Michael comenzó a construir la banda sonora. Cuando escuchamos juntos su trabajo, sucedió algo asombroso. Michael había tomado algunas de esas conversaciones y los había convertido en música. Se trata de una colaboración creativa en estado puro".
Giacchino afirma: "Nos divertimos muchísimo trabajando juntos. Los directores me han apoyado muchísimo a lo largo de todo el proceso, me han dado mucha libertad para explorar el tono y la vertiente emocional de la historia.
"Estoy muy orgulloso de formar parte de esta película", continúa diciendo Giacchino. "Es una de esas películas con mucho sentimiento y con personajes maravillosamente bien diseñados encuadrados en una historia tremendamente divertida y entretenida. Pero también es una visión sincera de nuestro propio mundo y de los problemas a los que nos enfrentamos al vivir en una sociedad tan diversa. Eso me atrajo mucho de la película, era una oportunidad de componer una música que reflejase ese tipo de retos".
Howard añade: "Michael aborda la composición desde un punto de vista intuitivo, emocional que es totalmente personal, pero al mismo tiempo, sus temas y su narrativa musical son completamente universales. Te enamoras de la música desde el instante que la escuchas".
Nueva canción original
Try everything, interpretada por Shakira, representa muy bien el viaje que recorre Judy de ser una conejita de pueblo a una poli de ciudad. La canción original la ha escrito la cantante y compositora Sia, ganadora del Grammy® y el dúo de compositores Stargate. "Han sabido capturar el espíritu de la película", dice Shakira, "no sólo en el aspecto de la música, sino también de la letra. La canción trata sobre no tener miedo de tus sueños y estar dispuesto a luchar por ellos". cualquiera puede ser lo que quiera".
Compartimos Try Everything, interpretado por Shakira, de la banda de música de la película.
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